BAPTISTE BOIRON, BRUNO CHEVILLON & FRÉDÉRIC GASTARD «Là»

Baptiste Boiron (saxophones alto & ténor), Bruno Chevillon (contrebasse), Frédéric Gastard (saxophone basse)

Bignan (Morbihan), 21 février 2020

Ayler Records AYLCD 166-167

https://ayler-records.bandcamp.com/album/l , ou Orkhêstra

Instrumentation singulière, et singularité de cette musique qui porte la marque de de son initiateur, le saxophoniste Baptiste Boiron, et de son itinéraire personnel : formé à la musique contemporaine, mais aussi baigné de Bach ou Debussy, ce musicien s'est également frotté aux improvisateurs du jazz d'aujourd'hui, de Jacques Di Donato à Médéric Collignon en passant par quelques autres saute-frontières experts en expressivité transgressive.... Et les partenaires qu'il s'est choisis pour ce trio, créé lors d'une résidence au Centre d'Art de Kerguéhennec, sont des orfèvres en audace, liberté et maestria instrumentale autant que musicale. Il en résulte un double disque qui fourmille d'escapades esthétiques. La musique est exigeante, les formes sont élaborées, et pourtant tout cela respire la liberté, le bonheur de créer, de risquer, de découvrir au détour d'une barre de mesure une bribe d'inouï, pour la cultiver, la magnifier. La première plage du premier CD (c'est un double) part sur une ligne de basses (contre- et sax itou) comme en produit le jazz, mais on s'engouffre vite dans un univers répétitif (pas rigide, mais souple, bondissant) pour s'évader en vertige improvisé. Puis ce sont des sons et modes de jeu extrêmes, dispensateurs d'un ailleurs plus que dépaysant. Plus loin encore une procession concertante de sons mélancoliques, une joyeuse farandole qui se dissout dans une sorte de drame lyrique, et au fil des plages l'intimité de la musique de chambre qui croiserait des univers de tensions radicales. Je ne vais pas poursuivre un vain catalogue pauvrement descriptif, mais plutôt vous inciter à découvrir ces paysages aussi riches que mystérieusement imprévisibles. Au fil des plages vous croiserez un thème d'Ellington, un autre de Coltrane, une mélodie de Jarrett, sans oublier de multiples hommages travestis d'anagrammes autour des noms de musiciens inspirateurs. Un petite incursion sur Bandcamp vous permettra de goûter cette chasse aux mystères de l'admiration. Et un tour du côté de Youtube vous procurera un avant-ouïr qui devrait vous donner le goût de persévérer dans ce labyrinthe hautement créatif, et très jouissif.

Xavier Prévost 

Avec Kenny Wheeler, Jean-Louis Chautemps, Roger Guérin, Maynard Ferguson, Dusko Goykovic, Toots Thielemans, Sahib Shihab, Albert Mangelsdorff, Mark Murphy, Philly Joe Jones…
Jazzline Classics – D 77091/ Socadisc (3 CD).
Sortie le 26 mars.

Séquence rétro avec cette sélection d’inédits intéressants à trois titres au moins : un grand orchestre européen, un répertoire original différent des Big Bands états-uniens, un programme évoluant sur la période d’activité de la formation (1957-1974).

Extraits des archives de la radio de Cologne Westdeutscher Rundfunk (WDR) ces 40 titres viennent (re)mettre en lumière le travail du chef d’orchestre allemand Kurt Edelhagen (1920-1982) caractérisé, aux dires de ses musiciens cités dans le livret, par la discipline et la précision (jusqu’à une douzaine de prises !).
Dans ses œuvres, Kurt Edelhagen, même s’il a invité quelques stars américaines (Philly Joe Jones, Maynard Ferguson, Sahib Shihab, Kenny Wheeler…) s’est appuyé sur les forces vives du vieux continent :

- Des interprètes : son compatriote, le tromboniste Albert Mangelsdorff , les français Jean-Louis Chautemps, saxophone ténor engagé dans le premier groupe à 27 ans, Roger Guérin, trompettiste, et ses confrères l’écossais Jimmy Deuchar et le serbe Dusko Goikovic, Toots Thielemans, harmoniciste belge…

- Des arrangeurs qui le secondaient, comme le belge Francy Boland qui partageait son temps avec le Big Band de l’exilé américain à Paris, Kenny Clarke.

