Tzig’art 2011

Clotilde Rullaud ( vc, fl, arr), Dano Haider (g,b), Olivier Hutman (p, kybd), Antoine Pagnaotti ( dm) + Hugo Lippi ( g), Sebastien Llado (tb)

Déjà il y a cette ouverture en guise de choc, cette sublime interprétation de La noyéede Serge Gainsbourg reprise sur le même système que Waltz Debby de Bill Evans et qui en fait une superbe introduction sur des vocalises de la chanteuse. D'emblée on sait que l'on entre dans son univers musical qui s'affranchit des formats du jazz standardisé. S'ouvre alors devant nous un vrai parcours musical passionnant autant qu'exigeant. grâce à des arrangements sublimes et à des partenaires tous excellents, Clotilde RULLAUD, chanteuse à la gravité aérienne s'affranchit de tous les clichés. L'Afro Bluede Coltrane est rendu à ses terres de griots sans que cela ne tombe pour autant dans la lourde paraphrase. Chanteuse à sensations pour qui tout est affaire de feeling et de groove la chanteuse interprète à la fois en français (sur des textes de Emmanuel Delattre), ou en anglais.  Dans la bouche de la chanteuse, le Français parvient à swinguer avec grâce et légèreté comme ce Bahianaoù le brésil se prononce avec chaloupement.

Pour Clotilde RULLAUD, la musique a cette force magique de pouvoir, lorsqu'elle transporte l'âme,  transporter aussi dans le même bagage toutes les influences, tous les dialectes et toutes les frontières. Il suffit de trouver les structures communes et d'y croire pour qu'une samba se transforme en chanson bluette (l'eau à la bouche, Gainsbourg encore - on se souvient qu'une autre chanteuse, Bïa avait elle aussi pris ce thème sur un mode bossa-samba). C'est qu'elle est prise dans son élan Clotilde, au point de faire strictement ce dont elle a envie. Et pourquoi ne pas mettre du Nirvana dans cette bossa gainsbourisée. Et tant pis pour ceux qui penseraient que cela sonne "bizarre". Ceux-là n'entendent pas la musique et le chant qui libère des contraintes musicales.

Ses musiciens à elle, cette belle formation qui l'accompagne (en l'occurrence ils font bien plus qu'accompagner "derrière") a bien compris que tout est prétexte au groove lorsqu'il est joué avec le bonheur de simplement jouer et de faire tourner le feeling.

On est en revanche un peu plus gênés par ce souci absolu de bien faire qui pousse la chanteuse à ne pas ménager ses effets et à ultra-arranger les thèmes. Trop d'arrangements tue parfois l'arrangement. Tue en tout cas un peu de spontanéité dans cet album que l'on sent travaillé à l'extrême. Mais il reste l’âme, il reste le moment, il reste la chanteuse qui attire la lumière et il reste sa voix d’une gravité suave. Un thème de Olivier Hutman (This is it) fait frémir le groove un peu funky. L’on reste un peu sur notre faim sur cette version de Fragile qui après un début prometteur tend à se perdre dans quelques méandres et s’effiloche un peu alors qu’à l‘inverse Uglybeauty est l’illustration d’un less is more, marque d’un immense dépouillement qui touche en plein centre. Idem sur Oblivion(de Piazzola) rendu à la belle guitare de Dano Haider et où c’est la musique de la voix qui effleure, comme une mélopée charriant toute la nostalgie Piazzolienne.

On ne peut pas passer à côté des musiciens qui jouent avec Clotilde Rullaud. Olivier Hutman, tenez, rien que lui ! Enigme…. Pourquoi si rare, pourquoi si peu entendu ? Olivier Hutman dont chaque intervention puissante autant qu’inspirée souffle un vent fort sur l’univers de la chanteuse. Olivier Hutman dans l’intelligence du jeu et de l’accompagnement. Son entente avec Paganotti est de ces rares alchimies qui forment comme un écrin subtil à la chanteuse.

Pour clôturer cet album c’est en vraie musicienne, plus qu’en chanteuse, que Clotide Rullaud ( ex- flûtiste) réarrange Pie jesus de Maurice Duruflé. On se souvient des derniers arrangements jazz réalisés par les frères Belmondo ou par Yaron herman. Clotilde Rullaud nous en offre une autre lecture, là encore personnelle et habitée. La voix se mélange aux nappes de sons, enveloppe tout sur son passage et nous emporte. La chanteuse là encore vibre avec sa voix, avec son texte, avec la musique qui la porte. C’est intense et cela vient sublimement fermer la dernière page de cet album.

