Barney Wilen (saxophones ténor & soprano), Michel Graillier (piano), Riccardo Del Fra (contrebasse), Sangoma Everett (batterie)

Yerres, 24-26 juin 1987

Elemental Music 5990540 (double LP) 5990440 (CD) / Distrijazz

Une réédition, oui. Mais avec quatre inédits : quatre prises alternatives de thèmes qui figuraient sur le 33 tours et le CD originels, mais qui assurément méritaient de venir jusqu'à nous. Des versions qui musardent, ou qui font parfois un pas de côté. Et ce plaisir de voir revenir cette musique en LP, avec ce grand format qui rend justice à la très belle photo de Marie-Paule Nègre, différente de l'édition originale. Et, au-delà de l'attrait d'un bon pressage, l'intérêt de lire les souvenirs de Philippe Vincent, producteur de la séance pour son label IDA, sous lequel il accompagna les dernières années de la carrière de Barney  ; ainsi que le témoignage de Riccardo Del Fra, partenaire de ces aventures, et qui évoque aussi le rôle joué par le regretté Michel Graillier dans cette belle séance d'enregistrement. Sangoma Everett, qui égrène aussi quelques souvenirs de son arrivée en France, et de sa collaboration avec Barney. Et le poème de Marie Möör qui parle d'un monde presque rêvé, et pourtant là sous nos yeux, présent à notre écoute. Sans oublier la photo qui montre Hervé Le Guil, qui enregistra naguère la séance, et posait voici quelques mois devant la console de son studio, avec son assistant Daniel Cayotte, pendant le travail de remastérisation pour cette nouvelle édition. Et, pour couronner le tout, un texte d'Ashley Kahn, grand exhumateur de trésors (la première version en public du fameux A Love Supreme de Coltrane ; le récit de l'aventure du disque «Kind of Blue» de Miles Davis....). Un texte qui reprend les témoignages de Patrick Wilen, le fils de Barney, et de Martine Palmé, qui fut son agent durant les dix dernières années de sa vie. L'une et l'autre se sont considérablement investis pour que cette réédition, et récemment le coffret «La Note Bleue», voient le jour. Bref ce disque ravive la mémoire, en ouvrant à nouveau une très belle page de l'aventure de Barney.

Xavier Prévost

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Chronique du coffret «La Note Bleue» par Jean-Louis Lemarchand sur le site des DNJ en suivant ce lien

Keith Tippett, Matthew Bourne (pianos)

Leeds, 8-9 juillet 2019 & Londres 12 octobre 2019

double CD Discus 120 CD / https://discus-music.co.uk/catalogue/dis120-detail

À l'issue d'une série de concerts en duo, entreprise deux ans plus tôt, les deux pianistes nous livrent ce témoignage, en studio à Leeds, et en concert à Londres. Riche et passionnant dialogue entre deux musiciens qui, s'ils appartiennent à des générations différentes, ont l'un et l'autre tracé des voies singulières. Pour l'aîné, disparu l'an dernier, un parcours qui va du pharaonique big band 'Centipede' (50 musiciens = 100 pieds....) à des compositions pour quatuor à cordes en passant par le groupe King Crimson, le free jazz, Robert Wyatt, et j'en oublie.... Et pour le plus jeune toutes les aventures du jazz contemporain et de la musique improvisée, de Barre Phillips, Marc Ribot ou John Zorn à Laurent Dehors.... Une musique très vivante, audacieuse, libre mais richement pourvue de références. Et une richesse d'interaction remarquable, portée par une maîtrise des instruments (le son, la dynamique, le phrasé, les couleurs harmoniques....) qui force l'admiration. À découvrir d'urgence !

Sous le même label une œuvre insolite et magistrale de Keith Tippett «The Monk Watches The Eagle» (Discus 102 CD), enregistrée en 2004 par la BBC, et publiée récemment, avec une belle brochette de jazzmen britanniques (Paul Dunmal, Chris Biscoe....), mais aussi les BBC Singers, et la voix soliste de Julie Tippett, qui fut dans les années soixante, sous son nom de Julie Driscoll, l'une des très grandes voix soul d'Europe avant de devenir une figure de la musique expérimentale.

