Cristal 2008

 Jan Shumacher quartet est un des quartets les plus enthousiasmants qu’il nous ait été donné d’écouter ces derniers temps, de ce côté-ci de l’hexagone. Un quartet qui évolue aux confins d’un jazz moderne et d’une world music délivrée à petites touches. Car, alors que certains veulent faire une world jazz en tournant autour du pot, assaisonnant trop ceci et pas assez cela, collant ensemble des clichés stylistiques, ici au contraire Schumacher ne semble pas se poser ce type de question.

C’est que son écriture, formidable intègre en elle-même quelques condiments qui lui semblent naturels. On est alors dans un jazz formidablement modernisé. Une sorte de mix entre l’écriture du Paris jazz Big Band et l’énergie du quintet de Dave Douglas. Tout y est emballant : écriture superbe mariant la finesse du propos et la sauvagerie des embardées, alliages fins avec la world grâce à la judicieuse intervention des tablas, à quelques mélismes esquissés et aux formidables interventions de solistes.

Les solistes parlons en. Bien sûr Schumacher éclatant et puissant, formidablement inspiré. Un trompettiste comme on les aime, de ceux qui mordent dans l’instrument sans jamais perdre en groove. Freddie Hubbard avait ça.  Il est épaulé sur certains morceaux par le tromboniste Gueorgui Kornazov qui, pour les amoureux du Strada sextet de Texier n’est pas un inconnu et qui apporte dans ces bagages un growl absolument terrible et sauvage. On entend dans son jeu le vertige des grands espaces, des steppes imaginaires et la charge fantastique de quelques chevaux sauvages. Derrière la rythmique est d’une efficacité à faire des envieux un peu partout. Il est vrai que le quartet qui existe depuis 10 ans se connaît parfaitement et maîtrise la science de l’interaction et surtout de ce groove qui, de bout en bout ne lâche pas l’album et maintien l’auditeur dans un état d’éveil constant. Un  groove où peu surgir à tout instant quelques irruptions sauvages. Des écorchures. Des traits saillants. Qu’il s’agisse de Mallorca ou de Consternation, on navigue alors entre idiomes du jazz et peutêtre même du blues. L’esprit de quelques bandas où les cuivres apportent un surcroît de soleil méditerranéen achève de nous emporter dans ce magnifique tourbillon.                  Jean-marc Gelin

Mélisse 2008

 Si les chroniques sont le lieu d’euphories et d’admirations, en voilà une démonstration brillante  avec cet  Echoes of Spring sorti sur le tout jeune label du pianiste Edouard Ferlet, Mélisse, autour du Harlem piano stride. C’est peu dire qu’on l’attendait cet album, après que le programme concocté par les deux formidables pianistes que sont François Raulin et Stéphane Oliva, a tourné (plutôt convenablement pour notre époque) dans un certain nombre de festivals depuis  la création  à Grenoble en mars 2006. Merci donc au réseau AFIJMA d’avoir soutenu et porté une telle création à Nevers, Bordeaux…

Le projet  part du jazz sans jamais le quitter, fidèle à cette musique d’imprévus et de liberté très surveillée .Car ce retour aux origines du piano jazz, s’il ne manque pas de modernité, par la recherche des chromatismes et le recours à la dissonance, présente un certains nombre de chausse-trappes dont le quintet se tire à l’évidence brillamment. Cette musique est une recréation de chaque instant, très travaillée malgré l’apparente fluidité, la subtilité frémissante de certains passages, l’incandescence d’autres.  Une évocation lumineuse où tous se livrent à corps perdu : Laurent Dehors joue subtilement des clarinettes, clarinette basse et contrebasse, et Christophe Monniot est son alter ego au saxophone alto, baryton et sopranino ; Sébastien Boisseau  assure seul une rythmique ardente à la contrebasse et bien sûr, comment ne pas s’extasier sur le travail des deux pianistes initiateurs du projet, avec sur la voie droite Stephan Oliva qui assure les parties de basse. Si les deux pianistes ne peuvent permuter leurs rôles, tant cette musique impose de contraintes, ils sont formidablement complémentaires, Raulin souvent plus percussif et impulsif alors qu’Oliva est troublant  sur « In the dark-Flashes » thèmes du cornettiste blanc prodige Bix Beiderbecke de Davenport, dont les deux pianistes ont su saluer la modernité.

