27-Mai-2010

Festival Jazz à St-Germain-des-Prés.

Concert en solo à l’Eglise de St-Germain-des-Prés.

Les DNJ : Le concert de ce soir dure approximativement une heure et demi, et la tension reste à son comble du début à la fin. Comment un musicien, seul sur scène, prépare-t-il physiquement et mentalement une telle prestation ?

Bojan Z : Quand tu sais qu’il va y avoir un concert comme ça, il y a évidemment en amont une préparation mentale. Tu essaye un petit peu d’envisager comment te surprendre toi même, comment organiser les choses sans qu’elles soient trop organisées. Et ensuite, le reste est assez simple, il faut surtout se détendre l’esprit, et c’est plutôt là que cela se situe. Les idées et la Musique qui sont en permanence autour de ma tête ont besoin d’une pensée détendue, afin d’être apte à jouer, à les transmettre comme il faut. Donc, au final, je me suis juste « réchauffé » les doigts ce matin au réveil pour être en état de disponibilité totale pour la Musique qui sera là quelques heures après. Evidemment, il faut que quotidiennement soit effectué un travail rigoureux de la technique, cela va de soi pour un soliste. Il y a des moments où on est en bonne communication avec l’instrument et d’autres où on l’est moins. Peu importe, de toute façon je ne suis pas quelqu’un qui est dépendant de la technique pour pouvoir exprimer la Musique que je veux.

Lire la suite : Une rencontre avec BOJAN Z........

Plus Loin Music 2010 ( enregistrement 1997)

C’est à une véritable leçon de jazz que nus convie Antoine Hervé. Mais c’est bien plus que cela. Une sorte de déclaration d’amour à tous ses maîtres en piano jazz, au centre desquels il place Monk. Certes en s’attaquant en solo à l’œuvre de Monk (à l’exception d’un thème signé Irving Berlin et d’un thème de lui-même - Camara), Antoine Hervé prenait lors de ce concert donné en public en 1997 à la Cité de la Musique le risque de se voir comparer aux grands solos du Maître. À une époque où les pianistes ne rejouent guère plus les œuvres majeures, mais privilégient leurs propres compositions, le piège était immense tant on a encore et pour toujours à l’oreille les sessions solo de Monk de Londres ou d’ailleurs. Appréhension que l’on a en glissant le disque dans le lecteur. Et appréhension qui tombe immédiatement. Car ce que fait Antoine Hervé relève d’une approche très personnelle et lecture qu’il propose permet de comprendre d’où vient Monk et de jeter les ponts entre Monk et Tatum, Monk et Jerry Roll Morton, Monk et Fats Waller, Monk et Oscar. Avec brio, avec brillance, avec son propre génie de l’improvisation Antoine Hervé nous montre cette continuité du jazz. Et sur sa lancée poursuit jusqu’à sa propre histoire. Car il a cet immense talent et cette liberté des génies, Antoine Hervé, qui lui permet d’aller et venir où il veut, dans sa digression personnelle, de prendre le thème, s’en éloigner tout en s’en inspirant ou en jouant le contraste pur et revenir enfin dans le même geste.

L’interprétation et l’évolution qu’il imprime à un thème comme Ruby My Dear est à ce titre magistrale. Mais pour autant, Hervé a la finesse et la suprême élégance de ne pas s’attarder en digressions introspectives. Hervé sait n’en faire jamais trop. Round Midnight passe ainsi par des routes vallonnées de surprises. Il part aussi parfois dans des improvisations très Jarretiennes comme pour montrer aussi combien à celui-là, comme  à tous les grands pianistes de jazz il doit tout. Car comme avec Jarrett la démarche est la même. Le sens inouï de l’improvisation autour, à partir et avec les standards incontournables, pétris, malaxés, incarnés là ,dans l’instant.

Dans All Alone c’est une émotion vive et forte qui nous saisit. Dans Monk’s Mood emporté par son élan, il s’offre un passage par Smoke Get in your eyes. Autre leçon de jazz d’ailleurs qui montre combien Monk s’est nourri aussi des grands standards d’avant lui. Plus loin Hervé sait aussi se faire mutin, drôle et facétieux comme ce Monk’s dream totalement ébouriffant, joyeux et dansant la danse des fous. Le public sait ce qui n’est pas dit, se lève, exulte et acclame. Ce public sait bien que ce soir-là Antoine Hervé était le dépositaire d’un secret bien plus grand que lui. Le secret du jazz que ce sorcier de Monk devait lui susurrer dans l’oreille.  Jean-marc Gelin

