Louise Jallu Jeu

Label Klarthe/ Distribution Socadisc

www.louisejallu.com

Proche de l’accordéon, le bandonéon n’est pas associé à la plus éclatante modernité, encore qu’avec le talent de la jeune Louise Jallu qui en est déjà à son troisième album, l’instrument connaisse un singulier éclat, un véritable engouement comme  le fut l’accordéon avec Vincent Peirani dans le sillage de Richard Galliano qui joua souvent avec Nougaro, disparu en mars 2004, auquel on pense beaucoup.

Jazz, chanson, musique contemporaines sont au programme pour cet instrument né en Allemagne pour remplacer l’orgue des églises, transplanté en Argentine pour devenir le roi du tango. Car le bandonéon, c’est évidemment le tango! La musicienne et enseignante, après un album dédié à l'iconique Astor Piazzola en 2021 pour le centenaire de sa naissance, se jette à corps perdu dans ses propres compositions, entourée d’un sextet de jazz choisi avec soin : avec sa vision de l’instrument assurément moins traditionnelle, la jeune musicienne tente de s’émanciper et de sortir de la référence éclatante mais écrasante du maestro, laissant de côté (pour l’instant?) “Oblivion” et autre “Libertango”.

D’un esprit combattif, elle dirige son équipage avec une intensité permanente, gommant quelque peu la mélancolie d’un bandonéon d’ombres et de lumières tamisées pour laisser  passer le bando nouveau faisant fi du (déjà) "vieux tango Gotan". S’il ne pense pas à écrire le futur, le groupe secoue bien le présent, entre patrimoine musical, sirène de police municipale (qui ne fait pas de râle), un Fritz Kreisler qu'elle s'est approprié en le rebaptisant “Pugnani-Jallu” sur son accordéon à soufflet de section carrée qu’elle joue assise ...normalement!

Louise avait commencé en quartet avec Grégoire Le Touvet(piano, claviers), Alexandre Perrot ( contrebasse) et le sidérant Mathias Lévy ( violon) qui lui sont restés fidèles. Mais pour ce programme éclectique qui ratisse large, de Schönberg à Brassens, elle a sorti le grand jeu étoffant et habillant ses titres de la guitare électrique de Karsten Hochapfel entre autre sur “Une milonga blues” bruitiste, du toujours percutant Ariel Tessier et du design sonore inspiré de Gino Favotti.

Comme si Louise Jallu voulait montrer la richesse de son répertoire et des emprunts classiques qu’elle “transfigure” d'entrée dans ce “Schumann et Wozzeck” bandéonisés et enfiévrés dès que le violon paraît, en partant de passages de la sonate en fa dièse mineur op 11 de Schumann et de l’interlude en ré mineur de l’acte 3 de Wozzeck de Berg. L’ intensité mélodramatique de cette première composition sied aux auteurs référés.

Sur les 9 titres de son Jeu, 4 compositions dont 3 milongas  (l’autre danse argentine très rythmée) sont vraiment originales et les cinq autres transformées, arrangées superbement avec l’aide de Bernard Cavanna qui fut son professeur au Conservatoire de Gennevilliers.

Le plus curieux sera la version très personnelle “Mon Boléro” du tube de Ravel, morceau classique le plus joué, hit planétaire, piège à clichés, que Ravel n’aimait pas du tout et qui le fit beaucoup souffrir avant qu’il n’arrive à se lancer dans les 17 minutes obsédantes que l’on connaît, conçues pour la danse-on se souvient alors du ballet de Béjart  avec Jorge Donne. Pour cette composition “charnelle et envoûtante” qui contenait très peu de musique selon son auteur, on peut faire confiance à Ariel Tessier pour installer la base rythmique sur laquelle s’élance la bandéoniste, dans une version épurée avec les pizz légers du violon de Mathias Lévy, prenant le contrepied, n’énonçant jamais le thème, s’en tenant seulement à des variations.

Bach, si elle fait appel à lui en lui "chipant" quelques fragments de l’adagio de la Sonate pour violon et clavecin est quelque peu violenté avec les effets d’orage de Grégoire le Touvet et les perturbations électroniques assumées par Gino Favotti. 

