Jean-marie Villemot, Yannis Perrin

Ed. les beaux Jours, 191p. 

7,90 euros

Le jazz à la sauvette. En 300 questions totalement aléatoires comme ça pour rire, pour voir si  finalement vous vous y connaissez vraiment, hein ! Genre petit livre à laisser traîner aux cabinets pour se challenger soi même avec ses questions à deux balles et ses réponses à deux balles cinquante.

22 thèmes inégaux : les racines / blues/la famille bop /free jazz / la côte ouest / duos,trios, quartet et plus encore/ vents et cordes / claviers/  fûts / chanteuses / chanteurs / surnoms et sobriquets /  standards éternels / un air de bossa / des sons venus d’ailleurs / la touche française / le jazz , la télévision et les ondes / le jazz et le cinéma / le jazz et la scène / bêtes de scène / abréviations / un êu de technique/ petits pièges / anecdotes et petites phrases / grands d’aujourd’hui.

Les érudits piègeront les petites erreurs glissées dans les réponses, les autres s’amuseront avec Jean-Marie Villemot (que les amateurs de la série Rivages Noirs connaissent pouur ses polars et ses enquêtes d’Abel Brigand, prêtre détective) et avec Yannis Perrin animateur du blog de kazz Akcentuate the positive.

Comme on dit : pour apprendre en s’amusant …..

Nb :

Moi y en a une que j’adore :

En montant sur scène avant le concert pour faire la balance du son, le pianiste aveugle George Shearing constate à l’oreille, que quelqu’un est déjà au piano. Il s’agit de Thélonious Monk en train de répéter. Que dit Shearing ? *

A « Je ne savais pas que Satan jouait du piano. »

B « Je reviendrai quand l’accordeur aura terminé »

C « Je me sens débutant »

Jean Christophe Béney (ts, ss), Frank Lozano(ts, ss), Alexandre Grogg (p), Alain Bédard (cb), Pierre Tanguay (dr)

  Myspace

Avec Sphere Reflexion, Alain Bédard quintet avait signé un album hommage très réussi et inspiré à Thelonious Monk. Une œuvre sans faute de goût qui avait gagné ses jalons grâce à ses compositions justes dans l'esprit monkien, un jeu classieux et une motricité solide qui imprimaient la vénérable identité de cet auguste quintet. Avec Bluesy Lunedi, troisième album en leader de Bédard chez Effendi, label québécois dont il est le co-fondateur (avec Carole Therrien) et directeur depuis près de 10 ans, l'impression de réussite n'est pas garantie. Les compositions sont toujours de Bédard mais ont moins de relief que celles de Sphere et les harmonies manquent un peu d'originalité à l'oreille. L'Auguste quintet est un peu transformé mais ce n’est qu’au bénéfice du groupe. L’excellent Jean-Christophe Béney et son sax ténor ont pris la place de l'altiste Michel Côté. Fidèle parmi les fidèles, Frank Lozano est à ses côtés. Le hic est que les deux musiciens jouent des mêmes instruments: ténor et soprano. Malheureusement, il est quasi-impossible de distinguer l'un de l'autre lorsqu'ils jouent. C’est bien dommage pour les musiciens et pour l’auditeur car l’oreille ne parvient pas à se défaire de cette sensation de redondance dans les textures des instruments à vent.

On se délecte pour autant des chorus somptueux à deux sopranos sur « Double vue », la bonne motricité de « Simplement », le swing monkien de « Monky ». De manière générale, les compositions sont bien écrites et le groupe joue un jazz robuste avec une motricité solide. Mais « Archange » est une ballade un peu molle et la mélodie mièvre de « Nécessité » est dispensable, justement, à cet album. En fait, il manque un tant soit peu du mordant à cet auguste quintet, un peu plus d'envie dans le jeu et de conviction. Par ailleurs, à l’écoute des compositions et à la lecture du livret, on en vient vite à penser que l’écriture, l'enregistrement et la production se sont faits trop rapidement. En témoigne la présence de la clarinette basse, peut être de Lozano, que l’on entend en arrière-fond sur « Double vue » - on croit aussi distinguer un alto sur ce même morceau, sans certitude – alors que l’instrument n’est pas référencé dans le line-up du livret.