...Une sacrée phalange ! Dix sept personnalités qui devaient être fortes, relevait leur chef, pour jouer en concert à la demande un jour ‘Rhapsody in Blue’, un autre ‘St Louis Blues’. Cette alchimie devait, dans des formations différentes, perdurer une quinzaine d’années, avec un répertoire présenté régulièrement dans des émissions de radio (la WDR) et de télévision, qui donnait aussi bien dans le be-bop, le cool, et même (de manière modérée) le free jazz.

Kurt Edelhagen and His Orchestra 1965

L’avènement du rock’n roll à la fin des années 60 conduisit Kurt Edelhagen à emprunter pour survivre les voies de la musique commerciale et à finalement dissoudre son All stars le 31 décembre 1972 quelque temps après une dernière commande publique pour les J.O de Munich. Reste ici, dans ce coffret finement mitonné, une sélection hautement recommandable d’une époque glorieuse pour les Big Bands.

Le All Stars de Kurt Edelhagen n’avait pas à rougir face au grand orchestre de Thad Jones - Mel Lewis, Comme en témoigne non sans humour le tromboniste américain Jiggs Whigham, invité du groupe dans les années 70 : « Un jazz band allemand qui avait le sens du groove et du swing, c’était assez unique ».

Jean-Louis Lemarchand.

Jean BUZELIN

Sister Rosetta Tharpe la femme qui inventa le rock and roll

Preface de Philippe Bas-Rabérin

Editions AMPELOS éditions Ampelos | éditeur de combats (editionsampelos.com)

Sister Rosetta tharpe Gospel Complete sister rosetta tharpe vol 7 1960 - 1961 - dernier volume - Frémeaux & Associés éditeur , La Librairie Sonore (fremeaux.com)

Grâce à l’ami Jean Buzelin, fin connaisseur de toutes sortes de musiques dont le jazz, le gospel, le blues et la chanson française, Rosetta Tharpe a enfin sa biographie en français.

Voilà un petit livre formidable, sorti chez les éditions Ampelos qui réhabilite Sister Rosetta Tharpe (1915-1973) qui a subi une traversée du désert de plus d’un quart de siècle. Enfin intronisée au Rock And Hall of Fame en 2018, les sept volumes de son intégrale sont parus chez Frémeaux& Associés qui fait un travail remarquable dans la conservation du patrimoine musical.

Qui était Sister Rosetta Tharpe? L’une des plus grandes chanteuses de gospel, rivale de la grande Mahalia Jackson, qui débuta, en pure autodidacte, aux côtés de sa mère dans des tournées d’évangélisation, en s’accompagnant de sa guitare.

Son originalité est d’avoir su relier le gospel au blues et au jazz puisqu’elle se lança un temps dans une carrière profane, débutant au Cotton Club avec Cab Calloway, ou sur la scène de l’Apollo de Harlem où elle introduisit des chants sacrés. Elle rejoint un temps l’orchestre de Count Basie et tourne aux côtés de Benny Goodman! Elle accompagne son chant d’un jeu de guitare mordant, très rythmique et à la sonorité presque rock and roll avant la lettre. En 1939, le magazine Life titre “la chanteuse qui swingue les mêmes chansons à l’église et au cabaret”.

Sister Rosetta Tharpe - Lonesome Road (1941) | Soundie - YouTube

Elle parvient en effet à swinguer le gospel mettant à profit son expérience sur la scène jazz. Elle devient très vite la première vedette du disque de gospel et enregistrera pour Decca, Verve, Mercury, connaissant une célébrité nationale.

Bien que créatrice d’une nouvelle expression vocale populaire, issue de ce double apport religieux et profane “a secular gospel music”, elle sera obligée d'abandonner sa carrière profane mais elle réussit cependant à garder son autonomie de holly roller singer et parvient à ne pas changer son style bluesy et swingant. Au sommet de sa gloire entre 47 et 51, l’âge d’or du gospel, elle tourne avec son quartet de Rosettes dans le sud ségrégationniste avec un chauffeur blanc pour contrer les lois Jim Crow ( on se croirait dans le film Green Book). Ambassadrice du gospel en Europe, elle vit une aventure triomphale et en France, chante même en première partie de Trenet en 1958! Son influence sur les chanteurs de rock des années cinquante (blancs et noirs ) et sur la génération des groupes de rock britanniques des années soixante, passionnés de blues, explique sa réputation de “marraine du rock and roll”.