Si la bandéoniste fait preuve d’inventivité dans le détournement des mélodies, on préfère ses compositions actuelles où s’entend l’audace d’un orchestre-écrin comme dans le final, détonant  hommage au conservatoire de Gennevilliers qui ouvrit la première classe de bandonéon en Europe.

Témoignant aujourd’hui d’une identité et d’un style de plus en plus affirmé qui regarde sans a priori toutes les musiques, intègre écriture et improvisation sans sourciller, elle brasse ces divers répertoires joyeusement, avec malice, avec la liberté que lui procure un instrument maîtrisé. Quel potentiel formidable pour une belle équipe à suivre absolument...

Sophie Chambon

Grégoire Letouvet (piano, piano électrique, claviers), Léo Jeannet (trompette, bugle), Jules Boittin (trombone), Corentin Giniaux (clarinette, clarinette basse), Thibaud Merle (saxophone ténor, flûte), Rémi Scribe (saxophones ténor & soprano), Paul de Rémusat & Raphaël Herlem (saxophones altos), Alexandre Perrot (contrebasse), Jean-Baptiste Paliès (batterie, percussions)

Malakoff, sans date

Pégazz & L’Hélicon / Inouïe Distribution

Un orchestre singulier, et singulièrement mûri par dix années d’existence pour ce cinquième album qui le fait surgir du lot. Un pianiste-compositeur-chef d’orchestre, Grégoire Letouvet, aux pratiques plurielles  : jazz évidemment, au sens le plus large, mais aussi la musique dite contemporaine (comme le jazz qui, de toujours vit, dans son présent), le cinéma, le spectacle vivant, les arrangements pour des grands orchestres (dont l’Orchestre National de Jazz), et pour la chanson…. Une écriture riche, dont les méandres se développent jusque sous les improvisations des solistes. Et des solistes qui tiennent sérieusement la route ! Des compositions signées aussi par des membres du groupe, non seulement pour les 9 plages du CD, intitulé Face A, mais aussi par une mystérieuse Face B, intitulée ‘Murmures’, accessible sur les plateformes. Des musiques qui procèdent de toutes les sources, sollicitées, caressées, bouleversées, magnifiées et dynamitées : comme un manifeste de ce que peut être aujourd’hui une grande formation de jazz (au sens le plus large). Pour la Face B, des petites formations issues de l’orchestre donnent à entendre d’autres voix, d’autres couleurs. Le tout constitue une œuvre plurielle…. singulièrement collective ! À découvrir, urgemment et absolument.

Xavier Prévost

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En concert le 13 mars à Paris au Studio de l‘Ermitage, avec en invitée Leïla Martial

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un avant-ouïr sur Youtube

     Le pianiste martiniquais Grégory PRIVAT a reçu le 4 mars le Prix DJANGO REINHARDT 2023 de l’Académie du Jazz, décerné au musicien de l’année lors de la cérémonie de présentation du palmarès annuel de l’association indépendante, organisée au Théâtre du Beffroi de Montrouge (Hauts de Seine). Un prix bénéficiant d’une dotation de la Fondation BNP-Paribas (mille euros).

     Lors du vote final de l’Académie intervenu à la fin novembre, Grégory Privat a devancé un autre pianiste, Laurent Coulondre et le batteur Arnaud Dolmen. Fils du pianiste et compositeur José Privat (groupe Malavoi), Grégory Privat (39 ans) s’est consacré entièrement au piano à 27 ans délaissant alors son métier d’ingénieur. En 2019, il a créé son propre label Buddham Jazz sur lequel il vient de sortir en février 2024 un album en trio, « Phoenix », avec le bassiste Chris Jennings et le batteur Tilo Bertholo. L’an dernier, le pianiste s’était aussi fait remarquer par un disque en solo, « Nuit & Jour » sur le label Paradis Improvisé.

     Grégory Privat devient ainsi le 26 ème pianiste récompensé par le Prix Django Reinhardt depuis sa création en 1954, succédant au palmarès à une autre pianiste Leila OLIVESI (2022)… et à un certain Martial SOLAL (lauréat en 1955), président d’honneur de l’Académie du Jazz qui a adressé un message ce lundi soir sur le thème de l’improvisation ( à grands traits, la condition nécessaire mais pas suffisante est de disposer d’un gros bagage) lu en scène par Jean-Michel Proust, président de l’Académie qui a succédé à François Lacharme (2005-2023).

