D’jazz Nevers,  37ème édition du 11 au 18 novembre

De retour sur les bords de Loire avec un temps instable, une petite pluie qui crachine mais surtout en ce jeudi 16 novembre, 6ème jour du festival, un vent violent avec des bourrasques qui n’ébranlent ni la solidité du barnum du festival D’jazz Nevers planté solidement devant le théâtre et le Palais Ducal ni la bonne humeur du public fidèle et passionné .

Pour cette 37 ème édition, le programme est majestueux, 37 concerts en 8 jours -pas moins de quatre concerts par jour dont deux en soirée à la Maison de la Culture. La durée d’une heure environ est suffisante pour rendre compte du style de chaque concert, de l’éclectisme musical de toutes ces esthétiques des jazzs et musiques actuelles. C'est le choix du président du Festival Roger Fontanel qui tient à prouver que le jazz vif qu’on entend ici est tout sauf une musique élitiste, de la tradition quelque peu bousculée à l’improvisation la plus débridée, sans oublier les incursions en musique contemporaine aux sons plus ou moins "machiniques".

Jeudi 16 Novembre

Petite salle de la Maison, 12h 30

(Sur les bords de Loire).

DANDY, DANDIE

Un nom curieux que n’explicite pas immédiatement le sous-titre Hypnos et Morphée pour le quartet du saxophoniste Alban Darche qui pratique un jazz de chambre élégant, pas "blasé" pour un sou, même s'il se réfère au dandy incarné, Baudelaire dont Alban Darche a mis en musique “Brumes et Pluie”. Le quartet se réclame d’une certaine parité avec un duo de soufflants à la trompette (Olivier Laisné qui remplace ici Geoffroy Tamisier) et au saxophone (Alban Darche) et une pianiste (Nathalie Darche) qu’accompagne une chanteuse Chloe Cailleton. Des poésies symbolistes, d'autres comme cet "Opium" inspiré de Poe ou encore ce “Snake” de l’Américain Theodore Roethke transposent en jazz ces clairs-obscurs, couleurs en demi-teintes, assonances et autres rythmes impairs. Un titre curieux " Encyclies" nous a fait réfléchir... Voulez vous une devinette? Le titre a un rapport avec un tube de Michel Legrand.... où il est question d'eau...

C'est en effet l'heure exquise, apéritive, de nous laisser griser par ces mélodies langoureuses, légèrement inquiétantes: il n’est pas question de se laisser distraire ni de s'abandonner au sommeil, seulement à des visions oniriques où il serait question de figures du tarot de Marseille ou du "Printemps" de Verlaine. La petite salle est un écrin parfait pour cette musique de l'instant grave et doucement élégiaque quand on voit échapper ce qu'on ne reverra plus. Les poèmes choisis ne seraient que prétextes à une recréation jazz de ces belles mélodies du début du XXème. On pense à "l’Invitation au Voyage" de Duparc  me souffle fort à propos l’ami Prévost. Une musique qui glisse délicatement, soyeusement autour de la voix fraîche, bien timbrée de la jeune chanteuse.

NOCE

Théâtre municipal, 18h.30

C'est la première création du festival en collaboration avec le festival de Grenoble et Césarée de Reims.

Un dispositif esthétique et audacieux dans le délicieux petit théâtre à l’italienne. Deux “tables” dont celle surélevée des deux clusters de batterie (on ne peut plus vraiment parler de “set” à ce niveau) dominant deux pianos à queue qui se font face, soit cinq cents cordes frappées par 176 marteaux ( selon le dossier de presse ). Amusante précision qui n’est pas inutile car tout dans ce projet est cadré soigneusement semble-t-il et tient de la performance, voire du happening devant un public recueilli qui écoute religieusement, dodelinant de la tête, entrant très vite dans la transe que déclenche et entretient cette musique bruitiste, ni tout à fait"machinique"  puisqu'elle utilise surtout des objets et ustensiles divers, voire des outils, ni vraiment répétitive mais qui en variant les effets, en réglant volume et intensité de tous ces bruits chics émis, entretient un relatif mystère et des interrogations sur ce qui va advenir. C’est admirablement conçu, joué avec intelligence de toutes les façons possibles dans cette partie carrée, en symétrie, en opposition, en parallèle, en continuation… Les quatre musiciens concentrés et visiblement heureux ( du moins en ce qui concerne  Roberto Negro qui est dans mon champ de vision plus que son complice pianiste Denis Chouillet) connaissent et maîtrisent le programme sur le bout des doigts. L’ennui avec ce type de musique est qu’elle pourrait durer des heures, une nuit même, dans la douce et enveloppante ténèbre qui envahit le parterre. Un éclairage subtil délicat et bleuté, le son impeccable enregistré par l’orfèvre Boris Darley très à son affaire (que je retrouve ici après un long séjour en Provence ).

