Sébastien Texier (saxophone alto), Gautier Garrigue (batterie), Henri Texier (contrebasse)

Les Lilas, 27 février 2021

Label Bleu LBLC 6743 / l'autre distribution

Un nouvel exemple des musiques nées du confinement : au printemps 2020, le contrebassiste a pris l'habitude de jouer régulièrement avec son fils Sébastien, confiné comme lui, et qui réside dans le même village de l'Essonne. Et le répertoire s'est naturellement tissé, entre des standards du jazz et d'anciennes compositions. À l'orée du troisième confinement, ils se sont retrouvés sur la scène du Triton pour un concert sans public, et avec le renfort du batteur Gautier Garrigue, partenaire régulier depuis plus de 5 ans. Un concert diffusé en direct sur France Musique dans l'émission 'Jazz Club' d'Yvan Amar, concert prolongé d'une enregistrement pour Label Bleu. Le répertoire, et le disque, sont à l'image des libertés que donne cette formule du trio : plaisir des standards, joués dans la richesse de leur évidence mélodique (Round About Midnight, Besame Mucho) ou abordés 'à la hussarde' en entrant directement dans l'improvisation et la paraphrase, en esquivant l'exposé du thème. Sur What Is This Thing Called Love, Sébastien Texier pratique cet exercice de voltige, cher au regretté Lee Konitz, et qui consiste, dès la première mesure, à se jeter dans l'inconnu avec pour seul filet la trame harmonique. Avec un thème du batteur, un autre du saxophoniste, et deux anciennes compositions du contrebassiste, c'est un programme qui fait vibrer l'essence même de cette formule instrumentale : clarté des lignes, liberté d'une interaction rendue plus grande encore par un effectif intime, avec un espace privilégié pour l'expressivité et le lyrisme. Le nouveau thème composé par Henri Texier, Bacri's Mood, est une évocation du comédien Jean-Pierre Bacri, mort quelques semaines avant l'enregistrement du disque. Comme une touche supplémentaire de cette belle mélancolie qui traverse quelques plages du disque, et nous va droit au cœur.

Xavier Prévost

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Le trio jouera le 9 février à Auxerre (au Silex), le 12 à Paris (Théâtre de l'Athénée) et le 25 à Tours (Petit Faucheux)

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Un avant-ouïr sur Youtube

Sur le site du Triton, une entrevue du contrebassiste avec Stéphane Olivier

LE DON PABLO CUECO

Dessins de ROCCO

Qupé éditions

www.qupe.eu

Don mystérieux, Loi unique, Éthique sanguinaire, Mission magnifique, Cycles mortels, Destin impitoyable... Ces mémoires d'un tueur, adepte forcené de la contre-vélorution, enchanterons le mal-pensant qui sommeille en chacun de nous. Un roman noir à l'humour outre-noir.

Le Don est un livre original et vraiment très drôle. Jubilatoire même, passée la surprise de premiers chapitres déroutants, voire glaçants qui exposent le “coming out” d’un tueur en série, en masse serait plus juste, qui met au point une école du crime et réussit sa petite entreprise de démolition en chaîne si j’ose dire car cela commence avec l’élimination de la catégorie des cyclistes.

Une sévère opération de nettoyage à sec dès le début et la cadence ne fait que progresser, à force d’ingéniosité et de travail dans une frénésie exponentielle, une folie des grandeurs qui a tout du plan de masse.

Le tableau est saisissant, grinçant, essoré de toute compassion pour les victimes, même innocentes qui ne le  sont peut-être  pas tellement, dans le fond. Et le tueur et son armada a vite des circonstances exténuantes. Se livre-t-il à quelques règlements de compte en dézinguant de plus en plus de socio-types ? 

Notre tueur ou plutôt notre auteur excelle à mettre en jeu autant qu’en joue notre histoire sociale. Il parvient à donner forme et épaisseur à un projet extravagant avec une jouissance manifeste quand il va voir du côté de l’humaine condition dans ses aspects les plus tordus. Il y a même du militantisme chez celui qui finit par devenir le Robin des Bois des EHPAD- c’est la cause la plus longuement développée dans ce roman et l’actualité toute récente souligne une certaine justesse de ses observations. Ses petits vieux, vite intouchables, cabossés par la vie et démolis un peu plus en institution, sont bien résolus à ne pas se laisser faire, à mourir dignement c’est-à-dire rapidement et proprement s’ils sont condamnés ou à se battre, en devenant les parfaits disciples du maître. 