     Au cours de cette soirée marquée par des prestations musicales en direct des principaux lauréats, l’Académie du Jazz (81 membres), a également distingué le disque en trio (« INITIO », Jazz Eleven) du jeune pianiste Mark PRIORE, avec le contrebassiste Juan Villarroel et le batteur Elie Martin-Charrière, par l’attribution du Prix EVIDENCE, consacrant la révélation française de l’année.

     Le palmarès 2023 met aussi à l’honneur des artistes habitués aux couronnes de l’Académie du Jazz. Pierrick PEDRON, saxophoniste et prix Django Reinhardt 2006, se voit attribuer le Grand Prix de l’Académie du Jazz (meilleur disque de l’année) pour un album en duo avec le pianiste cubain Gonzalo RUBALCABA (titré simplement « Pedron-Rubalcaba », sous le label français Gazebo).

     Quant à Laurent CUGNY, prix Django Reinhardt 1989 et Grand Prix de l’Académie 2010 pour « La tectonique des nuages » (Signature-Harmonia Mundi), il décroche le Prix du Disque Français avec un album en grande formation, Laurent Cugny Tentet Zeitgeist, chez Frémeaux & Associés, où il présente sa vision du jazz universel, des grands standards (Duke Ellington, Joe Zawinul, Miles Davis, les Beatles…) à ses propres compositions.

     Figurent également au palmarès de l’Académie du Jazz 2023, ramené cette année à sept prix :

 Le vétéran chanteur américain Billy VALENTINE qui a reçu le Prix Blues, Soul, Gospel pour « Billy Valentine & The Universal Truth » (Flying Dutchman Acid Jazz).

     Le vocaliste suisse Andreas SCHAERER qui a reçu le Prix du Musicien Européen, rejoignant ainsi ses compatriotes Samuel Blaser (tromboniste) et Matthieu Michel (bugliste), lauréats en 2018 et 2021.

     Enfin la série documentaire ZERO GRAVITY ; WAYNE SHORTER réalisée par Dorsay Alavi consacrée au saxophoniste disparu le 2 mars 2023, produite par Brad Pitt et disponible sur Amazon Prime s’est vue attribuer le Prix du Patrimoine.

     Le palmarès complet avec les noms des trois finalistes dans chacune des sept catégories est présenté sur le site de l’Académie du jazz. www.academiedujazz.com

Jean-Louis Lemarchand.   

©photo Jll & X.(D.R.)

JAY JAY JOHNSON  THE QUINTESSENCE

New York- Hackensack- Chicago

Frémeaux&Associés   www.fremeaux.com

 Le label Frémeaux &Associés nous fait découvrir une fois encore des enregistrements rarement regroupés tout à fait dignes d’intérêt.Voilà que sort une anthologie du tromboniste Jay Jay Johnson en un coffret de 2 CDs dans l’excellente collection dirigée par Alain Gerber secondé par Jean Paul Ricard.

On retrouve la prose délicieuse de Gerber et son analyse des plus fines,  un vrai "écrivain de jazz" dont les émissions sur France Musique ( Le jazz est un roman) et France Culture (Black and Blue ) ont formé la culture jazz de nombreux auditeurs, je peux en attester pour mon cas personnel. Auteur d’une trentaine de livres sur le jazz, créateur de la collection “The Quintessence” chez Frémeaux & Associés, il pratique aussi la batterie, ce qui nous vaut la sortie toujours chez Frémeaux de son autobiographie du jazz : Deux petits bouts de bois. Une autobiographie de la batterie de jazz. 

