Bill Evans (piano), Eddie Gomez (contrebasse), Jack DeJohnette (batterie)

Villingen (Allemagne), 20 juin 1968

Resonance Records HCD-2019 / Socadisc

Une exhumation de taille : un double CD avec une séance inédite en Forêt Noire, chez Hans Georg Brunner-Schwer, avec le concours de Joachim-Ernst Berendt. Le premier, industriel de l'électronique (SABA), créateur du label MPS et grand amateur de piano, a enregistré Oscar Peterson, Martial Solal, George Shearing, Friedrich Gulda, Monty Alexander, Joachim Kühn, Hank Jones, Tommy Flanagan.... dans sa villa aménagée en studio. Le second, critique et homme de radio, a produit bien des séances pour ce label. Bill Evans, avec le même trio, s'était produit cinq jours plus tôt en Suisse (concert publié par Verve sous le titre « Bill Evans At The Montreux Jazz Festival »). On le retrouve ici avec un répertoire différent (un seul thème, Walkin' Up, figurait déjà sur l'album de Montreux). Le ton est vif, presque tendu : la plupart des thèmes, même ceux qui sont originellement sur tempo lent, sont joués de manière anguleuse, avec rythme plutôt rapide, et accentuation marquée. Dans cette approche très percussive, certains ont cru déceler une « nouveau » Bill Evans : c'est oublier qu'il fut dans les années 50 un disciple de Lennie Tristano, dont l'influence transparaît dans le phrasé percutant du fameux All About Rosie de George Russell (1957). Il faut dire aussi que MPS avait pour spécialité de capter le piano avec de nombreux micros placés très près des cordes, et que cela accentue le côté percussif de l'instrument. De surcroît, le double parti-pris de laisser la batterie un peu en retrait (ce qui se confirmera avec le batteur qui suivra dans la carrière de Bill Evans, Marty Morrell), et de privilégier délibérément dans le mixage le piano et la contrebasse, rend plus évidente la percussivité du piano. Le premier CD restitue les titres sélectionnés par H.G Brunner-Schwer et J.E. Berendt pour un 33 tours qui ne fut jamais publié, probablement parce qu'à l'époque Bill Evans était sous contrat avec Verve. Le second offre tout ce qui n'avait pas été retenu, mais méritait manifestement de l'être. Un copieux livret relate en partie l'histoire du label MPS, et celle de cet enregistrement, avec également un survol analytique des styles du pianiste. On y trouve aussi les précieux témoignages du contrebassiste et du batteur. L'ensemble offre des plages en solo, en duo et en trio, qui toutes reflètent le considérable talent de Bill Evans. Et si l'on regrette que la batterie soit très sous-entendue on peut, pour se consoler, se reporter au disque « Bill Evans At The Montreux Jazz Festival » qui rend pleinement justice à Jack DeJohnette. Bill flamboie, Eddie lui tient la dragée haute, et malgré la discrétion de Jack ce double CD (qui existe également en double vinyle) est hautement recommandable aux amateurs de Bill Evans.... et à tous ceux qui aiment le jazz !

Xavier Prévost

Pour comparer : « Bill Evans At The Montreux Jazz Festival »sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=DfDYlyQAntk

Présentation du CD sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=I8Di1Y_znmY

Jean-Marc Foltz (clarinette, clarinette basse), Stephan Oliva (piano)

Pernes-les-Fontaines, décembre 2015

Vision Fugitive VF 313012 / Harmonia Mundi

On est souvent avec eux du côté d'une musique qui privilégie l'extrême nuance, la mise en suspens, le silence ou le bruissement imperceptible d'un monde en (re)naissance : une sorte de jazz de chambre si l'on veut. Ce qui n'écarte nul éclat, nulle intensité expressive. Le choix est fait ici de s'en remettre pour le répertoire aux frères Gershwin : George bien sûr, mais aussi Ira qui était, seul, signataire d'un texte pour un thème ( I Can't Get Started ) dont la musique est signée Vernon Duke. Mais c'est bien plus qu'une thématique, un concept ou un fil conducteur. C'est une plongée dans l'âme d'une époque, soulignée par un livret iconographique qui fait revivre Gershwin en son temps. Dans l'âme assurément : pas question de mimer les contours de thèmes familier, mais au contraire d'interroger leurs tréfonds et leurs mystères. Car nous sommes bien ici en présence de jazzmen, et le propre du jazz est de transfigurer, de dévoyer, de gauchir ou de sublimer (et parfois tout cela d'un seul geste).