Jean-Marc Gelin

La chanteuse sera au Studio de l’Ermitage le 20 avril.

Le ROCK A BARU : R’N’R antédiluvien 

2 Cd Rock’n Roll et 31 illustrations - 2011

Sortie 27 janvier 2011

Co édition BD MUSIC / 9è Art +, organisateur du festival international de la bande dessinée.

BD Music

BD Angoulême

Alors que s’est ouvert le 38ème festival d’Angoulême, du 27 au 30 janvier, saluons la belle initiative du festival et des éditions de BD musicde Bruno Théol qui confie à Baru, président du jury >cette année, donc Grand prix en 2010, la bande-son d’un « hors série » consacré à la BD et au ROCK !

En France, la BD connaît un réel engouementet commence à sortir des définitions couramment admises d’ art populaire, destiné à la détente.Eminemment visible, lisible, le « neuvième art » est intégré au paysage culturel français.

 Baru de son vrai nom, Hervé Baruléa, fils d’un ouvrier métallurgiste italien de Lorraine est entré en Bd en découvrant REISER : « Il m’a décomplexé vis-à-vis du dessin . J’ai commencé en représentant une patate au dessus d’une autre patate, avec des balais à la place des bras ».

Quéquette Blues, son premier album, en 84, en fait un pionnier de la Bd réaliste et sociale. Le dessinateur y glisse parfums et expressions de son époque, souvenirs et musiques. Car il est fou du rock anglophone et de cinéma américain à la Scorsese, ce qui motive cette initiative inattendue et heureuse du R’NR antédiluvien : le rock à BARU.

Ce sont 31 tueries. 50 ans d’âge ; dédiées à toutes les buses qui n’auraient pas encore remarqué que bande dessinée était l’autre nom du rock and roll. 

Coproduits par le festival et BD music, sort un livre-disque et une exposition qui célèbrent les affinités électives entre rock et bande dessinée. 31 auteurs sont au générique, choisis par Baru dans le réservoir des musiques américaines enregistrées avant 1960. C’est dire tout l’intérêt de ce double CD de Rock and Roll Vintage, dont les morceaux sont connus des spécialistes ou « accros » du genre mais souvent inconnus du grand public.

Une œuvre originale autant que pédagogique, de vulgarisation pour découvrir ces groupes américains *(les notices biographiques sont rédigées par un musicien du groupe Bijou, le français Jean William Thoury et traduites en anglais par Martin Davies).

La liste est impressionnante d’autant qu’il s’agit d’entendre des groupes d’une période révolue, d’avant Elvis : connaissiez-vous le rocker chicano Chan Romero, le rockabilly du Johnny Burnette trio, Larry Williams, émule de Little Richard, Screamin ‘Joe Neal dans la tradition des blues shouters, la country de « Rocking baby » d’ Eddie Bond and the Stompers en 1956 sur Mercury, le «Black Cadillac» de Joyce Olivia Green de 1960 sur disque Ramirez ? On va de surprise kitsch en découverte émouvante, mais il ne s’agit pas du tout d’une histoire du rock ou d’un cours magistral, et comme toujours dans les long box de Bd music, on se régale de musique, en la lisant graphiquement : le livret du disque est signé par 31 plumes, dessinateurs qui chacun ont choisi d’illustrer d’un inédit, l’un des titres de cette compil de luxe !

Ainsi ce retour aux cases donne un panorama du neuvième art actuel et francophone avec des pointures comme Frank Margerin, Charles Berbérian, Nicolas de Crécy, Loustal, Florence Cestac, Manu Larcenet, Richard Guérineau (il faudrait les citer tous, pardon…). Ces figures de rock and roll pas vraiment mythiques sont croquées au feeling par les meilleurs spécialistes avec une véritable cohérence thématique si non stylistique : une rengaine à la « Cigarettes, whisky et petites pépées» avec de belles américaines et des guitares électriques. Un parfum pas si éloigné des musiques cousines du blues et du jazz.

C’est notre coup de cœur du moment, absolument épatant ! A écouter et feuilleter très vite dans la présentation élégante et flashy (couleurs qui claquent comme ces chansons) recherchée avec le visuel de chaque pochette originale au format carré de 25 cm .

