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6 mars 2007 2 06 /03 /mars /2007 07:00

JJJ ALEXANDRE CLERISSE : « JAZZ CLUB »

Ed. DARGAUD – Collection Long Courrier 2007

 

 

 Alexandre Clerisse est un jeune dessinateur de 27 ans qui avec Jazz Club est sorti diplômé l’an dernier de l’École Supérieure d’Angoulême avec les félicitations du jury. Les Éditions Dargaud lui donne aujourd’hui la chance de voir son travail publié dans la collection Long Courrier.

 

 

Un travail qui raconte l’histoire d’un personnage attachant, saxophoniste de jazz ayant connu la gloire sur la West Coast vers la fin des années 60 et confronté à l’abîme de la création, à l’impasse artististique lorsqu’il n’est plus possible au musicien d’émettre le moindre son, de jouer la moindre note. Exil du musicien en France, exil en lui même, flash back et retour sur ses derniers instants de scène. On est convaincu par le mal être, le désenchantement du musicien en errance, désabusé par lui même. Tournant à vide jusqu’à refuser une jam session avec Miles Davis, Herbie Hancock et Wayne Shorter. Le récit hésite alors entre Los Angeles années 60 et un petit village de France en 1999 sur fond d’atmosphère apocalyptique à l’approche du fameux passage à l’an 2000 lorsque le vent souffle les prémisses d’une tempête menaçante. Dommage qu’il greffe alors à son histoire celle d’une secte d’illuminés de l’apocalypse dont l’irruption ne s’imposait absolument pas.

 

 

On est en revanche séduits par le dessin presque naïf et un poil décalé de Clerisse, refusant tous les clichés des jeux d’ombres et de pluie mouillée du dessin des BD jazz.  Clerisse donne une alors une vision attachante de ses personnages comme ces retrouvailles très émouvantes de ces anciens amants après 30 ans de séparation. Clerisse, enfant d’Aurillac, sa ville natale convainc beaucoup moins lorsqu’il croque Los Angeles des années 60 que lorsqu’il parvient, très simplement et avec grâce à capter la lumière de l’automne, les couleurs ocres, les sapins des forêts d’auvergne.

 

 

Du bon et du moins bon donc dans cet auteur à qui l’on reconnaîtra d’avoir déjà trouvé son style et d’imprimer une marquée réellement originale. Une vraie patte en somme. Un auteur à suivre. 

 

 

Jean-Marc Gelin

 

 

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6 mars 2007 2 06 /03 /mars /2007 06:50

JJJJ MICHEL PORTAL: «  Birdwatcher »

 Universal 2007

 

 

Cela fait déjà quelques temps que Michel Portal flirte du côté de Minneapolis. Depuis le début du millénaire en fait.  Portal y a en effet noué de réelles amitiés avec quelques uns des musiciens de là bas au point d’y avoir réalisé déjà deux albums (Minneapolis et Minneapolis, We insit en 2001 et 2002). Et pourtant voilà 6 ans que Portal n’avait plus enregistré un seul album et se concentrait exclusivement au plaisir d’être sur les scènes du monde entier, affichant au compteur près de 20 scènes par mois ! 6 années qui ne l’ont pas éloignées de sa bande de copains de Minneapolis et de son festival dont le producteur, Jean Rochard (Nato) n’est autre que le producteur du présent album. Le plaisir toujours renouvelé de retrouver régulièrement Sonny Thompson, Michael Bland, Tony Hymas ou Jef Lee Johnson était intact et il était donc logique que cela aboutisse sur un troisième volet des aventures de Portal en Minnesota et sur un nouvel album que les musiciens ont donc eu le temps de mûrir .

