ACT 2008

Esbjörn Svensson (p), Dan Berglund (cb), Magnus Öström (dm)

 Cela commence par quelques notes amenées de la  plus douce des manières. Un débit acoustique qui pourrait laisser croire à un album de jazz très honnête et très propre sur lui. Ce serait ignorer la conception artisitique très poussée de ce trio. Car très vite l’on s’aperçoit qu’il y a quelque chose derrière les choses. Quelque chose de caché là, un drame immanent, une tension qui pointe. Tension sourde mais toujours palpable.

Paradoxalement cet album là, le dernier enregistré avant la mort cet été de Esbjörn Svensson lors d’un accident de plongée est à notre sens le meilleur du trio. Peut être le plus abouti artistiquement. Paradoxalement en effet puisque que cet enregistrement réalisé en Australie est le résultat d’une longue scéance d’improvisation. Rien d’écrit. Tout au feeling dans le studio. Il faut arriver à un point extrême de fusion et d’intimité télépathique pour parvenir à vibrer à la même intention spontanéee comme ils le font ici. On appelle cela l’osmose. Dépassant les canons classiques du jazz, ces trois là  vont puiser à d’autres sources leur inspiration. Elle vient de la pop pour beaucoup et de Radiohead certainement mais ne renie pas les apports de grands trio de jazz comme celui de Meldhau, référence reciproque jamais cachée. Dès le deuxième titre, c’est du E.S.T reconnaissable entre mille. Svensson prend son temps, utilise l’espace et s’affranchit de toute contrainte formelle tandis que la rythmique crée une mise en tension permanente. La musique exerce alors son pouvoir de fascination totale, suggère moins qu’elle ne dit nous laissant captivés, captés dans la toile qu’ils tissent autour de nous. Il y a un effet très visuel dans cette musique là qui évoque de longs travellings. Dan Berglund dans le rôle du bassiste-guitariste laissé libre à lui même porte littélaralement tout l’album inspirant autant de respiration régulière que de sauvagerie folle. Magnus Östrom utilise sa caisse claire comme les balles d’une mitraillette faisant succéder à ce no man’s land désert, des images de guerre et de chaos. Et aussi ce sublime morceau de 9’’, Still où derrière cet espace patiemment construit  se dessine une mélodie comme une ligne d’horizon qui lentement se détache du paysage, se rapproche à pas comptés et s’installe enfin, nettement, dans un moment d’émotion rarement atteint chez E.S.T. Beau à pleurer.

Au début de Leucocyte, pièce conçue en 4 parties ( Ab initio ; Ad interim ; Ad Mortem, Ad Infinitum), c’est un univers de chaos et de fureur qui s’installe. Vient ensuite une plage entière de silence total, Ad Interim comme une césure obligée après avoir touché à une expression paroxystique irrésistible. Ad infinitum clôture de manière envoutante cet album sur une sorte de carillon d’église fantomatique dans une mise en scène angoissante que ne renierait pas un dramaturge comme Castelluci. Car c’est bien de cela dont il s’est agi durant tout cet album. D’un drame à l’antique où le paradis le plus pur côtoie l’enfer de Dante. Les dernières notes nous laissent, avec cette intérogation manichéenne où les frontières du paradis et de l’enfer semblent mêlées. Et ces dernières notes parce qu’il s’agit précisément des ultimes notes enregistrées par Svensson, sont poignantes. Et le silence qui suit est alors totalement assourdissant.