La réussite majeure de l'auteur, son tour de force est de se tenir au plus près des émotions et de la colère de son personnage principal. Ce qui fait qu’il n’hésite pas à le rendre tour à tour détestable, déroutant dans son fonctionnement psychologique, et même attachant car il ne ménage pas les rebondissements : il y a du feuilleton dans la succession de ces 41 courts chapitres ( de La révélation première-rien à voir avec Le Don nabokovien, jusqu’à La canonisation précédant L’épilogue logique) avec un suspense appelant la suite.

On sent que Pablo Cueco biche en clignant de l’oeil à ses lecteurs! Il aime le polar, il y a fait ses classes, on le dirait du moins, pourtant ses deux livres précédents n’ont rien à voir avec le genre, Pour la route et Double vue chroniqués sur le site. Dans son petit théâtre social, on voit assez vite où vont ses préférences, car une certaine empathie avec son tueur le mène au choix du “je”. ll devient vite difficile de ne pas éprouver une admiration stupéfaite pour cette mauvaise graine, ce gibier de potence et ses méthodes expéditives, radicales mais si ingénieuses. A la manière d’un Lupin, expert de la rocambole, d’un Lacenaire, il met au point un art du geste parfait qu’il peaufine en permanence.

Comment alors ne pas s’inquiéter de ce qui va lui arriver? On pressent en effet que plus dure sera la chute ( pardon du jeu de mots) et qu’il va se faire prendre, au terme d’une cavale ingénieuse, d’une fuite par les toits qui est proprement cinématographique. Mais par un rebond dont ce maître conteur a le secret, et avec l’aide d’un “bavard” inspiré, on évite un dénouement tragique et moral qui aurait tout gâché! Pablo Cueco dont les convictions anarchistes s’expriment au long du livre mêle finement roman policier à la Jim Thomson (The killer inside me), néo-polar au sens de Manchette auquel on peut penser par la description au scalpel de certaines exécutions, humour noir et révolte sociale.

Le style, vif et musclé ne dédaigne pas les belles phrases et les énumérations à la Perec. Autrement dit, Cueco fait des phrases mais n’oublie pas de raconter une histoire formidablement drôle. Un roman très mauvais genre plus que conseillé de cet artiste qui a toutes les cordes à son arc ( ou son zarb plutôt)!

Sophie Chambon

Joe McPhee (saxophones ténor & soprano), voix), Michael Bisio (contrebasse), Fred Lonberg-Holm (violoncelle), Juma Sultan (percussions)

 Hurley (État de New York), 26 janvier 2021

Rogue Art ROG-0114 CD

https://roguart.com/product/the-sweet-spot/182

Comme une explosion cathartique après la contention provoquée par la pandémie. Dès la première plage, percussions et pizzicati donnent le ton d'un courant libérateur qui va circuler tout au long du disque, puis le sax soprano fait une entrée en jubilation. Le ton est donné, la musique se libère, une fois de plus, d'un joug temporaire (un temps très long....). Le titre de l'album suggère que l'on se trouve au point d'écoute optimal. Effectivement, on est aux premières loges pour déguster cette énergie créative et musicale. Improvisations bien sûr, mais aussi thèmes proposés par les membres du groupe, et aussi des emprunts aux musiciens révérés. Après une impro en trio sans le le sax, le quartette joue un thème de Charlie Haden, structuré de bout en bout autour d'un capiteux son de basse. À la plage suivante le violoncelle prend la main et entraîne ses partenaires à sa suite. Vient le thème-titre, où la voix et le saxophone de Joe McPhee se font incantatoires. Et le CD se conclut par une composition en hommage à Django, signée Henry Grimes qui avait enregistré ce titre en 1965 pour le label ESP avec Perry Robinson et Tom Price : éloge de la liberté, de la première à la dernière plage. 

