ANA KAP

La gazette de Libor

Petit label www.petitlabel.com

Ana Kap, c'est le nom de ce trio étonnant, créé voici neuf ans, qui sort sur le  Petit L abel caennais, un deuxième album pour 2018, joliment intitulé La Gazette de Libor. http://www.petitlabel.com/pl/disque.php?ref=Pl kraft 056.

Instrumentation qui nous entraîne loin, jouant de divers rythmes et de l'alliage réussi des timbres (accordéon, cornet long, violon), sans oublier les interventions bienvenues, bidouillages un rien loufoques, voix de platine vinyle et effets de Juno 60. Une fois calé, on se laisserait bien aller à suivre la musique imaginée par le talentueux trio composé de Pierre Millet (compositions, cornet long), de Jean Michel Trotoux (accordéon), de Manuel Decocq (violon) ("Prude") : bal musette avec ce "Papa Tango" où dominent les flonflons de la fête foraine, sur un manège emporté par l'accordéon valseur ("La gazette de Libor ).

On pénètre dans l'univers étrange et étranger des compositions du corniste, dans une musique généreuse qui se donne dès le premier thème, orchestral. Audacieux de brûler tous ses vaisseaux, de tirer toutes ses cartouches dès l'ouverture, puisqu'au trio se joint un quatuor à cordes sur ce seul titre "Chien de paille" qui compte aussi sur les claviers de Djizan Emin, qui intervient, par contre sur quatre autres titres. Etonnant voyage très cinématographique-et c'est un compliment, illustration d'une balade virtuelle projetée dans la tête. Ces sonorités travaillées installent un climat surréel parfois, cadence suggestive plutôt que rythmique forcenée, comme un "Teketodo" lancinant, un "Seize torses" qui s'imprime dans la mémoire, un "Mambo" qui fait du bien.

On arrive à la fin de l'album, tourneboulé par ces pièces si différentes, ces changements de rythme incessants. Rien n'est laissé au hasard et le final, loin d'exploser, chante la plainte d'un violon mélancolique. Qu'importe les bricolages, l'album conserve en dépit de tout, son unité, avec une dimension originale et poétique. Epatant!

Sophie Chambon

Gildas Boclé (contrebasse), Nelson Veras & Jérôme Barde (guitares), Marcello Pellitteri(batterie)

Vannes, date non précisée

Absilone / Socadisc

L'intitulé exacte est en fait : Gildas Boclé plays Cole Porter & Tom Jobim « So in Love ». Autant dire que la revendication est explicite : jouer les standards de ces deux grands compositeurs, frères en mélancolie chantante, et en développements mélodico-harmoniques d'une grande richesse. Pour ce faire, le contrebassiste breton est allé chercher deux de ses anciens condisciples du Berklee College de Boston : le guitariste Jérôme Barde, et le batteur Marcello Pellitteri. Et en renfort un autre forcené mélodiste, d'une génération postérieure, le guitariste Nelson Veras. Cela tombe à pic, car ce jeune brésilien devenu parisien est en osmose idiomatique avec le langage de Tom Jobim, ce qui ne l'empêche nullement de jouer Cole Porter. Et Jérôme Barde, qui a comme Gildas Boclé longtemps séjourné et travaillé aux USA, est aussi à l'aise dans le répertoire du Maître de Broadway que dans celui du Chantre de la beauté Carioca, adopté et adoubé par New York. Les plages alternent quartettes, duos et trios. Tantôt l'on est dans une pure session de jazz (le quartette sur Chega de Saudade, en ouverture du CD, parmi d'autres), et tantôt en quête du graal mélodique, notamment quand le contrebassiste, à l'archet, expose So In Love, I Love Paris, Night And Day, ou encore l'arrangement de Tom Jobim sur I Concentrate On You. Une quête mélodique qui ne révoque évidemment pas le jazz car les guitariste sont choisis précisément pour ce talent de faire chanter les improvisations de leurs instruments. On retiendra au fil des plages que Nelson Veras possède, au degré le plus élevé, la faculté de sortir harmoniquement des clous sans briser le moule, tandis que Jérôme Barde, même sur le fil, semble toujours garder un pied dans la maison-mère, celle qui abrite la mémoire des standards. La délicatesse de How Insensitive, duo de Gildas et Nelson, et le pur plaisir du quartette, sur Night And Day, auront sans doute ma préférence, mais je dois avouer que j'ai passé, à l'écoute de ce disque tout en nuances, un très bon moment.