Alain Gerber donne son sentiment sur le musicien Jay Jay Johnson dans le style qu’on lui (re)connaît alors que Jean Paul Ricard reprenant le rôle du regretté Alain Tercinet dans lequel il ne dépare pas, s’attache au factuel et à la chronologie en donnant une biographie détaillée du musicien. Encore un travail d’experts qui continuent l’entreprise patrimoniale du label en orientant leurs recherches vers ce musicien de grande envergure, quelque peu oublié bien que vénéré de ses pairs et en particulier des trombonistes. Jay Jay Johnson a révolutionné l’instrument par un jeu très rapide : improvisateur talentueux, il fut en outre un excellent compositeur ( on retiendra "Lament" et "Kelo" entre autres) et un arrangeur sensible. On redécouvre littéralement la personnalité et l’oeuvre immense d’un tromboniste qui sut aller en-deçà et au-delà du bebop dont il est considéré à juste titre comme l’un des maîtres même s’il est moins cité que les illustres Gillespie, Monk, Powell et en premier Charlie Parker. D’ailleurs en exergue du livret, cette phrase de Bob Brookmeyer, un autre grand tromboniste mais à coulisses : «Le Charlie Parker de son instrument». Même si Jay Jay n’hésita jamais à enjamber ce genre et à sortir de la petite boîte labellisée bebop.Et à travailler avec Miles dès 1953 ( "Kelo" dans Miles Davis vol1 chez Blue Note) et Walkin dans Miles Davis All Star Sextet l'année suivante pour Prestige.

L’anthologie présente en effet un livret très précis où figurent les renseignements discographiques complets des différentes séances choisies, 18 titres pour le premier Cd qui traite de Jay Jay Johnson en leader et 14 pour le second où il est sideman. Grâce à une sélection judicieuse sur une période assez large qui démarre logiquement en 1945 chez Benny Carter (Jay Jay Johnson est né en 1924) et s’achève en 1961 (pour une question de droits) avec “Blue Mint”, l’une de ses compositions pour le Big Band de Gillespie, les auteurs de ce bel ouvrage nous proposent un remarquable parcours en pays bop et au delà. Précisons tout de suite qu’on ne trouve aucun inédit, aucun bonus puisque c’est la date de publication qui fait foi, autre astuce des majors qui ont fait pression pour qu’une oeuvre ne tombe pas dans le domaine public avant 70 ans. Or Jay Jay Johnson qui a mis fin à ses jours le 02 avril 2001 (Alain Gerber titre d’ailleurs son dernier paragraphe avec un formidable à propos Suicide is painless) a continué de jouer et d’enregistrer très longtemps et par exemple rien que de 1964 à 1966, il a signé les arrangements en big band de quatre albums non négligeables pour RCA Victor. 

Les choix d’Alain Gerber et de Jean Paul Ricard sont éminemment subjectifs, mais on peut leur faire confiance, ils ont rassemblé les titres les plus représentatifs du talent et du style uniques de Jay Jay Johnson.

C’est Benny Carter très impressionné qui donne l’opportunité à Jay Jay Johnson d’enregistrer son premier solo dans “Love for Sale” qui commence le CD 2 dans la version du 25/10/1945 et il l’engagera dans son grand orchestre de 1942 à 1945. Après l’ “urbane” Benny Carter, c’est Count Basie qui l’invite (1945-1946). Chez Basie, il a notamment pour voisin de pupitre Dickie Wells qui eut une considérable influence sur lui sans oublier pour autant Trummy Young et J.C. Higginbotham...et le grand Jack Teagarden. Mais dès 1946, ce sont ses premiers enregistrements en quintet avec Bud Powell et Max Roach qui retiennent l’attention, citons sur Savoy “Mad Bebop” sur Jay Jay Johnson Be Boppers le 26/06/46. Jay Jay Johnson est celui qui a adapté le trombone tout comme Bennie Green aux exigences du langage bop, élaboré par des trompettistes et des saxophonistes, des pianistes et des batteurs. Jay Jay est alors considéré comme le meilleur des trombonistes par la revue Esquire et remporte tous les prix possibles considéré dont le «Musicians’ Musician». Dès 1949 il propose une formation à deux trombones à Kai Winding, association mémorable et de longue durée. Il travaille aussi avec Sonny Stitt, le grand mal aimé du jazz que réhabilite volontiers Gerber : retenons les trois séances d’octobre, décembre 1949 et janvier 1950 qui “pourraient bien représenter le plus exceptionnel de sa contribution au jazz enregistré chez Prestige Sonny Stitt Bud Powell Jay Jay Johnson. Stitt et Johnson partagent d’ailleurs la même dévotion pour Lester Young, anti-conformiste lyrique. Jay Jay Johnson peut être considéré comme le tromboniste du bop et du hard bop, enregistre un peu plus tard avec Hank Mobley une série de trois albums chez Blue Note The Eminent Jay Jay Johnson. Grand phraseur même en staccato comme dans “Jay” vol 1 du 24/09/1954 d'une grande précision rythmique, un son soyeux même dans les graves, sans effets de glissando.

