Obliq Sound 2008

Il ne faut pas attendre la troisième note de musique pour se rendre compte de la qualité d’un tel projet. C’est le contrebassiste d’origine italo-suédoise Massimo Biolcati qui mène la barque. A priori, sur le papier, le défi à l’air d’être extrêmement relevé par la présence d’incontournables magiciens contemporains, en la personne de Lionel Loueke à la guitare, Jeff Ballard à la batterie et de Peter Rende au piano. Lizz Wright et Gretchen Parlato occupant la partie vocale sur deux morceaux différents, « Winterhouse » et « Clouds ». Ce merveilleux premier opus de dix compositions originales du leader est consacré en deux parties distinctes. Tout d’abord « Motion », incluant les pièces énergiques du répertoire, puis ensuite « Stillness », regroupant des balades intimes aux reflets nocturnes. Tout au long du disque est mise en évidence une énergie homogène. Un remarquable terrain de jeu pour chaque soliste offrant un pur régal à l’écoute de chaque mesure. Ce disque s’ouvre d’ailleurs par une composition au thème aussi déroutant que le premier chorus du guitariste d’origine béninoise qui, doit-on le rappeler, est un habituel sideman des projets d’Herbie Hancock. Ce thème s’articule de façon originale avec deux lignes mélodiques entrecroisées. L’une doublée par la contrebasse et la main gauche du pianiste, en opposition avec l’autre, interprétée par la main droite du pianiste doublée d’une guitare aux reflets électroniques, causés par un effet électronique. L’étrangeté de cet arrangement attise l’oreille pour la suite du voyage. Ici domine un esprit Jazz-Rock remémorant les belles heures du collectif Steps Ahead. Le synthétique laissant sa place à un coté plus africain apporté par le timbre boisé de la guitare, agrémenté aussi par le chant de l’instrumentiste doublant chacune de ses notes tel un Georges Benson inspiré. La poésie transpire dans tous les recoins du répertoire, transmettant une généreuse efficacité d’improvisation. Dans un des titres d’environ huit minutes, intitulé « Transference », se conte une fable en plusieurs parties, à chaque fois différentes dans leurs complexes constructions rythmiques. Avec cette approche simple et fantaisiste des sonorités africaines faite essentiellement de polyrythmies se remarque une touchante sensibilité, toujours au service d’une interaction musicale hors norme. Idéale transition à la deuxième approche du disque, « Stillness », beaucoup plus développée en sensualité par la présence de la voix de Lizz Wright. Le groupe se transforme alors en cocon, adoptant une remarquable attitude d’accompagnement tout en souplesse et sophistication sonore. Il est possible aussi d’observer le caractère percussif du choix de peaux du batteur Jeff Ballard qui est connu pour être relativement polyvalent dans tous les projets auquel il participe. Ce merveilleux opus se referme sur une complainte interprétée à l’accordéon par le claviériste Peter Rende, qui use lui aussi de sa voix pour orner celle de son instrument. Ainsi se termine le majestueux voyage au gré des vertueux accents de bonté, de lyrisme, accessibles à toutes oreilles qui se laisse embarquer sur les vagues magiques du rêve… Tristan Loriaut

Fredon No Collection

LA HUIT - 2008

Poursuivant son chemin en direction de l’ancienne avant-garde New Yorkaise et des jazzmen qui continuent de faire les beaux jours du post-free jazz tel que l’on peut l’entendre au Vision Festival ou à la Knighting Factory, la Huit présente ici, après le travail remarquable de Anaïs Prosaïc sur Marc Ribot, un film de Jacques Goldstein sur le trompettiste New Yorkais Wadada Leo Smith filmé le 31 mars 2005 à l’occasion du festival Banlieues Bleues.