Un quadrilatère impeccable pour cette noce singulière (et au singulier) qui doit éviter tout excès de table qui guette pareille fête. Avec leur “cluster table” le duo de Sylvain Lemêtre et Benjamin Flament déploie un ensemble de percussions impressionnant (série de bols tibétains, gongs de toute taille, cymbales qui sembleraient presque banales, tambours et autres fûts) faisant la joie des photographes qui ne vont cesser d’évoluer au sein du théâtre, de grimper dans les loges jusqu’au paradis pour mitrailler, zoomer cet impressionnant attirail.

Je les envie d’ailleurs car même si je suis très bien placée, je me retrouve encastrée au milieu d’une rangée, et ce n’est pas la moindre des raisons qui me fait trouver le temps long... à 19h02 très exactement. Soyons précise et rendons hommage à la minutie du projet. Moi qui étais entrée très facilement dans cette transe, saisie par le vertige d’une cohérence que je pensais avoir comprise, je perds soudain les pédales ( façon de parler) et me met à penser à certaine pièce de John Cage inspirée des "Vexations" de Satie qui fait environ 7 heures en répétant la même phrase musicale 840 fois…Une performance musicale qui s’apparente aux longues nuits théâtrales du festival d’Avignon. Et dès lors il m’est impossible d' entrer en méditation.

La Maison de la Culture, Grande Salle, 20h 30

Full Solo Paul Lay

Juste à temps. Le pianiste, parti de Nantes le matin, arrive quelques minutes seulement avant d’entrer en scène, le train ne s’étant pas arrêté à Nevers mais à Bourges! Une voiture du festival  est dépêchée dans l’après midi pour “l’exfiltrer”. Ah la SNCF!

Encore toute au souvenir de son concert d’août dernier à Cluny sur Deep Rivers, j’attendais avec quelque inquiétude sa version solo de tubes de Beethoven. Mais qu’allait-il donc faire dans cette galère? Voulait-il s’attirer les foudres des classiques aussi puristes parfois que certains jazzeux? Bach remporte le pompon des reprises jazz depuis Jacques Loussier, on le sait. Paul Lay non seulement a évité l’ écueil mais il s’en tire à son avantage, faisant swinguer Ludwig van B. A moins que le compositeur n'ait jazzé avant l'heure sans le savoir. 

Et puis rejouer même en rappel “La lettre à Elise” massacrée par des générations de jeunes apprenants  ne fait pas peur au "Marvel du piano" selon la très juste formule du producteur du label Gazebo? Laurent de Wilde qui s’y connaît en claviers. S’attaquer à l’Annapurna du romantisme “L’hymne (européen) à la joie" de la 9ème Symphonie ou à la "Sonate au Clair de Lune" (dont les premières notes me font irrésistiblement penser à l’humoriste Bernard Haller dans son sketch le Concertiste) constituent sans doute un nouveau challenge. Ce n’est peut être pas fortuit car Paul Lay seul à son piano dans le halo lumineux de la grande salle est un concertiste ...de jazz. Cette musique peut être considérée comme un standard. Et en matière de standard, Paul Lay est insurpassable. Il sait faire! Sa technique et son imagination harmonique lui permettent de faire jaillir dans l’instant de nouvelles idées.

Un solo avec lui c’est un récital qui ne tombe pas dans l' exercice de style, plutôt dans la démonstration évidente qu’il sait phraser jazz, que la musique et la danse le traversent, qu’il sait tourner et retourner chaque pièce dans tous les sens avec un plaisir non feint, qu'il aime rompre la mélodie, se lancer dans des éclats vifs d’impro, lui qui a dans les doigts tous les trucs des grands ayant bossé sérieusement toute l’histoire du jazz. Paul Lay connaît ses classiques, attiré aussi bien par Jelly Roll et Earl Hines que Mc Coy Tyner.