Comme il n’ a jamais tiré beaucoup de fierté de sa “reconnaissance”qui ne lui assurait pas pour autant la belle vie, il a quitté la scène à plusieurs reprises pour «observer le jazz de l’extérieur» : d’août 1952 à juin 1954, il est devenu inspecteur des plans (!) au sein d’une usine de la Sperry Gyroscope Company, spécialisée dans les équipements électroniques. Il en sortira pour retrouver Kai Winding et ce duo fait alors des merveilles : on les entend dans le bien nommé “Trombone for two” du disque éponyme Jay & Kay en 1955, une superbe version de “Night in Tunisia” dans Jai (sic) & Kay plus 6 qui renouvelle le standard de Gillespie le 6/9/1956.  Il signe ensuite toujours chez Columbia en 1957 First Place avec Tommy Flanagan et Max Roach. Le quartet peut être la formation rêvée pour découvrir l’étendue du registre du tromboniste, son aisance dans tous les tempos, sa fluidité. Ils poursuivront avec le même bonheur dans Blue Trombone en 1957.

On le voit tout est formidable dans la discographie du tromboniste en leader ou en sideman et on adore évidemment ses envolées avec Dizzy où il parvient à glisser une approche impressionniste. Gerber écrit qu’il stylisait jusque dans la tempête. Ce en quoi il s’oppose totalement à l’autre grand du trombone, son rival si l’on veut, Frank Rosolino, “fauve chez les impressionnistes” (entendre les musiciens West Coast). Il faudrait encore citer le goût de Jay Jay pour une certaine distanciation qu’il partage avec John Lewis et qui le fait se rapprocher du Third Stream de Gunther Schüller et tenter certaines expériences comme The Modern Jazz Society presents a concert of contemporary music le 14/03/1955.

Guidés par l’expertise de nos deux connaisseurs qui se sont livrés à ce «labour of love», non seulement l’amateur se régale mais se constitue ainsi un bréviaire du jazz, une discothèque. Alain Gerber et Jean Paul Ricard ont fourni un vrai travail d’équipe, on ne peut que rendre hommage à ce travail de mémoire précis, précieux et indispensable pour l’histoire de la musique.

NB : On se réjouit d’avance de la parution prochaine, toujours chez Frémeaux & Associés collection the Quintessence d’un coffret dédié à Lee Konitz.

Sophie Chambon

Jérôme Lefebvre (guitare, composition), Timothée Quost (trompette, bugle, électronique), Loïc Vergnaux (clarinette, clarinette basse), Guillaume Orti (saxophones alto, soprano, & C Melody), Benoît Keller (contrebasse), Daniel Jeand’Heur (batterie)

Salins-les-Bains (Jura), 9 -10 décembre 2022

altrisuoni as 375 / l’autre distribution

Dès la première plage, Ouverture, mon pavlovisme de jazzophile bien dressé me souffle à l’oreille : jazz de chambre. Certes. On a le goût des nuances, des timbres affirmés, des techniques orthodoxes, et de la belle combinaison harmonique qui signe la belle ouvrage. Mais très vite je devine que s’ouvre devant moi un territoire d’autres libertés : modes de jeu parfois transgressifs et une certaine audace musicale (l’équipe comporte quelques experts en ce domaine) ; sens collectif ; goût d’une pulsation obstinée (qui me fait parfois penser à Mingus, mais en moins souple) ; désir perceptible de pousser plus loin les bornes de l’improvisation. Je me trouve embarqué dans une musique assez singulière (et sa singularité me plaît!). De très bons solistes, qui dans leurs improvisations apportent les traces de leurs autres expériences, et une sorte de cohérence esthétique qui me met en joie. ‘Jusqu’où s’évapore la musique ? ‘ dit le titre de l’album, et aussi de l’avant-dernière plage. Sans doute jusqu’à son point de combustion imminente, qui vient dans le dernier titre, explicite : Bordello con expressividad. Le jazzophile est heureux, il le dit (et accessoirement l’écrit!)

Xavier Prévost

Le groupe sera en concert le 22 février au Triton, près de la Mairie des Lilas

https://www.letriton.com/programmation/jerome-lefebvre-fmr-orchestra-3048