Circum disc 2012/Cidi 1201
Muzzix
MVS distribution

Le groupe nordiste Impressions dont on avait beaucoup aimé le premier disque sorti en 2004  Le bénéfice du doute, poursuit sa trajectoire à son rythme, sans heurt . Ce nouvel album, le troisième, est  tout simplement captivant. En fait, le quintet revient sous un autre nom FLU(O), avec cet  Encore remuants intriguant qui affirme ainsi sa capacité à se renouveler. La continuité dans le changement, puisque les cinq musiciens originels sont encore de  l’aventure. On aurait tort de s’en plaindre, il s’agit d’un groupe de haute volée. Dès les premières secondes, l’ambiance est mystérieuse, comme si l’on embarquait pour un voyage de nuit, sans connaître la destination. Avec des morceaux fièvreux, d’une vibrante intensité, on se laisse happer pour un voyage de six pièces, assez court, mais intense.
Une musique séduisante, aux climats urbains, changeants :  de puissants emballements qui mettent en résonance, formidable afflux d’énergie brute, jaillissement ininterrompu, convulsions rythmiques. Parfois mélancoliques, parfois montées sur ressort, les compositions sont dopées à l’énergie sincère du rock, l’ambiance ne retombe jamais, mais les musiciens n’en oublient pas pour autant la mélodie, hypnotique et survoltée, comme dans « Annam » où un certain engourdissement installe un climat instrospectif, lenteur planante que trouent la trompette revigorante, par éclats vifs et le friselis de la guitare jusqu’au crescendo final..
Travail du son et des textures, nouvelles couleurs d’un jazz affranchi, résolument moderne, actuel, voire alternatif comme l’on parlait du rock progressif. La belle trompette de Christian Pruvost frise et défrise dans la deuxième composition « Frigorifique », avant que le piano de Stephan Orins ne retentisse, troublant la donne. Le cinquième titre «Toujours remuants » donne à Olivier Benoît l’occasion de nous proposer un long développement à  la guitare, après que le batteur Peter Orins ait jeté l’arrière-plan entêtant, posé les fondamentaux avec la basse de Christophe Hache, créant une rythmique obsédante, crépitante, énervée.
Cette musique reste sophistiquée, allant plus loin que le rock, sombre et lyrique : sous les projecteurs, Flu(o) garde sa densité et reste maître de ses exigences et de son pouvoir, donnant libre cours à son imagination rythmique et à sa fougue sonore. Une expérience poétique autant que physique, un flux continu, éloquent et abrasif . Ainsi en est il du dernier morceau « Polly », solo du batteur aussi généreux que retenu avant l’envolée finale.  On suit jusqu’aux dernières salves, tout à fait conquis !
Sophie Chambon

Dianne Reeves rentre sur scène timidement en tirant sur son t-shirt pailleté comme les jeunes débutantes. Elle ferme les yeux et en quelques notes se transforme en "feel good lady". Quelques notes à la puissance incroyable, dans les bas-fonds comme au firmament. Elle est  tantôt charmeuse, tantôt contrebasse. Elle se joue des harmonies et du phrasé ; elle est une femme incroyablement libre, incroyablement intense.  Sa musicalité et sa technique vocale phénoménales ("même sans micro elle chante fort") ne suffiraient pas à décrire son immense talent. Elle se jette de tout son être dans la bagarre et c'est la vie qui jaillit sur scène, une radicale authenticité. Prêcheuse, non. Chanteuse, non. Seulement présente de manière authentique et généreuse dans l'ici et le maintenant. Elle se déchausse, se défait de ses bijoux et se donne. Dans chaque note, dans chaque harmonie, dans chaque rythme, dans chaque improvisation. Avec une joyeuse audace, elle déconstruit, triture, approche, se réapproprie, réinvente, fait sien, chaque thème, chaque genre (rock, reggae, jazz, pop)...pour mieux nous l'offrir. Relaxez-vous dit-elle en début de concert, nous allons passer ensemble un moment de bonheur. Et c'est ce qui se produit. Elle nous transmet sa joie et son énergie, son feeling bestial. Stormy weather (ô combien de circonstance!) est lumineux. Misty est un feu d’artifices. Our love is here is to stay en duo avec le guitariste-orfèvre, Romero Lubambo, est inoubliable.  Jusque dans sa présentation improvisée de ses musiciens, elle fait preuve d’une jubilatoire générosité. Mazette, quel concert !
 