Jean Buzelin donne à voir en quoi une communauté s’est inventée un mode de vie dont la religion est essentielle dans la construction de soi. Femme noire et chanteuse dans une de ces églises noires, souvent très conservatrices et puritaines, n’était pas une position facile. Elle fut souvent tiraillée entre ses racines, sa foi évangélisatrice et une nature très spontanée, la chair (trois mariages) et l’esprit, la lutte collective et une carrière indépendante. Sa quête demeura cependant spirituelle, guidée par un chant lumineux et des qualités réelles de musicienne.

Appuyant sa recherche sur une documentation précise dont une interview de François Postif pour Jazz Magazinen°35 et le travail de Jacques Demêtre pour Jazz Hot, Jean Buzelin réussit un portrait saisissant de vitalité et rend justice au talent de cette femme forte, déterminée, à la personnalité solaire. On croit entendre la voix de cette Sister “admirablement placée”, soprano légère, entre foi, enthousiasme et vigilance.

Un livre absolument recommandé  pour pénétrer la complexité des musiques noires et se familiariser avec le gospel en particulier.

Sophie Chambon

Pierrick PEDRON

FIFTY FIFTY

New York Sessions

Sortie 5 mars 2021

l’Autre Distribution/Gazebo

Pierrick Pédron - Teaser - Sakura - Fifty/Fifty New York Sessions - YouTube

Enregistré en janvier 2020, en quartet, à New York avec la fine fleur de la rythmique américaine, ce CD fait partie d’un “faux-double” album, puisque fin 2018, pour les cinquante ans du saxophoniste alto Pierrick Pédron, fut gravé un autre CD, à Paris cette fois, toujours en quartet mais avec une instrumentation différente (clavier, sax, tp, batterie).

Cet album de l’équilibre, ce que souligne la photo de Pierrick sur les rails, a été enregistré sur Gazebo, le label de Laurent de Wilde qui ne peut résister à “un vrai disque de jazz”. Il fut conçu avec la complicité constante du producteur et ami Daniel Yvinek, sous la houlette de James Farber, le sixième homme de la formation, qui a enregistré le son sur 2 pistes en direct.

Laurent de Wilde vous présente FIFTY-FIFTY NY SESSIONS - PIERRICK PÉDRON - YouTube

Je me souviens encore de ma rencontre musicale avec Pierrick Pedron pour son troisième album en 2005, qui rendait hommage aux standards, Deep in a dream, déjà enregistré aux Usa, avec le pianiste Mulgrew Miller. Cette fois, ce sont des compositions originales, denses et inventives avec leurs modulations brusques, leurs variations de temps, et toujours cette ferveur.

Bien que fidèle au bop (de ses débuts au Petit Op’ aujourd’hui disparu), amoureux de Charlie Parker mais aussi de Sonny Stitt, Pierrick Pédron ne veut pas se focaliser sur ce style,  son carburant, il reste ouvert aux influences, aussi bien jazz que pop et rock, comme il l’a prouvé dans toute sa discographie!

Pierrick raconte comment il s’y est pris pour composer : parti d’improvisations libres, aléatoires sur dictaphone, sans cellule rythmique ni structures harmoniques, une fois les thèmes non harmonisés choisis, il les a soumis à Laurent Courthaliac, pianiste expert en be bop, s’il en est, qui a su retravailler ces morceaux "éclatés".

Dans ce retour aux sources, qui est tout sauf rétro, on le retrouve comme on l’aime, du vif argent, dès le démarrage comme un boulet de canon, avec ce “Bullet T”. Si certains prenaient le “A train” dans le passé, le quartet a gagné encore en vitesse, en prenant le Shinkansen. Et ça dégage!  Pierrick Pédron a une passion pour le Japon, terre de jazz par excellence, beaucoup de ses thèmes ont ce parfum d’origine dans leur titre de “Bullet T” ( le shinkansen) à “Origami”, “Mr.Takagi”, “Mizue”, sans oublier les cerisiers qui sont roses dans le pays du soleil levant, les “Sakura” évidemment!

