Okeh 2014

Ethan Iverson (p), Reid Anderson (cb), David King (dms)

Revoilà Bad Plus plus en forme que jamais. Comme aux premiers jours. Après leur fabuleuse lecture du sacre du printemps ( cf. les DNJ "The rite of spring") , le trio de revient sur ses terres natales pourrait on dire. Alors qu'il s'était un peu égaré ces dernières années flattant son public dans le sens du poil, il semble retrouver depuis quelques temps  l'inspiration de ses débuts il ya près de 15 ans et revenir à ses propres sources.

Lorsqu'on les a vus cette semaine à la Villette où ils constituaient la rythmique d'un incroyable et stratospherique Joshua Redman, ils nous avaient semblé perdre un peu leur âme, un peu affadis dans le rôle d'un sage trio de jazz. Ils ne semblaient pas être là où ils aiment être. Bad Plus dfinitivement enbourgeoisés?

©jmgelin

Il suffit de se mettre cet Inevitable Western dans les esgourdes pour se rendre compte que Bad Plus c’est toujours ce groupe d’empêcheurs de tourner en rond qui ne laissent de nous surprendre par l’intelligence de leur provocation musicale.

Ces gars-là prennent le contre-pied de tout et surtout de tout ce qui est formaté. Et ces formatages sont nombreux : stylistiques (classique, rock, jazz), rythmiques ou harmoniques.

Avec The Bad Plus tout ce qui est déstructuré prend une autre forme intelligente. L'auditeur n'est jamais dans une situation de confort de ce qui semble acquis. Jamais en terrain connu car le sol se déroule souvent sous ses pieds pour l'emmener vers un paysage musical qu'il ne connaît pas.

Déjà dans la forme du trio. Car avec Bad Plus il n'y a pas un leader, mais deux (Piano/batterie) voire trois. Le rôle dévolu à Dave King est en effet primordial. Là où l'équilibre piano-basse-batterie nécessite un gros travail d'abnégation de la part du batteur, chez Bad Plus le rôle de ce dernier est carrément affirmé comme pièce centrale du dispositif. Non pas comme élément structurant mais au contraire déstructurant passant du binaire au ternaire, du tonal à l'atonal dans un meme mouvement.

La musique de Bad Plus est alors fascinante. Avec Bad Plus chaque morceau installant un climat différent du précédent donnant ainsi cette impression un peu baroque du foisonnement d'idées. Il y a du classique Stravinskien dans les brisures rythmiques, mais il y a aussi du rock un peu garage, ou encore du Monk dans sa façon de casser les mélodies comme dans ce western monkien  qui ouvre l'album( le titre éponyme). Evan Etherson que l’on trouvait pourtant bien transparent avec Redman, fait de plus en plus figure de pianiste particulièrement inspiré et brillant. Dans Adopted Highway, le groupe joue sur les nuances, passant dans le même mouvement du tumulte à une épure debussienne avec une admirable coda où le traitement sonore fait dans la nuance. A l'inverse Dave King, batteur fou et génial fait parfois office de bucheron canadien  (Epistolary echoes) avec un sens du binaire largement revendiqué et assumé au premier plan. Le trio laisse aussi des mélodies pop s'installer  ( Do it again) comme des chansons revisitées que n'aurait pas renié EST en son temps.

 Bad Plus est un vrai phénomène de génération. De ceux qui par leur syncrétisme, ont contribué à ouvrir le jazz à un public de jeunes pétris de pop et de rock. Ils sont alors de la dimension des vrais createurs. On veut dire par là ceux pour qui l'anticonformisme est un des fondement de l'art. A condition que le talent soit là. Celui de Bad Plus y est. Immense. Aussi jouissif que communicatif. Plus is more !

Jean-Marc GELIN

www.circum-disc.com 

www.muzzix.info

Label Circum/ Distribution Les Allumés du Jazz

C’est l’une des formations les plus anciennes (1996) du collectif lillois Muzzix que nous suivons depuis une dizaine d’années : le trio composé des deux frères Orins (piano pour Stefan, batterie pour Peter) officie dans le Grand Circum Orchestra, de même que le contrebassiste Christophe Hache.

Liv est leur troisième album après Stöt en 2010, Bonheur Temporaire en 2006 et Natt Resa[i] en 2004, tous publiés sur le label Circum. Il est important de souligner que ce travail patient s’inscrit dans la durée, car « plus les racines sont profondes, plus luxuriantes sont les branches», maxime bouddhique, sorte de fil rouge du trio.