A suivre salle Pleyel Wayne Shorter le 3 novembre et surtout Brad Mehldau le 21 novembre, d’autres régalades en perspective…La salle Pleyel nous gâte !
Régine Coqueran

Out Note 2012

Stéphane Kerecki (cb), Matthieu Donarier (ts, ss), Thomas Grimmonprez (dms) + Bojan Zulfikarpasic (p, fder), Tony Malaby (ts, ss)

Stéphane Kerecki, après une parenthèse enchantée, enregistrée en duo avec le pianiste John Taylor, reprend son trio et le format de « Houria » ( celui avec le saxophoniste Tony Malaby **** STEPHANE KERECKI TRIO featuring TONY MALABY : “Houria” ) auquel il ajoute un invité de choix, le pianiste Bojan Z.

Le trio se meut donc en quintet. Et encore une fois l'énergie, la pulse et le sens du jouer ensemble emportent tout. Mais il y a aussi autre chose. Une vraie écriture de Kerecki qui, au-delà de ses talents de rassembleur et d’orchestrateur, au-delà de ses talents de contrebassiste, éclate ici dans sa dimension de compositeur. Son écriture navigue entre les déambulations shorterienne ( le scaphandre et le papillon) portant sur les mêmes flottements et parfois aussi les mêmes dérives. Sa musique peut être sage et sauvage à la fois, tripale autant que réfléchie. Et c’est bien tout le sens de ce titre éponyme, Sound Architect qui montre bien cette démarche d’organisation de l’espace sonore, ce sens du découpage presque géométrique. La démarche n’est pas facile d’autant que Tony Malaby et Matthieu Donarier se partagent cet espace chacun jouant du ténor ou du soprano mais chacun aussi se complétant à merveille. Les thème sont magnifiques comme La source par exemple où l’énergie circulante s’empreint de gravité et d’urgence. Et il y a aussi Tony Malaby dont le son est à chaque fois qu'il s'exprime, un événement en soi. Quoiqu'il soit amené à dire, il le dit en exprimant le jazz et tout son lot des grands saxophonistes qui l'ont précédé ( il a la raucité de Rollins, la déchirure d'Ayler et le phrasé de Shorter....). Pièce maîtresse de ce dispositif, Tony Malaby déchire le rideau, grave l’espace, complice d’un Donarier qui lui, le cisèle et l’orfèvre. Petite concession à Bojan Z un Serbian Folk Song thème collectif composé par le pianiste , Kerecki et Grimmonprez et qui, placé en début d’album, n’entre pas réellement dans l’esthétique de l’album. Mais cela ne fait pas oublier l’énergie qu’apporte le pianiste et surtout les couleurs harmoniques qu’il impose.

Emerge alors la dimension d’un grand album de jazz. Un album où le collectif s'impose avec brio. Un album encore essentiel dans ce groupe majeur.

Jean-Marc Gelin

L'interview : Stéphane Kerecki, la construction de soi

Les Disque de Lily 2012

Il faut être sacrement audacieux et avoir un producteur totalement inconscient pour partir comme ça tout seul enregistrer en studio à la Nouvelle Orléans un album de guitare solo. Qui plus est lorsque cet album résonne comme un voyage existentiel au plus proche de ce que sont ses propres racines musicales, album introspectif s’il en est. Mais attention chez Pierre Durand introspectif ne veut pas dire roboratif et maniaco-dépressif. C’est tout le contraire. On est ici dans le domaine de la quête personnelle. Une mystique en quelque sorte. Et il n'y a rien d'étonnant à ce que l’album s'ouvre sur un thème dont le titre est "Coltrane", certes le moins orléanais des musiciens de jazz mais en qui Pierre Durand semble se trouver comme en fraternité, comme avec tout ces musiciens en quête de leur propre substrat musical.