Jean-Marc Gelin

Cristal 2008

Swing et volupté, précision et ingéniosité, beauté des timbres et des couleurs, ça pétarade, ça éclate de partout et ça nous éblouit. C’est à un véritable feu d’artifice que le pianiste et compositeur Hervé Sellin, entouré de son tentet, nous convie à travers Marciac New-York Express. Sellin, qui avait mis de côté sa carrière de leader au profit de l’enseignement (au CNSM de Paris) et de l’accompagnement (notamment sur le projet Piazzolla Forever de Richard Galliano) revient en force avec, ce que l’on peut déjà considérer comme l’un des disques de jazz les plus marquants de l’année. C’est en 2002 que l’idée de ce projet a commencé à germer, suite à une commande du festival de Marciac qui souhaitait une suite orchestrale célébrant leur 25ème anniversaire. Le tentet a été créé pour l’occasion et sept morceaux d’inspiration gersoise ont vu le jour pour la première fois à Marciac 2002, dont le très subtil Entre Boués, Laüs et Arros et le swinguant Bouncing with JIM (JIM étant les initiales de Jazz In Marciac). Wynton Marsalis, présent à ce concert et fort impressionné par la qualité de la musique, décide d’inviter Sellin et son groupe à New-York pour une série de concert l’année suivante au Jazz Lincoln Center, où trois morceaux supplémentaires (à l’ambiance urbaine et New-yorkaise) ont complété le programme. Il aura fallut attendre cinq ans pour reconstituer le tentet, affiner les arrangements et pouvoir enregistrer ces deux suites orchestrales. Le résultat est largement à la hauteur de l’attente suscitée et ce groupe nous émerveille à chaque instant par la beauté des compositions, l’alliage savant des arrangements et l’originalité de son fonctionnement. On est particulièrement séduit par les rôles tenus par la guitare (Michael Felberbaum) et le vibraphone (Stéphan Caracci), créant un espace de liberté passionnant entre les soufflants et la section rythmique. Ainsi que par les fonctions multi-instrumentistes des trois saxophonistes (Sylvain Beuf, Stéphane Chausse et Stéphane Guillaume), qui permettent à Sellin d’obtenir tout un éventail de couleurs et de timbres boisés et harmonieux (flûtes, clarinettes, saxophones sopranos, altos et ténors). N’oublions pas de citer l’incroyable et talentueuse énergie déployée par le trompettiste Claude Egéa et le tromboniste Gueorgui Kornazov (très en verve tous les deux sur le morceau phare qui célèbre les 25 ans de Marciac : Anniversary). Enfin, un mini big-band comme cela, mérite une section rythmique de grande envergure et l’on ne pouvait rêver mieux que le batteur Karl Jannuska (véritable locomotive de l’orchestre) et le contrebassiste Bruno Rousselet à l’évidente efficacité. Le festival Jazz à la Villette 2008 avait bien raison de nous le préciser : JAZZ IS NOT DEAD et avec le tentet d’Hervé Sellin, on peut même dire qu’il pète la forme !

Lionel Eskenazi

DIXIEFROG 2008
 

Il va devenir compliqué de contrarier ceux qui avancent que Jean-Jacques Milteau est le plus grand harmoniciste de blues français, tant l'artiste nous fait frissonner sur ce disque. Les pièces (il en compose cinq) nous emmènent dans le train du blues. Le placement des soli, idéal dans la plupart des morceaux, nous assois aux meilleures places dans le wagon, pour les plus somptueux paysages; enfin les phrasés du Parisien offrent un contrepoint dense, plus posé encore que dans les deux CD précédents (FRAGILE et BLUE 3rd chez Universal Jazz) aux deux voix de son groupe, Ron Smyth et Michael Robinson. Cet équilibre tombe bien, car dans le blues, l'harmonica est le premier interlocuteur du vocaliste. Milteau avoue qu'il aurait voulu refaire les harmonicas après l'enregistrement des morceaux. Il le fait souvent, par souci de perfection. Finalement, il a conservé les parties d'origine. D'où la spontanéité de l'ensemble. Pourquoi cette impression de cohérence qui rend le contenu si consistant? Milteau, cette fois, s'est impliqué dans la conception du disque à  côté de Sébastian Danchin. Cette position lui a permis de concevoir les morceaux avec davantage de recul. La patte du guitariste Manu Galvin, inventif à  souhaits, est Également pour beaucoup dans la couleur du voyage. Le répertoire est basé sur les ballades du Sud profond, le long des rivages Folk/Soul très prisées du leader. Les premières musiques que Milteau, né en 1950, a écoutées chantaient l'espoir de lendemains meilleurs. Le rock, surtout. Disque rebelle d'un musicien éternellement en fugue? Pas vraiment. Les prises de conscience lui paraissent valoir toutes les réponses. Mieux vaut traîner avec ses interrogations qu'arriver à  destination. Mieux vaut languir. Comme dans le suave "Is this the Way ?", une perle à  passer en boucle, composé avec Ron Smyth et Manu Galvin. Démarche complémentaire dans "Down in Mississipi" de JB Lenoir. L'harmonica gicle comme une fontaine qui rêve de devenir fleuve, et de faire découvrir à  l'auditeur du monde urbain des horizons perdus de vue. C'est la mort du Blues historique. Une fois sorti de son lit, n'existe plus, ne restent que des parcelles de ce langage né dans le monde rural et popularisé dans le monde. La ville et le monde (par l'internet) triomphent dans ce disque. Au milieu de ce grondement, Milteau persiste du début à  la fin de "Soul Conversation", à  revendiquer la fragilité qu’ont révélé les deux précédents albums. Celle-ci représente le point de départ de l'univers intime qu'il partage avec le public. Pétrie de finesse, de douceur, de talent et de générosité, sa dernière oeuvre  ajoute une pierre supplémentaire au parcours

