Il y a des mécontents partout. On les entend toujours et souvent beaucoup plus que leurs compagnons d’humanité optimistes et enthousiastes. Et pour le coup nous pourrions aussi faire notre mea culpa vu qu’il nous arrive parfois aux DNJ de nous égarer dans des faux sujets et de brandir des polémiques inutiles. Il y aurait pourtant si l’on prenait le temps de les déguster, matière à se réjouir des bonnes nouvelles.

Samedi dernier le guitariste américain John Scofield que nous avons rencontré lors de la soirée de clôture de 22èmes rencontres internationales de Nevers, nous parlait de son nouveau projet, « Piety Street Band » réalisé autour du blues et des vieux thèmes du Gospel. Parce que la conversation prit un autre tournant, nous parlâmes un moment de l’événement planétaire qui a bouleversé l’ordre du monde ce 4 novembre dernier. Sincèrement, très sincèrement je peux vous dire qu’à ce moment précis de l’interview j’ai senti John Scofield jusqu’ici très pro dans la maîtrise de son discours, perdre pied, submergé qu’il était alors par l’émotion de l’immense nouvelle que représente pour lui l’élection de Barak Obama. On sait combien les musiciens de jazz Outre Atlantique se sont mobilisés unanimement pour le sénateur de Chicago. On sait moins ce que fût leur souffrance pendant 8 ans de représenter une bannière étoilée dans laquelle ils ne se retrouvaient plus. Alors à ce moment précis de l’interview, le sentiment dominant de Scofield était bien au delà de celui de la fierté retrouvée. Il était celui d’incarner avec ce 4 novembre un pays courageux qui était allé au bout d’une démarche dont la puissance au moins symbolique est exceptionnelle. Et je peux vous dire que l’émotion de John Scofield investit comme tant d’autres musiciens blancs et depuis si longtemps dans la musique afro-américaine, cette émotion là, cette fierté incommensurable était très forte ce jour là.

Seulement voilà il y a des grincheux. Le journal « Libération » à peine Barak Obama élu, c’est à dire dans sa « une » du 6 novembre titrait sur les difficultés d’un mandat à venir dont on sait bien qu’il va être l’un des plus pourris qui soit. Mais quoi, ne pouvons nous pas nous poser et célébrer cette nouvelle si bonne, si heureuse pour l’humanité, savourer cet acte de non racisme à sa juste portée et nous donner le temps de poursuivre un peu notre rêve.

Mais voilà il y a des grincheux tout le temps. Une sorte de besoin de toujours tout remettre en cause et de polémiquer là où il n’y aucune raison de la faire. Tenez, prenez l’ONJ version Yvinec que nous avons rencontré ce mois-ci et qui présentait l’autre jour le programme qui sera le sien pour les trois années à venir. Et bien cet ONJ à toutes les raisons de nous enthousiasmer. Courageusement Yvinec a fait le choix d’ouvrir cette formation à de jeunes talents, de jeunes musiciens pratiquement inconnus du grand public, des talents fous aux univers contrastés. Avec un vrai esprit d’ouverture, Daniel Yvinec joue a fond sa carte de directeur artistique, se propose d’aller à la rencontre de différentes formes d’art, de marier des compétences inattendues ( Alban Darche et Billie Holiday), de s’ouvrir aussi bien à la pop qu’au jazz. Bref foisonne d’idées de créations et de rencontres avec une curiosité qui devrait forcément émoustiller la notre. Rien ne nous est dévoilé pour l’heure de ce que sera la forme aboutie de ces projets mais l’on sait qu’ils seront foisonnants. Une autre conception de l’ONJ assurément. Pas matière à faire le grincheux, pas de matière à la critique. Juste à nous laisser prendre par cet esprit d’ouverture et d’accueil. Aller à notre tour à la rencontre d’un monde qui bouge. Sans arrière pensées.

