Harmonia Mundi  2011

Alain Debiossat – saxophones, flûte, guitare rythmique

Diego Imbert – contrebasse

Stéphane Edouard – percussions

Invités : Claude Egea – trompette ; Paco Sery – congas ; Didier Ithursarry – accordéon ; Jean-Pierre Como – synthétiseur ; Louis Winsberg – guitare ; Jean-Charles Kely – kabôsy, chant ; Olivier Temime – saxophone ; Lionel Suarez – accordéon ; Matthis Pascaud – guitare ; Jean-Marc Périssat – batterie ; Michel Alibo – basse ; René Lacaille - accordéon

Valse et Attrape, est le dernier album d’Alain Debiossat, musicien connu pour être un des membres fondateur et saxophoniste de Sixun. La base rythmique repose sur le duo composé de Diego Humbert à la basse et Stéphane Edouard à la batterie. De nombreux musiciens, des compagnons de longue date, un chanteur malgache et Sixun au grand complet participent également à l’aventure.

Valse et Attrape, est un album de compositions entièrement signées par Alain Debiossat, qui propose un disque mélangeant différents genres musicaux. Comme le titre de l’album le précise, on y entend des valses à trois temps comme Vignane ou Valseria dans lesquels il laisse s’envoler sa flûte ou son soprano. L’opus se termine par une dernière valse La Joliette avec un des ses fidèles compagnon de route à la batterie, Jean-Marc Périssat.

Il ne s’enferme cependant pas uniquement dans la musique de salon et explore d’autres univers, avec des morceaux plus jazz funk comme Troubadour Blues, où le duo saxophone/trompette fonctionne plutôt bien. On y perçois toutes les influences musicales qui ont marquées sa carrière : l’influence africaine dans Terres Bleues où il invite le chanteur malgache Jean-Charles Kely ; les musiques caribéennes ou Sud américaines que l’on perçoit dans Sommeil de l’ange ou encore des couleurs musicales issues de ses neuf années passées au sein de l’Orchestre National de Barbès.

Enfin, Alain Debiossat offre de belles envolées à l’alto sur Gala de Prestige, morceau au rythme dance-flore qui vient rompre avec l’esprit valse et world musique.

A l’écoute de ce disque, on perçoit qu’il est un musicien de la terre, d’ici et d’ailleurs et de ce projet (tout comme l’illustre parfaitement la jaquette) il en résulte un album folklorique aux compositions gaies et colorées.

Julie-Anna DALLAY SCHWARTZENBERG

  A l'occasion de la distribution numérique de ce cd, nous avons choisi de publier à nouveau cette recension de Jean-Marc Gelin.

Les Disques de Lily 2010 

Sébastien Llado (tb), Leila Olivesi (p), Bruno Shorp (cb), Julie Saury (dm)

Dans une figure de style commode, un peu fourre-tout, on parle souvent de « l’album de la maturité » lorsque l’on croit pouvoir déceler un truc un peu sérieux qu’il faut bien reconnaître, on avait pas saisit auparavant. L’album de Sébastien Llado ne devrait pas échapper à ce genre de cliché pourtant bien réel en l’occurrence. Car il s’agit bien ici de la révélation d’un musicien que l’on croyait connaître et qui nous prend ici totalement à contre-pied. C’est normal, Sébastien est insaisissable. Touche à tout. Il va vite, parfois trop vite pour nous. On le croise souvent, sur les scènes, dans les clubs, dans toutes les instances représentatives du jazz. Impossible de ne pas succomber à son sourire charmeur, à son humour décapant (les chiens ne font pas des chats….) Jusqu’au point de l‘avoir rangé sans discernement dans la catégorie des sidemen sympas, des touche-à-tout à tendance trublionne affirmée.