Tout ce qu'il joue est recomposé à un point difficilement concevable. Le processus de démolition ou de déconstruction, les grands pianistes savent faire, à commencer par Martial Solal qui a adoubé le jeune Paul Lay qui sait irriguer d’airs de blues et jazz, lieder, sonates, symphonies. Il se lance dans ses propres réflexions musicales sur la musique du maître, pas pour se comparer au compositeur mais pour  lui rendre un hommage particulier à “Heiligenstadt”, quartier viennois où vécut Beethoven, puis dans ce “Blues in Vienna”, en somme son carnet de voyage en Beethovenland.

Une performance à savourer "live" évidemment. Merci à D’jazz Nevers de savoir aussi s’ouvrir à plus “classique”, à une musique populaire et exigeante.

L'autre Avishai Cohen, the trumpet player!

21h 30 Grande Salle.

Encore un moment exceptionnel dans un programme tellement nouveau qu’il n’existe pas encore! Cette bizarrerie est due à l'autre Avishai Cohen, the trumpet Player! C’est cet autre "Avishai Cohen" qui se présente ainsi non sans humour pour que l’on ne fasse pas erreur avec son homonyme contrebassiste. 

Musicien exceptionnel, né à Tel-Aviv dans une fratrie de musiciens qui a migré à New York, voilà un exilé qui ne s’est pas coupé de ses racines mais sait  prolonger en la vivifiant la tradition. Avishai Cohen, sa soeur Anat, clarinettiste et son frère Yuval, saxophoniste ont d’abord entretenu la tradition familiale au sein du trio des 3 Cohens. Mais le trompettiste tourne à présent avec son propre quartet que l’on sent encore plus soudé en ces temps dramatiques, une autre "famille" qu’il s’est constituée avec Yonathan Avishai au piano, Barak Mori à la contrebasse et Ziv Ravitz à la batterie.

Son approche singulière de l'espace musical est difficile à décrire, un jazz post-bop inspiré de Miles Davis certes. Mais il s'en détache par un phrasé différent, d'une douceur presqu’effrayante, tenue et même retenue, avant d’être proposée en offrande, ode à la liberté qui résonne étrangement après le jeu heureux de Paul Lay dans sa recréation de l’ode à la joie.

Tout tient peut être dans la clarté épurée d'un jeu qui intègre silence et vide -ce n’est pas pour rien qu’il a été repéré et signé chez ECM, le prestigieux et classieux label de Manfred Eicher.

Après son dernier album Naked Truth en 2022, nous avons la primeur ce soir du treizième opus à venir qui sera enregistré la semaine prochaine à La Buissonne de Pernes-les-Fontaines par Gérard de Haro, à la fin de ce tour européen commencé en Roumanie qui va ensuite de Cannes à Paris via Nevers qu’il affectionne particulièrement, Barcelone et Madrid...  Le trompettiste se plaît en quelque sorte à créer une musique nouvelle  sans prendre beaucoup de temps de préparation. Une prise de risque atténuée par le rodage de cette mini-tournée.

Bouleversé par les récents événements, il évoquera pendant un long préambule sa décision de continuer à jouer en dépit de tout une musique, alors qu’il pensait annuler sa tournée. Nous aurions perdu une longue suite à la mystérieuse beauté qui sans nul doute découle de son ressenti actuel. Quand il téléphone à ses enfants, il dit entendre le bruit des bombes et rockets... Il a choisi aussi de nous faire écouter sa composition de l’adagio du concerto en sol de Ravel, inspiré de “la plus belle musique qui soit”. Décontracté mais sérieux, il nous révèle pour finir qu’il a enregistré une composition de sa fille à son insu (décidément la musique est affaire de transmission dans cette famille) et que si le morceau plaît au public, il sera enregistré dans le Cd à venir. Si ce n'est pas le morceau le plus brillant, restera  gravé un formidable témoignage d'amour et de tendresse.

