Columbia 1972-1979

Coffret de 7 Cd’s

A la veille de célébrer les 20 ans de la disparition de Stan Getz en juin, Sony Music a la bonne idée de rééditer, dans un coffret de 7 Cd’s, l’intégrale des enregistrements réalisés par le saxophoniste entre 1972 et 1979 pour le compte de Columbia. 7 années de parenthèses où la grande maison chercha, dans la folie de la fusion éthérée du jazz et du rock qui secouait la scène du jazz à l’époque, à remettre le pied à l’étrier de celui que l’on surnomme «  The Sound », le plus fidèle héritier de Lester Young. Sans doute les arrières pensées commerciales n’étaient elles pas absentes dans ce souhait d’utiliser le filon «Getz », jazzman universellement populaire tout en le mettant à un goût du jour plus jeune et plus moderne.

Alors que l‘esthétique dominante était en effet électrique avec Miles Davis, avec Return To Forever, avec Weather Report ou encore John Mc Laughin, le pari de ce come back était risqué tant la musique de Getz semblait éloigné de cette esthétique. C’était sans compter sur le fait que la génie de Stan Getz le rendait capable de jouer à peu près tout ce qu’on lui proposait avec un lyrisme qui pouvait topt transcender, tout magnifier. Sans s’approprier tout à fait les codes de ces musiques modernes, le jeu et la sonorité de Stan Getz, ce grain au velours sensuel pouvait à lui seul mettre dans le (son) rang toute les formes musicales plus ou moins proches du jazz. Il y a du caméléon chez Getz tant le saxophoniste semble en effet incarner à lui seul l’instrument, le sax ténor.

Et le premier de ces enregistrements est d’emblée un coup gagnant (quoiqu’éphémère) avec ce « Captain marvel », groupe constitué avec l’ossature de Return To Forever. Parenthèse pour son meneur, Chick Corea qui ne poursuivra pas loin l’aventure mais expérience superbe où le saxophoniste s’approprie les nappes sonores du clavier et de la rythmique surexpressive menée par Tony Williams.  Entre jazz-rock et thèmes hispanisants (The Fiesta), Getz semble être là comme dans son jardin. La sensualité de son verbe est exhalée. Mais malheureusement l’expérience ne sera pas prolongée très longtemps, le pianiste préférant poursuivre son chemin autrement.

Pourquoi ne pas alors utiliser les bonnes vieilles recettes. Puisque la piste du jazz fusion semble se dérober, Getz, poussé en cela par sa maison de disque décide de ré-ouvrir, 3 ans après cette expérience, la page de la Bossa-Nova qui fut l’une de ses plus fructueuses (auprès du grand public s’entend). Retrouvailles donc avec Joao Gilberto. Mais retrouvailles un peu réchauffées dans lesquelles Getz aurait pu se perdre dans l’inévitable exploitation du filon «  grand public ». La magie opère quand même mais on pourrait s’enfermer dans un easy listening un peu trop marketé si Getz justement ne restait vigilant à éclairer de sa magic touch, toutes ses interventions. On est en 1975.

La même année se produit, toujours en studio une rencontre sublime, celle avec le pianiste Jimmy Rowles. Langage et histoire totalement partagés. A 57 ans le pianiste, digne héritier de Teddy Wilson et de Hank Jones apporte une grande fraîcheur dans la lecture du jeu de Stan Getz et leur complicité est évidente. Un peu de celle que l’on retrouvera plus tard entre Getz et Kenny Barron.  Stan Getz et Jimmy Rowles restent tous les deux sur leur terrain, celui des standards magnifiés (avec notamment un Body and Soul renversant) et ajoutent une composition absolument sublimissime de Jimmy Rowles, The Peacocks. On aurait pu allègrement se passer en revanche des interventions vocales de John Hendricks qui vient pousser quelques refrains pas toujours essentiels et parfois même très évitables comme cette version de Rose Marie d’opérette qui vient un peu gâcher l’esprit de ce magnifique album.

Quelques jours auparavant Stan Getz était entré en studio pour graver un autre album avec 4 titres et un autre pianiste, Albert Dailey.

Le reste du coffret est plus anecdotique et moins plaisant. Ca se gâte un peu et cela donne un peu l’impression de quelques errances. En 1977, « Another World » album signé avec le pianiste américain un peu oublié, Andy Laverne se réessaie parfois à l’électrique. Getz y bidouille les effets de type « delay ». L’année suivante c’est un grand orchestre que rencontre le saxophoniste sous la baguette du célèbre compositeur argentin d’Hollywood Lalo Schiffrin. Si certaines de ses compositions continuent de faire mouche, d’autres en revanche qui ne sont pas de sa plume, vieillissent mal comme cette version de Don’t cry for me argentina ( composé par  Andrew Llyod Weber pour Eva Peron) qui à l’époque pouvait peut être trouver pour le compositeur Argentin, un écho politique mais qui n’a plus guère de résonnance aujourd’hui.