Voilà un album qui n’est pas mauvais, loin de là, il est plaisant et très bien joué. Mais il lui manque la témérité des instrumentistes dans le jeu et l’audace du compositeur Bédard. Dommage.

Jérôme Gransac

Phineas Newborn (p), Calvin Newborn (g), Oscar Pettiford ou George Joyner (b), Kenny Clarke ou Denzil Best (dms). Mai 1956 et mars-avril 1958. Réédition : Jazz Beat 2009.

Comme Miles Davis ou Wes Montgomery, Phineas Newborn avait la chance de porter un prénom immédiatement identifiable, source d’innombrables titres de disques. En l’occurrence « Here is Phineas » et « Fabulous Phineas », respectivement premier et cinquième album de sa carrière de leader, opportunément réédités en un seul CD par Jazz Beat. On y découvre les premiers pas bien assurés d’un monstre du piano, qui se distinguait déjà par une technique surhumaine (indépendance des deux mains, vélocité et puissance « à la russe »), une imagination débordante et un swing indéfectible. « Here is Phineas » le présente flanqué d’une rythmique superlative (Oscar Pettiford et Kenny Clarke) et d’un guitariste à peine audible, son frère Calvin. Si les influences bop et hard bop sont bien présentes (avec des compositions de Charlie Parker, Bud Powell ou Clifford Brown), c’est surtout le génie d’Art Tatum qui plane sur ce piano ébouriffant de fantaisie : il n’est qu’à écouter sa relecture d’All The Things You Are ou son fabuleux Newport Blues en solo, où il joue avec maestria des contrastes de registres. Dans « Fabulous Phineas », le frangin Calvin Newborn sort enfin de l’ombre pour occuper une place d’authentique soliste. Considéré par Pat Metheny comme « l’un des meilleurs guitaristes de jazz de tous les temps » (citation tirée du livret), il séduit par un son limpide, une attaque tranchante et un phrasé des plus agiles. Quant à Phineas lui-même – plus mûr peut-être – il semble jouer avec un peu plus de retenue et de profondeur, notamment sur Sugar Ray, superbe ballade interprétée en solo. Ces deux albums sont donc une entrée en matière idéale pour découvrir l’œuvre de ce pianiste majeur encore trop méconnu.

Pascal Rozat

Dans la région des Pouilles, au sud de l’Italie, deux manifestations importantes avaient jadis retenu l’attention, l’Europa

Jazz Festival de Noci où fut créé, entre autres, l’Italian Instabile Orchestra, et le festival Talos de Ruvo di Puglia,

le village natal de Pino Minafra. Pour diverses raisons, ces deux événements internationaux ont périclité, et un

troisième est venu prendre le relais, Bari in Jazz, placé sous la direction artistique du saxophoniste Roberto Ottaviano.

Photo: Gérard Rouy

Après avoir accueilli dans le passé des musiciens aussi divers que Karl Berger, Carlos Zingaro, Bobby McFerrin,

Kenny Barron, Kenny Wheeler, John Greaves et une grande partie de jazzmen transalpins, Bari in Jazz a choisi cet

été de placer sa cinquième édition sous le signe du « sacré » et du « profane », avec une distribution quasi

essentiellement italienne, dans différentes églises de la ville (et elles sont nombreuses !) ainsi que dans la cour en

plein air du Castello Svevo.

Photo: Gérard Rouy

Originaire des Pouilles, la chanteuse Gianna Montecalvo n’est guère connue chez nous, si ce n’est par son très bel

album “Steve’s Mirror“ (Soul Note) consacré à diverses compositions de Steve Lacy, en compagnie entre autres de

Roberto Ottaviano et de Gianni Lenoci. Avec sa consoeur chanteuse Rossella Antonacci, elle présentait le quintette

vocal Sussurri, spécialement mis sur pied pour le festival, sur un répertoire de pièces originales se situant entre le

classique, le jazz, le gospel, les musiques du monde et préservant de grands espaces ouverts à l’improvisation, d’où

se détachaient notamment ses grandes qualités vocales et son invention. Rossella Antonacci proposait pour sa part un

quatuor autour des chansons d’Edith Piaf, chantées en français sur des arrangements audacieux, accompagnée

d’un piano, d’un violoncelle et du saxophone de l’Andalou Javier Girotto. Il ne s’agit pas là d’une version « jazz »

de ces classiques (connus ou moins connus) de la chanson française (seul le saxophoniste se permettait parfois des

choruses basés sur la mélodie des thèmes), mais d’une relecture personnelle et souvent émouvante des chansons

de Piaf. Rossella Antonacci a publié en 2007 le CD “La foule“ sur label Dodicilune.