Toujours aussi généreux dans l’engagement, donnant toute sa puissance, il est soucieux de mélodie, du phrasé et de rythme, mais il sait se faire tendre, lové dans une rythmique soyeuse, dans les ballades alternées finement dans le programme. “Sakura”, après une introduction stimulante de près de 2 minutes au piano, fait entendre un alto sensible, jamais éploré. Pierrick Pedron s’y fait chanteur, souple et éloquent. La pulse ne cesse jamais, même dans ce mouvement plus voluptueux. L’esprit de la danse tantôt alanguie, tantôt débordante d’énergie infuse tout l’ album. Avec un entraînant “Boom” aux réminiscences monkiennes, Pierrick n’attend pas que le monde vienne à lui, sa séduction n’est ni tranquille ni douce, elle emporte  l’adhésion par une urgence, une intensité, jamais fabriquées. C’est qu’en prenant des risques, il se livre. C’était assurément un nouveau challenge que de travailler avec ces trois Américains  à la complicité indiscutable. Pierrick qui aime se mettre en danger, a su très vite s’imposer, conquérir l’équipe qu’il avait "castée", Sullivan Fortner au piano, Larry Grenadier à la basse, Marcus Gilmore aux drums (le petit fils de Roy Haynes !). Il a trouvé des partenaires qui l’ont suivi, en donnant le meilleur d’eux mêmes pour une musique qu’ils connaissent presqu’instinctivement. Les voix dialoguent et/ou fusionnent dans un souci constant d’équilibre; on ressent parfaitement l’énergie live de cette session unique au Studio. Après une bonne préparation des compositions, Pierrick est suffisamment chaud, il a “le jargon dans les pattes”, et c’est gagné comme il dit dans la belle interview de JM Gelin sur Radio Jazz Aligre, 93.1.

Avec ces fines gâchettes du cru, il s’est offert une expérience tonique, une cure de jouvence. Une recette infaillible jouée avec conviction et foi. Que demander de plus?

Oui, encore une chose, le deuxième volet, français, à sortir cet automne…

Sophie Chambon

Tony Hymas (piano)

Meudon, 2016

nato 5782 / l'autre distribution

De Tony Hymas, j'ai la tentation de dire, d'abord, qu'il est résolument inclassable. Facilité ? Lieu commun ? J'assume. C'est que je garde le souvenir ému d'un jour ancien (deuxième moitié des années 90) : je venais de diffuser sur France Musique, à la fin d'une émission dite de jazz, un mouvement de sa Symphony (disque éponyme, KPM 280 CD) par le London Symphony Orchestra, symphonie en 5 mouvements dirigée par ses soins. C'est Jean Rochard qui m'avait donné ce disque. Le claveciniste et chef d'orchestre Hervé Niquet, spécialiste de la musique baroque, me succédait à l'antenne. Très intéressé par cette musique, il me demanda de lui confier le disque, ce que je fis avec d'autant plus de plaisir qu'il eut le bon goût de me le rendre quelques semaines plus tard. J'avais déjà écouté Tony Hymas dans toutes sortes de configurations, sur disque et en concert. J'avais diffusé sa musique, et d'autres auxquelles il participait pleinement, dans mes émissions, et j'aurais, en 2010, le plaisir de l'accueillir en trio (avec Bruno Chevillon & Éric Échampard) pour un concert 'Jazz sur le Vif' célébrant les 30 ans du label nato. Autant dire que le retrouver sur ce disque est plus qu'une joie. Il s'agit ici d'une exploration de la mémoire musicale, dont la première étape est un hymne delphique du deuxième siècle avant notre ère, et l'ultime une composition du violoniste Jacky Molard publiée en 2007. Le pianiste parcourt allègrement les territoires de ses multiples tropismes sous le signe de la singularité et de la liberté. Côté piano du vingtième siècle Debussy et Satie croisent Cécile Chaminade, Marie Jaëll, Mel Bonis et Leos Janácek. Un blues immortalisé par Leadbelly (et arrangé par le pianiste et compositeur Frederic Rzewski) fait écho à Si tu vois ma mère de Sidney Bechet, et des évocations de la Résistance et de la Commune de Paris côtoient un souvenir des Gitans d'Avignon avec le groupe Ursus Minor. L'unité de tout cela, c'est la densité musicale, la liberté d'un musicien qui creuse profondément le sillon de la musique jusqu'au cœur du sens. Impressionnant de musicalité, de maîtrise, de force et de nuances. On s'abandonne avec enthousiasme !

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur le site du label

http://www.natomusic.fr/catalogue/musique-jazz/cd/nato-disque.php?id=315