Dernière pierre à cet édifice, un enregistrement de 1979 beaucoup plus anodin réalisé par Stan Getz en Hollande sous l’égide d’un jeune compositeur de 27 ans, Jurre Haanstra qui débutait alors une carrière de compositeur de musique de film. Une orchestration d’assez mauvais goût qui évoque les orchestres à cordes  rend l’album très très moyen, voire kitchissime. Sauf que là, comme toujours Getz trouve le moyen de se créer ses espaces qui sont toujours l’occasion de quelques enveloppées sublimes de Stan Getz.

Et c’est bien là la magie et la force de Stan Getz, celle de réunir autant les afficionados et autres Getzophiles (dont je fais partie) que les néophytes, ceux qui ne connaissent pas vraiment le jazz et à qui, lorsqu’ils demandent «  qu’est ce que tu peux me faire écouter pour découvrir le jazz » on passe toujours du Stan Getz parce que l’on est sûr de rallier les suffrages universels, de faire l’unanimité, de mettre dans le mille. Car avec Getz même avec le plus kitsh des écrins :  tu meurs toujours. Le son te fait mourir comme s’il s’agissait de la projection de la voix et du sentiment incarné. Le « verbe » en quelque sorte. Le lyrisme de Stan Getz s’enveloppe de ce grain de son, de ce « palpable » émoi, de cette suavité à faire tomber les femmes jeunes et moins jeunes, à faire aimer ou pleurer. C’est ce qui rend le saxophone ténor de Stan Getz auquel il est resté fidèle, indispensable à l’histoire du jazz. Magnifiant les plus belles mélodies. Et même les moins belles.

Et quoique l’on en dise, ce coffret aura le mérite d’en apporter une belle démonstration. Quel qu’en soit le contexte. Quels que soient les mondes de Stan Getz.

Jean-marc Gelin

“Hymne à la nuit”

La Buissonne 2011

Au départ il y a l’envie de monter un projet avec Pierre Cao en rassemblant trois univers totalement différents : celui du trio Cholet-Kanzig-Papaux (dont les DNJ ont souvent fait les louanges - link), celui de la chanteuse Elise Caron et enfin celui de la chorale Arsys Bourgogne dirigée par Pierre Cao

Pour fédérer ces trois bases à la personnalité musicale totalement différente, Jean-Christophe Cholet a choisi de créer son projet autour du thème de la nuit et des textes sublimes de Novalis (1772-1801, ses Hymnes à La Nuit) et ceux du célèbre poète autrichien Rainer Maria Rilke (1875-1926, Poèmes à la Nuit).

Le piège que le pianiste- compositeur parvient admirablement à éviter, aurait été de tomber dans une ténébreuse crépuscularitè à laquelle le thème invite forcement. C'est plutôt une atmosphère fantomatique qui est ici dessinée. Un clair-obscur entre la masse orchestrale du choeur et la voix envoûtante d'Elise Caron qui porte admirablement le texte. Y adjoindre un trio avec basse et batterie est un vrai défi qui ne fonctionne pas toujours. Il faut ainsi entendre comment sur Equinoxe, Marcel Papaux y doit déployer de vraies prouesses pour apporter un drumming tout en finesse sur la densité orchestrale. Tour de force qui ne va pas réellement de soi et qui semble épuisant.

De même que l'utilisation des choeurs qui est souvent mise en avant plus pour sa sonorité qu'en tant que porteuse d'harmonies distinctes. Mais l'osmose opère parfois et contribue à nous plonger dans un univers aux contours mystérieux.

L'oeuvre est d'une grande exigence musicale, très complexe par ses atonalités et sa logique harmonique. Il faut alors être parfaite lectrice pour se l'approprier ainsi que le fait Elise Caron.

Cette commande d'Etat est certainement conçue pour faire l'objet d'une représentation publique dans un format "concertant". Le passage en studio est plus délicat dans la gestion des équilibres et c'est un nouveau tour de force qui émerge, celui de Gerard de Haro dont on se dit que le travail de prise de son n'a pas du être des plus aisé.

Charme certain. Certain charme que cet onirique voyage dans le monde de la nuit flirtant entre jazz, musique contemporaine et classique. Prise de risque totale. Intéressante audace musicale.

Jean-marc Gelin 

Cristal Records / Harmonia Mundi Distribution - 2011

Denise King (vc), Olivier Hutman (pn), Olivier Temime (ten sx), Darryl Hall (cb), Steve Williams (dr)