Xavier Prévost

PIERRE FENICHEL Quintet FRENCH TOWN CONNECTION

LABEL DURANCE

label durance (label-durance.com)

Frenchtown Connection teaser 1 - YouTube Music

Un CD assurément étonnant dès la pochette sombre au graphisme proche du Bauhaus et qui peut rappeler la tension de certains titres du mythique groupe anglais Joy Division; un titre qui joue habilement sur Trenchtown, le quartier musical de Kingston (ska, rock steady et reggae jamaïcains) et French Connection, le film emblématique de William Friedkin sur Marseille, capitale d’un certain banditisme lié à la drogue, dans les années 70. Un autre regard sur la cité phocéenne, bien différent de la vision pagnolesque un peu folklorique, reconnaissons-le, mais toujours très populaire. Citons un extrait des liner notes très précises et soignées:

L’imaginaire marseillais traverse cette musique Frenchtown Connection...Le film m’a fait comprendre que la cité phocéenne avait le potentiel de produire de la narration… Frenchtown rencontre Trenchtown, le quartier de Kingston, une musique se glisse entre deux mondes.”

Pierre Fénichel est un contrebassiste marseillais que l’on connaît ici depuis longtemps ( Compagnie Nine Spirit),  l’un des musiciens du quartet du saxophoniste Raphaël Imbert, aujourdhui directeur du Conservatoire Régional. Après une première expérience en leader avec ce Breittenfeld en 2016, autour de l’altiste Paul Desmond, en trio avec Alain Soler et Cedric Bec, le voilà qui se lance pour son deuxième opus dans une adaptation jazz de la musique jamaïcaine qui a ébloui sa jeunesse dans le quartier ouvrier et isolé (Marseille est tellement étendu) de St Marcel/ La Barasse. Et encore plus épatant, il déjoue les clichés autour de l‘icônique Bob Marley et du reggae, tant la production musicale de cette petite île, un peu plus grande que la Corse, mais bien plus peuplée ( près de 3 millions d’habitants) est étonnante de diversité. Ce n’est en effet pas le reggae que le contrebassiste veut évoquer. Il n’y en a qu’un et il n’est pas de Marley, c’est l’une des deux seules compositions originales sur les 8 titres de l’album qui comprennent donc 6 reprises, réminiscences des premières amours musicales mais aussi des découvertes récentes tant la musique jamaïcaine est riche d’influences métissées.

Enregistré dans les studios du label Durance (Alpes de Haute Provence) dont le guitariste Alain Soler est le directeur artistique, avec une prise de son fluide et rapide, les arrangements de Pierre Fenichel ont la spontanéité de l’original. Lisible et pourtant mystérieuse, cette musique interroge dès le premier titre, cérémonie lancinante qui vous emporte immédiatement, “Bongo Man” de Count Ossie, le premier musicien rastafari à accueillir cette pratique, “un Sun Ra jamaïcain des années quarante”. Retenez ce nom, un autre titre de sa composition nous balade dans l'ambiance d'une “Ethiopan Serenade”

Un autre crooner de l’île est à l’honneur, Ken Booth, un Marvin Gaye de la Jamaïque avec ce “I don’t want to see you cry”  dans un arrangement d’une douceur exquise, une rythmique dansante, un trombone gouleyant qui flirte avec la trompette. On retient instantanément la mélodie. Sans avoir besoin de vocaliste, le quintet est remarquable par la qualité des instrumentistes, l’alliage de leurs timbres: le trompettiste domine sur ce “Simple song” dont la facilité n’est que dans le titre : le son joufflu d’un vrai petit orchestre,  le trombone enjôleur, la guitare impeccable dans ses enluminures et la batterie au rythme combatif.

Si le contrebassiste connaît bien le guitariste Thomas Weirich, Braka le batteur (Simon Fayolle), et Romain Morello le tromboniste ( actuel professeur au Conservatoire), le trompettiste sud africain Marcus Wyatt est la révélation de cet album.

 Dans ses arrangements le contrebassiste fait revivre intelligemment la tradition sans renoncer à l’un des principes directeurs du jazz, laissant la part belle à l’improvisation du groupe dans un cadre aménagé, quelque peu détourné. Le groupe se réapproprie les originaux jamaïcains en changeant rythmes, couleurs et instruments, en opérant un rhabillage neuf et insolite. C’est bien l’oeuvre de jazzmen qui gardent l’empreinte d’une musique aimée, délaissée mais jamais oubliée. Quand elle fait retour, elle a une intensité et une force peu communes.

Le plus bluffant est peut être cet “Exodus” qui n’est pas, contre toute attente, une revisitation en trio (guitare, basse, batterie) du tube de Marley mais une recomposition à la fois nostalgique et épurée (il n’ y a pas d’autre terme, croyez moi ) du thème original d’Edmond Gould qui irrigue continûment le film d’Otto Preminger (1960) d’après Leon Uris.