1970/1971

Sony Music

ll a la pêche Fred Goaty ! Et c'est communicatif . Il a surtout une foi à toute épreuve dans cette musique que l’on appelle communément et assez justement d’ailleurs le «  jazz fusion ». Au point de réaliser pour le compte de Sony Music une superbe compilation en un double album qui commence par Miles 1970 ( Duran) et qui se termine par le même, cette fois, version «  You’re under arrest ». Entre ces deux morceaux, 24 titres enregistrés  par les groupes les plus héroïques du moment. Le casting est superbe : Weather Report, Stanley Clarke, Headhunters (sans Herbie Hancock), Return to Forever, Mahavishnu, Tony Williams, Jeff Beck ou encore Carlos Santana ou Don Ellis.Et si Miles ouvre les festivités c’est bien que, selon Goaty tout part de là. Ou presque. Car dans jazz fusion il y a … fusion. Mais il y a aussi Hendrix qui rôde pas loin et toute la famille de Sly et de la Motown. Soit une musique qui englobe dans un syncrétisme groovant , le jazz (l’incontournable Birdland de Weather Report p.ex ou encore un So What de légende de George Benson) bien sûr mais aussi la soul (un Idris Muhamad où certain découvriront un Groover Washington étonnant), le funk ( God make me funky des Headhunters), le rock et la Pop bien sûr avec Jeff Beck (dans ce sirupeux et sublime Cause We’ve ended as lovers tiré du Blow on blow de 70) ou encore Stanley Clarke ( avec le célèbre Schooldays incandescent en diable !).

Et si le jazz avait alors décidé de fusionner c’est même en allant chercher dans la musique indienne dans laquelle ce gourou de Mc Laughin  puise une source infinie d’inspiration. A l’heure de la libération sexuelle, c’est dans un kama-sutra évaporé de substances pas très licites que le jazz s’accouple dans toutes les positions et s’en donne à cœur joie.  Evoluant avec la musique environnante, dans le mood d’une époque open minded. Et dans ce royaume pour érotomane décomplexé, c’est la basse électrique quoi règne en maître sur les tourneries plus ou moins psychédéliques. Car ça groove là-dedans et pas qu’un peu. Porté par un Stanley Clarke, un Jaco Pastorius ( superbe solo de basse sur l’infranchissable thème parkerien  Donna Lee), un Wilbur Bascomb, un Mirsolav Vitous ou encore Dave Holland et Ron Carter. La basse qui assure ici comme une permanence du jazz en quelque sorte.

Avec intelligence Fred Goaty réalise ici une magnifique sélection (certes, choisir c’est renoncer…) et adopte un angle d’attaque particulièrement pertinent au tour de ces années mythiques. Les liners sont à la fois très didactiques et très sympas à lire.Elles ont le mérite de replacer cette musique dans un contexte qu'il connâit sur le bout des doigts.

Amateurs de groove, qui avez certainement bon nombre de ces albums dans votre discothèque, ne surtout pas s’abstenir. Car cette compilation est une petite madeleine. Témoignage d’un tournant d’un jazz ouvert à d’autres horizons. La première et la dernière leçon de Miles.

Jean-Marc Gelin

27-Mai-2010

Festival Jazz à St-Germain-des-Prés.

Concert en solo à l’Eglise de St-Germain-des-Prés.

Un concert fleuve. Une réelle et unique mise en danger. Voilà ce que Bojan Z a eu comme audace, maîtriser l’indomptable volatilité sonore d’un tel édifice. Large, longue et profonde, l’acoustique de l’église de St-Germain-des-Prés s’offrait silencieusement au pianiste, comme si c’était la première fois. Mais ce n’était pas la première fois. Kenny Barron et Yaron Herman, entre autres, s’étaient déjà fait remarquer par leur passage titanesque dans ce lieu sacré. Bojan, pour ceux qui ne le connaisse pas, n’y va pas par quatre chemins. Dès les premières notes du soliste, les ondes se déplacent par nappes en direction des voutes, produisant cet étrange effet de réverbération recherché. Chaque couleur sonore se transforme instantanément en énergie, notamment à travers les compositions du pianiste qui, l’une après l’autre, nous offrent de gigantesques opportunités de s’échapper. Après avoir débuté en interprétant « Flashback », notre soliste poursuit avec « Half Full Moon », un thème issu de l’époque prolifique de ses collaborations avec Julien Lourau. La créativité atteint son paroxysme par ce jeu des nuances d’une précision implacable, en témoigne la gestuelle presque inhabituelle de l’artiste, comme envouté par son propre flux. Pour rendre hommage aux amis, Bojan entonne avec une infinie sagesse cette célèbre composition d’Henri Texier « Don’t buy Ivory Anymore ». Parmi Les entrechocs incontrôlés des harmoniques se loge le tumulte des lumières voilées, pour le bien être savoureux des oreilles de l’assistance, conquise dès le premier instant. Et ce son qui monte, et qui monte, dans un flot imperturbable. Tout là haut. Où de là haut, six siècles de Musique vous contemplent. Ce fut au troisième rappel que des larmes d’émotions arrivèrent aux yeux de certains pour qui cette expérience spirituelle fut incomparable.