Photo: Gérard Rouy

Zappa et Monk, tels sont les sources d’inspiration auxquelles le contrebassiste et compositeur Furio di Castri a choisi

de s’atteler au sein d’un sextette aux couleurs contrastées et vives, avec notamment le guitariste Nguyên Lê, le batteur

Joël Allouche et l’excellent clarinettiste Mauro Negri. Zappa et Monk, deux musiciens totalement visionnaires et

imprévisibles, dont il ne s’agit pas d’offrir ici de simples reprises (hormis le Twenty Small Cigars de l’un et un pot-pourri

des compositions de l’autre) mais au contraire une appropriation ambitieuse du langage des deux maîtres à travers des

pièces originales, dans un jeu savant de références croisées, de citations et de chevauchements instrumentaux au cœur

d’une mosaïque bariolée de timbres.

Photo: Gérard Rouy

Après l’excellent quatuor de saxophones Arundo Donax, après le singulier quintette du saxophoniste soprano sarde

Gavino Murgia qui mêle le jazz à des éléments de musique traditionnelle méditerranéenne — suscitant un déploiement

de couleurs en compagnie entre autres du tuba de Michel Godard, de l’accordéon de Luciano Biondini et du

vibraphone de Franck Tortiller —, place au quintette new-yorkais de Tom Harrell.

Photo: Gérard Rouy

Il est évidemment toujours troublant d’observer le trompettiste américain replié sur lui-même, comme absent,

quand ses sidemen s’expriment sur scène, et l’assurance et la maîtrise qu’il prodigue dès qu’il se met à jouer.

Aussi à l’aise sur les tempos les plus rapides et sur les ballades, évoquant ainsi à la fois Clifford Brown et Chet Baker,

il se joue des harmonies et des mesures les plus complexes avec une précision et une sonorité exceptionnelles,

superbement soutenu par le bassiste Ugonna Okegwo et le batteur Johnathan Blake.

Gérard Rouy

ZIG ZAG 2009

Le disque attire et intrigue, comme le cri qui s'échappe d'une église américaine pour prendre le passant par le col et le plaquer sur les bancs de bois, fasciné, tordu de curiosité. Car le saxophone hurle, soulevé par les baguettes extra-fines de Gerald Cleaver et la contrebasse de Joe Martin. Il extirpe du fond des tripes son besoin de spirituel, son attirance vers l'esprit, de quelque nature fut-il. Le leader est allé chercher à Manhattan les treize morceaux, que l'on pourrait qualifier d'influencés par les grands quêteurs de spirituel (Albert Ayler, Pharoah Sanders, John Coltrane, Duke, etc.). Besoin de prouver à Manhattan, la Babel impie, que dans ses propres caves, il existe plus haut que les gratte-ciel. Eh bien qu'on se le chante : démonstration concluante! Comme celle, du reste, qu'Imbert accomplit avec la tentative de concilier deux découvreurs d'absolu : Bach/Coltrane (plus de 10 000 exemplaires vendus). La musique monte très haut, très vite... libre comme une exclamation, et sans s'époumoner. Rien de plus naturel : l'exclamation est spontanée car elle surgit du coeur. L'appel également séduit, car il vise à surprendre. Pour gagner les étoiles, le musicien n'avance pas seul. Imbert invoque les maîtres (divagation splendide dans « Central Park West » aux côtés de John Coltrane), et se réclame de la protection des chefs de file de l'Underground new-yorkais (John Zorn). Et surtout, il a travaillé. En 2003, grâce à une bourse de la Villa Médicis, il débarque dans la Grosse Pomme pour se plonger dans les archives et rencontrer les témoins de l'histoire de la musique afro-américaine. Il revient en 2009, édifié, pour enregistrer l'album. “La musique ouvre des voies; j'aimerais contribuer à les montrer”, assure l'artiste. Il serait de mauvaise foi de ne pas saluer cette aspiration à partager l'extase.