Il s’agit essentiellement d’un concert ( au demeurant magnifique) donné avec son groupe, le Golden Quartet composé de Vijay Iyer aux claviers électroniques, de John Lindberg à a basse et de Ronald Shannon Jackson à la batterie. Un concert filmé en noir et blanc, caméra sur l’épaule (un peu trop agitée à notre goût et évitant hélas les plans fixes trop longs) et qui ravira les partisans de cette prolongation par d’autres moyens du free jazz d’Ornette Coleman.

Une performance magnifique comme le est toute la prestation de ce trompettiste d’exception qui à 66 ans cultive le goût du quartet d’Ornette sans jamais pourtant singer le jeu de Don Cherry. Son goût de l’improvisation et du cheminement solitaire évoque parfois le travail de Antony Braxton, la dimension expérimentale en moins. Mais toujours chez Smith ce goût de la musique envoûtante, du mystère presque pictural et si proche d’autres formes artistiques que l’on y associerait volontiers les

Films de Cassavetes ou la peinture de Jackson Pollock.

Entre chaque morceau de ce concert, Jacques Goldstein recueille quelques courtes reflexions du musicien sur quelques points essentiels de sa musique que, dans le sillage de Ornette il qualifie de « creative music » au détriment de jazz qu’il ne retient pas comme définissant son propre travail. Puis suit une interview plus longue où Wadada Leo Smith poursuit sa réflexion autour de quelques questions captées vraisemblablement lors de sa venue en France à l’occasion de ce concert.

On ne saurait donc que rendre hommage à ce travail qui permettra à beaucoup de découvrir cet artiste absolument incomparable même si, comparativement au vrai travail de fond qui avait été fait sur Marc Ribot, on reste là beaucoup plus réservés, moins sur la qualité de ce concert passionantissime que sur la réalisation dont on ne comprend pas toujours les partis pris esthétisants : pourquoi le noir et blanc ? Pourquoi des images imposées à notre imaginaire comme celles un peu ridicules – excusez le cliché – d’une voiture roulant dans le nuit au milieu des néons de la ville ? ). Mais surtout ce travail se révèle particulièrement pauvre quand à sa documentation totalement inexistante sur le musicien que tout un chacun est censé connaître. Il est peu admissible en effet que la Huit ne se donne pas le temps de rédiger au minimum quelques liner notes à défaut d’un véritable livret pour présenter en quelques mots au moins la biographie de ce trompettiste essentiel qu’est Wadada Leo Smith.

Cependant, pas de quoi bouder notre plaisir et il faut rendre au moins justice au courage de la ligne éditoriale de la Huit qui n’hésite pas à s’investir dans cette musique exigeante au mépris des considérations commerciales qui animent aujourd’hui un grand nombre d’éditeurs de DVD. C’est assez rare pour être souligné et précieux pour être encouragé. Peut quand même mieux faire dans l’approche didactique.  Jean-Marc Gelin

Yohimbe Brothers

Sylvie Courvoisier trio ABATON

Freedom Now Collection

LA HUIT - 2008

“Listen to the film and watch the music”, voilà le pari que s’est fixé La Huit Edition avec cette série de films musicaux captés à Banlieues Bleues. La série s’intitule « Free Form Now » et chaque réalisateur a l’entière liberté de filmer la musique à sa guise.

La dernière livraison donne de la production actuelle, un échantillon fort intéressant et contrasté dans les approches .Chaque film est confié à des cinéastes pour qui la musique est choisie comme un authentique sujet de travail. La carte blanche qui leur est confiée permet de dépoussiérer les codes plus ou moins figés de la représentation de la musique filmée, problème qui se pose également au théâtre. L’image est souvent privée de sens quand on regarde de la musique enregistrée en concert.

Jacques Goldstein s‘est attaché à suivre le Golden quartet de Wadada Leo Smith en 2005.

Filmé dans un beau noir et blanc, avec une grande précision et au plus près de chacun des musiciens qu’il met ainsi en valeur, le réalisateur ne donne pas souvent une image d’ensemble du quartet mais s’attache plutôt aux différentes phases de jeu.