Fort heureusement la publication de ce concert « live » au Sunside, premier exemplaire du nouveau label «  Les Disques de Lily » ( label nouveau-né de Jérôme Gransac que les lecteurs des DNJ connaissent bien), cette publication disais-je, devrait remettre les choses à leur place : Sébastien LLado est sérieusement un musicien pas sérieux doublé d’un tromboniste exceptionnel et triplé d’un compositeur de grand talent. On le situe d’emblée dans la lignée d’un Steve Turre ( dont il affirme d’ailleurs la paternité), dans le feeling d’un JJ Johnson ou dans le funk d’un Fred Wesley. Sans se la raconter le moins du monde, Sébastien Llado affirme pourtant toute l’étendue de sa sensibilité musicale. Un peu comme s’il était tombé dedans tout petit. Il joue avec un naturel déconcertant du growl, des glissandos, ou des feeling funky ( un Billie Jean de Michael Jackson en ouverture pour faire chauffer la salle !). S’assume en grand ordonnateur d’un fort beau quartet, distribue les rôles, et offre au passage à Leila Olivesi ( alors enceinte de 8 mois) l’une de ses plus belles prestations empreinte d’une étrange sérénité dont elle imprime la marque. Le tromboniste que l’on savait entouré hier de filles de grand talent peut compter sur le drive sans faille de Julie Saury ( complice de longue date) et, dérogeant pour l’occasion à son gynécée, sur un Bruno Schorp remarquable de gravité et de précision métronomique dans l’assurance du swing. Les compositions de Llado se suivent, ne se ressemblent pas, éveillent les sens et ouvrent des horizons très personnels. Ces horizons sont parfois poétiques comme ces bien nommés Elans vers la luneaux contours harmoniques très riches. Ces horizons sont aussi des lignes de feu comme sur ces Dernières Danses, morceau porté par une belle intro piano- contrebasse rejoint ensuite par Julie Saury et enfin par Sébastien LLado en maître saucier qui fait monter la mayonnaise du groove porté à son tour par une rythmique en eaux vives, poussant à l’extrême extrême limite de ce qui va devenir free mais reste pourtant dans le cadre. On pense à Albert Mangesldorff. L’horizon de Llado est aussi déjanté, transfiguré (Tranz Tanz), arrangé avec soin ou dérangé avec autant d’application. On adhère un peu moins, dans une approche «  CD » à l’intermède Coquillage et Crustacésà la conque ouvrant sur une Magrade( Madraguedéconstruite) qui se prête surtout à la facétie du live mais tombe un peu à plat lorsque l’on est dans son salon. On se vautre en revanche avec une de « caillera » dans un blues un peu sale où sur In a Mean Timele tromboniste mute en feulement de gros chat de gouttière ronronnant et narquois.

Et c’est bien d’une découverte qu’il s’agit au travers de ce premier album de Sébastien Llado paru chez les Disques de Lily. La découverte d’un musicien complet et rare dont l’écriture et le jeu recèlent cette part d’évidence du jazz qui groove de source, cette évidence de l’énergie et de la sensualité torride, lascive qui réunissait ce soir-là les acteurs totalement impliqués dans l’instant présents et qui font de ces clubs de jazz des champs du possible et de l’impossible où de grands musiciens se révèlent plus grands qu’eux mêmes. Et portent haut les couleurs du jazz. Encore fallait t-il l’audace de saisir cet instant.

Jean-Marc Gelin

En écoute

Site du musicien

Site du label

Sortie le 17 mars 2011 / Concert le 22 mars au Sunside à Paris.

Label Cristal Records/ Harmoni Mundi

Le pianiste Mico Nissim qui a déjà publié huit enregistrements sous son nom, s’attaque cette fois à deux figures emblématiques d’un jazz qu’il estime « dyonisien », tant cette musique novatrice, fragile et immédiate, dérangeait. Il rend ainsi hommage à Eric Dolphy et Ornette Coleman mais envisage avec ce projet  préparé avec soin, les « conséquences » actuelles sur le jazz, réfléchit à l’avenir de cette musique entre écriture et improvisation. Il fallait donc aller plus loin que ce double tribut, au répertoire très connu, ( trois pièces de Dolphy et cinq de Coleman), enregistré live lors d’un concert unique, au Studio de l’Ermitage, à Paris, le 30 mars 2009.

L’objectif est atteint, la musique libre, authentique, sonne juste aujourd’hui encore, reste accessible : c’est un jazz vif, plaisant sans être facile, audacieux dans la forme. Le pianiste a « potassé » la question auprès de spécialistes et a vraiment réfléchi à quels thèmes choisir, comment les réinvestir sans oublier de rendre compte de leur histoire, de l’essence même de leur interprétation.

La reprise la plus frappante est celle du tube d’Ornette Coleman Lonely Woman que tous les Jazzmen tentent de s’approprier un jour ! Ce thème sublime, véritable passage obligé, est revisité avec habileté et audace, l’exposition du thème shuntée.