* A l’exception d’une curiosité, illustrée par Prudhomme The Tielman Brothers dans ce « Record Hop » de 1959 sur le label Imperial , des jeunes Néerlandais venus d’Indonésie !

Sophie Chambon

A BIOGRAPHICAL GUIDE TO THE GREAT JAZZ AND POP SINGERS

by Will Friedwald

Ed. Pantheon 2010

  Ramenés dans la besace de mon dernier voyage à New York, deux ou trois tonnes de disques et de livres introuvables en France. Et notamment ce gros pavé de notes biographiques de plus de 800 pages consacré essentiellement aux chanteurs de jazz. Plus que des notes d'ailleurs, plutôt des mini études de plus de 300 chanteurs et chanteuses où l'on retrouvera aussi bien Bessie Smith ou Ethel Waters que Michael Bublé ou encore Jamie Cullum.

À la différence de tous ces ouvrages qui font flores et qui se contentent de brèves fiches faites à la va-vite, il s'agit ici du fruit de 10 ans de travail du journaliste New-Yorkais. 6 pages pour Cassandra Wilson, 7 pour Dinah Washington etc.... Plus que de simples notes biographiques, Will Friedwald, on l'a dit, se livre à des vraies études musicales sur son sujet dans une approche véritablement analytique et chronologique de leur oeuvre. Will Friedwald n'est assurément pas du genre à recopier des infos sur Wikipedia. Il s'est visiblement donné le temps d'étudier, d'écouter surtout et fait montre d'une réelle grande culture jazzistique sur laquelle il s'appuie pour prendre des positions engagées. On pourra certes lui reprocher une piètre lisibilité puisque les indications discographiques ne sont pas synthétisées mais se retrouvent dans le corps du texte. On appréciera cependant le temps qu'il se donne à l'étude.

Forcément dans ce genre d'exercice, choisir ,c'est fatalement renoncer et l'on pourra regretter que tel ou tel artiste n'y figure pas. Choix cornélien pour le coup.

Ouvrage absolument remarquable et décalé. Monumental

Will Firedwald n'est pas un inconnu dans l'édition jazzistique. Critique au Wall Street Journal puis au New York Sun, il a écrit plus de 500 liner notes et reçu 8 nominations au Grammy's. Il collabore aussi occasionnellement à Vanity Fair, Entertainment Weekly ou encore the New York

THE NEW FACE OF JAZZ

An intimate look at today's living legends

Cicily Janus

Billboard Books 2010

Bien plus dispensable en revanche est l'ouvrage de Cicily Janus consacré aux nouvelles personnalités du jazz. Deux bons motifs pourtant pour se procurer l'ouvrage. D'abord une préface de Marcus Miller et une postface de Sonny Rollins qui, en soit sont pourtant de sérieux arguments de lecture. Autre raison pour le coup essentielle : l'espace consacré à la présentation des musiciens de la scène actuelle, éternels oubliées des dictionnaires et autres encyclopédies du jazz. De manière très aléatoire l'auteur propose un choix très subjectif et limité où l'on retrouve cependant des musiciens souvent oublié comme Jaleel Shaw ( le sax du Mingus Big band entre autre), Luis Perdomo  ( camarade de jeu de Miguel Zenon), Franck Carlberg, Chris Cheek, Jeremy Pelt etc..... Mais aussi des figures que l'auteur qualifie de légende vivante comme Joe Lovano, Dave Liebman, Toshiko Akyiyoshi.

Cependant, rien de biographique pour autant. Car les Etats-unis ont (eux aussi) ce genre d'écrivain qui réussissent la prouesse de n'écrire aucune ligne. C'est donc les musiciens eux-mêmes qui se racontent et expliquent leur trajectoire en musique et leur approche personnelle de leur art.

Pas inintéressant au demeurant mais bien éloigné de ce que l'on en attendait.