Par contre, une expérience radicalement opposée a été tentée avec le spectacle des Yohimbe Brothers où des effets graphiques et visuels incessants viennent se superposer à la représentation du concert, masquant le caractère réel de la performance. C‘est un vrai film d’animation qui nous est montré autour de la musique du groupe.

Le VJ’ing de Mathieu Foldes impose par ses coups de palette, des kaleidoscopes chamarrés et psychédéliques. Ce travail audacieux, proprement vertigineux occupe en premier toute notre attention. La musique souligne les effets visuels du guitariste Vernon Reid, formidablement présent, affublé d’un drôle de chapeau péruvien.

Enregistré à Bobigny en 2005, ce concert avec la chanteuse Latasha Diggs, le turntablist DJ Logic nous entraîne dans ce qui est supposé être une vision moderne d’un spectacle musical. Chaque titre se transforme en un tableau vivant : l’effet est frappant mais quelque peu intoxicant. On en arrive à être parasité par ce déluge de couleurs et de formes. Cette réflexion autour des rapports entre l’image et la musique est néanmoins passionnante. Car que privilégie-t-on au juste ? Ne s’efforce-t-on pas de rendre la musique visuelle et de traiter à part égale les différentes disciplines artistiques ? C’est le par(t)i pris ici par Jérôme de Missolz et avouons-le cela correspond bien visuellement à l’engagement des Yohimbe brothers dans leur musique fusion, à la croisée du rap et du funk.

Le dernier DVD proposé d’Anais Prozaic serait la synthèse parfaite entre la représentation attendue d’un trio « classique » ( violon, violoncelle et piano ) filmé  souvent au moyen de zooms qui nous mettent tout près des musiciens. On ressent ainsi le premier titre de la même façon qu’au concert  quand on est bien assis dans les premiers rangs, visualisant  les gestes  tout en tensions et ruptures, le frémissement de la musique de Sylvie Courvoisier.

Puis, c’est la surprise : intervient une rupture brutale avec un duo de danse contemporaine dans un montage qui fait se correspondre les pieds et jambes des danseurs, les mains des instrumentistes. Juxtaposition rapide saccadée, haletante qui colle à la musique et à la danse. Voilà une tentative d’accompagnement plutôt réussi, symbiose de deux formes artistiques performantes.  On est évidemment un peu fasciné par les mouvements des danseurs et sans oublier la musique, la concentration est ainsi divisée. Risque de dilution ? En tous les cas, l’expérience est intéressante dans le rapprochement de diverses disciplines qui se marient bien.

A suivre.                                                                     Sophie Chambon

Pourquoi le trio Rosenberg est il un groupe de jazz?

Déjà parce qu'ils jouent du jazz manouche et aussi parce qu'ils font un brillant hommage à Stéphane  Grapelli, dans la plus pure tradition manouche, en reprenant les titres de jazz (et autres) qui l'ont rendu célèbre ou qu'il a beaucoup joués pendant sa longue carrière. Des morceaux qui rendent le mieux hommage à Grappelli selon le trio, citons « R-vingt-Six » de Django et Grappelli, « You are the Sunshine of my Life » de Stevie Wonder et« What Am I Here For » d'Ellington ou « I Got Rhythm » des Gerschwin.

Rosenberg trio est un groupe gipsy hollandais, internationalement connu, composé du guitariste leader Stochelo Rosenberg, du guitariste rythmique Nous'che Rosenberg et du contrebassiste Nonnie Rosenberg, tous deux frères. Considérant qu'il est difficile de rendre hommage à Grappelli en trio, les Rosenberg ont fait appel au violoniste virtuose Tim Kliphuis, hollandais lui aussi. Reconnu comme le digne successeur de Grappelli, Kliphuis est spécialisé dans le swing et la musique gypsy et donne même des leçons de jazz dans le style de Grappelli !