Et pour cela Portal et Rochard ont eu l’idée géniale d’élargir la bande à quelques invités de renom qui par leur très forte personnalité musicale étaient capables d’apporter un sang réellement neuf. A cet équipage de base l’idée formidable a donc été d’ajouter quelques pièces essentielles : Tony Malaby, jeune prodige du saxophone ténor, une belle idée rythmique avec l’incroyable batteur JT Bates (Impatience) , François Moutin (Nada Mas) absolument impérial tout au long de l’album et last but not least Airto Moira le percussionniste surnaturel jadis rencontré du côté de Weather Report.

Si l’on a coutume de dire qu’avec l’âge, les musiciens tendent à épurer leur jeu, à l’espacer beaucoup Michel Portal qui nous revient ici plus fougueux que jamais ne fait assurément pas le sien. Dans cet album mûri depuis 6 ans et enregistré en une semaine, Portal trouve ici une véritable nouvelle jeunesse transcendant véritablement son instrument de prédilection (la clarinette basse) au point de pouvoir le dompter et le tordre à l’envie. Totalement affranchi des contraintes de l’instrument au point aussi de s’imposer comme le maître incontournable de l’instrument que seul (et encore) un Bennie Maupin peut concurrencer sur ce terrain là. Une clarinette basse emmenée aussi bien sur les terrains de l’errance un peu mystérieuse et feutrée ( Blue lightouse) mais surtout débridée aux limites d’un free jazz ou free rock déchaîné mais toujours totalement maîtrisée. Et là Portal nous surprend en nous emmenant là où on ne l’attend pas. Certains ont pu comparer les compositions de Portal avec celles de Miles.  A l’entendre pourtant on se prend à imaginer un autre univers, celui qu’aurait pu être le prolongement de Weather Report si ce groupe avait poursuivi sa route. Une écriture shorterienne mêlée à un tropisme qui mène cette musique vers une sorte de jungle sud américaine ou africaine (Lake Street), des percussions latines, des motifs prétextes à l’improvisions, des mises en scènes privilégiant des crescendis et une rythmique au dynamisme irrésistibles.  Projet totalement emballant dont les faux excès ne s’expriment jamais au détriment de la finesse du propos. Sérieux coup de fouet pour ceux qui cultivent certains poncifs sur le jeu de Portal loin de ce que l’on a l’habitude d’entendre chez lui. Peut être est ce dû à la direction  artistique de Jean Rochard et à la délectation avec laquelle Portal se plaît à jouer le jeu de ses camarades.  Tony Malaby tout en délicatesse est là parfaitement à l’aise pour marcher dans les pas de Portal. A moins que  durant ces sessions , il ne soit finalement agit de l’inverse.

 

 

 Jean-Marc Gelin

 

 

 

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6 mars 2007 2 06 /03 /mars /2007 06:47

JJJ David Patrois Trio plus 2 : «  Il Sogno di Diego »

 Abeille 2007

 On  reconnaît tout de suite la manière virtuose, sensible, énergique et rebondissante de cet ensemble où chaque instrumentiste possède un son superbe et unique et l'on se laisse embarquer dès la première mesure, dans un tableau sonore des plus plaisants. Ils ne sont pas trois mais «  trois plus deux », c’est d‘ailleurs le sous-titre de l’album -  du moins sur neuf des treize compositions.

 Reposant sur des contrastes de volumes et de lignes, de textures et de timbres, l’alchimie de cette musique tient au  subtil dosage des interventions de solistes généreux  qui savent aussi se fondre à merveille dans le collectif.

 Le leader David Patrois  a un incontestable talent de compositeur  et s’il ne joue pas seulement  des  vibraphone et marimba (dont on se réjouit qu’ils reviennent à la mode), sa musique a une qualité délibérément chantante, avec des crescendos nombreux qui entraînent dans un vertige enivrant. Une grande partie du  plaisir vient de ce son d’ensemble qui donne toute sa cohérence à l’album ainsi que de la nervosité frémissante qui le parcourt depuis l’inaugural «Au quatrième top» jusqu’au final «Quazar», y compris dans les titres en trio « Ptit bout ».   Une formule colorée, à l’assise généreuse (les baguettes expertes de Luc Isenmann, sans être trop envahissantes, répondent et relancent de façon décisive), sans contrebasse.  Les seules cordes entendues sont celle de Pierre Durand, et on ne peut que louer le choix d’une guitare doucement électrisée comme dans «St Barnabé».  Seb Llado, le tromboniste de l’ONJ de Barthé, que l’on retrouve toujours avec plaisir, signe une composition « Dernières danses » aux sensuelles envolées et offre au sopraniste  Jean Charles Richard qui barytone aussi  avec conviction, une belle échappée, avant d’imposer entre cuivre et souffle, une mystérieuse liaison, un son  retenu ,velouté ou vibrant dans son attaque.