Le programme commence  sur les chapeaux de roue avec le  truculent « Carolina Shout » de James P. Johnson, cheval de bataille, aux réminiscences du banjo, percé sur des pianos rolls dès 1918. Puis le délicieux « Morning air »  de Willie The Lion Smith qui aimait broder des mélodies précieuses, musicien empreint de Chopin et ayant entendu Rachmaninoff, avec un sens de la couleur que l’on retrouvera chez Duke  Ellington qui d’ailleurs logiquement lui écrivit un « Portrait of Lion », retravaillé par Stephan Oliva. Eclats de toutes les saisons,  cette échappée de « Ain’t misbehaving » de Fats Waller revu  par Raulin. Ou ce blues déchirant  « Aunt Hagar’s blues » introduit à la basse et à la clarinette Ou encore le final joué à quatre mains  « Fast and Furious »  comme au temps de Duke et Billy Stayhorn, joyeusement nostalgique, débordant de swing . En fait, il faudrait citer tous les titres tant cet album est une réussite. Un pur joyau, une rêverie en jazz d’une douce violence, perturbée par certains timbres particulièrement flamboyants, des rugosités éclatantes  comme dans ce « Boogie Woogie on St Louis blues » dédié à Earl Hines .

 Et bien sûr, nous donnerons pour finir, une mention particulière à la composition titre  « Echoes of Spring » qui illumine par sa douceur mélancolique  ce jazz d’autrefois, que le quintet a formidablement réussi à rendre actuel.  Sophie Chambon

Algorythm

Avec cet album, au titre simplement métonymique, Sticks and strings, on est au cœur d’une musique douce, délicatement nostalgique, dès la première composition, « Time like the present », qui cultive une certaine lenteur, et où l’on  ne serait pas surpris de retrouver la voix d’Henri Salvador. Ou dans les deux reprises de standards  « All of you »  and « I fall in love too easily »  qui s’intègrent parfaitement à l’esprit des compositions originales. 

Le label Algorythm a le talent de produire et distribuer des albums chics, tendrement désuets, joliment indatables. Un retour actuel à une mémoire du jazz en somme. D’autant plus surprenant qu’à la tête du label, on attendrait plus d’énergie ou de rugosité rock de la part du guitariste Jean Philippe Muvien. Mais méfions nous des préjugés tenaces.

Après la dernière livraison d’Algorythm, qui permettait au pianiste Eddie Gomez de rendre hommage à ses chers disparus, voilà un album qui célèbre le vibraphone, redevenu à la mode, ce qui ne pourra que réjouir les amateurs de la petite musique des lames. Joe Locke, très en vogue actuellement aux USA, a connu un gros succès avec un album consacré au héros de l’instrument, Milt Jackson, l’un des formidables leaders de l’indémodable MJQ.

 Le vibraphoniste s’emploie à jouer avec grâce, comme du bout des mailloches, et obtient une frappe particulièrement veloutée, dans les ballades, où l’aspect d’ordinaire percussif de l’instrument tend à lui enlever cette suavité que l’on attribue aux soufflants. L’aspect mélodique est particulièrement soigné dans cet album, ce qui lui confère un aspect par moment un peu sucré (« Sword of Whispers »). Mais ça chante sur les tempos lents, doucement caressants, avec la présence d’un jeune guitariste qui nous était inconnu Jonathan Kreisberg. L’accord est tout simplement parfait ici entre les deux. Et quand le guitariste fait résonner plus énergiquement les cordes de sa guitare dans les morceaux qui ont notre préférence, « The Rosario material » (où le duo est très à l’aise), « Appointment in Orvieto » et «Sixth Sense » dernière composition du batteur au drumming soft, Joe Labarbera, on aime alors vraiment cette manière enjouée et rebondissante, cette alliance toujours subtile avec une rythmique en place et délicatement corsée également.

Un bel album qu’il faut  écouter entre amis, en prenant  son temps, le soir au coin du feu.

