Sera & Aranthell

BDJAZZ www.bdmusic.fr

https://www.difymusic.com/bdmusic#!sarah-vaughan

http://www.francemusique.fr/jazz/jazz-culture-sarah-vaughan-en-bd-music-109865

Voilà une belle cargaison de bulles qui nous arrive pour cet hiver et les fêtes en particulier. La collection BDMusic est toujours bien identifiable même si elle a changé de distributeur : c’est le même concept de « long box » consacré à une BD inédite et 2 CDs (quintessence des enregistrements) consacrés à un musicien incontournable.

C’est au tour de Sarah Vaughan -chanteuse pour musiciens, celle qu’on appelait « matelot », qui se comportait comme un musicien de l’orchestre, d’être « racontée » par Sera, artiste cambodgien, auteur et enseignant sur la bande dessinée à Paris I. La plasticienne Aranthell met en couleurs les albums dessinés par Sera. Le résultat est assez saisissant : de grandes plages à la palette sombre, atmosphères hivernales et nocturnes, quadrillent les pages avec assez peu de textes, des titres forts comme « Ce monde si blanc », des références directes aux chansons et à la vie agitée et souvent difficile de « la divine égaleent appelée «Sassie», l’effrontée. On a le plaisir de retrouver Alain Gerber, le romancier du jazz, avec un texte superbe sur « la plus savante des chanteuses de jazz... refusant toute routine, recréant sans cesse un répertoire qui, lui-même, évoluait fort peu ». Il revient à son habitude sur certains repères biographiques, concluant sur l’été 1963, sans doute le plus heureux de sa vie, où elle se produisit en trio au Tivoli Garden de Copenhagen.

Pour la bande-son de ce livre-disque, les enregistrements du premier CD partent de 1944, avec un All Stars où joue Dizzy Gillespie, s’attardant ensuite sur son propre trio où le batteur Roy Haynes est une figure primordiale - Swingin’ Easy. Le deuxième CD illustre les années fastes 1957-1958, où elle triomphe en trio à Chicago (At Mr Kelly’s) puis, At the London House, avec des membres de l’orchestre de Count Basie. Pour Philippe Carles, son « Shulie a bop » de 1954 est un « condensé explosif de son talent, de sa vivacité rythmique » de son ample tessiture qui la fait passer des aigus les plus tendus à des graves proches de ceux d’un baryton.

Et sans doute, faudrait il rajouter que le swing était son arme absolue... ce qui nous facilite la transition avec Cabu.