Les musiciens conçoivent aussi quelques courtes séquences de leur cru, pour introduire un thème, installer un climat.... Ainsi fait Stephan Oliva, dès la première plage, en esquissant quelques secondes durant une voie d'accès à l'inoxydable The Man I Love : comme un prélude au renouveau dans l'inconnu. La clarinette étire le thème dans un absolu recueillement, le piano détaille les harmonies en y mettant ce qu'il faut d'altérations pour créer une tension. Ensuite Fascinating Rhythm révèle sa vitalité syncopée, entre clarinette basse et piano, mais les deux musiciens se jouent des accents attendus, et nous emportent vers l'ailleurs : c'est bon signe. It's Wonderful, usuellement donné en version joyeusement dansante, est ici étiré, version plus que lente, comme une introduction idéale au sublime My Man's Gone Now , quintessence de toutes les nostalgies. Une première évocation du thème de la Rhapsody in Blue suit un prélude qui, une fois encore, nous à montré la voie des harmonies célestes.... Et tout se poursuit dans l'intense beauté d'un déroulement cohérent, où pourtant chaque transition garde sa part de mystère. Le ressassé Summertime est donné dans une apparente littéralité par la Jean-Marc Foltz, mais les harmonies distillées par Stephan Oliva le parent de charmes inédits, et la clarinette s'évade à son tour. Et ainsi de suite jusqu'au conclusif I Love(s) You Porgy, qui nous fait aimer ce disque, magnifique, de bout en bout.

Xavier Prévost

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Le CD paraîtra le 27 mai. Cependant le duo jouera pour sa sortie à Paris le mardi 17 mai 2016 à Paris, au Sunside. Et le lendemain, 18 mai, il est à l'affiche de « Jazz in Arles »

Le festival arlésien a commencé dès le 11 mai, à la Médiathèque, avec le duo Schwab-Soro. Il se poursuit à partir du 17 mai avec un nouveau trio qui associe Louis Sclavis, Dominique Pifarély et Vincent Courtois. Le lieu, la Chapelle du Méjan, est toujours l'endroit idéal pour goûter ces musiques intenses choisies avec talent par Jean-Paul Ricard. Le piano y est toujours d'une qualité exceptionnelle : confirmation dès le 18 mai avec Kris Davis, en solo, et en prélude de Jean-Marc Foltz/Stephan Oliva le même soir. Puis ce sera « Instant Sharings », quartette de Bruno Angelini le 19, et le quartette de Géraldine Laurent le 20 : programme de haut vol, comme l'on voit, qui privilégie les artistes les plus engagés dans l'exigence musicale, mais aussi dans le partage. Conclusion le 21 mai en apothéose avec un trio qui rassemble Vincent Peirani, Émile Parisien et Michel Portal. Des comptes rendus de quelques-unes de ces soirées provençales sont à venir dans ces colonnes.

Le pianiste Sebastien Paindestre, grand amoureux du groupe d'Abingdon et dont le travail tourne autour de l'exploration des thèmes du groupe anglais s'est prêté à l'exercice de la chronique de leur dernier album " A moon shaped pool".

Voilà ce qu'il nous en dit.

« A Moon Shaped Pool, » Radiohead.

Cela faisait maintenant cinq ans que la communauté des fans attendait le nouvel album de Radiohead.
Pourquoi cet engouement qui ne faillit pas depuis tant d’années ? Pour preuve : ces places du concert du 1er juin aux Nuits de Fourvière parties en quelques minutes à peine ?
Radiohead, depuis « OK Computer », nous a habitués à être surpris, nous emmenant à chaque fois là où on ne les attendait pas : la rupture s'est faite en 2000 avec « Kid A » qui a définitivement posé le son Radiohead, avec Nigel Godrich comme producteur, le 6ème membre de Radiohead à l’instar d’un George Martin (mort en mars dernier) qui fut “le cinquième Beatle".
Le groupe s'amuse ainsi à faire des allers-retours entre des albums pop (« In Rainbows") ou plus expérimentaux (« The King of limbs »). D’où le paradoxe : tout le monde connait Radiohead, son nom et un ou deux titres, mais beaucoup ne connaissent pas vraiment leur œuvre…
Qui pourtant est immense.
Marc Ribot confiait à un des membres de Radiohead que leur musique lui avait permis de retrouver des émotions musicales perdues, je me retrouve pour ma part totalement dans ce témoignage.