Sophie Chambon

JJJJ Joe Fonda/Ramon Lopez/Bruno Angelini : « Silent Cascades »

Konnex 2008

Surprenant. Saisissant. Il n’est pas de superlatif plus approprié pour définir ce « Silent Cascades », disque enregistré en 2005 sur le label Konnex d’un remarquable trio autour de Joe Fonda, contrebassiste américain, accompagné par le pianiste Bruno Angelini et le batteur Ramon Lopez. Dès la première « prise », si j’ose dire, l’auditeur assiste à la naissance du son, par un magma impénétrable et bouillonnant. Ce « Perpetual Motion » met en garde quiconque s’aventurant sur ce chemin improvisé. Au détour de ce sinueux chemin, allongez-vous sur la rive d’un torrent. Il pleut, la tempête s’annonce. Les oiseaux ne volent pas près du sol, ils se sont déjà réfugiés. Il n’y a que vous et le déchainement des éléments. La Musique nous rappelle parfois qu’elle était là bien avant l’Homme, partie intégrante de cette indomptable Nature qui nous entoure, encore pour combien de temps, faut-il le rappeler. Ce disque en est le plus fabuleux des témoignages. Par ce non-conformisme. Cette utilisation des contrastes et de ces couleurs savoureuses qui se goûtent. Enregistré librement autour d’un texte d’Henri Michaux ayant pour titre « Poteaux d’angles », ces trois musiciens usent de la plus savante des façons les principes mêmes de la Musique acoustique, comme par exemple dans ce morceau intitulé « Dense Crowd », où une simple feuille de papier insérée entre les cordes et la touche de la contrebasse transforme le son et donne un nouveau visage à cet instrument, d’habitude si discret. Il y a là une ahurissante recherche contemporaine de l’interaction. Sombrer sans amarres dans cet impressionnisme relève d’une très grande maîtrise de son propre art. Magnifiant chaque geste, chaque intention. Développer le rêve par la négation de toute tonalité, de toute création théorique humaine. Faire croire un instant que le calme est revenu, et repartir de plus belle dans le plus fracassant des chaos. On dirait presque que le piano n’existe pas, ou plus, que la contrebasse à disparu, que la batterie cesse d’exister pour laisser transparaitre à la place une voix intérieure, très profonde, guidé par les instincts les plus animaux, provoquant alors la résonnance de nos plus lointaines origines. Parler de Poésie serait revenir à l’humain. Ces bijoux de créativité ne peuvent subsister que dans l’aléatoire. C’est dans ce hasard que parfois l’on effleure l’intouchable, l’invisible, je dirais même le sublime. Se séparer de toute image moderne et actuelle, ignorer un instant l’abrutissante façon de vivre des êtres humains. Se concentrer à ressentir, à deviner, à réagir. Au cours de l’écoute d’un tel disque, nos sentiments sont mis à rude épreuve à travers chaque ambiance, et on en redemande. Il n’est pas nécessaire de citer des exemples qui, dans le passé, furent les avant-gardistes de cette nouvelle chose qu’était le Free-Jazz. Il est ici seulement question de l’essence même de la Nature, avec tout ce qui comporte de tortueux, d’imparfait, mais aussi de simple, d’unique. C’est un disque qui non seulement s’écoute, mais qui se vie.  Tristan Loriaut

Columbia 1956  - rééd

 A partir de 1955, Duke Ellington commence une nouvelle et dernière phase de sa carrière tout aussi foisonnante et qui illustra une fois encore combien le génie Ellingtonien s’est constamment ouvert à de nouvelles formes musicales lorsqu’il ne les créaient pas lui même. C’est ainsi que durant cette période Duke Ellington enregistra avec Mingus et Roach le célèbre « Money Jungle » ou encore le très faleux duo avec Coltrane. Mais surtout durant cette période, Duke voit dans son orchestre le retour de quelques unes de ses figures mythiques comme Johnny Hodges dans le rôle de l’enfant prodige. Les figures marquantes de l’épopée Ellingtonienne sont toujours ses solistes préférés comme ses fameux trompettistes « Cat » Anderson, Clark Terry ou Ray Nance ou encore Russell Procope éblouissant et Paul Gonsalves qui la même année qu’il participait à ce « A drum is a woman » signait son fameux chorus de Newport. Quand à la rythmique, c’est toujours la paire Sam Woodyard à la batterie associé à Jimmy Woode qui tient la baraque.