Un jeu ample, fluide emplit l’espace avec une douceur mélancolique comme dans  l’inaugural « Initiales VV », l’hypnotique Liv (vie) poursuivant cette impression. Le trio est européen dans cette maîtrise d’un jazz actuel aux formes libres généreusement  déployées, et on comprend sans peine qu’il puisse tourner souvent jusqu’en République tchèque, Lettonie, Pologne et Suède (origine des frères Orins) d’où certains titres dans cette langue.

Il y a quelque chose d’apaisé et même serein dans cette formule égalitaire, où chacun s’entend, s’apprécie et laisse respirer l’autre. Sans tomber dans des irisations trop tendres, le trio sait puiser l’étincelle de vie contenue dans chaque chose - Liv est le titre du disque- avec une sensibilité toute nordique. Plus abstrait dans « Henri Grouès » (le nom de l’abbé Pierre), avec quelques intonations mélancoliques et obsédantes, le final retrouve vigueur dans ce voyage de la Belgique à la Pologne : toujours animé d’une sensibilité « tonique », le piano évite l’attendrissement romantique, ne s’épanche pas en longues coulées, entraîné dans la progression tournoyante d’une rythmique énergique. C’est le travail collectif qui s’impose plus que l’expression purement individuelle, un flux continu, tendu avec des climats coloristes, de riches textures qui se fondent dans la dynamique d’ensemble.

Continuez ainsi, les amis, on vous suit !

Sophie Chambon

Ambrose Akinmusire Quartet

Ambrose Akinmusire - trompette , Sam Harris - piano , Harish Raghavan

contrebasse ,Justin Brown - batterie

AVISHAI COHEN + KURT ROSENWINKEL

Avishai Cohen - contrebasse , chant , Kurt Rosenwinkel - guitare , Nitai Hershkovits - piano ,Daniel Dor - batterie

La grande Halle est remplie. La qualité de l'affiche ( 1^ère partie : Ambrose Akinmusire et Avishai Cohen ensuite) fait que je ne sais pas trop qui vient pour quoi. J'interroge mon voisin : " moi je suis là pour Avishai Cohen, mais j'ai plein de copains jazzeux qui m'ont parlé du trompettiste de la 1ere partie en me disant qu'a côté de lui les autres trompettistes professionnels ressemblaient a des élèves de conservatoire"

Et de fait la plupart du public attend la venue du charismatique contrebassiste.

Mais dans l'immédiat c'est le quartet d'Ambrose Akinmusire qui investi la scène. Quartet ? Effectivement car Walter Smith le ténor qui accompagne Ambrose depuis longtemps n'est pas là contrairement à ce qu’annonce le programme.

Ambrose entame son concert par une stupéfiante, lente et progressive montée aux cieux dans un solo de trompette quasi mystique. Des sommets dont il ne redescendra qu'une fois la dernière note du concert jouée. Avec son quartet ils entrent dans une musique soulful, inspirée et lente, dans des flottements presque shorteriens ou Braxtoniens. Magnifique et inspiré même si parfois il donne le sentiment de tourner en rond. Un duo avec Sam Harris renverse le public. On y entend le trompettiste pleurer, crier, chanter dans son embouchure et c'est absolument poignant.

Un vrai moment de communion pure si ce n'était le son vraiment très moyen du piano et surtout d'une contrebasse inaudible.

Lorsque Avishai Cohen entre sur la scène c'est un peu l'antithèse. A coté de la timide réserve du trompettiste, Avishai envahit l'espace comme un Bruce Springsteen du jazz. IL entre sur scène comme sur un ring. Tout en force et en énergie. Danseur avec son instrument. Fougeux aussi sur des thèmes gorgés de soleil et de groove. Rapidement il est rejoint par son invité, le guitariste Kurt Rosenwinkel avec qui il avait l'habitude dans ses jeunes années de jouer dans les rades de New York. Depuis le temps est passé, Cohen a joué avec Corea et poursuivi une médiatique carrière alors que Rosenwinkel est parti vivre à Berlin. Et c'était la curiosité du moment : comment les deux hommes aux univers musicaux si distincts allaient-ils se retrouver. La réponse est : plutôt pas mal et assez efficace même si les deux hommes ne parviennent pas a élever la musique au delà du joli. Pas du beau. Du joli. Et plutôt très bien joué. Pas de quoi bouder son plaisir. Et si Avishai Cohen est un musicien aussi impressionnant que brillant , Rosenwinkel tout en retenue affiche un jeu d'une douceur saisissante. Mais la révélation pour moi aura été les deux membres du trio de Cohen : un pianiste (Nitai Hershkovits) subtil et élégant ainsi qu'un batteur foisonnant et riche ( Daniel Dor).