 Un disque réjouissant, élégant, qui nous tient en éveil, une mise en jeu du corps et du plaisir.

 Sophie Chambon,

 

 

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6 mars 2007 2 06 /03 /mars /2007 06:45

JJJJ JEF NEVE : « Nobody is illegal »

 Universal 2007

 

 

 Il y a peu de chances que vous ne connaissiez ce jeune pianiste belge qui signe pourtant là son troisième album. Déjà considéré à Bruxelles comme une véritable star du jazz nous ne le connaissons pas ici. Mais désormais et maintenant qu’il  a été repéré par Universal il y a peu de chance, si vous aimez le jazz, que vous passiez à côté de ce nouveau bolide lâché avec génie sur les claviers. Car ce pianiste qui arrive sur la scène est une véritable bombe. Mettez le disque de Jef Neve et vous verrez ! Ou plutôt vous entendrez ! Vous entendrez un mélange de Brad Meldhau et de Jason Moran et vous y entendrez aussi la résurrection de Bud Powell et celle de Bach. Car ce pianiste affamé des claviers est un adepte du piano total. Dévorant les claviers comme un mort de faim Jef Neve ne donne pourtant pas dans la caricature du boulimique des notes. Et Jef Neve n’a pas que la manière, il a l’art aussi. L’art de la construction des morceaux, l’art des arrangements qui derrière le déchaînement de notes furieuses laisse apparaître une grande subtilité dans l’irruption très discrète d’une section de cuivre apparaissant ici ou là comme de petites touches harmoniques. L’art des revirements incessants. Jef Neve est insaisissable !

 Après un premier morceau très court et très classique, Jef Neve nous laisse totalement abasourdis par un Nothing but a Casablanca turtle Sideshow for diner  ( !) qui commence comme un prélude de Bach pour se poursuivre par un crescendo absolument é-pous-touf-flant ! La suite est à l’envie. Bien cadré sur le plan de la direction artistique, le petit génie de Universal instille de petits interludes intelligemment posés en cours d’album. Change les climats. Dans Abshied, Jef Neve nous montre qu’il a retenu les leçons d’une certaine forme de romantisme Meldhien même si on le souhaiterait parfois un peu plus caressant. Mais peu importe. Dans Second Love le pianiste se montre habile arrangeur.  Là encore les cuivres surgissent pour souligner la mise en tension harmonique. Dans sa construction le morceau évoque le passage aux différents sentiments amoureux. Le crescendo est ainsi interrompu par un solo de contrebasse alors que l’arrivée des cuivres sonne comme la renaissance d’un second amour exalté. Dans le titre éponyme, Nobody is illegal on remarque aussi l’incroyable présence de son batteur Teun Verbruggen qui montre une réelle science du contre temps qui comme sur Nothing but… se cale admirablement sur la main gauche du pianiste. Il est étonnant de voir comment tout au long de cet album ce jeune pianiste parvient non seulement à assumer l’héritage (si on peut dire s’agissant d’un jeune quadra) de Meldhau qu’il perpétue avec respect (Until now, abshied) mais plus encore à le transcender à l’amener vers une voie nouvelle.

