Label Ultrack / Distribution Musea/UTK 1003

www.ultrabolic.com

Mike Ladd (rap, slam), Ibrahim Diassé (tassou, tama drums), Hubert Dupont (electric bass), Hervé Samb (acoustic guitar), Naïssam Jalal(flute), Maxime Zampieri (drums), Djengo Hartlap (live sound design)

En ces temps plus qu’agités, il est bon d’écouter une musique autre, au delà des frontières géographiques et musicales, se moquant des styles et des genres, les mixant en un mariage des plus heureux. Hubert Dupont est de ces musiciens qui prennent le monde pour un terrain de manœuvres, pacifiquement musicales sans faire cas des classements et autres étiquettes.

Mais au fait est-il si inclassable que cela, ce nouvel album à la voix majuscule, justement intitulé Vox XL, où deux voix magistrales se mêlent en une joute amicale , celles du slammeur blanc, anglophone Mike Ladd et du Sénégalais Ibrahima Diassé qui scande en tassou, slam traditionnel wolof ? On se laisse très vite embarquer (« multi kutsi ») par le chant particulièrement envoûtant, sans dates, références et figures mythiques évoquées- ce qu’a su très bien faire Mike Ladd dans ses expériences précédentes. Cette fois Mike Ladd s’est plongé dans la musique africaine en réponse à Ibrahima Diassé, pour créer un parcours personnel qu’ils égrènent au fil des titres et improvisations des amis qui l’entourent. Ils orientent différemment leur propos, tirant chacun le fil de leur pelote de mots. Slam, rap, sprech gesang, travail dans les marges, comment ne pas plonger dans ce vertige de mots, de sons qui prennent chair ? Le tempo qu’ils installent est stimulant avec les respirations logiques parfaitement marquées, soulignant rythmiquement l’agilité de la pensée qui court. Les parenthèses même sont pleines de vitalité et les pauses bienvenues pour entendre mieux la mélodie comme dans « Baisse la clim », que reprennent les autres musiciens, excellents dans chacune de leurs interventions ; pour les fragments ou fredons de ces musiques populaires retravaillées, c’est un texte de chair, une langue qui s’incarne dans un corps pensant et non dépourvu d’affect.

Après Jasmine qui évoquait les révolutions du monde arabe, nous nous enfonçons plus au sud, non loin du Timbuktou d’Abderrahmane Sissako. Un dialogue magnifique s’engage entre l’Américain devenu Parisien et le Sénégalais, sans pour autant que les cultures des deux mondes s’affrontent. C’est plutôt du côté des ressemblances et des affinités, bien évidemment électives, que se retrouvent les musiciens, pointures singulières choisissant de se présenter en collectif. Hubert Dupont, contrebassiste raffiné, est aux avant-postes accompagné comme dans le disque précédent de la splendide flûtiste Naïssam Jalal. Les tambours tama se joignent aux fûts virtuoses de Maxime Zampieri sans désordre aucun et la basse électrique s’allie à la guitare acoustique, délicate et sinueuse d’Hervé Samb, complice du contrebassiste jusque dans le final « Juska Juska » où pour une fois, on n’essaie pas de comprendre ce qui se dit, même si on capte quelques mots envoyés d’une bouche gourmande. Contrairement à l’expérience précédente de Ladd sur The waste Land de T.S.Eliot, ce ne sont pas les mots mais les rythmes qui prédominent et le flow qui évidemment swingue puisqu’il est réussi. La musique se déploie dans l’espace, vibrant en expansion, poétique et irrésistible, efficace et douce à la fois.

Ajoutons que cet album qui fut enregistré live aux Musiques au Comptoir en banlieue parisienne y sera également présenté en version concert le 6 février prochain. Un bon conseil, allez y nombreux ! Ce spectacle peu ordinaire mérite le détour.