Comment ne pas être séduit par ce quartet qui sait d’entrée de jeu éveiller notre curiosité avec un pianiste hors catégorie qui touche en blues, un batteur à la gestuelle incroyablement plastique, voire élastique. Le contrebassiste aura son "moment" plus tard dans la suite, quand il se prend à chanter à la façon d’un Paul Chambers. 

Quant au trompettiste, il garde un son droit dépourvu de vibrato, phrase avec un lyrisme  mesuré, le pavillon pointé vers le sol, malgré des effets de sourdine, de wah wah essentiellement, peut être dispensables, l'espace musical étant suffisamment ouvert à la circulation et aux échanges. 

Gageons que pour beaucoup, ce concert aura ouvert d’autres portes de la perception.

A suivre... le marathon continue jusqu'à samedi soir.

Sophie Chambon

Un grand merci à Maxime François, le photographe attitré du festival!

Mikko Innanen (saxophones sopranino, alto & baryton, hautbois), Cédric Piromalli (orgue), Stefan Pasborg (batterie). Invitée : Lori Freedman (voix off)

Sipoo (Finlande), 26 juillet 2022

Cleanfeed Records

https://cleanfeedrecords.bandcamp.com/album/can-you-hear-it

Le retour d’un trio qui nous avait déjà offert un opus (chronique ici). Et c’est à nouveau un savoureux mélange de groove à l’ancienne, celui des groupes avec orgues adoubés par le grand succès, mais aussi celui, plus aventureux, de Larry Young ; et puis des audaces sans fracas, avec détour par un folk revu et corrigé façon soul music (une sorte de folklore imaginaire, en somme). Lyrique jusqu’à l’hyper expressivité, comme le faisaient naguère les trios qui associaient l’orgue, le sax et la batterie. Mais il souffle ici un vent de folie transgressive qui déborde le cadre des références passées. Beaucoup de nuances aussi, comme pour nous dire que la musique ne saurait être monochrome. Très belle interactivité des solistes dans l’improvisation : ce disque fait vivre ce qui est habituellement l’effervescence du concert. C’est riche, intense, et subtil. Hautement recommandable !

Xavier Prévost

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Un extrait de concert sur Youtube

Céric Piromalli est aussi partie prenante dans le nouveau disque de l’ensemble de musique baroque ‘Consonance’, qui pour le disque «Continuo» accueille des jazzmen. À découvrir ci-dessous

ZODIAC SUITE          MARY LOU WILLIAMS

UMLAUT CHAMBER ORCHESTRA

Direction Pierre Antoine Badaroux

Label Umlaut Records/ L’Autre Distribution

www.umlautrecords.com

www.umlaut-bigband.com

Umlaut Chamber Orchestra :

Pierre-Antoine Badaroux : direction Agathe Peyrat : chant Chloé Tallet : flûte Guillaume Retail : hautbois Geoffroy Gesser : clarinette, clarinette basse, saxophone ténor Pierre Fatus : basson Brice Pichard : trompette Harmonie Moreau : cor Michaël Ballue : trombone Stéphanie Padel, Florian Perret, Emilie Sauzeau, Raphaël Coqblin, Clémentine Bousquet, Clara Jaszczyszyn, Lucie Pierrard : violon Elsa Seger, Valentine Garilli : violon alto Myrtille Hetzel, Pablo Tognan : violoncelle Matthieu Naulleau : piano Sébastien Beliah : contrebasse Antonin Gerbal : batterie.

Sortie du CD le 10 novembre

Concert le 18 novembre au Studio 104 de la Maison de la Radio.

Rembobinage :

La pianiste Mary Lou Williams est l’une de ces instrumentistes pionnières qui contribua au développement du jazz et ouvrit la voie aux musiciennes d’aujourd’hui. Dans cette longue marche, les tentatives de réévaluation de ces jazz women ne sont pas si nombreuses.

L’Umlaut Big Band avec Mary’s Ideas (2021) dressait le portrait de cette femme exceptionnelle qui a traversé l’histoire du jazz, évoluant avec cette musique sur près de cinq décennies, reprenant ses compositions, les réécrivant dans un ressassement étonnant, “a work in eternal process and progress”. Si son oeuvre enregistrée est plus que fragmentée, elle a obstinément gardé toutes les traces possibles de son travail, document rare sur l’histoire du jazz dont elle s'estimait partie prenante. Ses archives personnelles léguées à l’Institute of Jazz Studies de Newark (New Jersey) furent la source du travail époustouflant de collecte et de reconstitution de deux saxophonistes Benjamin Dousteyssier et Pierre Antoine Badaroux, également directeur artistique de l’Umlaut Big Band créé en 2011.