 Car Jef Neve, anti-thèse des pianistes minimaux, innove. Dans ces morceaux tant de revirements, d’accélérations, de ralentissements, de brusques virages, de piano préparé ou non, de jeux d’ombres et de lumières avec toutefois une ligne acoustique toujours fidèle. Alors que l’on pensait l’exercice du piano jazz un peu figé, Neve bouscule l’auditeur, le désarçonne et nous apporte la démonstration brillante qu’il se passe toujours quelque chose dans cette musique en perpétuel renouvellement. Une démonstration plus qu’enthousiasmante de la vitalité de cette musique. Une preuve magistrale ! La preuve par Neve !

 

 

 

Jean-Marc Gelin

 

 

 

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6 mars 2007 2 06 /03 /mars /2007 06:41

JJJ Jean Philippe Muvien : « Trio Live »

 

 

Allgorythm 2007

 

 

 « Commencer par quelque chose qui finit », Jean-Philippe Muvien aime ça. C’est  ainsi  que débute ce trio live, sur l’apaisement d’une impro de plus d’un quart d’heure, pendant un concert enregistré au Triton, salle des Lilas. 

 

 

Jean Philippe Muvien sort son quatrième album, le deuxième sur son label Allgorythm, capté en novembre 2005. L‘aventure continue donc pour le jeune guitariste qui s’est recréé une famille, du grand ordonnateur, Daniel Humair, rencontré au CNSM en 1999, au  maître  Jean-Paul Celéa , contrebassiste proche du batteur, jusqu’au concepteur de la pochette Philippe Ghielmetti, dont on reconnaît le graphisme.

 

 

Jean Philippe Muvien depuis son  inaugural « Vive les jongleurs » (un des titres fétiche qu’il joue régulièrement) continue à travailler sur les textures sonores. Il avoue en souriant que le son est aussi important que le phrasé, que le travail commence avec le retour par l’ampli, véritable mise en abyme sonore. Inspiré  (comment   pourrait il en être autrement ?) par les distorsions, buzz et autres fuzz qui rendirent la guitare électrique maîtresse des seventies, il parvient à nous faire entrer dès la première écoute dans son univers, aux réminiscences aimées.   Sans piano, ce trio au son unique, illustre le niveau de maîtrise  auquel sont parvenus ces musiciens. L’espace ne manque pas dans cette musique à la fois construite et ouverte. On  aime toujours les irisations de la guitare de Jean Philippe Muvien, sa vivacité cinglante, le jeu des harmonies décalées.
Sept compositions particulièrement enlevées, souvent co-écrites par le guitariste et le batteur, tiennent sur une longueur idéale de 46 minutes. Comme dans le précédent album, « Air libre », enregistré à la même période, Jean Philippe Muvien parvient à donner consistance à son projet de concilier l’invention de l’instant et le respect des règles du rebondissement comme dans  « Complètement, complètement ». Un travail de funambule plus encore que de jongleur, mais le spectacle est  présent. Avec cet humour un peu potache qui transparaît dès les titres « Couscous purée », « Lou et le pote âgé », on sent bien que le trio s’amuse mais avec une légèreté sérieuse : une musique qui respire, électrisante, impatiente, mais aussi tendre et lancinante (« Autre motif »). On écrivait pour Air libre que le guitariste avait  trouvé en Daniel Humair un partenaire idéal. On persiste  à le direavec ce nouvel album : si ces deux là font la paire, Jean Paul Celea tire son épingle du jeu, troisième homme d’un  trio un peu fou. Les entendre jouer de concert est un régal, ils ont tous les trois  l'art et la manière  de nous entraîner dans un tourbillon vivant et ludique.