Cristal Records – Abeille Musique

Dans la plus stricte et légendaire formule des trios de guitare et orgue, David Reinhardt nous offre ce mois-ci un album au doux nom de « The Way of Heart ». Accompagné par le précieux Florent Gac à l’orgue et du remarquable batteur Yoann Serra, c’est au détour de compositions et d’arrangements que les musiciens de ce trio accueille sur quelques titres des invités de marque comme Cyrille-Aimée au chant, Sébastien Gimaux au violoncelle et Olivier Témime au sax ténor. Avec un Jazz plein de pudeur et de retenue, la fraicheur transpire du début à la fin de cet opus, avec au passage quelques clins d’œil au passé qu’il est difficile d’ignorer comme par exemple la reprise de cette composition du « chat » René Thomas, « Theme For Emmanuel » ou encore cette composition de Kenny Burrell appelée « Lyresto », puis enfin un « Moon Blue » de Stevie Wonder revisité avec passion. Sans trop de nostalgie quand même, il faut toutefois souligner la somptueuse présence de compositions originales qui révèlent un certain bon goût. Les innombrables qualités des improvisateurs sont largement identifiables par leur audace, leur inventivité, leur originalité aussi. Cette participation inhabituelle du violoncelle au sein d’une telle formation propose un regard nouveau et une vraie question pour l’instrumentation de ce type de Musique, et qui plus est, aux mains d’un violoncelliste talentueux aussi bien dans l’interprétation des thèmes que dans l’improvisation. Ne pas oublier aussi la participation de la voix de Cyrille-Aimée, ajoutant un zest de tendresse. Dans la composition donnant son nom au disque, les arrangements, par moment sous formes de dialogue instrumentaux, sont d’une indéniable beauté, témoignant un lyrisme hors du commun. Nous ne nous retrouvons pas si éloigné d’un style manouche, célébrant principalement le Groove, parfois associé au Swing ou au Bop, avec de légers accents Pop et Soul. Réunissant diverses formules et combinaisons d’instrumentation au fil des titres, cet album nous donne un formidable aperçu de tout un pan de l’histoire de la guitare Jazz, et tout cela enregistré avec talent par François Gaucher au studio Alhambra-Colbert de Rochefort. A noter aussi l’incroyable subtilité du phrasé du saxophoniste Olivier Témime qui, années après années, prends de plus en plus de valeur tel un bon vin qui mûrit. Pour l’avoir invité, on comprend aisément le choix de David Reinhardt. Ce guitariste de seulement 22 ans a déjà tout d’un grand par la remarquable maîtrise de son instrument de prédilection mais aussi par ses idées esthétiques. Est-il encore une fois de plus nécessaire de rappeler que nous avons affaire au petit fils de pas n’importe qui ?  Tristan Loriaut

Label Bleu 2008

Malik Mezzadri (fl,vc, p), Denis Guivarch’ (ts), Jozef Dumoulin (fender), Sarah Murcia (b), Maxime Zampieri (dm), Nicolas Genest (bg), Airelle Besson(t), Allonymus (vc), Minino garay (perc), Gilbert Nouno (electro), Scoprene Horribile (vidéo)

Double album, double face et double avis sur ce nouvel opus du compositeur- flûtiste Magic Malik dont on sait combien il affectionne les univers musicaux complexes, à l’image de son mentor Steve Coleman. C’est en effet un travail très ambitieux auquel se livre Malik avec une première partie dans laquelle il semble s’affranchir de ses habituelles contraintes pour laisser place à un univers à la fois lounge et mystérieux dans lequel des suites féeriques (Marthe dans la Jungle) côtoient une sorte de pop très actuelle avec luxe d’arrangements. La parlé chanté (créole) s’insert avec des résonances très personnelles donnant le sentiment que Malik nous raconte un peu sa propre histoire, son parcours musical. N’hésitant pas à faire simple lorsqu’il le faut, Malik sait aussi émouvoir sur des thèmes un peu simples et pourtant fort bienvenus. Il y a assurément dans ce premier CD un effet de mode qui en exaspéra certains et donnera au contraire aux autres des pistes à explorer pour un jazz renouvelé. Mais tout se passe comme si dans cette première partie,  Malik cherchait son propre discours, hésitait sur les voies à suivre, se laissait parfois aller à plus de simplicité visant un plus large public qui décevra un peu les chapelles jazzistiques et  pourra peut être séduire un public venu d’ailleurs. Un public acquis à la soul et au funk et qui se situerait entre la pop, l’électro et le jazz auquel le syncrétisme de Malik donne ici écho.

Dans la deuxième partie Magic revient à ses précédents travaux et à ses thèmes baptisés XP qu’il avait développés dans son précédent album autour de principes systémiques, (parfois de simples mélodies enfantines) qu’il se plaît à retravailler en s’imposant des contraintes harmoniques ou rythmiques. Cette deuxième partie, revient au jazz et s’ouvre logiquement par une reprise très modernisée (et pas terrible d’ailleurs) de Giant Steps.

Mais l’essentiel de cet album réside plus dans l’espace laissé aux musiciens et (une fois n’est pas coutume) à Malik lui même qui, à la différence de ses précédents albums, s’expose beaucoup plus et s’affiche carrément comme une référence absolue de la flûte dans le monde du jazz tant il explose de maestria et d’aisance rarement atteints. Ses compagnons de jeu font aussi remarquable figure qu’il s’agisse de Denis Guivarch’ ou de Jozef Dumoulin ou de Nicolas Genest et Airelle Besson même si leur terrain de jeu est plus étroit.

Un peu schizophrène ce double album brasse assez large un public jeune pour que tout le monde y trouve son compte. Assez consensuel en somme.