Pierre Antoine Badaroux s’attaque aujourd'hui à un autre morceau de bravoure, la Zodiac Suite, réunissant 22 musiciens dont 7 violons, 2 altos, 2 violoncelles et une chanteuse sur le dernier mouvement “Pisces”. Certains faisaient déjà partie du CD précédent comme Geoffroy Gesser (clarinettes et sax ténor) ainsi que la section rythmique Matthieu Naulleau (piano), Sébastien Beliah ( contrebasse) et Antonin Gerbal (drums).

La Zodiac Suite pour orchestre de chambre développe douze portraits selon leur signe zodiacal d’artistes du Cafe Society à Greenwich Village créé par Barney Josephson où Mary Lou Williams travailla quotidiennement après avoir quitté l'orchestre très formateur d’Andy Kirk en 1942. C’est encore Barney Josephson qui loua la salle du Town Hall le 30 décembre 1945 et finança l’orchestre de 18 musiciens dont la plupart venaient du classique, section rythmique exceptée.

Faute de répétitions suffisantes, le concert ne fut cepedant pas un succès mais la Zodiac Suite est devenue légendaire, saluée comme un exemple précoce du mouvement Third-Stream, reprise plusieurs fois de Geri Allen à Dave Douglas...

Mary Lou Williams soulignait en 1975 l’importance de cette musique dans son oeuvre: “En tant que compositrice et musicienne, j’ai travaillé toute ma vie pour développer une musique à la fois inventive et originale. C’est avec la Zodiac Suite que j’ai pu commencer à mener vraiment à bien cette ambition.”

Ce sont des pièces particulièrement intéressantes, de forme libre dans lesquelles le rôle de Mary Lou est central, le piano faisant toutes les transitions. Mais jusqu’ à aujourd’hui, il était imposssible d’entendre la Suite dans sa version initiale. Merci donc à l'Umlaut Chamber Orchestra et à son chef, fin limier, musicologue et arrangeur qui a recomposé ce puzzle compliqué après écoute de tous les enregistrements possibles, déchiffrage des divers manuscrits, souvent aide-mémoires où chaque nouvelle interprétation donnait lieu à d’autres formes souvent improvisées au piano comme l' impromptu  “Capricorn” ou  comme  la dernière pièce composée en direct à la radio “Pisces”, sans structure définie, en l’honneur de Josephson.

Les choix de Pierre Antoine Badaroux (tempi, instrumentation, orchestration) soulignent l’hétérogénéité, le caractère protéiforme unique et terriblement audacieux, l'originalité d’une artiste afro-américaine autodidacte. Tous les mouvements de la suite n’ont en effet aucun lien formel entre eux, et pourtant à écouter ces douze petites pièces qui ne doivent pas atteindre 40mn*, on a une impression de fluidité et de cohérence, emporté par un souffle et un rythme continus. Mary Lou fut sans doute influencée par la Suite Black Brown and Beige de Duke Ellington jouée à Carnegie Hall en 1943 d’autant que cette artiste singulière “post moderne” en un sens avait été repérée par le Duke qui lui commandait des pièces qu’il paya rarement et enregistra tout aussi peu, alors qu’il la considérait comme “en avance sur son époque”. “Taurus” sous-titrée “A study in the Blues” est le signe à la fois de Mary Lou et du Duke. Pour traduire ce caractère obstiné, la musique commence et finit par le même thème.

On ne peut s’empêcher de penser aux comédies musicales avec “Virgo”aux fluidités harmoniques et rythmiques, une pièce qui danse et swingue littéralement aux accents de la clarinette et de la trompette en hommage à Leonard Feather grand critique et producteur de jazz…

On peut vraiment parler de jazz de chambre et de la légèreté des vents dans “Aquarius” en hommage à Franklin D. Roosevelt, série de variations sans section rythmique.

