Dexter Goldberg (piano), Bertrand Beruard (contrebasse), Kevin Lucchetti (batterie)

Malakoff, 27-29 octobre 2017

jazz&people  JPCD 818004 / PIAS

Choisir pour son premier CD un graphisme, et une couleur, qui rappellent « Swingin' Affair » de Dexter Gordon (Blue Note, 1962), ce pourrait être abusif. Ce n'est pas le cas, même quand on est pianiste, si l'on se prénomme Dexter.... et que l'on est fils de saxophoniste. Mais l'allusion s'arrête là, sauf à considérer qu'il s'agit aussi d'une revendication de jazzman. Je ne fais évidemment pas allusion au 'vrai jazz' revendiqué par une vieille garde, mais plutôt à une manière d'être, de s'investir dans la musique, dans son caractère collectif, dans le goût de la pulsation, du groove, de la liberté qui permet de s'évader, plusieurs fois au cours de la même plage, du cadre que l'on aurait pu postuler comme immuable. Dexter Goldberg aurait pu se précipiter, dès sa sortie du département de jazz du Conservatoire (national et supérieur) de Paris, pour graver un premier CD. Il a, judicieusement, fait un autre choix, celui de la maturation. Son langage, et son trio, sont parvenus à une certaine maturité, laquelle justifiait pleinement l'enregistrement d'un premier opus. Venu assez tard au piano, mais précocement au jazz, il aborde cette musique par le vif du sujet, qu'il s'agisse d'une ballade mélancolique ou d'un thème à l'impulsion rythmique très affirmée. Dans ce dernier cas, il ne dédaigne pas, au détour d'une barre de mesure, de changer de tempo, voire de bifurquer provisoirement vers un autre sentier thématique. Un jazz libre en somme, même s'il s'inscrit dans un relatif classicisme, celui qui prospéra des années 50 à 70 pour trouver encore aujourd'hui tout son sens. On perçoit, au fil du disque, un goût de la scénarisation et de la segmentation qui rappelle un peu ce que pratiquait Ahmad Jamal dès les années 50, et encore aujourd'hui (parfois chez Jamal jusqu'à saturation....). Chez Dexter Goldberg, le choix de compositions originales, à l'exclusion de tout standard, paraît judicieux, et assumé. On peut, surtout pour un premier disque en leader, raisonner différemment et considérer qu'un ou deux standards seraient un (examen de) passage obligé, façon de valider sa légitimité à l'aune des références existantes. Mais ce qui paraît vraiment légitime, c'est peut-être de s'affranchir d'un quelconque adoubement pour suivre le conseil de René Char «Impose ta chance, serre ton bonheur et va vers ton risque» ; et en paraphrasant le poète on ajoutera.... à t'écouter ils s'habitueront ; et même ils en redemanderont !

Xavier Prévost

Le trio est en concert le 17 mai 2018 au Prisme d'Élancourt (Yvelines), le 18 à Paris au Sunside, et le19 à Saint-Gillles-Croix-de-Vie (Vendée), au festival Saint Jazz sur Vie

Sur Youtube le clip Waves of Sand

https://www.youtube.com/watch?v=TddVFFD3agM

Beat Games

Olivier Hutman/Marc Bertaux/Tony Rabeson

Cristal Records/ Sony Music entertainment

Sortie le 11 mai 2018 et concert le mardi 12 juin au Studio de l'Ermitage, Paris (20ème)

C'est à la reformation d'un trio historique des années 80 que l'on assiste avec ce Beat Games où se retrouvent Olivier Hutman (piano, synthé, fender), compositeur de la plupart des titres, Marc Bertaux (guitare basse) et Tony Rabeson (batterie). Il y a quelque chose de familier, qui convoque la nostalgie, dès les premières mesures de ce "Music to my ears", la mémoire d'un jazz fusion.