Jean-Marc Gelin

Yolk Records – Indigo

Bruno Régnier est un créateur bien particulier de projets aussi audacieux que créatif. Cette « Suite… de danses » rassemble un collectif tout à fait intéressant par la présence de Sébastien Texier au sax alto et à la clarinette, Rémi Dumoulin au sax ténor et à la clarinette, Olivier Thémines à la clarinette, Alain Vankenhove à la trompette, Matthias Mahler et Jean Louis Pommier au trombone, Alexis Thérain à la guitare, Frédéric Chiffoleau à la contrebasse et enfin Matthieu Desbordes à la batterie. A la composition et à la direction de cet orchestre à géométrie mouvante, ce créateur nous offre un nouvel opus réunissant des souvenirs de Musique folklorique, dans un climat de Musique de chambre autant que de jazz, où l'écriture se fait vive, fantaisiste et inventive. L'X indique évidemment la variabilité de l'effectif et des possibilités d’assortiments. Cet album s’ouvre sur « Brass Dance », composition débutant sur une longue et rutilante note du tutti, laissant présager une préciosité bien particulière de l’agencement de chaque pupitre. Ce tutti, s’arrêtant net, laisse place par surprise, comme un oublié, au saxophone alto, continuant sa note tenue en solitaire. Tel une forêt d’arbres qui s’échouent tous ensemble pliés par le vent, tous sauf un seul. Et justement. On retrouve ici une idéale manière d’accompagner des images, celle dont use le « Ciné X’Tet » de Bruno Régnier pour accompagner les aventures de Buster Keaton à l’écran. Dans ce disque très fourni en écritures, la place de l’arbitraire demeure importante, étant aux mains de formidables improvisateurs que sont chaque soliste. Au passage, Sébastien Texier illumine par la suprématie de son phrasé, émanant d’une pure intelligence. Il faut aussi souligner la solide musicalité d’une section rythmique donnant la réplique de belle manière à ce cortège, parfois au service de la folie furieuse. Des accents de Musique Free et Contemporaine dans « La claudicante » mais aussi des soupirs élégiaques à consonances d’Europe de l’est, de féériques évocations au cirque dans tous ce qu’il y a de farce et attrape dans « Fin de danse », le swing à couper au rasoir d’un Jazz étourdissant dans « Alaoud ». Une suite de danses remplie d’idées majeures tout en nuances, de long en large composée par la plume d’un savant arrangeur à suivre. Tristan Loriaut

Nonesuch 2008-09-20

Bill Frisell (g), Rone Miles (cnt), Greg Tardy (ts, cl), Eyvind Kang (vl), Hank Roberts (cello), Tony Scherr (cb), Kenny Wollesen (dm)

 C’est un album très ambitieux que signe là Bill Frisell. Un album aussi fourre-tout qui résulte pour partie d’un travail déjà commencé à l’occasion de « Mysterio Sympatico », une commande présentée en 2002. C’est dire si l’on va chercher loin pour cet album qui mêle un peu tout, qui associe d’anciennes compositions avec des nouvelles, des parties enregistrées en studio et des parties en live pour un ensemble assez long de 2 CD qui veut se penser comme une suite mais dont il faut bien avouer que l’on perd totalement le fil conducteur. Fidèle à sa tradition Bill Frisell ne sous simplifie pas la vie puisqu’il puise dans plusieurs racines musicales à la fois allant du blues porteur d’une certaine tradition de l’Amérique à des racines plus africaines sur des tourneries où il se plaît à jouer de sa guitare comme d’une Kora. Quelques thèmes reviennent en boucle tel un leitmotiv marquant quelques repères dans cette grande et ambitieuse histoire américaine où les atmosphères cool que Bill Frisell se plaît à créer côtoient une certaine pétulance inventive du côté des cuivres. Lorsque Bill Frisell convie les cordes portées par la percussivité d’un Kenny Wollesen qui délaisse ici le vibraphone on est un peu gêné par l’emprunt de Bill Frisell à son copain John Zorn qui frôlent parfois le plagiat allant puiser à la fois du côté de Bar Kohkba (Probability Cloud) ou des superbes Dreamers (a change is gonna come) dont nous avons parlé cet été dans ces colonnes. De même ses compositions côtoient quelques emprunts tel Jackie-ing (Monk) ou un superbe Subconcious Lee (Konitz) qui tombe ici un peu comme un cheveu sur la soupe.

Alors, à défaut d’une démarche très claire de Bill Frisell , dont on aurait aimé qu’il exprime son propos au travers des liners notes explicites, on se perd dans cette œuvre ( cette somme devrait on dire) un peu magistrale mais surtout décousue où quelques moments superbes ( Probabilty cloud, Baba drame, Struggle part 2) côtoient néanmoins quelques moments d’ennuis distingués parmi lesquels on retiendra notamment quelques moments de bravoure du saxophoniste Greg Tardy ici véritablement décisif.               Jean-Marc Gelin