Avishai Cohen vient pour un rappel chanter un morceau cubain seul à la cntrebasse avec des accents à la Cachao Lopez. ET pour finir le guitariste revient sur scène pour un Besame Muchoqui tombait un peu là comme un cheveu sur la soupe pour un Rosenwinkel a des années lumières de cela.

Une ouverture du festival en demi-teinte donc mais qui faisait souffler ce soir là un vent de générosité loin de tout vil calcul. C’est déjà beaucoup.

Jean-Marc Gelin  

  Circum Grand Orchestra- 12

Produit par Circum-Disc et Muzzix

www.circum-disc.com

Dès les premières mesures de «Tan Son Nhat », on sait que le Circum Grand Orchestra continue fièrement sur sa lancée : alors que le guitariste compositeur Olivier Benoît est parti diriger le nouvel ONJ dans un projet européen, le dodécatet lillois, emmené à présent par le bassiste Christophe Hache s’élance, superbe vaisseau amiral de la flotte Circum.
Et cela continue de sonner merveilleusement rock par l’énergie fiévreuse et fougueuse de l’ensemble et de sa rythmique impressionnante, les jets acides des deux guitares électrisantes, et jazz contemporain avec les prises de bec des cinq ou six soufflants impériaux, que ce soit la trompette de Christian Pruvost, les bugles (ils sont deux, eux aussi,  Aymeric Avice et Christophe Motury), les saxophones de Julien Favreuille et Jean Baptiste Perez, la clarinette basse de Christophe Rocher.

 « 12 », le deuxième titre,  souligne la force de ce « grand format » cuivré et musclé. Il nous semble cependant que, bien plus que dans les précédents albums, les douze ne se privent plus pour poser de superbes chorus dans des compositions qui prennent le temps d’installer un propos musical dense, réfléchi, construit. Comme le souligne Christophe Hache, «  je veux mette en avant chaque instrumentiste comme interprète et improvisateur... L’écriture est basée sur les différentes possibilités de timbres et de densité orchestrale que propose la formation...Une place particulière est réservée à l’écriture contrapuntique, sans pour autant négliger les possibilités harmoniques offertes par un tel effectif ». On ne saurait mieux écrire. La musique ne trahit pas le dessein de ce nouvel orchestre. Avec le même personnel au potentiel formidable, le résultat sonne vraiment différent, les douze prennent de la distance, s’affranchissent tout en restant unis, solidaires et collectifs. Car « Graphic » nous ravit  toujours par cette tournerie flamboyante, cette progression spectaculaire, ce sens des unissons et du jeu collectif qui a fait aussi la force et l’intérêt de Circum Grand Orchestra.  Avec cette obsession du plein, non de la saturation, comme dans cet humoristique «Hectos d’Ectot»qui ne tend pas à la cacophonie mais à une liberté très surveillée. Ecoutez comme le morceau se développe avec l’intervention des guitares.
Ce n’est pas seulement pour créer de nouvelles atmosphères en utilisant couleurs et timbres autrement, mais pour se démultiplier, construire et déconstruire, souffler et apaiser. Ainsi ressent-on ce nouvel orchestre virevoltant dans la rigueur, tiraillé entre diverses polarités. On écoute sidéré cette musique et si ce n’est plus dans le ravissement, on frémit car on la sent ardente dans ses commencements, nerveuse, entraînant au-delà de la violence et de l’excitation de certaines interprétations actuelles...

 Et en écho au nouvel ONJ de Benoît, souhaitons aussi une belle poursuite à l’ensemble dans cette nouvelle direction !

Sophie Chambon

ONJazz records/ L’Autre distribution

www.onj.org

Le premier opus de l’ONJ d’Olivier Benoît[i] ? Un double CD avec des bonus tracks, une suite parisienne en 6 parties, soit plus de deux heures de musique. Aucune note de pochette[ii] mais un montage de superbes photos de Benjamin Trancart, censées représenter Paris de nuit, la place de la Concorde, les rives de la Seine et une statuaire qui évoque  une fontaine de place royale...