Entre exercice et hommage, cet album est une vraie réussite,  originale, plaisante et surtout libre. Une découverte pour une Marseillaise native qui, si elle connaissait la French Connection, de la Jamaïque, hormis le reggae, ignorait totalement l’étendue de cette culture musicale insulaire si éloignée de la Méditerranée. Le jazz sait s’en emparer avec aisance. Alors merci Monsieur Fenichel!

Sophie Chambon

Guillaume de Chassy (piano), Élise Caron (voix), Arnault Cuisinier (contrebasse), Thomas Savy (clarinette basse, clarinette)

Pernes-les-Fontaines, mars 2019 & Meudon, mai 2020

NoMadMusic NMM 086 / PIAS

Il est des artistes qui, en toute circonstance, donnent l'impression d'être en perpétuel pas-de-côté, mais tout en restant au cœur même de leur Art. Guillaume de Chassy, Élise Caron, Arnault Cuisiner et Thomas Savy sont de cette trempe, avec cet incroyable talent de métamorphoser en pépites des musiques que l'on aurait crues ternies par le temps. Des emprunts aux répertoires d'Yves Montand, Danielle Darrieux, Suzy Delair, Charles Trenet ; mais aussi des versions purement instrumentales de Bill Frisell ou Prokofiev -tuilé de Bill Evans- (avec clarinette basse et contrebasse, le tout traité comme si c'était du Schubert), de Trenet (L'Âme des poètes , en piano solo), pour conclure avec un lied de Schubert (mais sans la voix), manière de circonscrire le lieu d'où l'on s'exprime. Élise Caron est impériale, sur le fil de l'émotion, mais en pleine maîtrise de l'expression. De ces chansons marquées par des versions princeps qui les rendraient intouchables (mais aussi, pour L'Étang, une histoire balisée par une version de Blossom Dearie), la chanteuse-comédienne (ou comédienne-chanteuse, tant ces talents chez elle se confondent) fait son miel, ou plutôt son mercure, fascinant d'éclat, chatoyant, fluide, et vénéneux quand il s'insinue. Loin du jazz ? Pourquoi pas, et pourtant la liberté de phrasé, et la qualité de l'écoute interactive, nous plongent au cœur même du mystère qui préside à cette musique. Dans le livret du CD, Guillaume de Chassy écrit : «Nous avons peu répété, nous abandonnant face aux micros au risque de l'instant présent. Nous avons souhaité cette fragilité, marchant main dans la main au-dessus du vide». Tout est dit. Le résultat est d'une confondante beauté.

Xavier Prévost

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En concert le 26 janvier 2022 à Paris au Bal Blomet

Kevin Norwood (voix, textes, composition), Rémi Ploton (piano, claviers, effets), Sam Favreau (contrebasse), Cédrick Beck (batterie, percussion numérique, effets)

Lieu et dates non précisés

Onde Music OND9 / Inouïe Distribution

Kevin Norwood poursuit une aventure musicale très singulière, frappée au coin de l'exigence musicale et de l'ambition artistique : ambition largement réalisée, et qualité musicale du plus haut niveau. Le chanteur était dans une première vie musicale saxophoniste, et cela s'entend dans la ductilité de ses phrases, la pertinence de ses ornementations, et la folle cursivité de certains de ses élans. Le disque n'est pas celui d'un chanteur accompagné, mais celui d'un groupe de jazz, en totale interactivité, en parfaite osmose. Le chanteur est aussi un compositeur, fervent adepte des sinuosités harmoniques, des chromatismes audacieux, et des intervalles distendus. Le compositeur œuvre sur ses propres textes, en Anglais (l'une de ses deux langues d'origine), textes richement évocateurs dont la musique épouse la prosodie singulière d'une manière presque miraculeuse. La voix se faufile avec une agilité confondante d'un registre à l'autre, sans perdre jamais ni la singularité de son timbre, ni sa formidable expressivité. Ses partenaires sont toujours en dialogue, et plus que cela, en parfaite connivence. Une reprise de Joni Mitchell, Both Sides Now, complète admirablement ce répertoire d'une exceptionnelle qualité. Depuis le disque «Reborn» (AJMI Series, enregistré en 2013) et quelques concerts auxquels j'ai assisté (notamment, en 2019, à l'un de ceux qui rôdaient ce nouveau répertoire, élaboré dans le cocon du Petit Duc d'Aix-en-Provence), ce musicien-chanteur-auteur-compositeur et improvisateur m'épate. Et c'est encore le cas avec ce qui est pour moi un GRAND disque.

Xavier Prévost