Sophie Chambon

Brad Mehldau (piano solo) Enregistré en concert, en Europe, entre 2004 & 2014

Nonesuch 549103 / Warner Music

Pour élaborer ce coffret (4 CD ou 8 vinyles), Brad Mehldau a réécouté 40 concerts donnés en Europe entre 2004 et 2014, enregistrés par son ingénieur du son, et aussi par les radios publiques (Radio Danoise, BBC & Radio France). Il a ensuite sélectionné des extraits de 19 d'entre eux, qu'il a organisés pour l'édition phonographique en 4 grands chapitres : l'un associant le sombre et le lumineux, l'autre redessinant un concert idéal, le troisième associant l'idée d'intermède à celle de regard rétrospectif, et le dernier mettant en relation des musiques, en Mi mineur et Mi majeur, empruntées à Léo Ferré, Brahms, Pink Floyd, les Rolling Stones.... Le tout est, comme souvent chez le pianiste, accompagné d'un copieux commentaire rédigé par ses soins : à la faveur d'une de ses compositions intitulée Meditation I - Lord Watch Over Me, Brad Mehldau évoque Dieu, comme coexistence de l'ombre et de la lumière, comme le silence qui rend possible la musique, le négatif qui suscite l'affirmation de l'être. Et le propos dérive de titre en titre, d'inspiration en concrétisation, sans que l'on sache toujours si c'est le discours qui structure cette fresque musicale, ou la musique qui serait la source de ce discours, voire son simple prétexte. Quoi qu'il en soit, c'est la musique que l'on évoquera, en survol, car l'abondance rend un commentaire détaillé illusoire en une telle chronique. C'est une vision panoramique de tout ce que l'on peut déceler des tropismes du pianiste : les nouveaux standards issus de la pop et du rock (Le cher Radiohead bien sûr, mais aussi Jeff Buckley, les Beatles, Massive Attack, Nirvana, les Beach Boys....) ; les « vrais » standards comme le jazz les chérit depuis des décennies (ceux de Richard Rodgers, Harold Arlen, Jerome Kern, Jobim....) ; les « standards du jazz » (Coltrane, Bobby Timmons ; Monk, avec deux thèmes, un Monk's Mood réharmonisé avec révérence, et Think of One, entraîné progressivement de sa claudication originelle vers une sorte de tempête rythmique et de déconstruction amoureuse). À quoi s'ajoutent deux pièces de Brahms, jouées dans leur littéralité originelle, et bien sûr quelques compositions de Mehldau, pour baliser mieux encore son univers. On se penchera avec délices sur deux versions de Knives Out de Radiohead (Rome 2011 & Londres 2004), très différentes, entre furia romantique et vertige contrapuntique. Les contraintes du vinyle ont obligé à intervertir à deux reprises des plages en raison de durées dissymétriques, mais le tout restitue bien le désir de Brad Mehldau d'offrir une vision, un ordre, une cohérence, une voyage ou une dérive. Et l'on est conduit progressivement vers les longues plages finales, en apothéose, qui concluent l'objet, à grand renfort d'ostinato et de transe hypnotique. Le voyage est envoûtant, vertigineux : c'est du grand piano de jazz, du grand piano tout court, bref de la grande musique au sens le plus œcuménique du terme.

Xavier Prévost

Infos et extrait sur le site de Nonesuch

http://www.nonesuch.com/albums/10-years-solo-live-cd

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Coup de projecteur sur la production 1951-56

Les lecteurs des DNJ ont déjà pris connaissance de la sortie du coffret Jazz from America on Disques Vogue (chez Sony Music) qui présente en 20 CD 41 albums originaux diffusés par le mythique label français entre 1951 et 1956. « Un panorama qui impressionne par sa qualité », écrivait Jean-Marc Gélin.

Co-réalisateur du coffret avec François Lê Xuân, Daniel Richard nous en dit plus sur la genèse de cette œuvre patrimoniale qui doit figurer dans la discothèque de tout amateur de jazz digne de ce nom.

Les DNJ : Pourquoi avoir retenu cette courte période ?

Daniel Richard : Nous avons souhaité démontrer la diversité de la production de Vogue dans cette période de six ans. Les trois patrons de Vogue, label fondé en 1947, Léon Cabat, Charles Delaunay et Albert Ferreri sont des collectionneurs qui adorent tous les jazz et le démontrent en « passant à l’acte ».On retrouve aussi bien du blues, du gospel, du be-bop, du boogie-woogie, du New Orleans revival, du cool et même l’avant-garde avec ce trio de Red Norvo où figurent Charles Mingus et Tal Farlow.

-En quoi cette période est déterminante dans l’histoire du jazz enregistré ?

-On se trouve à une époque où apparaît un nouveau support, le microsillon- le premier 25 cm date de 1948- et où les 78 tours sont toujours disponibles, ils disparaîtront en 1958. Vogue va sortir en France des albums publiés aux Etats-Unis en piochant dans les labels indépendants (Aladdin, Commodore, Dial, Fantasy, Blue Note….) et en apportant sa propre touche graphique avec des pochettes dessinées signées Pierre Merlin, surtout, mais aussi Michel David, Pierre Noury ou même Charles Delaunay pour un album de Sidney Bechet. Les albums qui sortent en France chez Vogue sont aussi bien des disques d’actualité chaude tout juste sortis aux Etats-Unis –un Chet Baker dans les bacs à New York en juillet 1953 disponible en septembre à Paris chez Vogue- que des 78 tours repris sous microsillon comme des Jelly Roll Morton ou des Tatum.

-Quels furent les grands succès parmi ces disques ?