« A moon shaped pool », la lune en forme de piscine ?

Est-ce encore une fois de la part de Thom Yorke et sa bande une phrase énigmatique pour nous faire réfléchir sur la marche du monde ? Sans doute, car si chaque morceau de cet album nous amène à y réfléchir comme dans toute la démarche poétique ouverte à l'interprétation de chacun, le neuvième album de Radiohead est sans doute l'un des plus poignants et profonds du groupe.
Les morceaux s'enchaînent avec une fluidité étonnante par ordre alphabétique, c'est presque cabalistique et cela n'aurait pas déplu à un Jean-Sébastien Bach, adepte du "hasard calculé".

B comme Burn the witch. Le décor est planté, la sorcière vit dans la forêt de bois et de cordes, préfigurant sans doute l'accompagnement d'un mini-orchestre de chambre dans les prochaines dates de leur tournée d’été. L'influence de Jonny Greenwood, qui depuis des années compose et travaille notamment avec le BBC Concert Orchestra, est bien présente. Le titre ferait référence à la stigmatisation récentes des réfugiés. Le morceau à la première écoute est très dense, et sa mélodie construite comme un message en morse finit par marquer les esprits après plusieurs passages.

D comme Day dreaming, le morceau selon moi le plus mélancolique de l'album avec cette voix étrange inversée qui voudrait dire "half of my life" (cinq quadragénaires dans le groupe).(voir la vidéo)

D comme Decks dark où l'apport de chœurs confère une ambiance grandiose au début du morceau. De facture plutôt classique “radioheadienne", seule l'entrée de la basse du tôlier Colin Greenwood nous donne l'enthousiasme pour rester connectés à cette douceur noire..."sweet dark" est répété à la fin du titre, comme pour rappeler que l'on doit malgré tout faire la fête et danser sur les cendres du monde.

D comme Desert island disk, chanson à la Mc Cartney dans son introduction très Blackbird qui évolue dans des tensions harmoniques toujours très présentes chez Radiohead sans perdre ce paradoxe de l'ombre à la lumière qui semble être une marque de fabrique.

F comme Ful stop : toute une histoire sur ce « L » manquant à cause d'une setlist retrouvée par un employé d'une salle de concert en concert en 2012 et qui était destiné sans doute au LP8. Un morceau très “ambiant", qui laisse la part belle aux guitares jouées comme des boucles de musique répétitive.

G comme Glass eyes : le génie de Radiohead se trouve dans ce titre de 2 mn 52, la voix si tendre de Thom Yorke, les cordes si sensibles et fragiles comme le fil de la vie, le piano transformé en matière des objets sonores à la Pierre Schaeffer, une mélodie qui rend la musique si évidente et vitale que le besoin de respirer… Un chef-d'œuvre, à écouter jusqu'aux larmes.

I comme Identikit, chanson jouée en Live en 2012 et qui laisse un peu s'exprimer le discret Ed O’brien. Une chanson construite en deux parties ponctuées par un synthétiseur qui rappelle l'aventure Atom for Peace de Thom Yorke et les racines du Rock de Radiohead.

T comme The numbers : les quatre accords qui forment cette chanson sont proches dans l'enchaînement et la tonalité du Mother's nature son de l'album blanc des Beatles, un groove obsédant et pointilliste qui semble devenir la première chanson contestataire assumée du groupe. Thom Yorke le premier a toujours dit que s'il écrivait une chanson sur le réchauffement climatique cela serait "de la merde", il a bien fait de changer d'avis ! La basse de Colin semble elle tout droit sortie de l'album d'Abbey road.
Deuxième chef-d'œuvre de l'album !

P comme Present tense : comme jamais deux sans trois, voici selon moi, le troisième chef-d'œuvre de l'album. Bojan Z ne m'en voudra pas je pense de raconter cette petite anecdote : alors qu'il faisait le son sur la scène du Festiva'son et qu'on échangeait sur Radiohead, il se mit à fredonner et jouer The present tense que Thom Yorke jouait en solo à la guitare avec Atom for peace. Radiohead nous amène là vers une bossa pleine de spleen et le groove de la batterie apporté par Phil Selway me fait saliver d'avance à la future version Live.