En 1956, Ellington exhume un projet qui lui tenait à cœur depuis longtemps, l’écriture d’une suite conçue comme un opéra autour de l’histoire du jazz. Cette idée d’écrire une œuvre racontant l’histoire du jazz était venue à l’origine d’une rencontre en 1941 entre Ellington et Orson Welles, ce dernier lui ayant demandé de réaliser ce travail. Le projet était alors resté dans les cartons et Ellington  petit à petit, entre deux tournées écrivait cette pièce, la testant parfois entre deux concerts avec son orchestre comme ce Congo Square qui figure comme l’un des morceaux majeurs de « A drum is a woman ».

L’histoire : A la base se trouve Joe, Carribee Joe, le primitif attaché à sa jungle et à sa batterie. Celle-ci n’est autre qu’une femme, Madame Zajj. Mais Madame Zajj veut voyager, exposer ses charmes (sa musique) dans le monde avec un « M » universel. Alors Madame Zajj (qui est rappelons le « a drum » c'est-à-dire le rythme, la pulsation dans tout ce que le terme comprend – Ellington le dit dans chaque batterie que l’on entend il y a une femme) part à la Nouvelle Orléans où elle deviendra à l’occasion du mardi gras la reine du King of the Zulus, défilant dans la rues de canal Street au bras de Buddy Bolden figure mythique s’il en est des origines du jazz. Mais Madame Zajj va voyager et triompher partout dans le monde de New York à Los Angeles, San Francisco en passant par Paris et Londres, se nourrissant des multiples influences, évoluant sans cesse vers le swing. Mais où qu’elle soit, dans la nuée des fumée qui enveloppent les clubs de la ville, toujours la mémoire de Joe reste chevillée au corps de Madame Zajj qui malgré tout ce périple et les innombrables Joe qu’elle rencontre partout dans le monde ne parvient pas à l’oublier. Et bien sûr Joen Carribe « Joe » dont le non retentit tel un appel à plusieurs moments de la pièce, n’est autre qu’une belle métaphore de cette Afrique toujours présente (Congo Square) que le jazz ne parvient à oublier. L’Afrique, comme un réminiscence prégnante et éternelle.

Dans cette œuvre, Ellington dont on entend la voix de narrateur, remet les chanteurs à l’honneur avec une chanteuse lyrique qui intervient en introduction, Ozzie Bailey admirable chanteur carribéen et surtout le rôle de Madame Zajj chanté non moins admirablement par Joya Sherrill dont l’histoire est assez belle pour être racontée. La jeune femme, alors qu’elle était étudiante etait venue un jour chanter à son collège en l’honeur de Ellington qui toma immédiatement sous le charme de sa voix syuave et l’embaucha sur le champ.

Alors tout se mêle dans la continuité de cette épopée, où la progression du discours la logique historique, celle qui aboutit à cette « catastrophe féconde » qu’est le jazz, et qui traîne avec elle la nostalgie de Carribe Joe, la nistalgie de cette Afrique dont la mémoire ne s’efface jamais du rêve de Madame Zajj. Cette Afrique toujours présente dans la pulsation primitive, cette sorte d’animalité tribale. Mais le jazz est une femme et une batterie et les solistes apportent à cette histoire autant de l’esprit jungle que de cette puissance érotique, qu’elle vienne des caresses sensuelles de Johnny Hodges (a drum is a woman part 2 ou Ballet of the flying sauce), de la danse envoûtante de Russell Procope ( New orleans) ou des jaillissements spermatique de Clark Terry (Hey Buddy Bolden ) – après tout le jazz ne serait il pas étymologiquement lié à l’orgasme !

Claude Bolling avait repris cette œuvre de Ellington malheureusement trop peu souvent jouée.Cette réédition a le mérite de nous permettre de la redécouvrir. Car il s’agit incontestablement d’un moment essentiel du génie d’Ellington.                                                                                       Jean-Marc Gelin