Sophie Chambon Label Ultrack / Distribution Musea/UTK 1003

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Mike Ladd (rap, slam), Ibrahim Diassé (tassou, tama drums), Hubert Dupont (electric bass), Hervé Samb (acoustic guitar), Naïssam Jalal(flute), Maxime Zampieri (drums), Djengo Hartlap (live sound design)

Anthony Braxton – sax alto, soprano, sopranino, baryton
Mary Halvorson – guitare électrique
Taylor Bynum – cornet, bugle, trompette piccolo, trombone
James Fei – saxophones, effets

Les mots me faisaient défaut à la sortie du concert d’Anthony Braxton ce vendredi 23 Janvier. Comme un véritable procédé alchimique, avant le concert, j’étais matière une heure après, j’étais légère, illuminée.
Et puis l’attraction terrestre et le froid ont fini par me rendre ma chair et les mots.
Mais quels mots pour parler de la musique de Braxton ? Les mots sont bien trop réducteurs !
Appeler son Œuvre « musique » est déjà la réduire. Car c’est bien de cela dont il s’agit, du Grand Œuvre. La musique de Braxton est alchimique.
Ici, il est accompagné par 3 de ses anciens élèves. Sur leurs pupitres, une seule partition et un dessin.
La scène, c’est le laboratoire. Chacun des gestes de Braxton est fait en pleine conscience. Avant de prendre un saxophone, il prend soin de s’essuyer le visage, afin de ne laisser aucune empreinte de la vibration que l’instrument précédemment utilisé ait pu laisser.
Alors que dire de sa « musique » sinon qu’elle est à son image c’est à dire entière, radicale, puissante, sans résistance, vraie. Elle est.
Elle ne joue pas la vie, elle est la Vie.
D’abord elle fait sens. Mais très vite il transcende ce sens, le fait disparaître pour n’en garder que l’essence. Et cette essence relève du divin.
C’est en cela qu’Anthony Braxton est – non seulement un Maître pour les musiciens – mais véritablement un Créateur.

Julie-Anna Dallay Schwartzenberg

Moment fort de la saison jazzistique, la remise des prix de l’Académie du Jazz avait cette année une atmosphère particulière, empreinte de solidarité et de sympathie. Toute la communauté des professionnels du jazz a salué Cabu, une des victimes du 7 janvier, « grand ami de l’Académie » a souligné son président François Lacharme. Une standing ovation a été réservée à Cabu à l’issue d’une présentation de quelques-unes de ses caricatures de jazzmen y compris bien entendu son artiste préféré, le tonique Cab Calloway. L’émotion était palpable également lors de la projection d’un hommage musical- un solo de piano en forme de requiem- aux morts de Charlie Hebdo, adressé par le lauréat du Grand Prix de l’Académie, le trompettiste Ambrose Akinmusire.

Le palmarès 2014, dévoilé ce 19 janvier au Théâtre du Chatelet, confirme l’œcuménisme et la sélectivité de l’Académie du Jazz. La jeune génération –Airelle Besson, prix Django Reinhardt du meilleur musicien français, Sinne Eeg, prix du Jazz Vocal, Stéphane Kerecki, bassiste, prix du meilleur disque français - cohabite avec des artistes confirmés tels le guitariste Tchavolo Schmitt ou le bluesman Robert Cray. Le plus bel exemple en est peut-être donné par le Prix du Musicien européen partagé entre deux pianistes, John Taylor et Michael Wollny : le premier, britannique affichant un demi-siècle de carrière ayant été le professeur du second, brillant soliste allemand découvert en France par un duo avec Joachim Kühn. C’est l’esprit de l’Académie du Jazz, l’illustration du patrimoine et le soutien-éclairé- aux tendances actuelles de « la plus populaire des musiques savantes ».