-Le premier album publié par Vogue et consacré à Sidney Bechet a été bien accueilli. Le disque de Mahalia Jackson, des sessions de 1947 à 1950 publiées originellement sous le label américain Apollo, a fait un tabac. Vogue a aussi été le premier label à publier en France le bluesman John Lee Hooker. Mais l’objectif des patrons de Vogue n’était pas du tout commercial, même si leurs disques étaient aussi distribués au Royaume-Uni et en Scandinavie.

Propos recueillis par Jean-Louis Lemarchand

41 albums originaux en 20 CD

Noël ! Noël ! C’est encore Noël avant l’heure qu’on vous dit !

Le label Legacy a eu en effet cette merveilleuse idée d’éditer dans un coffret de 20 CD, quelques-uns des enregistrements originaux du très célèbre label Vogue. Avec Charles Delaunay aux commandes les éditions Jazz-Disques (Vogue, Jazz-Selection et Swing) avaient en effet, dans les années 50 un directeur artistique de luxe dont l’éclectisme gourmand le disputait à sa connaissance encyclopédique du jazz. Qui d’autre mieux que lui pour éditer dans la même foulée des albums de Duke Ellington, Mahalia Jackson, Wynonie Harris, Stan Getz, Red Norvo, The Spirit of Memphis quartet, Artt Tatum, Charlie Christian, Dixiland Jubilee, Charlie Parker, Originators of Modern Jazz, Erroll Garner, Kings of Boogie Woogie, Jerry Roll Morton, Dave Brubeck, Miles Davis, Red Norvo, Gerry Mulligan, Chet Baker, Syndey Bechet et enfin Lester Young.

Grâcve aux accords que delaunay avaits pu nouer avec des labels étrangers Vogue pu ainsi constituer un ilpressionant catalogue où les productions maisons côtoyaient les éditions d’Outre Atlantique. C’est ainsi que les Français purent profiter des accords passés avec Blue Norte, Dial, Aladdin ou encore Pacific Jazz

Legacy, sous la direction de Daniel Richard et François Lê Xuan a la bonne idée de rééditer ces albums avec la pochette originale dont les fameux dessins étaient notamment signés Pierre Merlin qui marquait de sa superbe signature des couvertures pleines d’à-propos et d’humour à l’image de cette couverture très drôle et un poil irrespectueuse de Jerry Roll Morton.

Ce panorama du jazz impressionne encore par la qualité de ce qui compose ce coffret.

Un cadeau essentiel à mettre au pied du sapin et à mettre absolument entre toutes les mains.

Jean-Marc Gelin

Das Kapital Kind of Red

Hasse Poulsen/ Edward Perraud /Daniel Erdmann

Label bleu/ L’Autre distribution www.label-bleu.com www.das-kapital.com

www.youtube.com/watch?v=uMSXqxrtx20

Quatrième album de ce trio européen atypique créé en 2002, formé d’un guitariste danois, d’un batteur nantais et d’un saxophoniste allemand. Si leurs deux premiers albums étaient consacrés aux compositions de ce musicien au parcours extraordinaire et pourtant peu connu, Hans Eisler, exilé à Hollywood avant de revenir à l’Est (créateur de l’hymne national), ils s’abandonnent à présent à leur propre partition, des chansons sans parole d’une grande beauté. Une musique toujours toujours aussi énergique grâce à la batterie de Perraud, à la gestuelle si visuelle, donc photogénique, lyrique en diable avec les saxophones ténor et soprano de Daniel Erdmann, et la guitare maîtresse de Hasse Poulsen. La lutte n’est donc pas finie et cette fois, elle se pare de compositions originales d’un triangle plutôt équilatéral, un « power trio » qui ne respecte pas l’arrangement habituel de guitare/basse/batterie. Le choc n’en est pas moins fort ! Ça commence directement par un rock amplement électrifié, ce « Webstern » de Perraud, figure d’un ouest parodique et actualisé? Poulsen est loin des gratouillis de ce Sound Kitchen dans lequel je l’avais découvert ... Ça continue aussi prestement sur «Iris » le deuxième titre du batteur qui est le troisième en fait, explosant en tempête de cordes, propulsé par une batterie d’une violence douce. Puis Erdmann prend la main, nous rassurant vaguement « au milieu il y a encore de la place », une ambiance différente...est-il plus en retrait sur cet album avec seulement deux compositions de son cru ? Ecoutez- le donc dans ce titre nitzschéen, «Jenseits von Gut und Böse» qui taraude l’esprit, tant la recherche est lancinante,progressive. Un accord en demi-teinte intimiste et quand même un peu rebelle avec l’arrière-pays brossé largement par un batteur qui ne tient pas en place. Cet album semble une parfaite illustration d’un cinéma virtuel qui se projette dans votre tête : trois voix, souvent irréelles, se répondent dans ce «How long, so low » aux sonorités travaillées ou dans «Just like that » par exemple. Un volet plus onirique incite les musiciens à une improvisation complice, où la guitare écraserait bien le ténor. Ce serait sans compter les effleurements, la construction ascendante de Poulsen, intégrant avec bonheur tous les imprévus d’une musique souple mais invasive, constamment sous tension jusqu’au final intense, déchirant.... On ne comprend pas toujours comment fonctionne ce mix de folk/jazz/ rock. Qu’importe ! L’album conserve une unité, une dimension originale et poétique, une inquiétude qui vous trouble et transporte dans cette sorte de rouge....qui imprime un certain bleu à l’âme.