Simultanément Rogue Art assure la diffusion dans notre pays d'un disque du tromboniste Steve Swell, sous le label Silkheart, en Hommage à Luciano Berio, entre liberté absolue et cadre formel élaboré. Avec lui la vocaliste Ellen Christi, les saxophones de Marty Ehrlich & Sam Newsome, le marimba de Jim Pugliese, et la batterie de Gerald Cleaver. Autre manière de dire la liberté en musique

https://roguart.com/product/steve-swells-hommage-x-3/188

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Xavier Prévost

BENOIT MOREAU TRIO REVE PARTY

Sortie 21 janvier 2022

Inouïe Distribution

Benoît Moreau guitare/compositions  Olivier Pinto contrebasse Raphaël Sonntag batterie

Issus du Conservatoire National à Rayonnement Régional Pierre Barbizet de la cité phocéenne, les musiciens du trio du guitariste Benoît Moreau, connus de la scène Marseillaise, sont les acteurs d’un premier album prometteur Rêve Party.

On est vite frappé par l’homogénéité du son, l’équilibre constant des voix, le souci d’un chant mélodieux, dans ce triangle équilatéral parfait (guitare,contrebasse, batterie ) dès le “Stellar” originel qui prend jusqu’au crescendo final. Tout semble couler de source sous les doigts du guitariste qui sait doser les effets de réverb et de saturation, ne jouant jamais d’éclats trop tranchants ni de riffs torturés fréquents avec l’électrique.

Benoît Moreau installe avec cette suite de huit morceaux qui évoluent sans se perdre comme dans cet “Encore” qui débute pop pour virer à un rock plus énergique, ou flottant comme dans la ballade étrange, suspendue “Aurinko”. “Day Fever” est contre toute attente plutôt raisonnable, alors que le titre qui sonne résolument jazz est ce “Blues boppers” dansant de façon plus endiablée.

Si le guitariste est un passionné et virtuose du skate, il semble loin des acrobates-joueurs un peu trop impulsifs. Peut-être compulsif dans l’utilisation de tout un jeu de figures dans l’espace sonore ( l’équivalent des “tricks”du skate), il exploite les silences, occupant l’espace sonore avec des variations subtiles d’intensité.

La musique de ce Rêve Party a un style certain, une  qualité introspective traversée d’un souffle original. C'est une épure accrocheuse par la clarté des plans et des traits, les articulations soigneusement amenées, la fluidité et sophistication du phrasé.

Ce disque d’une juste durée, cohérent dans l’enchaînement des titres, creuse une veine souvent instrospective, jamais froide, ni sentimentale, distillant un climat onirique, aux effets souvent hypnotiques. La rythmique n’y est pas étrangère : jamais dans l’énergie brute, elle suit, soutient, relance en parfait accord. La pulse est tenue vigoureusement mais avec finesse tout du long, le tempo se nourrit d’un groove moelleux, délicieusement triste parfois (“5321”), la contrebasse sinue souterrainement sans précipitation avec une intensité palpable, magnétisante.

Doté d’une musicalité certaine jouant de l' alliage heureux des timbres, cette première réalisation est une réussite. L’album se referme avec une douceur et une grâce qui détourne astucieusement le titre “She says I talk too much about my music”.

Sophie Chambon

RHODA SCOTT LADY ALL STARS

Sortie d’album le 15 janvier 2022

Label SUNSET RECORDS/ BACO

Un septet féminin qui entoure la célèbre organiste? On croit rêver, la chose est assez rare pour qu’on s’interroge une fois encore sur la place des femmes dans le jazz. Les musiciens de jazz ont toujours aimé les femmes auxquelles ils ont consacré fort aimablement de nombreuses compositions, cherchant celles qui font rêver ou qui sont inspiratrices. Sans vraiment leur laisser une autre place. Dans l’histoire du jazz, il y eut pourtant des femmes formidables, souvent pianistes, car il faut bien l’admettre, les anches et les cuivres n’étaient pas prédominantes. Si on admet que la femme est un homme comme les autres, dans cet univers masculin pour ne pas dire machiste, les choses évoluent et les jazzwomen n’ont rien à envier à leur petits camarades.