Avec une grande fluidité, le trio s'abandonne à la mélodie (oasis intimiste de "Doris") avec un groove qui entraîne irrésistiblement dans son sillage. En complète interaction, les trois complices travaillent à l'impulsion, sous l'excitation d'une rythmique très efficace. Un "Horizon opening" vitaminé, une partition musicale effervescente avec le soutien rebondissant de Tony Rabeson que l'on est heureux de retrouver. Une nouvelle fusion qui briderait ses passions? Pas vraiment avec le très syncopé "As if nothing" aux brusques césures. Une incursion bienvenue dans le klezmerland avec " The Ahava Raba Step".

Une musique techniquement parfaite qui laisse transparaître une énergie constamment canalisée. Une simplicité apparente, une authentique déclaration d'amour à un style de musique, certes marqué, mais qui ira toujours droit au coeur des amoureux du genre, qui apprécieront ces retrouvailles.

NB: et une jolie pépite des mêmes en 1984 sur la vidéo ci-dessous ....

Sophie Chambon

Vincent Tortiller (batterie), Alexandre Hérichon (trompette), Antonin Fresson (guitare), Joran Cariou (claviers), Samuel F'Hima (contrebasse), Lucile Chriqui & Cynthia Abraham (voix)

Paris, 17-18 novembre 2017

Label MCO / Believe

Dans un univers qui oscille entre le rock progressif (harmonies sinueuses, pulsation rock, recherche d'un son instrumental un peu différent), la bonne vieille fusion des années 70-80, le jazz bien sûr, et une certaine voie de la pop sophistiquée, c'est un disque d'époque, qui ressemble aux jeunes musiciens qui le créent. Les compositions sont signée par Vincent Tortiller, parfois en collaboration avec ses partenaires, mais ce n'est pas pour autant un disque de batteur, où le drumming s'imposerait de manière hégémonique. Les solistes ont pour s'exprimer une place de choix : le guitariste (la touche 'fusion 70-80') s'y fait entendre, le trompettiste aussi (avec ici ou là un timbre de bugle), plus véhément parfois, et les claviers sont plus discrets en matière de solo, mais très actifs dans l'installation des climats. Le piano électrique et la contrebasse ont un beau terrain de jeu dans Lili Bois et Les briques où la voix, absente d'une bonne partie du disque, apparaît comme une couleur instrumentale, dans un espace discrètement rehaussé par des ambiances sonores aux couleurs de jeux d'enfants. La batterie n'envahit pas le mixage (très soigné), mais elle gronde en permanence, dans le soubassement, d'une énergie tellurique qui porte assurément le groupe. Et après un thème, tRAfalgar, qui synthétise assez bien les composantes du projet, la dernière plage, kODamA (featuring Lucile Chriqui), qui mélange voix claire et sons étranges, offre un horizon de musique du monde. En résumé le disque apparaît comme une belle synthèse de l'univers multiforme où évoluent ces jeunes musicien(ne)s qui circulent librement entre le jazz et ses entours.

Xavier Prévost

Le groupe jouera le samedi 12 mai au festival 'Jazz sous les pommiers' de Coutances (Magic Mirrors, 13h30) , et le 30 mai à Paris (La Petite Halle, 20h30)

Sur Youtube

tRAfalgar : https://www.youtube.com/watch?v=BjS95lE_QKE

et

kODamA  : https://www.youtube.com/watch?v=9YgpYqXEBd8

Orchestre National de Jazz

Concert anniversaire des 30 ans à la Cité de la musique (Festival de Jazz à la Villette) 2 septembre 2016.

Coffret CD et DVD édition de luxe (disponible dès le 27 avril 2018)

ONJ records/ L'autre Distribution

Captation son RADIO FRANCE

Captation video Oleo

Onze grands orchestres au format variable entre dix et vingt six musiciens (pour seulement dix chefs dont un Italien, Paolo Damiani) ont vécu cette formidable traversée chronologique du jazz en France depuis François Jeanneau qui inaugura l'outil ONJ (http://www.onj.org), en 1986 au théâtre des Champs Elysées jusqu'au petit dernier, Olivier Benoît (2014-2018).