Xavier Prévost

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?2&v=dyCYXtGUt3E

Le groupe est en concert à Paris, au Sunset, le 6 avril 2018

Bernard Lubat (piano, batterie, percussions, sons échantillonnés, voix), Louis Sclavis (clarinette basse, voix)

Uzeste, dates non précisées

Cristal Records CR 270/ Sony Music

Après la rencontre avec Sylvain Luc, et en attendant celle avec Michel Portal, un nouvel exercice dialogique du poly-instrumentiste et vocaliste-créateur de langages Bernard Lubat. Ici le partenaire est Louis Sclavis, compagnon de route de la Compagnie Lubat depuis plus de trente ans, et musicien issu d'une dynastie reconnue du folklore imaginaire. Le texte de Louis Sclavis sur la pochette du CD dit ceci : «Pendant trois jours à Uzeste, presque en vase clos, on a joué parlé attendu en silence que les mots ou les sons viennent». Dialogue intime conclu par une longue improvisation en public (Net d'impro). Les autres dialogues, plus concis, portent des titres qui sont autant d'invitations à l'escapade verbale ; ces jeux sur le bout de la langue se jouent pour l'essentiel en territoire rugbystique. Ces mots pour le dire encerclent à grand peine une musique qui s'évade par tous les chemins de la liberté. Cheminement mélodique sur des sentiers où la tonalité se perd, et lyrisme d'entre deux guerres – ou d'entre deux mondes musicaux (Essai y est) ; répons en territoire du vingtième siècle (Trois en quatre à deux) ; joute amoureuse entre la clarinette basse et le piano (En tendre l'autre).... Chaque pièce, chaque plage ouvre une porte vers l'inconnu, terrain de jeu favori de l'improvisation. Deux funambules de la musique sont à l'action, et l'on ne perd pas une miette de ce qui se joue là, entre désir d'expression et refus de redire. Sclavis et Lubat sont deux jongleurs de l'éphémère, mais leur musique est faite pour durer, par le truchement du CD, et au-delà. L'échange (tennistique?) de Balle neuve projette jusqu'à l'extrême les vertus du principe action-réaction. Dans Traçage, Sclavis dessine une ligne solitaire où l'on devine l'écoute du partenaire. Voix sans soif est un exercice de poésie sonore et pianistique du seul Lubat, et le dialogue reprend dans Essaie si tu l'oses. Quant au titre conclusif, Net d'impro, il transforme en public les essais concoctés avec, comme l'explique Lubat au public en début de plage «la musique de composition instantanée multimmédiate où on improvise 100% sans papier(s) [....] Une lutte éperdue d'avance....». C'est une sorte de musique de chambre (chambre chaude, pas chambre froide), qui s'égare avec délices dans les méandres de ce que Bernard Lubat appelle «le dépensement de soi», dépense improductive, mais artistiquement féconde. Il ne vous reste plus qu'à vous immerger dans cette aventure humaine autant que musicale.

Xavier Prévost

SYLVAIN RIFFLET

Mechanics

Celebrating Moondog

2 films inédits

LA HUIT

Collection dédiée au jazz français et européen

Sortie DVD le 27 mars 2018

http://www.lahuit.com/fr/content/sylvain-rifflet-2-films

La huit présente deux films sur le travail du saxophoniste Sylvain Rifflet, révélant son goût des explorations expérimentales. S'il vient du jazz, il n'hésite pas en sortir pour mieux coller à l'époque en développant une véritable mécanique de groupe, aux rythmes cycliques et poétiques.

Le premier film, de Guillaume Dero (48'), intitulé à juste titre MECHANICS, montre un live au Paris Jazz festival du Parc Floral, le 11 juin 2013. S'intercalent aussi trois solos sans décor, où le saxophoniste dans son manteau rouge, actionnant les clés de son sax, nous offre "Double", "Tout dit" (Camille), O grande Amor ( Antonio Carlos Jobim). Les compositions du concert sont aussi interrompues par les propres commentaires du leader qui révèlent un registre large, mixant musique improvisée (l'apport du jazz), répétitive, pop, rock ...

Le concert est filmé au plus près avec de gros plans du flûtiste Joce Menniel, compagnon infatigable du groupe, ou le travail sur les percussions et métaux traités de Benjamin Flament, soutenu par la guitare de Philippe Gordiani.

On s'immerge ainsi dans ce rapport physique à l'instrument, à cette illusion sonore constamment entretenue par l'action réversible des musiciens qui endossent plusieurs rôles. Une véritable dramaturgie de la musique, pas seulement dans l'architecture des solos, mais aussi dans l'art de mener des ruptures franches et surprenantes.

Insolite, toujours imprévisible dans ses intonations, le saxophoniste invente ses pensées, prétendant à une certaine vérité quand tout est imaginé....