D’une façon plus générale, ces arrangements introduisent contrepoints, impros collectives ou solistes, harmoniques, modales, harmolodiques ou ouvertes. Mico Nissim, l’instigateur de ce projet sensible et légitime, a retravaillé les écritures de Dolphy et de Coleman, traduisant sans trahir pour soumettre le résultat à cinq individualités fougueuses.

Ainsi l’intensité de cette musique spontanée, généreuse se vit au sein d’une création continue, effervescente qui semble couler en dépit d’une structure rigoureuse.

Le choix des musiciens du sextet était essentiel : l’altiste Géraldine Laurent est superbe, Stéphane Guillaume, chaudement recommandé par  Laurent Cugny, depuis son big band Lumière, s’avère indispensable à la flûte et clarinette basse, les instruments de Dolphy. La rythmique est de rêve : Mourad Benhammou a un drive saisissant et Jean Luc Ponthieux assure en fidèle contrebassiste. Enfin Laurent Mignard à la trompette de poche, vibre à chaque intervention jusqu’au Jump street  final!

Les compositions de Dolphy, fringantes, subtiles, lyriques sont arrangées finement et on s’amuse à voir ce qu’en fait le sextet comme dans ce G.W, hommage au trompettiste chef d’orchestre et arrangeur Gérard Wilson, ou dans Serene époustouflant à chaque chorus.   

Le lien est naturellement établi avec Ornette Coleman puisque Dolphy participa à l’enregistrement du mythique  Free jazz en 1960, improvisation collective historique.

La continuité est évidente, on sent que la musique non seulement crée de nouvelles atmosphères, mais se démultiplie, souffle et apaise, construit et déconstruit.

Voilà un disque formidable qui garde certaines résonances aujourd’hui, toujours porteur de sens et de vertus formelles. Inutile d’insister, vous aurez compris qu’il est vivement recommandé en live ! Programmateurs, à vos commandes !

Sophie Chambon

Naive 2011

Tigran Hamasyan (p), Ari Hoenig (dm), Gilad Hekselman (g), Orlando Le Fleming (cb), Chris Tordini (cb)

La cause est définitivement entendue et sans appel : le batteur américain fait bel et bien partie des batteurs les plus doués de sa génération. Je me souvient de ce travailleur acharné vu il y a quelques temps, après les balances répéter seul et sans relâche jusqu'à l'heure du concert. Des heures durant devant sa batterie à essayer des formules, des riffs, des choses entendues nulle part ailleurs. Tenter de faire sonner sa batterie comme s'il s'agissait d'un clavier ou d'une instrument vocaliste. Jamais satisfait. Autiste à tout ce qui n'est pas musique.

La sortie de ce nouvel album, dans un format inédit qui le voit associé au pianiste Tigran Hamasyan ne fait que confirmer le génial batteur dans son rôle de tout premier de la classe. Et pour l'occasion au lieu de dire "Lines of Oppression" comme le suggère le titre de l'album on serait plutôt tenté de dire " Lines of liberation" s'il l'on écoute comment ce quartet, s'entend à libérer un groove en "fusion". Car c'est bien de cela dont il s'agit ici, une affaire de rythmique, de pulses, d'enchainement des métriques et d'un son basé justement sur la maîtrise du "beat". D'un univers un peu methenien qui ouvre l'album ( l'occasion de découvrir un formidable guitariste, Gilda Hekselman) on arrive vite à la griffe  fougueuse d'un Tigran Hamasyan décidément omniprésent sur la scène du jazz en ce début d'année. Il n'est que d'entendre sur Arrows and Loops sa verve et sa puissance de jeu, soutenue par une rythmique qui emporte tout. Mais si ce volume orchestral mis en espace par Hoenig revèle une composition intéressante sur la forme (par le jeu complexe des métriques) elle est un peu décevante sur le fond et peine à captiver. C'est d'ailleurs le problème de l'album : brillant mais sans réelle émotion. On a du mal à se convaincre aussi sur Wedding Song vocalisé de façon un peu mielleuse et censé apporter là, un contraste doux. Monk vient redynamiser l'ensemble avec ce Rythm a ning entamé sur le mode course poursuite éperdue. Sur Moanin Ari Hoenig fait chanter sa science de l'instrument qu'il transforme en vocalise du thème. Impressionnant techniquement mais toujours à côté de la plaque s'il s'agit d'émotions. Pas passionnant en soi. Car le fond de la question n'est pas de savoir comment Ari Hoenig dit les choses, mais plutôt ce qu'elles sont, intrinsèquement.