Et voilà, la boucle est bouclée! Les plus grands jouent la musique de leurs ancêtres les plus grands. C'est vrai que le Rosenberg trio et Kliphuis s'accordent à la perfection. Tout semble fait pour que ces quatre là jouent ensemble. La musique est idéalement jouée, les guitaristes sont justes, Kliphuis donne toute la sensibilité nécessaire à son violon et possède un son manouche criant!

En dehors de ceux signés Reinhardt, les morceaux jazz sont parfaitement arrangés pour le jazz manouche et leur donne même un autre éclairage (« Ol' Man River »). Musicalité, swing, morceaux choisis, Grappelli... Que rêver de plus? Ah si, peut être. On aurait aimé un petit bonus: une composition du quartet qui rendrait hommage à Grappelli. Jerôme Gransac

Foreign Media Jazz – 2007

Il aura fallu deux ans et ce troisième album pour voir la saxophoniste hollandaise Tineke Postma se produire en ce début d'avril à Paris au Duc des Lombards, club refait à neuf aux conventions américaines actuelles. Élève de Dave Liebman et de Chris Potter à New York  et Prix de la Révélation de l'année 2006 alors inconnue du grand public, elle n'avait pas laissé indifférente lors de sa fulgurante prestation télévisée des Victoires du jazz. Côté inspirations, Tineke Postma rappelle Cannonball Adderley et aussi Art Pepper à qui elle emprunte quelques gimmicks de jeu. Nous lui trouvons aussi des inflexions et la même attaque douce que Pepper.

Comme l'indique l'accroche de son site web, Tineke Postma est une saxophoniste, compositrice et musicienne de jazz. Avec ?A Journey that Matters ?, elle ne fait pas mentir cette description accrocheuse. Elle a écrit huit pièces sur les onze du cd où elle joue des trois saxophones. Et pour l'occasion, elle s'est entourée de dix très bons musiciens dont la batteuse Terri Line Carrington (Herbie Hancock) pour cinq jours d'enregistrement studio. C'est donc une assez grosse production que lui offre le label Foreign Media Jazz. Avec ses avantages et généralement ses inconvénients. On l'aura deviné: une bonne production assure aux musiciens de travailler dans de bonnes conditions et au leader de s'attirer quelques sidemen de pointure. Les inconvénients peuvent être une musique trop calibrée et formatée. Les grosses productions étant destiné à un large public.

Et bien ce n'est pas le cas ici! Certes, les compositions sont jolies, harmoniquement simples et sont expressives mais sans esbroufe. Les chorus des musiciens sont concis, courts, très bien exécutés et ne dépareille pas de l'atmosphère d'un jazz mainstream convenu et propre mais qui n'est pas dépourvu de jolies cavalcades et envolées sur "A Journey that Matters "et "Short Conversations "où Postma et le pianiste Randal Corsen nous régalent de leur discours riche en réponse. Pour donner un joli relief aux pièces ("Fleurette Africaine), trois d'entre elles sont agréablement arrangées avec un quatuor à bois (clarinette, basson, flûtes, cor) qui évoque poésie et aventure.

Le jeu de Postma est classique, efficace et sans réelle surprise alors que celle-ci ne prend pas la place de la leader charismatique qu'on s'attend à écouter. Mais on lui trouve plutôt une aptitude particulière à se fondre dans ce type de production et à s'exprimer avec talent lors de ses interventions. Ses chorus sont construits autour de différentes scènes mélodiques qui colorent ses compositions de bonne facture. Au sax, ses inflexions sont expressives et rêveuses et les nuances de jeu sont nombreuses. Entouré d'excellents musiciens qui savent la mettre mettre en valeur,  la saxophoniste a su faire de "A Journey that Matters "un album de jazz agréable à écouter, romantique, harmonieux, équilibré et qui lui correspond très probablement.  Jerome Gransac