 

 

Sophie Chambon

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6 mars 2007 2 06 /03 /mars /2007 06:38

JJJ JEAN-MARIE MACHADO : «  Sœurs de sang »

 

Chant du Monde 2007 

 

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5 mars 2007 1 05 /03 /mars /2007 23:55

JJJJ ROBERTO FONSECA : « Zamazu »

 Enja 2007

 

 

 Que les amoureux du boléro et de la salsa passent leur chemin. Car ce pianiste là tout cubain qu’il soit pratique un art différent. Et pourtant celui qui joua longtemps avec Ibrahim Ferrer ne rejette pas la musique des anciens. Il n’est que d’entendre la sonorité de son piano, ses attaques puissantes et légèrement chaloupées pour comprendre d’où il vient. Écoutez ce Llego cachaito qu’il déploie avec son ami, le légendaire Cachaito Lopez et il ne vous sera pas difficile de voir qu’il vient du même pays que Bebo et Chucho Valdès. Sauf que Roberto Fonseca des leçons des maîtres en fait quelque chose de neuf et de très personnel. Déploie avec un mélange d’énergie et de douceur sa propre musique originale qui puise autant chez lui qu’en Afrique ou dans des thèmes moyen orientaux. Un morceau comme Congo Arabe montre un pianiste mordant comme un mort de faim dans le clavier, flirtant avec la musique Klezmer, arabo andalouse ou flamenca. Dans Zamazu, Roberto Fonseca emprunte même au rock et à la pop musique. C’est dire à quelles antipodes on est des poncifs de la musique cubaine. Il faut dire que ce pianiste rare possède aussi un sens aiguisé des arrangements, un sens du tourbillon frénétique duquel émerge (effleure devrait on dire) un pianiste d’une très grande et rare sensibilité. Ses vocalises posées comme un instrument supplémentaire lui permettent de conjuguer avec un subtil équilibre la puissance rythmique de son jeu avec le chatoiement de la ligne mélodique. Roberto Fonseca affiche là le talent des grands, de ceux à qui il faut très peu d’espace pour imposer leur marque. Et dans cet album où le pianiste met surtout en avant un art affirmé de l’orchestration, ses arrangements sur un morceau comme Ishmael du pianiste Sud Africain Abdullah Ibrahim est un acte de dépassement et d’ancrage aussi. Ses compagnons de route ne sont pas en reste à commencer par Javier Zalba au jeu d’une infinie délicatesse à l’alto et surtout à la clarinette. Tout sauf conventionnel Roberto Fonseca est alors incontrôlable. Et lorsqu’il passe devant, quelle attaque ! Quel son cristallin et grave à la fois ! Quel phrasé mêlant le legato au jeu piqué de celui qui failli être percussionniste. Au pays de la Havane Roberto Fonseca exprime sa jeunesse révolutionnaire tout en assumant parfaitement son dû. Et les quelques concessions qu’il semble faire à la tradition sont plus des marques de révérences superbes (Suspiro, Triste Alegria). Le magnifique duo avec la chanteuse Omara Portuando, que l’on connaît ici depuis Buena Vista en est un témoignage éclatant autant qu’émouvant. Car Roberto Fonseca reconnaît ses pères et ses mères. Ce qu’ils lui ont transmis c’est cette force précieuse de devenir lui-même. De s’émanciper ailleurs.

 

 

Jean-Marc Gelin

 

 

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5 mars 2007 1 05 /03 /mars /2007 23:52

JJJJ GIOVANI FALZONNE: « Meeting in Paris »

 

 

Soulnote 2007

 

 

Giovanni Falzone (tp), Robin Verheyen (ts, ss), Bruno Angelini (p), Mauro Gargano (cb), Luc Isenmann (dm)

 

 