Jean-Marc Gelin

Label Manivelle

  Enregistrement les 20 et 21 avril 2010

Un drôle de titre, un nom improbable de groupe Vrak ‘ Trio, voilà l’ association  insolite d’un tuba, d’une flûte et d’une batterie, sans instrument harmonique ! Ce trio  sort de la formule classique, la fameuse triangulaire piano-basse-batterie peinant ces derniers temps à trouver un nouvel élan. C’est donc une découverte, celle d’un trio franco-espagnol de musiciens « régionaux » au sens d’ une « Eurorégion » entre  Catalogne et Languedoc Roussillon , le siège du label Manivelle étant situé à Narbonne (Aude). Le trio a d’ailleurs remporté le concours de jazz de Barcelone en 2007. Cet ensemble parfaitement équilibré joue sur l’équilatéral, du plain-chant au contrechant, et crée une texture sonore riche et très personnelle, la flûte s’adossant au tuba, cette union reposant efficacement sur le doux et incessant rebond de la batterie, subtile. Un travail sur le son qui nous a plu, original et poétique, aux frontières incertaines et souvent repoussées du jazz et de la musique contemporaine. Un climat insolite, onirique, « rage » de l’expression improvisée, complexe, constamment sous tension avec  une fascination du chant et de l’expression libre. La musique ne recherche pas ces vibrantes démonstrations de free, elle joue plutôt d’accords en demi-teinte, intimistes et pourtant rebelles : intemporelle, ne manquant ni de délicatesse ni de force, elle forme la bande-son d’un film imaginaire. Qui sont ces musiciens que nous avons eu plaisir à écouter ? 
ETIENNE LECOMTE à la flûte, responsable du mixage et du mastering,  LAURENT GUITTON au tuba, ORIOL ROCA à la batterie. Ils brossent tout un arrière-pays dans une tonalité sourde (instrumentarium oblige), à l’ émotion souvent contenue : babil, souffle, distorsions, notes tenues  dans un élan continu « Question 3 ». Les titres sont bien un peu bizarres mais il y a longtemps que l’on ne s’interroge plus sur le sens des intitulés et diverses dénominations. Les quinze compositions assez courtes mais nerveuses s’enchaînent en une suite continue, sans brutale transition. On écoute donc l’album dans sa cohérence, d’une traite jusqu’au dernier titre «Hypnotique » : l’enroulement du tuba autour de la flûte à moins que ce ne soit l’inverse, plonge dans une transe qui n’a rien d’oriental. Un festival-récital de modulations de la flûte, instrument  rare en jazz et pourtant si mélodique, que le tuba soutient et exalte. L’apport des cuivres, rond et souple, comme dans ce  « Brass »qui évoque fugitivement Ralph Vaughan Williams,  nous fait replonger au fond des graves et dans des « ailleurs » instrumentaux, au temps des musiques premières.Pour nous, voilà un album qui révèle un groupe des plus prometteurs qu’il faudrait suivre et même proposer …ailleurs qu’en région. Avis aux pros du spectacle !

Sophie Chambon

ECM 2011

Trygve SEIM – (ts, Ss), Andreas UTNEM – (p)

 Le saxophoniste Trygve Seim sort ici son deuxième album en duo en tant que leader et compositeur.

Alors que sur son précédent album il était accompagné par l’accordéoniste Frode Haltli, il enregistre ici en duo avec le pianiste Andreas Utnem avec lequel il collabore depuis plus d’une décennie sur des projets menés par Utnem qui parallèlement au jazz compose de la musique d’église.

Des différents projets menés ensemble, résulte cet album introspectif qui propose 14 morceaux plutôt courts regroupant des musiques religieuses, (Pater Noster, Agnus Dei, Kyrie …) des chansons folks (Solrenning, 312…) et des morceaux improvisés sur des compositions des deux musiciens. On remarquera la reprise de Praeludium, Improvisation, morceaux que l’on trouve déjà sur son album Yeraz.

L’ambiance générale du disque est assez homogène. Les morceaux se succèdent parfaitement donnant comme lignes directrices à cet album la simplicité et l’épure. Les sons respectifs du saxophone et du piano sont purs probablement dû au fait que l’enregistrement a eu lieu dans une église d’Oslo.

Aux compositions de Andreas Utnem, vient se mêler l’improvisation de Trygve Seim qui varie entre le ténor (parfois juste son souffle) et le soprano avec lequel on ne peut s’empêcher de faire le rapprochement avec Jan Gabarek (son inspirateur). Le piano d’Andreas Utnem accompagne très, voire trop discrètement, Trygve Seim.

Les deux musiciens naviguent aisément entre la musique religieuse et la musique folk et ce mélange des genres s’étend vers des sonorités plus orientales comme sur le morceau Postludium, Improvisation qui vient nous surprendre vers la fin du disque.

Et pourtant, même si l’union de ces deux musiciens rend l’ensemble mélodieux, cela devient répétitif et un peu ennuyeux.

Julie-Anna Dallay Schwartzenberg