Pierre Durand est un guitariste incroyable. Une sorte d’homme fait guitare. Artiste totalement investi dans son art comme on peut le voir, physiquement sur scène où la musique semble lui traverser le corps. Il traîne sa bosse dans le gotha du jazz depuis des années. Fidèle serviteur d'une musique qui n'est pas la sienne il s’est ainsi mis au service de formations prestigieuses comme celles de François Jeanneau ou encore de Daniel Yvinec. On l’a vu aussi  récemment dans le superbe album de David Patrois ou encore dans le staff d’Archie Shepp autour de Atica Blues revisited.

Il était temps de rentrer désormais dans l’univers propre du guitariste, dans sa propre intimité musicale. Et quoi de mieux pour cela que cette mise a nu totalement impudique, que cet l'exercice solitaire et néanmoins équivoque du solo.

Au cœur du Delta, Pierre Durand dans les studios mythiques de Piety Street s'aventure ainsi sur les terres du jazz, jette des ponts entre l'africanité et le blues du Croissant ( When i grow too old) ou s'offre un hommage à la musique de John Scofield-ce-heros objet d'une digression toute personnelle ( Who damn is john scofield). Porteur de couleurs et surtout travailleur acharné du son (sonorité et résonance) et architecte des espaces sonores (où les silences joue d'ailleurs un jeu essentiel) Pierre Durand sait tout faire avec sa guitare au point de donner parfois l’impression d’être plusieurd, de sembler dialoguer avec lui-même. Les cordes claquent, tranchantes parfois, moelleuses souvent, le son est glissando et Pierre Durand n'hésite pas a se salir parfois, a rendre le son un peu crade quand il le faut (il faut absolument qu’il aille le faire écouter a Scofield !). Mais il y a surtout de la profondeur dans cet album là. Et tout à son histoire égocentrée Pierre Durand s'offre même le luxe de faire venir dans le studio Nicholas Payton sans lui faire jouer la moindre note à la trompette mais juste pour la voix qu'il pose, aux côtés de John Boutè, sur un thème un peu décalé, beau presque religieux mais pas franchement réussi (et qui perso m'évoque plutôt une after avec I muvrini !).

Tout au long de cet album-ovni qui ne ressemble à rien, tout au long de cet espace méditatif, on est frappé par le gros travail d'écriture remarquable et par celui des explorations harmoniques hallucinantes (comme sur les amants). Et l’on reste impressionnés par la dimension de Pierre Durand, improvisateur assez dement !

Il resterait simplement à tous les programmateurs de franchir le pas. Il le mérite amplement. A condition que l’audace soit aussi partagée.

Jean-Marc Gelin

Sortie nationale 8 octobre 2012
Concert de sortie le 30 octobre à Mont St Aignan (76)