Avec l’Umlaut Chamber, cette musique du passé ne contredit pas une musique de création sophistiquée, évolutive et actualisée. L’orchestre rend merveilleusement les audaces sonores. Ces musiciens formidables font ainsi réparation à Mary Lou qui, au paradis des musiciens, dans la section jazz, doit écouter rassérénée ce bel orchestre français.

* “Sagittarius” fait par exemple 01 :33 , “Aries” le portrait de Billie Holiday et Ben Webster 02:26, “Leo” inspiré par le tromboniste Vic Dickenson composé de nombreuses ruptures et divers styles tient en seulement 02:35, “Virgo” est l'une des plus longues pièces avec “Cancer” un peu plus de 4mn...

Sophie Chambon

TRACKLIST

1. Introduction (00:28)

2. I. Aries. (02:26)

3. II. Taurus (02:48)

4. III.Gemini (03:29)

5. IV. Cancer (04:37)

6. V. Leo (02:35)

7. VI. Virgo. (04:31)

8. VII. Libra (03:20)

9. VIII. Scorpio (03:37)

10. IX. Sagittarius (01:33)

11. X. Capricorn (03:18)

12. XI. Aquarius (03:25)

13. XII. Pisces (03:01)

Mark Turner (saxophone ténor), Jason Palmer (trompette), Joe Martin (contrebasse), Jonathan Pinson (batterie)

New York, juin 2022

Giant Step Arts GSA 010

https://markturnerjazz.bandcamp.com/album/live-at-the-village-vanguard

Quelques semaines après la publication par ECM au printemps 2022 d’un enregistrement de studio réalisé en 2019 («Return from the Stars», chronique ici), Mark Turner était avec la même équipe pour un série de plusieurs soirées au Village Vanguard de New York. Huit thèmes du disque récemment paru y furent joués, avec aussi de plus anciennes compositions, et une toute nouvelle. Des versions plus longues, plus détendues dans les exposés parfois complexes, et encore plus libres dans les improvisations. L’amateur que je suis est une fois encore impressionné par le niveau musical du répertoire et de sa mise en œuvre, et par la liberté qui s’affirme dans le développement d’une musique aussi fluide qu’ambitieuse. Pur régal donc pour moi, et pour vous je l’espère si vous choisissez de tendre l’oreille à l’Art de ce saxophoniste et de son groupe. La dernière plage, Lennie Groove, reprise d’un thème que le saxophoniste avait composé, et enregistré, voici plus de 25 ans, dit assez le chemin parcouru par celui qui, de très brillant espoir, est devenu un Grand Maître.

Xavier Prévost

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Mark Turner joue également sur le récent disque de la pianiste Miki Yamanaka

Edouard Ferlet ( p, et autres)

2eme volet de Pianoid d''Edouard Ferlet.

Edouard Ferlet avec sa drôle de machine,   
piano solo à quatre mains organisé autour d’un dispositif construit avec un piano Silent, un contrôleur midi, le logiciel Ableton et un Dysklavier, nous embarque en rêve dans cette sorte de pays fantasmé qui éveille les sentiments les plus paradoxaux, dans un univers entre le réel et l'imaginaire des rêves.
Comme dans le volume 1 c'est fort. Puissant. Entêtant parfois comme une obsession tenace à base d'ostinatos comme des invitations à la transe.
Entre la douceur acoustique et l'étrangeté de sons électriques venus d'ailleurs, Edouard Ferlet nous amène en territoire inconnu.
Ferlet le dit lui-même : "Avec Pianoïd, j’utilise la phrase robotique pour faire éclore le poétique, et aller vers l’inimaginable et l'injouable. J’utilise aussi l’instabilité du robot causée par le poids de la mécanique, sa latence, ses changements de dynamiques et de vitesses, toutes les réactions inattendues du piano Disklavier. La machine prend vie et me surprend. La musique devient alors un dialogue organique"

C'est alors un peu comme marcher à l'aveugle dans un endroit très sombre et mystérieux. Edouard Ferlet nous prend la main dans ce territoire fait d'angoisses enfouies et de moments de clarté un peu mélancoliques.
Comme une oeuvre d'art, comme une installation qui fait naître en nous des émotions primaires, primitives et parfois paradoxale.
Où quelque part, imprégnant l'album de bout en bout c'est la beauté qui s'invite avec sa poésie, ses errances et ses fulgurances.
Jean-Marc Gelin