 Il se passe vraiment quelque chose de l’autre côté des alpes. Lorsque ces transalpins là franchissent la frontière et viennent en studio dans notre capitale, les rencontres sont alors absolument étonnantes. C’est en tous cas ce que l’on est en droit de penser à l’écoute de cet album du trompettiste italien, Giovanni Falzone jusqu’à présent totalement inconnu chez nous. Jusqu’à ce que, du bout des lèvres Bruno Angelini nous suggère d’écouter cet album. Et Bruno, qui participe à ces sessions avait bien raison d’insister. Car depuis l’album de Dave Douglas ( Meaning and Mysteries) on avait pas eu un tel coup de cœur pour un trompettiste. Sauf que là on marche sur d’autres traces que sur celles de Miles. Le magnifique travail de composition de Giovanni Falzonne évoque en effet plutôt l’univers de Charles Mingus et parfois même celui du quartet historique de Ornette Coleman. Au titre de Coleman, cette spontanéité de l’expression free issue de sessions enregistrée à la volée en studio à Paris en une seule prise. A l’ancienne. Au titre de Mingus, l’énergie et l’humour du propos au premier comme au second degré, le feu d’artifice, le jeu des questions réponses du quintet et surtout le son que Mingus trouvait chez ses souffleurs. On pourrait parler du jeu de Giovanni Falzonne et insister sur la technique incroyable qu’il déploie, jouant sur le growl tel un tromboniste, mettant du feutre dans sa sonorité tel Dave Douglas ou évoquant encore le jeu d’un Roy Eldridge redescendu du ciel ! Mais l’on préfère insister sur ses talents de compositeur et sur l’espace qu’il donne à deux musiciens d’exception, le saxophoniste Robin Verheyen décisif et un Bruno Angelini totalement inattendu au piano mais aussi totalement libéré, comme si paradoxalement cet univers post free avait toujours été le sien.  Les compositions de Giovanni falzonne réussissent alors ce tour de force de s’ancrer dans l’ histoire du jazz sans jamais la pasticher, sans aucun esprit de revival. Réinvention de la forme et du fond pour une musique qui n’oublie jamais l’essentiel, transmettre son énergie. Lorsque Giovanni Falzonne a envoyé son album à Enrico Rava, celui-ci lui écrivit quelques mots pour le féliciter de ce beau travail. Il parlait du risque que prenait Falzonne sur cet album . Nous préférons parler de la liberté du musicien. Celle qui émancipe.

 

 

Jean-Marc Gelin

 

 

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5 mars 2007 1 05 /03 /mars /2007 23:47

JJ MANU DIBANGO : «  Hommage à Sydney Bechet »

 

 

Cristal 2007

 

 

 C’était en 1957 ! en 1957 le sénat américain votait la Loi sur les droits civiques, Jack Kerouack publiait «  On the Road », John Coltrane sortait son «  Blue Train »  et Paul Guth écrivait dans le Figaro « Sydney Bechet avec sa trompette ( sic) était pour moi un vieux conteur noir au pays des fables » ! En 1957 un jeune saxophoniste venu de Douala au Cameroun débutait alors sa carrière professionnelle, il avait 24 ans. Aujourd’hui, 50 années plus tard  Manu Dibango est devenu une véritable figure légendaire du jazz. Son fameux «Soul Makossa »  (souvenez vous : Mamako, Mamasa, Mama Makossa…) est devenu un tube planétaire et l’homme peut s’enorgueillir d’avoir joué avec les plus grands depuis Miles jusqu’à Herbie en passant par l’immense Fela. Celui dont on repère la raucité du saxophone à mille lieux comme le prolongement de sa fameuse voix caverneuse à la sensualité sauvage, nous revient donc aujourd’hui fêter son jubilée. Après 6 ans d’absence phonographique Manu Dibango a choisi de célébrer Sydney Bechet dans un album résolument joyeux, prétexte à la fête mais aussi tout simplement dans un hommage (assez surprenant par rapport à ses atavismes musicaux) à la Nouvelle Orléans. L’idée toujours séduisante sur le papier séduisante de l’Afrique et de la Nouvelle Orléans réunis.