Jean-Louis Lemarchand

Jean-Louis Lemarchand

1 CD Verve /Universal
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Voilà un album qui rend hommage avec sensibilité et talent à Nina Simone, la grande prêtresse du chant noir, la sauvage, la révoltée, « la maudite du blues » qui ne connut jamais assez, de son vivant du moins, la reconnaissance à laquelle elle aspirait désespérément. Son destin ressemble en effet à un roman tragique, une « mine de malheurs » qu’elle a décrit dans son autobiographie intitulée ‘I put a spell on you’.
Dix artistes se sont essayés à chanter, non pas comme elle, mais avec leur voix qui ne ressemble justement pas à la sienne, au timbre très riche, puissamment expressive, imprimant une grande liberté mélodique aux thèmes qu’elle reprit dans tous les répertoires, folk, jazz, blues et variétés. Sauf peut-être curieusement Keziah Jones qui évoque le plus l’interprétation de Nina dans un de ses tubes, le traditionnel gospel « Sinner man ». a moins que ce ne soit Ben L’oncle Soul dont la voix étonnante évoque aussi Billie Holiday dans « Feeling good ».
Il faut souligner les arrangements superbes du pianiste Clément Ducol ; quant aux musiciens qui accompagnent, ils appartiennent de plus ou moins près à l’univers du jazz et des musiques actuelles : on retrouve avec plaisir dans cette aventure, le pianiste Bojan Z, le percussionniste Cyril Atef, le tromboniste Sébastien Llado sur 2 titres, et on pourra découvrir comme moi le travail remarquable de Christophe Minck à la basse et à la harpe, ainsi que l’ensemble de chambre Archipel .
L’agencement de l’objet CD donne envie de se procurer cet album. Le livret est tout simplement réussi, élégant même dans sa conception. Une introduction sobrement intitulée « Une vie » de David Brun Lambert pose un regard juste sur la diva à la voix et au toucher de piano uniques. Chacun des chanteurs et chanteuses est ensuite présenté avec une photo en regard de laquelle est décrit le contexte, le sens de la chanson choisie, suivi du « line up ». Rien à redire à cette présentation, épatante.
Le choix des interprètes est assez varié pour provoquer la surprise, voire une certaine appréhension. Et puis voilà que le doute se dissipe à l’écoute de l’album qui a tourné, et ce n’est pas fréquent, plusieurs fois de suite en boucle dans le lecteur. C’est qu’il n’y a aucune fausse note dans l’enchaînement des thèmes, l’album atteignant ainsi une cohérence harmonieuse. Les voix sont utilisées avec leur qualités intrinsèques, leur faiblesses aussi peut-être, mais avec sincérité d’où le sentiment de justesse et d’authenticité.
De « Baltimore » composée par Randy Newman en 1977 interprétée par Lianne La Havas qui commence l’album à la surprise finale, le formidable « Lilac Wine » où Camille parvient à faire oublier dans sa sobriété pure, non seulement Nina mais aussi Jeff Buckley qui avait réussi à s’approprier la chanson.
Selon les goûts on aura tendance à préférer l’une ou l’autre de ces chansons mais la sélection est habilement faite dans un répertoire riche et plutôt « casse gueule » pour les reprises des plus gros succès commerciaux. On ne trouve pas heureusement « Ne me quitte pas » mais par contre, certains traditionnels comme le délicieux chant écossais « Black is the color » (...of my true love’s hair) sont magnifiés par la voix gravement sombre et chaude de Gregory Porter sur un tempo ralenti qui sied à ce poème en prose. En background, Mélody Gardot est ensorcelante et l’accompagnement à la harpe fait de cette version l’une des plus saisissantes, totalement adaptées à l’univers de la chanson. Youn sun Nah dans « Plain Gold Rain » et Melody Gardot dans « Four Women » prouvent une fois encore qu’elles ont plus d’une corde à leur arc vocal, intégrant à leur manière leur fragilité. Olivia Ruiz se sort très finement, avec l’impertinence et l’humour qu’on lui connaît, de cette bluette jazzy qui fut, presqu’à son corps défendant, l’un des plus gros hits de l’immense Nina.
Pour le thème délirant de Screamin Jay Hawkins, c’est la Suissesse Sophie Hunger qui s’y colle, dans une version qui fait entendre toute l’étendue(énorme) de ses possibilités vocales et de sa folie, proche de l’original. Elle nous gratifie heureusement d’un bonus « Thandewye », autre traditionnel de la diva nomade et imprévisible.
On vous le redit, voilà l’une des meilleures surprises de la fin 2014 et, en ce début tragique d’année, écouter cet album lumineux peut aider (momentanément) à retrouver une certaine sérénité.
NB : Si vous voulez en savoir plus, lisez Nina Simone, roman de Gilles Leroy qui clôt sa trilogie américaine (dont Alabama Song lui valut le Goncourt en 2007).C’est une œuvre de fiction inspirée de la vie d’ Eunice Kathleen Waymon ( 1933-2003).
Sophie Chambon

https://www.youtube.com/watch?v=f_bmXeLbr7k



Faut- il aller voir Whiplash ?

Sans vouloir parodier les duels de certains chroniqueurs de la presse écrite au sujet des films ou des livres qui sortent, la question se posait au moment de la sortie en France, le jour de Noël du deuxième film du jeune franco américain Damien Chazelle . Précédé d’un buzz très favorable, Whiplash a raflé de très nombreux prix du cinéma indépendant. Il est tellement rare de voir un film actuel sur le jazz, dont la B.O fait entendre du jazz et le thème traite de l’apprentissage d’un jeune musicien au cœur d’une des plus célèbres écoles de musique de Manhattan ( Shaffer pour Julliard ?) qu’on ne va pas faire la sourde oreille.