Issu d’une collaboration sans faille, l’album « No tricks » est le nouvel album de la surprenante diva américaine Denise King aux côtés du pianiste français Olivier Hutman. Réunis autour de quelques standards incontournables allant de That Old Black Magic à September Song, en passant par Nuages et All Blues, ou bien encore Besame Mucho, c’est à la fois sur des compositions originales du pianiste que les musiciens de ce quintet magique évoluent avec passion. On reconnaitra d’ailleurs la touche subtile de l’arrangeur, teintée de Blues chaloupé, de Soul régénératrice et surtout de Jazz indémodable. Et comment oublier la présence si importante de musiciens tels que Darryl Hall à la contrebasse, Steve Williams à la batterie et Olivier Temime au saxophone ténor. Sans leur savoureux concours, rien ne serait évidemment possible tellement la justesse de leur soutien transparait sur chacun des titres. Il faut dire que ce soutien met en valeur la chaleureuse voix de Denise King, toujours au summum d’une sensualité de tous les instants. Et cela sans faire d’ombre à la réplique donnée par Olivier Hutman, qui use d’un phrasé improvisé toujours aussi lyrique qu’inventif. Il s’agit là bien sûr du talent d’un savoir-faire inépuisable qui respire tout au long de ce disque empli de clins d’œil aux traditions du Jazz. De véritables esthètes. En témoigne aussi les jolis clichés de la ville de Philadelphie arborant l’album et sa pochette, qui n’est pas non plus sans rappeler l’éternelle origine urbaine de ce style de Musique. Par ailleurs, la courte durée de chaque morceau implique le bon goût d’un swing incommensurable que ce format impose. Après une telle expérience sonore, il est évidemment permis de se demander si un autre fruit de cette productive collaboration verra le jour.

Tristan Loriaut

Bee Jazz Records / Abeille Musique Distribution - 2011

Majid Bekkas (guembri, oud, gt, vc), Ablaye Cissoko (kora, vc), Khalid Kouhen (perc, vc)

Pas si loin du Jazz et de sa consistance si particulière, « Mabrouk » est le dernier disque en date de l’artiste Majid Bekkas. Il est accompagné cette fois encore de belle manière par deux autres magiciens du son en la personne de Ablaye Cissoko à la kora, dit « le griot rouge », et de Khalid Kouhen aux percussions, l’ami de longue date. Le musicien marocain utilise son instrument de prédilection, le guembri, comme porte-voix pour transmettre toute la poésie qui l’habite. Cette poésie est d’ailleurs mélangée aux douces sonorités de la kora, parfois aux aquatiques résonnances de tablas, pas si musicalement étrangères (dansMabrouk), ainsi qu’au lyrisme gnawa de l’oud (dans Masmoudi). Dans son entièreté, l’album nous fait ressentir d’agréables sensations de voyage au-delà des frontières culturelles de chacun de ses participants. Le répertoire qui y figure est fondé sur une savante alternance entre compositions de Majid Bekkas et thèmes traditionnels. Il faut signaler aussi la présence d’un autre jeu de l’alternance avec à la fois des chansons interprétées par le compositeur lui-même, la réplique étant souvent donné par des chœurs, et à la fois une succession d’improvisations mettant en scène chaque instrument. Ce magnifique opus nous laisse imaginer une réunification musicale entre le nord et le sud du Sahara, en témoigne la volonté du griot sénégalais Ablaye Cissoko à faire sonner son instrument de façon maghrébine comme par exemple dans Bala Moussa. Il est possible aussi de succomber au plaisir d’entendre la gracieuseté d’une guitare acoustique au son clair et rayonnant, accompagnant la voix de Majid Bekkas sur les paroles de Touré Kounda de Salya. Ce voyage onirique africain touchant à sa fin, l’album se clôture par un Hommage aux ancêtres rempli d’émotion, où résonne par un talent immense la voix de la transmission des traditions de cet artiste marocain incontournable.

Tristan Loriaut

Music Unit 2011 ( distrib Hamonia Mundi)

Remi Sciuto (sax, clav, vc), Antonin Leymarie (dms), Antonin Rayon (clav), Fred Pallem (g, b), Nicolas Mathuriau (perc), Boris Boulbil (calv)

Certes on entre bien dans cet album un peu comme on entrerait dans un  opera-pop-rock un peu fantasque, avec une couleur parfois 70's derrière laquelle on imagine que va débouler un Roger Daltrey. Il y a de l'humour là-dedans à l'instar de ce titre ( " rêve et fantasme d'une chaussure ordinaire"), des évocations, des tableaux et des mouvements ( tant mieux s'agissant d'une chaussure). C'est baroque et parfois même un peu "pompier".  On déambule, on semble sortir d'un magasin clinquant, on effleure la peau.

L'empreinte de Zappa est forte et l’on imagine l'album mis en image par un Tim Burton ou porté sur les planches par  un chorégraphe déjanté tant la dimension scénique est évidente et demande plus que de la musique. Car si le soin extrême porté aux compositions et aux arrangements est évident et donne à penser la pièce dans sa globalité plutôt qu'au travers de chaque titre, il n'en reste pas moins que cela manque effectivement un peu de jeu. On peu difficilement chroniquer cet album dans la rubrique jazz puisque le mot d’ordre de cet « Antigroove Syndicate » s’en situe volontairement aux antipodes. Du coup les musiciens servent l'oeuvre (ambitieuse) en oubliant un peu de se servir eux-mêmes.

Reste pourtant le charme de cette déambulation baroque et fantasque.

Jean-Marc Gelin