T comme Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Beggars Man thief, titre d’une comptine anglaise, mais aussi d'une nouvelle d'espionnage de John Le Carré, qui apporte progressivement un éclaircissement sur cet album envoûtant et discrètement paranoïaque. Le début du morceau pourrait faire penser à un morceau de « The Eraser », le premier album solo de Thom Yorke, mais Jonny Greenwood le rejoignant, c’est comme un dialogue des deux leaders naturels du groupe qui se termine avec l'omniprésence des cordes éthérées.

T comme True love waits. Titre que connaissent bien les fans de Radiohead, enregistré sur l'album Live du groupe "I might be wrong". Cette version studio est pour moi le quatrième chef-d'œuvre de l'album. Il conclut « A moon shaped pool » tout comme il concluait le Live. La guitare remplace le piano, la voix de Thom Yorke semble encore plus belle et son "don't leave", sorte de "ne me quitte pas” oxfordien, ferait pleurer le plus insensible garde du Palais de Buckingham. Encore une fois le piano traité comme musique pointilliste est une réussite. L'album s'achève sur un long fade out de vingt secondes laissant place au silence, le silence que l'on ne retrouve qu'en pleine nature, cette nature qui à l'évidence rend tellement soucieux Radiohead.

Au final ce neuvième album est à ranger tout en haut de la pile de l'œuvre de Radiohead.
Il représente comme un tour d'horizon des derniers albums avec une pointe de mélancolie encore plus présente.
La fin des années 80 et des années bling bling à la U2 est très loin.

Radiohead est bien le groupe de musique (pourquoi que rock ?) qui marquera ce début de 21ème siècle.