Avouons d’abord que le film est réussi cinématographiquement, électrisant, avec une mise en scène sous tension, des éclairages de film noir, orchestrant un terrible affrontement psychologique. Comme tout bon thriller, il réveille littéralement, fouette les nerfs et le sang ( « whiplash » signifie d’ailleurs « coup de fouet »). Le duel entre un maître sadisant son étudiant est haletant. L’extraordinaire J.K Simmons (qui a une certaine ressemblance, seulement physique, précisons- le, avec Marc Ducret) joue au chat et à la souris avec son étudiant Andrew (le jeune Miles Teller, qui savait déjà jouer en autodidacte de la batterie !). L’éducation se fait dans la douleur, comme s’il fallait payer le prix fort pour révéler le talent, voire le génie. Avec la référence répétée du jeune Charlie Parker qui manqua de se faire décapiter lors d’un « cutting contest » au Reno Club par une cymbale du vénéré Jo Jones . Rentré chez lui, il se mit au travail très sérieusement et donna un an plus tard un solo mémorable... comme dans le final où Andrew éclabousse de son talent (et de sa sueur) l’orchestre entier et son chef au JVC Festival. On l’aura compris, c’est un peu « Blood, Sweat and Tears » et c’est la première des réserves que je formulerai, mettant en doute l’efficacité d’une telle méthode d’apprentissage. C’est avant tout aux notions de compétition et de transmission d’un état d’esprit que le film s’intéresse. Et les conséquences de ce formatage peuvent être cruelles, voire dramatiques.

Ensuite, le film sert-il véritablement le jazz ? Ceux qui ne connaissent rien à cette musique retiendront que les batteurs, certes gardiens du tempo, sont essentiels. Outre la boutade, cette lutte acharnée pour être le meilleur, donne une image quelque peu déformée de la pratique musicale, même à un très haut niveau. Selon le professeur qui agit comme un sergent instructeur des marines, les étudiants ne sont jamais dans son tempo, « not quite my tempo » martèle t-il avec insistance. Ou alors, il leur hurle dans les oreilles « rushing or dragging » ? Sportif de combat, obsessionnel du je(u), le personnage d’Andrew est antipathique, arrogant dans sa recherche effrénée de perfection, et très seul. Où est donc l’ « interplay », l’improvisation collective, le désir d’écouter et de répondre à l’autre ?

Quant à la place de la femme, elle est cruellement inexistante : la seule musicienne de la classe de jazz qui auditionne, au premier rang dans le pupitre des vents, se voit rabrouer par le tortionnaire enseignant sous le prétexte qu’elle n’est là que pour son physique. Il est vrai que tous les musiciens de l’orchestre se font humilier, encore plus violemment même. Quant à la délicieuse petite amie avec laquelle Andrew tente d’avoir une relation, elle se révèle vite, de son point de vue, un obstacle à son ambition. Alors... exit Nicole.

Et la musique ? Dans sa composition et la sélection même des thèmes, elle souligne avec cohérence l’angle d’attaque du cinéaste. La musique originale est de Justin Hurwitz et Tim Simonec, musiciens intéressants à découvrir ici. Le batteur percussionniste vedette et leader qui inspire Andrew est Buddy Rich, surnommé « Traps, the drum wonder » à ses débuts, au professionnalisme plus qu’exigeant dont on voit le portrait et le CD Birdland, que le jeune batteur écoute en boucle. Un batteur qui pouvait privilégier le côté spectaculaire de l’instrument...ce à quoi aboutit Andrew dans son solo final sur le thème de Juan Tizol et Duke Ellington « Caravan », morceau de bravoure très long et de plus en plus angoissant. Quant au rendu orchestral, il m’a semblé y entendre des réminiscences schiffriennes, le maître de la Bo Jazz fin des sixties /seventies. Mais incontestablement, le thème qui revient le plus souvent est « Whiplash », du saxophoniste Hank Levy, compositeur, arrangeur pour les orchestres de Stan Kenton et Don Ellis. Musicien original, créatif, enseignant à la Towson University, Maryland, c’est musicalement la meilleure inspiration du film et c’est une trouvaille que de lui rendre ainsi hommage.

Sophie Chambon