 Le saxophoniste qui a choisi pour l’occasion de s’appuyer sur les services de Danny Doriz aux mailloches y déploie à l’alto le jeu d’un très grand. Véritablement impressionnant de groove, de phrasé, de souplesse rythmique à l’alto il joue comme Bechet des trucs à vous donner une banane immense.  Quel son !  A écouter  Si tu vois ma mère ou encore son chorus sur Strutting with some Barbecue Manu transpose la même maestria à l’alto que celle de Bechet à la clarinette. Sur les tempi lents ou medium Manu impressionne (Don’t you know what it means to miss Orleans). Et Manu malgré cette excellence y est toujours attachant, s’amuse, chantonne (Petite fleur) se fait hâbleur (Les Oignons). Hommage est parfaitement réussi tant dans l’esprit que dans la lettre.  Cependant lorsque l’on entend par moment Manu Dibango laisser échapper ça et là quelques raucités bien senties dans la pure verve Dibangienne, on se prend à regretter que l’exercice fût aussi respectueux du maître empêchant à la rencontre des genres, tant attendue de se produire. Un peu d’irrévérence n’aurait pas fait de mal. Car ceux qui comme nous aiment Manu auraient souhaité entendre Dibango. Et l’on se prend à imaginer alors ce qu’un Rollins aurait pu faire d’un répertoire comme celui là.

Quand au DVD qui vient s’ajouter à l’album il est épouvantablement mal réalisé (shame on Art Studio et son réalisateur !) et n’apporte pas grand chose à l’affaire si ce n’est s’offrir ce luxe totalement inutile sur seulement 3 titres qu’il contient de passer deux fois le même ! Le travail vidéo est totalement bâclé (cochonné devrait on dire) et indigne d’un artiste qui ne méritait pas d’être traité de la sorte. Et qui nous rend tout triste de quitter ainsi cet immense saxophoniste que l’on aime tant.

 

 

Mais au final on laissera ses pieds fourmiller Dans les rues d’Antibes car l’on sort de cet album avec des pépites de joie dans les oreilles, heureux d’avoir croisé un jour cette musique là qui à nos yeux c’est sûr ne prendra jamais la moindre ride.

 

 

Jean-Marc Gelin

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5 mars 2007 1 05 /03 /mars /2007 23:45

JJJJ LAURENT COQ: « The thing to share » Cristal 2007 Laurence Allisson (vc on 1 et 10), Laurent Coq (p), Olivier Zanot ( as), David El Malek (ts)

 

 

 

Ce que nous dit Laurent Coq dans ce deuxième album, relève de l’intime. Dès les premières notes de l’album ou plutôt dès les premières paroles (puisque le premier et le dernier morceau sont chantés par Laurence Allison) il apparaît effectivement que cette « chose à partager » nous est proposée avec une très grande proximité et une grande pudeur aussi. Un peu comme si entre amis nous nous retrouvions là, évoquant les choses graves et légères avec pour lien complice, celui de la musique. La musique comme moment de partage. Et Laurent Coq nous surprend et nous émeut aussi avec une écriture totalement neuve dans le paysage. Nous l’avions entendu il y a six mois dans un club parisien lorsqu’il présentait cette formation et nous avions déjà alors été totalement conquis et transportés par le charme irrésistible de cette musique. Son format de trio original (sans basse ni batterie) privilégie le rapprochement des formes. On est là très loin des clichés des trios pour piano qui tendent si souvent au narcissisme introspectif dans lequel inévitablement le pianiste se met en avant d’un bout à l’autre. Ici parce que le volume naturel des saxophones les place rarement derrière le piano et parce que les compositions de Laurent Coq jouent sur une constante mise en valeur de l’échange des trois nous en sommes aux antipodes. On se laisse alors captiver par ce superbe Seaweeds Dance ou par les souvenirs de 257 Church Street. Derrière l’exposé de thèmes simples, c’est tout l’art des contrepoints et des unissons qui se met en oeuvre. Les voix se chevauchent, dialoguent, s’écoutent et se répondent avec toujours cette élégante réserve, celle du dialogue chaleureux entre amis. Cette grâce captivante qui parfois réinvente Monk. Cette entente fusionnelle, au sens propre du terme qui émerge entre Olivier Zanot à l’alto et David El Malek au ténor y révèle alors une extrême finesse.

Jean Marc Gelin

 

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