Sébastien Paindestre

Un grand millésime que l’édition 2016 de Jazz Sous les Pommiers à Coutances qui s’est déroulée du 30 avril au 07 mai. On a tendance à le dire chaque année, car la programmation est toujours soignée et inventive chez nos amis jazz-fan normands, mais il se trouve que cette année avait un goût de grand cru exceptionnel à plus d’un titre, avec une météo particulièrement clémente, où un soleil coquin chatouillait notre peau entre deux concerts et le souffle d’un vent modéré qui faisait que la douceur était toujours au rendez-vous à la tombée de la nuit.
Une réussite économique aussi avec un record d’affluence encore battu (38500 entrées), 41 concerts complets et un taux de remplissage de salles qui avoisine les 94 % ! Il s’agit bien sûr de la plus belle fréquentation de l’histoire du festival, mais nous savons que ce record sera au moins égalé (voir battu) l’année prochaine.
Comme toujours à Coutances, il y a des résidences d’artistes et des créations exceptionnelles : un total de sept cette année, dont trois autour la talentueuse résidente trompettiste Airelle Besson qui a réussi à convaincre la chanteuse coréenne Youn Sun Nah (en congé sabbatique depuis plus d’un an) de rompre exceptionnellement son silence pour le seul concert qu’elle effectuera cette année. Chapeau Airelle ! Ainsi qu’aux 25 musiciens de l’orchestre régional de Normandie dirigé par Alexandra Cravero qui se sont pleinement investis autour de cette rencontre magique et si fructifiante !
Prévue l’année dernière, la création du projet « Skydancers » d’Henri Texier, inspiré par les indiens de toutes les Amériques, a heureusement pu voir le jour cette année autour d’un formidable double plateau intitulé : « Texier, père et fils ». Le saxophoniste et clarinettiste Sébastien Texier a ouvert la marche et conquis le public du théâtre de Coutances avec son nouveau projet « Dreamers » en quartette avec orgue, guitare et batterie. Une musique réjouissante et chaleureuse, teintée de blues, de jazz et de soul, autour d’un groupe cohérent et homogène où la guitare de Pierre Durand nous a électrisé en permanence. La standing ovation après l’ultime rappel du sextette d’Henri Texier était amplement méritée au vu de la folle énergie déployée par tous les membres du groupe (Nguyên Lê, Armel Dupas, François Corneloup, Sébastien Texier et Louis Moutin) au service d’un remarquable discours poétique centré sur une musique qui vient à la fois des tripes et de la tête. C’était presqu’une bonne chose que ce concert fût reporté d’un an, car entre-temps, le disque a été enregistrée, le projet a tourné et la musique a pris des formes et des couleurs plus vives, plus contrastées et plus denses.
La création de François Raulin et Didier Levallet « Brotherhood Heritage » fût elle aussi passionnante, car elle rendait hommage à l’un des musiciens importants de l’histoire de Coutances : le pianiste et compositeur Sud-Africain Chris McGregor, chef d’orchestre du « Brotherood of Breath » (la confrérie du souffle !) qui joua en piano solo à la première édition du festival en 1982 et dont le groupe se produisit en clôture du festival 1990 malheureusement sans lui car il venait de décéder quelques heures plus tôt !
Le festival a réussi aussi des soirées thématiques exceptionnelles comme celle autour de blues et de la soul avec un double plateau particulièrement relevé qui réunissait Betty LaVette et l’immense Taj Mahal. Celle sur New-Orleans nous a permis de voir un projet réjouissant d’une Dee Dee Bridgewater en grande forme qui a fait le show en s’amusant à imiter Louis Armstrong, sans oublier de nous émouvoir avec des versions sublimes de Come Sunday et de C’est Ici Que Je T’Aime. Et puis Dee Dee n’oublia pas de rendre un vibrant hommage à Prince en interprétant au rappel un émouvant Purple Rain. Après DeeDee Bridgewater, accompagnée de l’orchestre du trompettiste et arrangeur néo-orléanais Irving Mayfield, place à un autre trompettiste de New Orleans, le talentueux Christian Scott, qui réussit l’exploit de garder un pied dans la tradition, tout en s’aventurant dans la modernité (avec notamment des rythmes électroniques joués en direct par le batteur à l’aide de pads) et la présence à ses côtés du brillant saxophoniste : Logan Richardson.
John Coltrane fût à l’honneur également avec un beau projet de Lionel Belmondo autour d’un big band avec Archie Shepp et Stéphane Belmondo en invités solistes. Un projet qui ressuscitait la période Atlantic de Coltrane où l’on a pu entendre une éblouissante version d’Olé (avec Shepp au soprano), un arrangement pertinent sur Like Sonny et un hommage inattendu (Yal) à Yusef Lateef, proche des frères Belmondo et disparu en décembre 2013.
Le plus beau et le plus émouvant concert du Festival fût aussi quelque part un hommage (indirect) à John Coltrane à travers le duo magique formé par le saxophoniste Charles Lloyd et le pianiste Jason Moran. Une spiritualité toute Coltranienne s’échappait des instruments des deux compères et lors d’un Monk’s Mood d’anthologie, l’on ne pouvait pas s’empêcher de penser à la version jouée par Monk et Trane en 1957 pour le label Riverside. Je vous conseille vivement de vous connecter sur Culture Box afin de revivre ce concert particulièrement exceptionnel, où les larmes aux yeux, j’ai pu croiser des confrères dans le même état que moi, et je dois vous avouer que ce fût extrêmement difficile d’enchaîner sur un autre concert après ce moment magistral !
N’oublions pas aussi de mentionner l’esprit globe-trotter du festival qui tous les ans aime tant nous faire voyager sur des musiques issues de pays éloignés. Cette année la Corée du Sud et le Congo (entre autre) étaient particulièrement à l’honneur. Concernant la Corée : la rencontre inédite entre l’octette coréen Baraji et la guitare de Nguyên Lê, le souffle conjoint de la flûte metallique de Joce Mienniel avec celle en roseau d’Aram Lee pour le projet « Wood & Steel », la présence des groupes « Black String » et [su :m] et puis celle de l’ensemble « The N.E.Q » où la musique traditionnelle coréenne côtoie un jazz contemporain dans l’esprit des productions ECM.
Pour le Congo, la présence du Mbongwana Star, qui enflamma le Magic Mirror et la réconciliation des deux Congos, initié par le génial Ray Lema autour du projet « Nzimbu » où Lema (originaire de Kinshasa) mêle sa voix et son piano aux voix enjouées de Ballou Canta et Fredy Masamba (originaires de Brazzaville) avec la complicité du fabuleux guitariste brésilien : Rodrigo Viana.
Signalons aussi une grande thématique autour du piano, avec une pléiade de pianistes talentueux qui à l’image du nombre de touches d’un clavier ont dû toucher au moins 88 fois l’heureux public de Coutances ! Citons le berlinois Michael Wollny en trio, le français Edouard Ferlet autour d’un beau projet sur Bach avec la claveciniste Violaine Cochard dans la cathédrale de Coutances, le vétéran René Urtreger (82 ans), déjà présent à la première édition du festival en 1982, le génial Bojan Z (en duo avec Julien Lorau), l’incroyable Jeff Neve, ainsi que les talentueux Laurent Courthaliac, Thomas Encho, François Chesnel et Laurent Coulondre.
Enfin, n’oublions pas non plus une belle brochette de saxophonistes, qui du soprano au baryton, nous ont durablement enchantés : Chris Potter, Geraldine Laurent, Céline Bonacina, Julien Lourau, David Sanborn, Raphaël Imbert, Emile Parisien, Julien Soro….
Huit jours intenses de bonheur, ivres de soleil et de musiques aussi belles que variées, autour d’une constante et sympathique convivialité. Il n’y a aucun doute, le rendez-vous est pris pour l’année prochaine du 20 au 27 mai 2017, pour la 36 ème édition de Jazz Sous les Pommiers !
Lionel Eskenazi