Tristan Loriaut

Contrebasse solo

Emouvance 1031 www.emouvance.com

Des petites pièces, pas si faciles en vérité, neuf au total, composent cet album providentiel du contrebassiste Claude Tchamitchian qui a choisi de se portraiturer, en revenant sur l’enfance, au hasard de l’improvisation sur ces plages qui défilent au rythme des souvenirs et dédicaces.

L’enregistrement a dû se faire vite, car, tout au long de l’album, et en concert, est perceptible ce flux tendu :  frémissements de l’archet, cordes frappées, frottées,  frissons et transes de la musique orientale qui le fascine.

Comme il le dit lui même dans les excellentes notes de pochette saisies avec soin lors d’un entretien avec Anne Montaron: «Je suis arrivé au petit matin… et je ne me suis pas arrêté. J’ai joué sans tension, mais dans un état de grande intensité.»

Another Childhood révèle une dimension polyphonique sur la plupart des compositions, une volonté de placer l’instrument en pleine lumière, tant il  est vrai que  la plénitude du jeu, le son ardemment grave prouvent la maturité d’un artiste accompli.

Dans cet exercice de style qui va bien plus loin, variant les nuances et atmosphères de l’instrument, il fait se croiser, se suivre et se recouper mystères, instantanés et exigences d’une personnalité musicale complexe, au travers de ses figures ressuscitées qui l’inspirent, de ses amis qu’il admire.

La première pièce, en hommage à un tout jeune contrebassiste plus que prometteur, est traversée de cette influence arménienne si prégnante dans le parcours musical de Claude Tchamitchian, qui a enregistré pour son label  Emouvance lGaguik Mouradian au kamantcha et Araïk Bartikian au doudouk. 

Ces fragments sont l’occasion de portraits de figures si différentes que l’on change immédiatement d’atmosphère, selon qu’il s’agisse du guitariste ami, le génial Raymond Boni, dans un « Raining words » tout en pizzicati ; que l’on s’élance dans une course poursuite évidemment haletante  avec les cordes fouettées de la basse pour le lamento émouvant de « Broken Hero » dédié à Ralph Peña , contrebassiste hispano-américain de Jimmy Giuffre, trop tôt disparu dans un accident de voiture en 1969. Ou encore, cette pièce « abstraite « pour Peter Kowald, trop tôt disparu. Beaucoup de figures disparues hantent en effet l’inconscient et la mémoire de ce musicien si vivant et chaleureux au quotidien : pour JF  (le titre est bien choisi « Mémoire d’élégant »), « Le » contrebassiste français de la génération précédente, Jean François Jenny Clark, il était évident de composer une pièce légère et subtile, fulgurante comme pouvait l’être le maître.

Claude Tchamitchian aime se frotter à tous les genres et techniques dans une synthèse stylistique assez complète. Il n’en finit pas de chanter sur sa contrebasse, d’entretenir avec elle un rapport amoureux, de lutte aussi : il l’empoigne, la saisit, la frappe, en fait sortir toutes les variations sonores possibles.

ELLE lui répond, puissante, chaude, résolue : on ne pense pas aux suites de suite de Bach, le « scieur de long » comme l’ écrivait Albert Cohen, mais plutôt à la sonate pour violoncelle seul de Kodaly ou aux quatuors de Chostakovitch.

Ce n’est pas non plus une leçon de musique, mais un délicat numéro de soliste, sur le fil, équilibre difficile à garder de façon satisfaisante.

Une sorte d’art poétique et musical avec ces études très personnalisées qui explorent l’instrument et ses nuances, affirmant évidemment une dimension narrative et émotionnelle, charnelle : on entend le souffle, la respiration, on sent la sueur couler, les doigts glisser sur les ouïes. C’est encore une fois, l’excellence de la prise de son de la Buissonne et l’intelligence de la perception de Gérard de Haro qui fait merveille et nous place au cœur de la scène et du son, tout près du musicien.

Une performance qui crée une dramaturgie, à suivre en live évidemment, comme nous le fîmes avec bonheur, à Marseille au musée Cantini dans le cadre du festival du GMEM de Raphael de Vivo, avec en toile de fond, un splendide Alechinsky, Dubuffet et d’autres expressionnistes américains. Saisi par la teneur de cette aventure poétique, on admire la maîtrise à ce niveau d’intensité, l’appréhension du silence, l’ivresse de certains passages dans cette alternance de pièces vibrantes et enlevées, de passages plus lents et dramatiques, ce rapport toujours angoissant au temps et à sa fuite éperdue.

Pour cette heure de musique vivante, merci l’artiste !

Sophie Chambon

Toujours un soin particulier au graphisme et à l’objet émouvance et une mention particulière aux notes de pochette, limpides.