Le propos de cet Europa Jazz Paris est de présenter en un « work in progress » nomade, sur les quatre ans du mandat du compositeur Olivier Benoît, une série de portraits de villes. Quoi de plus naturel que de commencer par  Paris, la ville-lumière,  le lieu moderne de l’expérience poétique, artistique? Relier la musique à la découverte actuelle de la ville, voilà une extraordinaire matière à une succession de tableaux inspirés par « l’effervescence artistique et la diversité d’invention de la scène musicale », les réalisations architecturales passées et présentes, l’urbanisme contemporain. Il est vrai que le sens de la respiration et de la circulation, les flux générés par l’activité humaine sont essentiels dans la compréhension du tissu urbain. On retrouve d’ailleurs cette conception urbanistique dans la musique, échanges et autres interactions entre tous les musiciens. C’est à une vision actuelle, moderne que nous sommes confrontés avec ce nouvel  orchestre intergénérationnel, composé de 11 musiciens dont Bruno Chevillon (également conseiller artistique) et Eric Echampard, entourés de jeunes musiciens.

 Voilà une version différente certes de l’ONJ précédent de Daniel Yvinek, mais toujours  animée d’un authentique « esprit » jazz européen. Une sorte de cohérence, de continuité qui installe plus confortablement encore le principe d’un orchestre national de Jazz. Un attelage coloré et composite, emmené à un rythme soutenu par la paire rythmique superlative qu’il n’est  plus nécessaire de présenter, un alliage de toutes les musiques actuelles avec cet éternel mélange d’écriture et d’improvisation.

On retraverse en tous sens les artères de la capitale, ville heureuse, où, à la différence d’une Métropolis bipolaire,  tout paraît aérien, léger dans cet ensemble aux tonalités majeures, ensoleillées. Les partenaires mélodiques comme harmoniques  se dévoilent : envolées lyriques, exubérantes de la trompette de Fabrice Martinez, salut piaffant du trombone de Fidel Fourneyron, interventions maîtrisées de Théo Ceccaldi au violon et alto, claviers aux multiples effets de l’expérimentateur Paul Brousseau et « piano étendu » subtilement amené par la fidèle Sophie Agnel.

 Olivier Benoît mène finement le jeu, très discret à la guitare, mais on ressent qu’une certaine jubilation a dû le diriger, électrisant  à son tour ses partenaires. Il situe ce projet complexe, pharaonique, au croisement de nombreuses influences sans abuser des collages, accélérations et déséquilibres permanents usuels dans ce genre d’entreprise, avec cependant assez de contrastes pour que chaque musicien intervienne avant de laisser à d’autres l’espace de la respiration créative.

Cette vision urbaine n’a rien à voir avec le prélude urbain minéral de West Side Story ou les tableaux picturaux de Vincente Minnelli / George Gershwin dans Un Américain à Paris. Point de cartes postales touristiques non plus, mais cette musique projette dans l’univers passionnant d’Olivier Benoît et devient la B.O d’un film à l’énergie phénoménale, sous-tendue par l’expression exaltée mais jamais hystérique des soufflants. Citons au passage ceux non mentionnés auparavant, à savoir Jean Dousteyssier (cl), Alexandra Grimal (ts, ss) et Hugues Mayot (as). Une heureuse complémentarité de styles (avec une prédominance rock cependant ) confère à l’album son relief singulier où les musiciens savent  tisser un langage musical commun qui soutient l’ensemble.

Ce décloisonnement bienvenu est bien l’une des plus belles réussites de cet album électrisant. La musique tient en haleine jusqu’au final. La toute dernière pièce, le dernier bonus du double Cd que vous n’entendrez pas forcément sur scène, formerait d’ailleurs un final exemplaire à ces tableaux parisiens.

Si vous n’avez pas l’occasion de voir ce programme en live, sachez que la musique écoutée est admirablement mise en valeur par le travail de l‘ingénieur son Boris Darley et mérite de remplir son rôle d’exposition de nouveaux talents, représentants de cette musique aimée.  Saluons en tous les cas, le démarrage de ce nouvel  ONJ.

Sophie Chambon