Quelques remarques préliminaires: l' ONJ de François Jeanneau a vraiment essuyé les plâtres avec une seul année de mandat, certains orchestres ont duré deux ans, les autres trois ; Daniel Yvinec, devenu le premier directeur artistique d'une formule renouvellée est resté cinq ans et Olivier Benoît, l'actuel titulaire, quatre ans. Claude Barthélémy est le seul à avoir eu deux mandats à différentes époques (1989-1991) et (2002-2005).

L'ONJ, subventionné par le ministère de la culture pour diffuser du jazz contemporain est le seul exemple de ce type en Europe, un outil de travail unique pour chaque génération qui monte.

La musique "passionne" le temps, l'aventure devient esthétique mais on ne prend pas toujours suffisamment en compte les risques encourus par chaque orchestre. Le chef ou D.A qui change régulièrement pour éviter la routine, est "responsable" du casting, du programme et de la ligne artistique. Autant dire que l'ONJ en a vu et entendu de toutes les couleurs : un formidable laboratoire expérimental, une machine trop onéreuse, l'arbre qui cache la forêt des autres grands formats, le tremplin idéal pour de nouveaux talents, un tableau idéal du jazz à un moment M...

Si cette institution est encore là et en pleine forme, continuant vaillamment à tracer sa route, après trois décennies d'existence, elle donne la possibilité aux musiciens, même de façon éphémère, de jouer comme dans un véritable orchestre (classique), dans la continuité. Comment ne pas y être favorable si elle légitime toutes les formes de jazz, cette musique des lisières, qu'elle met à égalité avec les autres grandes formes instituées? "Et que reste-t-il d'un orchestre quand il n'existe plus", se demandait déjà Vincent Bessières, pour les vingt ans de l'ONJ? La réponse nous est fournie en partie par ce coffret CD/DVD, restituant la mémoire de ceux qui ont vécu au sein de ces formations, qui ont entendu ces ONJ en leur temps, dans leur jus, et nos impressions, à nous qui écoutons et regardons cette restitution actuelle. Le principe et l'essence même du jazz.

Pour l'anniversaire de ces trente ans, l'ONJ a frappé fort avec un concert exceptionnel en deux parties, le 2 septembre 2006, lors du festival de jazz de la Villette, à la Philharmonie de Paris.

Après une première partie réservée à l'ONJ Benoît dans son programme Europa Berlin, il fut demandé aux chefs qui l'ont précédé de choisir une composition de leur répertoire et de venir la présenter avec l'ONJ actuel. C'est un peu court en somme, pour se faire à l'empreinte de chaque ONJ mais comment rendre trente ans en une seule soirée, aussi longue soit-elle? Cette compilation chic  compose un répertoire sensationnel, un instantané de la réalité plurielle des jazz, actualisés puisque joués par les musiciens du dernier ONJ. Des univers personnels, des projets vraiment originaux repris par des instrumentistes qui réinventent ces musiques. Les titres s'emboîtent comme dans un kaleïdoscope : s'il fallait en garder quelques-uns plus significatifs (difficile de choisir), on citerait les vocalises inouïes d'Elise Caron sur cet "à plus tard" à la dramaturgie marquée qui commençait le disque de l'ONJ Badault en 1991, le fascinant "Desert" d'Antoine Hervé, le "in tempo" de Laurent Cugny, le mélodieux "Argentiera" de Paolo Damiani, la surprenante "Valse 2" de Franck Tortiller qui carbure à mille temps.... 

On peut d'abord entendre le CD et ensuite se passer le DVD, réalisé par Josselin Carré, épatant! Il permet évidemment, après la présentation de chaque numéro par Arnaud Merlin de mieux fixer les solos ou les passages repérés au disque, d'en redécouvrir d'autres tout aussi remarquables : certains solistes sont très "visibles" comme le violoniste Théo Ceccaldi, omniprésent, mais on apprécie de revoir un Claude Barthélémy chevelu à l'oud avec le trompettiste Fabien Martinez (ici au bugle) sur le justement nommé "oud oud", le batteur Eric Echampard essentiel, le tromboniste invité Luca Spiler sur la valse de Tortiller, d'autres élèves comme lui du CNSM pour le vigoureux "Out" de Didiler Levallet, des soufflants comme les saxophonistes Alexandra Grimal, Hugues Mayot ...