Mais quand la musique s'aère comme sur Love's feathered nails ( composé par le batteur), le drumming de Ari Hoenig profite d'un Tigran Hamasyan un peu moins envahissant pour laisser parler sa créativité en perpétuel mouvement. Un rêve : entendre Hoenig associé un jour à Metheny. Ephemeral Eyes est un occasion de voir un autre visage de Tigran hamsyan totalement à l'aise avec des fondamentaux plus traditionnels dans ce morceau plus bop composé par Hoenig. La percussivité du jeu du pianiste en réponse à celle du batteur. Brillante démonstration du savoir faire d'un pianiste décidément caméléon. Sur How high the moon totalement réinventé sur le plan harmonique, on entend clairement la fusion de ce trio. Ari Hoenig encore une fois, c'est le relief, les dorures et les bigoudis, les entrelacs et les coups de pinceaux, les petites touches impressionnistes et les roulements subtils. Ari Hoenig invente à chaque pattern, surprend à chaque riff. C'est Shiva ! Hoenig ne tient pas le tempo, il en tient 10 !

Au final l'album se conclut sur un morceau composé par la pianiste et empreint de ses propres racines. Toute la personnalité du pianiste dans cette composition.

Et l'on reste sur le sentiment d'avoir assisté à un très beau moment de musique, d'improvisation et de jazz. Une leçon de polyrythmie à laquelle on pourra adhérer ou qui pourra lasser.

On sort de cet album avec à la fois, dans les oreilles quatre voix distinctes mais aussi la certitude d'avoir assisté à la naissance d'un quartet totalement fusionnel. La musique se crée. Les improvisateurs sont tous brillantissimes. Mais s'ils brillent trop, ils éblouissent.

Jean-Marc Gelin

Cristal Records / Harmonia mundi

Sortie le 3 mars 2011

 Ce Cd unique en son genre donc précieux, rassemble toutes les musiques après coup, éclats de toutes les saisons, le jazz par ses dates, mois et jours.

Une fois encore, la collection Original Sound Deluxe  chez Cristal records, a frappé fort avec une thématique originale, spécifique au jazz, qui sculpte le temps.Quand on sait que les jazzmen et leurs amateurs sont selon la belle formule de Pascal Quignard, les « chevaliers de l’éphémère », il est essentiel de garder une trace, de fixer les choses.

Avouons le, ce calendrier du jazz permet une fois encore à l’éminent Claude Carrière de sélectionner de pures merveilles !

Ainsi, du June in January qui commence l’album avec les frères Montgomery à New York, automne 1960  avec Wes, en guitariste soliste. Claude Carrière nous précise que certains mois ont fait le délice des jazzmen en particulier les beaux mois du printemps « April » et « May ». Ilexiste plus de 700 versions de I’ll remember April, vrai casse-tête, aussi préfère-t-il  proposer April in Paris dans une  version des plus célèbres, celle d’Ella Fitzgerald avec le Count Basie Orchestra, le 26 juin 1956. Une référence, avec la répétition du final,  annoncée par un sémillant « One more time » qui a fait ses preuves depuis… 

Avec Julie London, Claude Carrière trahit une de ses préférences puisqu’elle revient deux fois dans la sélection, ce qui rachète certaines erreurs commises à son encontre. Philippe Méziat nous apprend dans le Jazz Magazine de décembre 2010 consacrées aux chanteuses, qu’elle n’a pas eu les honneurs du Dictionnaire référence de Carles,Clergeat et Comolli. Nous sommes quand même allés vérifier tant cela paraissait impossible. Oui la belle est oubliée, peut-être ne lui pardonnait-on pas sa couleur, son charme ou d’avoir trop flirté avec le cinéma dans des westerns remarquables comme L’aventurier du Rio grande de Robert Parrish ou L’homme de l’Ouest d’Anthony Mann ou   comme Dean Martin qui d’ailleurs ne figure pas davantage…

Merci donc pour ses deux compositions plutôt rares, enregistrées en novembre 1956 avec Peter King et son orchestre :  February brings the rain composée par Bobby Troupe dont elle était la femme, (l’auteur du fameux Highway 66) et  November Twilight.

Nous apprécions de retrouver une des chansons les plus connues de Kurt Weill dans sa  période américaine, l’immortel September dans la version de Django qui date de mars 1953, son avant-dernier enregistrement.