Distribution anticraft




S’il n’oublie pas l’historique Campagnie des Musiques à Ouïr (avec Christophe Monniot, puis Laurent Dehors et David Chevalier),  le batteur Denis Charolles a essayé de l’étoffer, il est passé à une autre dimension, avec d’autres formations, ouvertes à des instrumentistes mais aussi des chanteurs aussi extraordinaires que Loïc Lantoine et Eric Lareine. Ainsi Les Etrangers Familiers ont rendu un Salut respectueux et sincère à Georges Brassens, projet célébré aux DNJ.
 Après la création Duke et Thelonius,  L’Ouïe neuf est le neuvième album des Musiques à Ouïr, avec une Campagnie augmentée, nébuleuse issue de  Mélosolex, Journal Intime  (le saxophoniste Frédéric Gastard, le tromboniste Matthias Malher et le trompettiste Sylvain Bardiau),  Super Hibou  (Antonin Rayon). Cette Grande Campagnie des Musiques à Ouïr est  protéiforme, donnant la parole dans un discours collectif à des musiciens complices, constamment époustouflants qui doivent absolument être vus sur scène, dans la recréation  de cette musique.
La Campagnie se charge en cuivres sur ce  nouvel album, rayonnant, qui accroche dès les premières notes : il ne s’agit pas d’envoûtement fluide, d’une douce transe, imperceptible, au contraire, on est au cœur du chaudron des Musiques à Ouïr. Ça pulse, ça vibre et résonne, ça danse enfin, retrouvant cette aspiration au mouvement, trop souvent oubliée aujourd’hui de certains musiciens qui cérébralisent inutilement leur musique. La musique taille dans la chair, à vif, bénéficiant de la formidable synergie des huit, d’une complicité potache qui semble indéfectible. Que l’on espère ainsi, du moins. Energie tendue, rock cuivré, quelque chose d’assez primal qui sort de ce désordre savamment (dé)réglé,  exutoire rythmé et mélodique, libérateur, nerveusement rageur et joyeux à la fois, comme dans cette composition  insolite, superbe  « Le petit et le grand gazon ».
Voilà une efficace mise en jeu du corps et du mental, un  engagement des musiciens dans cette course piquante, plaisante mais effrénée  avec des collages à la Zappa, de brusques changements de rythme comme dans cette « M.C suite » déglinguée, en hommage à …Mariah Carey ! Pas étonnant d’ailleurs qu’un des morceaux soit dédié à Captain Beefheart disparu récemment.
On prend la mesure de ce groupe loufoque, génialement touche-à-tout, qui remet certaines musiques à l’ordre du jour avec cette merveilleuse suite, longue de plus de dix minutes qui  vous tiennent sous le charme, ce  «From Duke to D »… morceau de bravoure réunissant tradition et modernité.
Cette musique est une création prolifique qui part dans toutes les directions, suivant la piste de Kurt Weil dans le premier morceau, emboîtant le pas des « marching bands » dans « Bob et John », du New Orleans qui lorgnerait du côté de l’Art Ensemble,  des impros collectives  à la douce euphorie qu’entraînent une trompette éclatante,des clarinettes étonnées dans « Beau gosse », sans oublier  une reprise de « Shimmy Shimmy Ya » d’ Old Dirty Bastard  (ODB), du rappeur chanteur du Wu Tan Clan. Il y en a  absolument pour tous les goûts (ah, ce délicieux petit intermède « Java » qui vous fait trotter rondement ) et les titres sont adaptés à ces morceaux baroques,  un rien surréalistes comme l’inquiétant « Joker » issu du spectacle « Au lustre de la peur » écrit par l’étonnant Eric Lareine.
Voilà une musique populaire, au sens le plus noble du mot, diversifiant  timbres et couleurs, métissage de styles, jouant au plus fin avec l’instrumentation originale (3 clarinettes dont Jacques Di Donato que l’on est heureux de trouver en si bonne campagnie, une flûte, des saxes, du soprano au basse, un trombone,  un tuba, une trompette,  une batterie infernale, des percussions diversement fantaisistes).
 Vous l’aurez compris, Denis Charolles est un leader compositeur hautement éclectique qui a l’art de bien s’entourer. Avec Frédéric Gastard, arrangeur brillant, ils sont les artisans hautement éclairés, bâtisseurs de cette architecture hybride, délirante et sérieuse. Mais tous les musiciens sont absolument formidables, animés de ce (gros) grain de folie, nécessaire pour régler et dérégler à volonté l’ensemble. Ainsi, la musique de la Grande Campagnie arrive à développer simultanément la voix de chaque interprète tout en renforçant les élans collectifs. Irrésistible et intemporel, donc vivement recommandé  !

Sophie Chambon