Sophie Chambon

Xavier Desandre-Navarre (percussions), Édouard Ferlet (piano), Régis Huby (violon), Jean-Marc Larché (saxophone soprano), Thierry Péala (chant, diction), Pierre-François Roussillon (clarinette basse), Yves Rousseau (contrebasse, composition et adaptation)

Malakoff, juillet 2014

Abalone AB 020 / L'autre distribution

Yves Rousseau aime Schubert, passionnément. Et il a eu l'idée, ou plutôt le désir, d'élaborer une musique qui se nourrirait de ce grand compositeur, tirant vers le jazz certains fragments, restituant d'autres extraits dans leur caractère originel, et mêlant le tout dans une tissage savamment amoureux de thèmes originaux. Aventure risquée, et même osée, mais menée à bien d'éclatante manière. Par delà la passion, et la connaissance de cette œuvre, ce qui paraît déterminant, c'est le choix des partenaires, tous imprégnés de cette profonde musicalité sans quoi un tel projet ne serait que démonstration ou divertissement : Xavier Desandre-Navarre, qui joue batterie et percussions en rêveur impénitent ; Édouard Ferlet, coutumier des détournements de la musique classique par le jazz, ardemment musicien jusqu'au tréfonds de l'âme ; Régis Huby, passeur d'univers toujours aux aguets ; Jean-Marc Larché, virtuose de l'improvisation, résolument lyrique, et trop rare dans le jazz ; Thierry Péala, dont la voix et la sensibilité épousent exactement la beauté mélancolique de cet univers ; Pierre-François Roussillon, soliste classique qui a choisi de diriger de belles institutions culturelles, et renoue ici avec les musiques qu'il aime ; et Yves Rousseau, qui depuis quelques lustres trace entre les musiques une voie singulière, qui conjugue le goût et le talent. Lieder, musique de chambre et fragments symphoniques se télescopent avec bonheur. Ici l'on croirait entendre recycler un accord dissonant de l'Allegretto pour piano en do mineur. Ailleurs, explicitement ou allusivement, une bribe de quatuor ou de sonate. Quelques textes émaillent ce festin mélancolique : inventaire d'après décès, épitaphe rédigée par un ami, et courts récits du quotidien.... Le tout procède de ce mouvement irrépressible propre au jazz, où le rythme, les syncopes et l'improvisation aspirent à tutoyer la beauté. J'ai coutume, quand j'écoute du jazz contaminé par l'esprit de la musique de chambre, de dire à ceux qui l'écoutent avec moi « c'est beau comme du Schubert ». Eh bien, je persiste et signe : comme du Schubert, vous dis-je !

Xavier Prévost

Le groupe sera en tournée en janvier et février 2016 : Nancy, Lausanne, énart, Bagneux....

On peut également écouter Yves Rousseau dans la récente réédition du Mop Trio du batteur Bertrand Renaudin, avec le pianiste Hervé Sellin ( « New Acoustic » , www.opmusic.fr )