L’organiste aux pieds nus, Rhoda Scott, plus de quatre vingt ans, installée en France depuis 1968, est l’une de ces pionnières qui continua d’innover en créant dès 2004 un premier Lady Quartet, avec Sophie Alour au saxophone tenor, Airelle Besson à la trompette et Julie Saury à la batterie. Puis l’arrivée de la saxophoniste alto Lisa Cat Berro, se substituant à Airelle Besson, transforma le groupe en un quartet à deux saxophones. Ces musiciennes ayant l’étoffe de leaders, avec des projets définis et leur propre groupe, la formation devint un collectif selon les disponibilités de chacune, accueillant de nouvelles venues, Géraldine Laurent et Anne Pacéo, puisque l’idée était de garder un personnel exclusivement féminin. Du souffle et une puissante rythmique! Cet septet girl power accompagnant une véritable lady du jazz, qui prit des leçons d’harmonie et de contrepoint auprès de la grande Nadia Boulanger, fut nommé Lady All Star par Stéphane Portet, le patron du club Sunset/ Sunside de la mythique rue des Lombards. Ce club ouvert en 1982, essentiel à la jazzosphère, pas simplement hexagonale, ouvert 7 jours sur 7, fête fin janvier ses 40 ans au Châtelet, et dans ce qui sera une fête illuminant comme dans le standard (sublimé par Fred Astaire, Chet Baker) "the night and the music", le groupe de Rhoda Scott a sa place!

Rhoda Scott qui a toujours ses entrées au club a d’aillleurs joué en quartet le 31 décembre dernier. Et c’est sur le label du Sunset que fut enregistré en live cette formation cuivrée et musclée, qui ne manque pas de charme, tant il est vrai que cet équipage a toutes les qualités, bousculant joyeusement un certain ordre établi sans renoncer à la tradition du jazz dans l’interplay et l’improvisation collective.

Ecoutons donc cette wild party de  HUIT musiciennes qui font le jazz français actuel. L’album est emblématique de sensibilités et de jeux différents et complémentaires qui concourent à une mise en oeuvre collective autour de huit compositions sans recyclage, un matériau neuf pour cette rencontre au sommet de musiciennes aguerries, Rhoda Scott et Lisa Cat-Berro apportant deux titres, Julie Saury, Sophie Alour, Airelle Besson et Paceo Anne un seul, sans oublier les interventions décisives des saxophonistes baryton et alto, Céline Bonacina et Géraldine Laurent. Un mariage des timbres des plus heureux que tous ces cuivres, anches donc bois qui se réajustent en permanence. Les musiciennes surgissent, se glissent et se fondent, plus qu’elles ne s’effacent dans la masse orchestrale. Nous ayant définitivement conquis, elles emmènent sans effort, partageant l’affiche de la barefoot contessa, avec une complicité et un respect mutuels concourant à la réussite musicale de l’ensemble. Du lyrisme certes mais du rythme et de la vigueur impulsée aussi par nos deux batteuses, complétée par les ponctuations du baryton et le jeu de la ligne de basse de l’orgue Hammond grâce au pédalier. Pas vraiment de ballades sentimentales, seuls “Les châteaux de sable” d’Anne Paceo introduisent un climat délectable mais élégiaque. Les thèmes, accrocheurs, sont d’une efficacité certaine, mélodies lumineuses à la tension très moderne, que l’on a envie très vite de retenir et de fredonner. On aime toutes ces compositions sans distinguo “City of the rising sun”, “Escapade”, “I wanna move” qui contribuent au bel équilibre de l’album. Rhoda Scott ouvre le bal avec un premier thème de son cru, “R&R” où sa vitalité et sa créativité sont intactes, son chant hérité du blues et du gospel privilégiant conviction et urgence qui fusionnent en harmonie. Elle ferme la marche avec un “Short Night Blues”, où elle se déchaîne, soutenue par de subtils unissons et des chorus toujours vifs. C’est enlevé, allègre et ça swingue du tonnerre avec l’orgue qui ronfle de plaisir. Plus que réjouissant et hautement conseillé pour oublier ces temps difficiles!

Sophie Chambon