Nous n’allons pas passer en revue tous les mois de l’année, Claude Carrière le fait avec érudition et humour dans ses excellentes « liner notes », autre bon point de la collection avec les illustrations de Christian Caillaux. La discographie est impeccable avec le « line up » précis et détaillé.

Quant à la semaine, elle commence en beauté avec le formidable A Monday Date du pianiste Earl Hines pour les Hot Five de Louis Armstrong dans sa version princeps du 27 juin 1928.

A chaque fois, en proie à un émerveillement et une émotion que rien ne saurait remplacer, on choisit d’arrêter le temps des jours afin de s’immiscer dans le temps de la musique, à jamais fixée par sa durée et sa date d’enregistrement. Est-ce en cela que cette musique est si attachante, voire troublante pour certain(e)s d’entre nous, sensibles à cette déclinaison, à ce partage renouvellé ? 

Pour clore cette sélection en 19 titres, on aurait pu s’attendre à un Gloomy Sunday de circonstance mais non, Claude Carrière ne veut pas nous laisser sur une note  triste, c’est Ben Webster et son ténor velouté qui s’y colle, le 6 novembre 1959, avec Ray Brown, Oscar Peterson et Ed Thigpen  sur le Sunday de Jule Styne créé en 1926. La classe pour finir cette compilation qui égrène le calendrier de la vie!

Avec cet autre numéro plus classique, Claude Carrière devrait en ravir plus d’un, car il annonce le retour attendu d’un instrument de choix, la guitare. Et même dans cet Electric Guitar Masters, sont célébrés les pionniers de l’amplification, qui dès la fin des années trente, purent rivaliser avec les « vrais » instrumentistes du jazz, saxophonistes, trombonistes, trompettistes…

A tout seigneur…commençons avec ce feu d’artifice, concerto pour guitare, le Solo flight du prodigieux Charlie Christian dans le grand orchestre de Benny Goodman le 4 mars 1941, sur des arrangements de Jimmy Mundy, testés la veille dans une émission de radio, sous le titre Chonk, Charlie Chonk . Voilà un titre phare de la discographie goodmanienne, de l’histoire de la guitare…et du jazz accessoirement !

Sur cette anthologie soignée, on retrouvera évidemment le Nuages de Django dans sa dernière version enregistrée deux mois avant sa mort, avec une guitare munie d’un haut parleur.

Après suivent d’autres grandes figures de la guitare « moderne » influencées par le bebop comme Tal Farlow, plus proche du blues comme Les Paul ; Wes Montgomery donne son Round midnight du 5 octobre 1959 (avec le pouce et sans mediator). Tous sont formidables, virtuoses, porteurs d’avancées stylistiques, accompagnateurs attentifs comme Barney Kessel, qui rend hommage à Charlie Christian (évidemment) ou Jim Hall dans un Skylark qui mérite qu’on dresse l’oreille, dans le John Lewis quartet, en 1956 avec le batteur Chico Hamilton.

Nous finirons avec certaines pépites plus modestes, terriblement émouvantes comme le solo de Johnny Smith  sur The Boy Next Door,  ballade des plus  « cool » ;  après Pennies from heaven de Jimmy Raney, le formidable René Thomas  dans son  René Thomas Modern Group, en 1956  avec  Benoît Quersin  à la contrebasse nous donne un Someone to watch over me qui aurait plu à Gershwin, son auteur.

Comment résister au charme de l’Américain Jimmy Gourley (à Paris depuis 1951) qui, avec les agitateurs Henri Renaud, Pierre Michelot et Jean Louis Viale (il ne faudrait pas oublier ces noms là), trio maison du Tabou, cave à jazz de la rue Dauphine, revisitent Cole Porter.

La sélection s’arrête forcément aux années 60 (droits de réédition oblige ) avec deux raretés, deux  « curios », le totalement méconnu Billy Bean dans un extraordinaire Surf of two avec le quartet de l’altiste Bud Shank, le 18 avril 1959 avec Gary Peacock à la contrebasse. Le dernier titre est le solo incroyable sur le thème d’Ellington  Prelude to a Kiss de  Jimmy Wyble « guitariste pour guitaristes ». Merci de nous faire découvrir ces quelques minutes de grâce. Si jamais vous avez dans votre entourage quelqu’un qui se pique de comprendre quelque chose à la guitare ou qui en joue tout simplement, faites lui écouter cet album ... il sera votre éternel débiteur !   

Sophie CHAMBON