hors-classe d'un virtuose.
Bruno Pfeiffer

Lorsque nous sommes venus au printemps écouter cette nouvelle version du Ciné Xtet de Bruno Regnier autour de la célèbre version de la Marque de Zorro, film de 1920 avec Douglas Fairbanks, on savait à peu près à quoi s’en tenir. D’autant que nous avions déjà suivi le travail de Bruno Regnier notamment lors du visionnage de « Steamboat Junior » au cinéma le Balzac à Paris où Bruno Regnier a ses entrées régulières. J’avais alors écrit dans d’autres colonnes combien cette approche musicale du cinéma muet qui s’inscrit dans une longue tradition du jazz depuis Claude Bolling à Bill Frisell en passant par Dave Douglas ( dont on ne saurait que trop vous recommander le dernier de Keystone) se dégustait sans modération, avec ou sans images d’ailleurs. Car c’est bien là la force de Bruno Regnier.Celle de se caler au plus près des images dans une volonté clairement affichée d’expressivité mais tout en permettant néanmoins de s’en détacher à loisir. Alors que dans ses précédentes compositions, il s’attachait à l’œuvre de Buster Keaton, s’inscrivant dans le rythme que le génial comédien donne lui-même aux images, ce sont ici les facéties de Douglas Fairbanks aussi roublard que charmeur et drôle qui se trouvent éclairés par l’écriture de Bruno Regnier dans un de ces moments rare où la musique parvient avec grâce à faire corps avec l’oeuvre cinématographique. Dans cet art là, Bruno Régnier nous a montré qu’il excelle. 

David Sanchez (Ts)

  Il y a des disques qui ne se donnent pas à la première écoute. De ceux qui vous feraient croire à quelque chose d’anodin. Epiphénoménal en quelque sorte. Mais il y a aussi ces disques qui ne se révèlent qu’après coup, à la nième écoute. Sur lesquels il faut revenir plusieurs fois afin d’en déceler les trésors. Qui révèlent leurs secrets ensuite. L’album de David Sanchez est de ceux là. Curieux, au même moment sortent l’album de deux saxophonistes Portoricains qui par ailleurs se connaissent, l’un (Zenon) ayant beaucoup joué dans le groupe de l’autre ( Sanchez). Et ce sont deux démarches tout à fait différentes mais non moins personnelles dont il s’agit. Alors que Zenon ( voir l’article de Lionel Eskenazi et notre ITW) se réclame de Steve Coleman, David Sachez au contraire est plutôt dans la suite d’un jazz post-fusion ici largement assumé et dépassé (on pense notamment à Metheny). Moins virtuose que lyrique, David Sanchez est un saxophoniste ténor de très très grande classe. Discours bouillonnant sans jamais se montrer explosif, rare de maîtrise, domptant les courbes et les droites sans aucun dérapage  incontrôlé, sonorité ciselée. David Sanchez a l’élégance des très grands. Mais alors que la démarche de Zenon se veut plus intime, dépassant sa propre histoire, celle de Sanchez reste ancrée dans une tradition multiple. Celle, on l’a dit d’un jazz post-fusion  (Adoracion) mais aussi de sa propre culture qu’il distille soit au travers d’une allusion soit lors d’un très long développement de 20mn qui clôture l’album et qui prend pour point de départ, la Plena, cette musique portoricaine qui tire sa source directement d’Afrique (La  Leyenda Del Cañaveral). Ceux qui ont récemment entendu Jacques Schwartz Bart ne seront pas surpris par ce type de travail. Mais la tradition c’est aussi le respect dû aux grands maîtres du saxophone et David Sanchez livre ainsi une lecture somptueuse de Monk’s Mood, montrant ainsi combien il reste ancré dans la tradition du jazz. S’appuyant sur une belle formation qui tourne impeccablement et que l’on retrouve en partie chez Zenon (le bassiste et le batteur) et par un jeune guitariste totalement bluffant, la musique de Sanchez n’en est pas pour autant irrésistible et l’on conçoit que certains pourraient y voir une sorte d’esthétique un peu froide qui pourrait bien vous faire passer à côté. A force de discours fleuve et de lyrisme puissant, on en oublie presque les interventions d’un Danilo Perez qui deviennent anecdotiques. Mais il faut y revenir et y revenir pour  découvrir enfin cet album. Car il s’agit réellement d’un album remarquable. Beaucoup plus fin et moins ambivalent qu’il n’y paraît à la première écoute.                                                         Jean-Marc Gelin