Des bonus conséquents proposent une interview des dix chefs qui commentent leur expérience à la tête de leur ONJ. Leurs réponses à chacune des trois questions posées (vos trois plus fortes influences en matière de big band, le choix des instruments dans le casting, comment imaginez-vous le prochain ONJ?) proposent une réflexion toujours instructive à continuer, tout en racontant l'histoire de cette institution et du jazz à travers elle. 

Le livret, très soigné, comporte des indications discographiques précises avec vignettes des pochettes, des photos restituant les temps forts du concert, et un portrait rapide de chaque chef qui reprécise le contexte, évoque des souvenirs marquants de son ONJ.

Quelle façon avec ce bel objet de revivre cette aventure étonnante grâce à la précieuse contribution de ces "passeurs d'énergie". Indispensable document pour et sur le jazz...

Sophie Chambon

 MOON RIVER  Fred PASQUA

Label Bruit Chic/ L'autre distribution

Sortie le 27 avril

25/05 Sortie de disque au Sunside Paris

http://www.bruitchic.com/flyin-with

Le batteur Fred Pasqua nous livre avec Moon River son premier album en leader, inspiré de quelques musiques qui l'ont influencé, des thèmes marquants qu'il va relire en quartet avec Yoann Loustalot au bugle, Nelson Veras à la guitare, et Yoni Zelnik à la contrebasse. Mais il s'adjoint, luxe véritable, d'autres invités de qualité sur certains titres, comme le pianiste Laurent Coq, absolument indispensable pour recréer Ravel dans ce "Soupir" qui ouvre l'album, et la composition inoubliable d'Henri Mancini "Moon River". Deux saxophonistes tenor  Adrien Sanchez et Robin Nicaise, interviennent, chacun sur des ballades, comme "Nascente" de Milton Nascimento et "Central Park West", la merveille coltranienne. Ce qui permet au batteur de juxtaposer d'autres orchestrations, dans des formules différentes, duo, trio, quintet sans guitare pour un blues délicieux "Louisiana Fairytale", une fin qui ouvre au contraire sur un univers plus éclatant et entraînant.

Une belle équipe qui recrée les goûts de ce batteur discret, ce qui fait de cet album un délicat portrait en creux, tant nos choix nous révèlent. Une musique de nuances, poétique et lumineuse mais d'une luminosité ténue, à l'image de la photo de couverture. Ainsi, on réinvente le temps en écoutant ces divers morceaux qui, tout en nous faisant passer d'auteurs très différents, de Kenny Wheeler ( "Gentle Piece" ) à Miles Davis ("Circle"), de Jimmy Rowles ( "The Peacocks" si attachant) à Joe Henderson ("Black Narcissus"), composent un programme très cohérent. Une recomposition personnelle sur le même versant mélancolique et doux, de petites pièces qui jamais, sauf peut être le "Riot" de Herbie Hancock, ne précipitent le tempo. Moon River baigne dans des climats plus feutrés qu'impose une rythmique élégante et souple. On peut alors être sensible aux diverses interventions du quartet, des solistes, si bien choisis qui se complètent tout en étant dans la même vision de l'improvisation. Jamais les musiciens ne s'affrontent, mais s'épaulent au contraire : guitare et bugle, partageant les mêmes couleurs, se laissent aller à de fines broderies. 

Un album dont on écoute chaque pièce avec bonheur, partageant, il faut bien le reconnaître, tous les choix. Se découvre ainsi, lentement, au fil du temps, une aventure intérieure qui touche au plus près.

Sophie Chambon