Camille Bertault (voix), Olivier Hutman (piano), Gildas Boclé (contrebasse),

Antoine Paganotti (batterie)

Maurepas, mai 2015

Sunnyside SSC 1438 / Naïve

De cette chanteuse, on lit partout qu'elle a fait l'événement communicatif (en franglais le buzz ) sur la toile (en franglais le net....). Et que le microcosme états-unien a relayé ses vidéos via des références indiscutables (Wayne Shorter, l'entourage de Brad Mehldau....). Ce n'est pas rien. C'est même ce qui lui a ouvert les portes du plus français des labels new-yorkais, Sunnyside, après qu'un financement participatif a permis l'éclosion de la séance d'enregistrement.

Mais l'essentiel est ailleurs : dans une rage de partager un amour du jazz qui se révèle dans les nombreuses versions scatées de Coltrane, Bill Evans et consorts publiées sur Youtube ; et dans un désir profond de jazzer aujourd'hui en français sans négliger la prosodie de notre langue. Le résultat vaut le détour : belle voix agile, timbre qui touche, et textes qui font mouche le plus souvent. La qualité de l'objet tient aussi au trio qui l'accompagne : Olivier Hutman au piano, maître ès-balancement contagieux, et connaisseur érudit de cette musique ; Gildas Boclé, nourri Outre-Atlantique aux émois jazziques de première main ; et Antoine Paganotti, subtil pourvoyeur d'effractions douces dans le cours du chant. Après un tour de chauffe sur Empty Pockets de Herbie Hancock, habillé d'un texte sinueux sur l'art des pickpockets (Quoi de plus anodin), la chanteuse dérive en scat dans Course, magnifié d'harmonies en rerecording, et que l'on dirait inspiré par la course folle d'un certain À bout de souffle de Claude Nougaro. C'est au sublime Toulousain que l'on pense parfois, dans le goût des images, et l'aisance prosodique ; et à Mimi Perrin évidemment : on connaît de plus mauvaises influences.... Et à Nougaro encore que l'on songe en écoutant le mélancolique mais humoristique À la mer tume ( Nougaro chantait « Je lance une bouteille à la mer... Hic ! »). Très belles versions de The Peacocks (Cette nuit) et de Prelude to a kiss (Prélude), chaque fois ornés de textes sensibles et plus que pertinents. Scat encore, et brillant, dans Double face et Tatie Cardy, puis valse mélancolique inspirée par Erik Satie (Satiesque), point final d'un CD qui culmine peut-être en sa troisième plage avec une très belle adaptation d'Infant Eyes de Wayne Shorter. On peut juger que la qualité des textes n'est pas encore totalement homogène, mais un prochain disque infirmera probablement cette petite réserve.

Xavier Prévost

Camille Bertault et ses partenaires joueront le mardi 10 mai 2016, à 20h30, à Paris au Sunside. Et le 19 juin au festival de jazz de Maisons-Laffitte

Sur Youtube, My cat doesn't like trumpet , un scat sur Le Bleu d'Hortense d'Éric Le Lann

https://www.youtube.com/watch?v=6dwP0MdSDPg