Si le concert commence par "2nd West 46th Street" de Moondog, ce n'est pas vraiment un hasard et nous passons ainsi tout naturellement, vers le second projet, un autre film d'Arthur Rifflet cette fois (51'), Perpetual Motion, a celebration of Moondog, qui reprend les tutti saccadés, caractéristiques du groupe, cette fois avec des enfants.

https://www.rythmes-croises.org/sylvain-rifflet-jon-irabagon-perpetual-motion-a-celebration-of-moondog/

Fasciné par la personnalité hors norme de Moondog, autrement dit Louis Thomas Harding, "clochard céleste" qui vécut dans la rue, à New York pendant trois décennies. Aveugle, habillé en Viking, il jouait dans la 6ème rue, et à ce jour, près de 800 partitions sont encore à déchiffrer.

Une quinzaine de morceaux sont repris par les musiciens, mitonnés"à leur sauce" avec des sons contemporains, pour les mettre en une sorte de "mouvement perpétuel" en 2013. Beaucoup de ces titres intemporels sont encore actuels From the JB n°2 Jazz Book avec changements d'accords et harmonies accrocheuses.

Le film bouscule la chronologie : duos en différents lieux, scènes de rue avec des passants, recréant ainsi les conditions véritables de jeu de Moondog. Des fragments saisissants montrent des ouvriers au travail, l'un en particulier déblayant la neige avec une pelle qui frappe en rythme le trottoir; il ya encore un mendiant secouant son gobelet, un Noir qui tape en plein milieu de la rue, sur des bidons en plastique sur un rythme 4/4.

Chaque année le festival de Banlieues Bleues mène des actions pédagogiques en Seine Saint-Denis. D'où l'intervention de plusieurs chorales collégiennes de Bobigny et La Courneuve. On assiste ainsi aux premières et dernières répétitions avant le concert final, qui eut lieu le 12 avril 2013 à Bobigny, salle Pablo Neruda. Histoire de voir le travail en cours, l'évolution et l'implication des participants. Ajoutez à tout cela une interview de Moondog lui-même, en 1971, où il explique comment il écrivait la musique qui lui plaisait, aux rythmes avant-gardistes en 5/4, 7/4, sur des harmonies et mélodies du XIXème siècle. D'où son surnom en Grande Bretagne de "Beethoven du beat".

Un document passionnant, sur le vif, qui donne à entendre "Heat on the Heather", "Askame", "Santa Fe" avec Eve Risser, "Elf dance" avec kalimba, guitare et sacs plastiques. Le groupe est en effet constitué des fidèles auxquels s'ajoute la pianiste Eve Risser et le saxophoniste Jon Irabagon.

Un DVD absolument indispensable pour aller au plus près de la façon dont travaille le saxophoniste, investi d'un beau projet de musique, et d'un véritable désir d'oeuvre qu'il est en train de façonner. Pour preuve, rappelons le parcours de DJANGO d'OR 2008, catégorie nouveau talent, à Meilleur Album de l'année 2016 aux Victoires du jazz...

Sophie Chambon

The Final Tour : The Bootleg Series Vol 6.

Miles Davis, trompette, John Coltrane, saxophone tenor, Wynton Kelly, piano, Paul Chambers, basse et Jimmy Cobb, batterie. Concerts des 21,22 et 24 mars 1960 à Paris, Stockholm, Copenhague. Coffret 3 cd. Columbia-Sony Music. Une version vinyle est disponible pour le concert du 24 mars à Copenhague, The Final Tour : Copenhagen, March 24, 1960.

Dans l’histoire du jazz moderne post-be-bop, cette tournée du printemps 60 du quintet de Miles Davis reste marquée d’une pierre blanche (ou noire si l’on préfère). Dernière série de concerts de Miles avec Trane qui avait décidé de voler de ses propres ailes et accepta au tout dernier moment de participer à la tournée européenne organisée par Norman Granz, et première apparition de Coltrane en Europe avec un choc de première classe pour les spectateurs. Si la musique de Miles Davis était familière aux fans du vieux continent, ils découvraient en direct les « vagues de son » caractérisant le style du saxophoniste ténor. L’accueil fut partagé à l’Olympia le 21 mars, ainsi qu’on peut l’entendre dans ce coffret réalisé avec soin, et interrogé sur les sifflets ayant salué sa performance, Coltrane lâcha non sans humour : « Les spectateurs ont jugé que je n’allais pas assez loin ! ». A ceux qui considéraient que sa musique exprimait sa colère, JC expliqua dans une interview au journaliste suédois Carl-Erik Lindgren, reproduite dans le coffret : « Peut-être que jouer tant de sons peut apparaître comme une expression de colère mais c’est parce que j’essaye tellement de choses en même temps ». L’attitude de Miles, qui s’était retiré en coulisses à Paris pendant un solo vigoureux de Trane prêta aussi à des interprétations contradictoires : d’aucuns y virent un signe de désapprobation, d’autres une forme de respect pour la liberté d’expression. Qu’importe l’exégèse, ces concerts du printemps 1960 restent une mine d’or et une source permanente d’émerveillement.
Jean-Louis Lemarchand