La pianiste et ancienne épouse de Randy Brecker vit depuis 25 ans avec le contrebassiste des derniers temps de Bill Evans. Ensemble ils ont exploré le catalogue du géant des années 50 à ses oeuvres ultimes. Un trésor à la clé : peu avant sa mort le pianiste avait remis à son accompagnateur, une cassette d’œuvres ébauchées .

INTERVIEW CROISEE AU TERRASS HÔTEL, A LA MI-NOVEMBRE, ALORS QUE LA GRÊVE DES TRANSPORTS FIGE PARIS.

Propos recueillis par Bruno Pfeiffer

DNJ : Pourquoi ce projet ?

EE J'ai souhaité partager l'émotion ressentie à  l'écoute de ce grand pianiste avec le public. Vous ne pouvez pas imaginer dans quel état m'a plongée l'écoute de la bande. Je suis dans la musique depuis trente ans. J'en ai vu passer des chefs d'oeuvre. Quand j'ai retranscrite la cassette qu'il avait léguée à  Marc, je me suis trouvée dans un état jamais éprouvé, indescriptible. Il y avait mélangées de la joie, de la profondeur, de la nostalgie, de la solitude ; autant d'états traversés sans doute par Bill au moment d'écrire ces notes. Le sentiment, enfin, qu'il était parmi nous. J'ai voulu que tout le monde puisse en profiter.

DNJ : Quand exactement vous a-t-il remis a cassette ?

MJ : Il me l’a remise une semaine avant de mourir

DNJ :En combien de temps avez-vous enregistré ce disque ?

MJ : En quatre jours seulement. Rien de plus normal. Bill Evans c’est toute notre vie. La première prise suffisait à chaque fois. Nous n’avons eu besoin ni de préparer ni de forcer notre talent. L’enregistrement était quasi spontané, tout venait naturellement.

EE : L’ingénieur, Al Schmitt nous a offert un son sans pareil. Quelque chose a maturé en moi. Mon âme est ressortie sur le champ. Les parties vocales surgissaient d’un jet. Je re nnais que la section rythmique y est pour beaucoup. Et puis Marc avait déjà joué avec Joey Baron.

DNJ : Quelles sont les particularités de la musique de Bill Evans ?

EE : Personnellement j’ai démarré le piano en étudiant les maîtres. Bill Evans faisait partie de ce Panthéon.  Sur les vidéos le mouvement de ses mains me captivait. Le son est d’une clarté de rivière. Les harmonies sont également merveilleuses. M’ont également frappés la beauté des accords, leurs structures et leurs enchaînements ; une sorte de voix intérieure (Inner voice) qui émerge, se laisse captiver puis s’évanouit. Le fait aussi qu’au sein même de la mélodie des évènements surprennent, prenant la mélodie à contre-pied ( Counter mélodies). En fin l’interaction (Interplay) de son trio m’ahurit à chaque fois. Son piano dirige et accompagne simultanément. C’est fascinant.

MJ : Je reconnais, parmi toutes ces forces de Bill, qu'Éliane maîtrise avant tout l'art des harmonies. Elle a intégré cette approche dans son vocabulaire, et en maîtrisé la conception du début à  la fin. Ses expressions ("Statements") sont limpides. Bill insistait ("focussed") sur point. Elle possède un sens du temps qui trouve sa source dans le Rythm'n blues des années cinquante. Du coup ses choix sonnent clairement, comme des déclarations.

DNJ : quelles sont les autres influences qui vous ont rendue sensible à l’art de Bill Evans

EE : Sans hésiter : Jobim ! Je ne vois pas d'autre créateur du niveau d'Evans. Notez qu'on se rappelle d'une mélodie de Jobim, aussi bien que celles de Bill vous imprègnent complètement. Je dois aussi citer comme source la musique classique. Le jazz, je le connais par coeur parce que ma mère en était folle.

DNJ : Vous chantez des mélodies de Bil Evans, comment l’idée vous en est elle venue ?

EE :  Oh, il adorait les chanteurs. Voyez Tony Bennett. Je me suis d'ailleurs inspirée de ce dernier pour But Beautiful. J'ai également été sensible à la version de Waltz for Debby par Jeanne Lee. J'ai mis mon coeur à nu. Tant mieux si cela contribue à sensibiliser le public à sa musique en chantant les morceaux. Mais tel n'était pas mon but premier. Mon obsession, c'était de sentir ces pièces. Pour Here's something for you, un des morceaux inédits, j'ai écrit les paroles que les notes me faisaient ressentir. J'ai testé les paroles autour de moi : ça fonctionnait! Si vous saviez le plaisir et les émotions qui m'ont fait transcrire My Romance, par exemple... Je courais au piano dès qu'une idée me venait. Les mains de Bill m'ont guidée, car je pensais à  ses mains sans arrêt. Je pleurais du matin au soir.

MJ J'ajoute que Minha était dans le répertoire du trio de Bill. Nous le jouions tous les soirs. Il tenait à  garder le lien avec la tradition brésilienne. Enfin, retenez que Bill adorait le répertoire de Broadway. Il s'en inspirait énormément.

DNJ : Pourquoi tel morceau plutôt que tel autre ?

MJ Cela s'est avéré une épreuve de sélectionner. Je produisais le disque et j'aurais voulu que l'on grave un triple CD. En définitive, l'on s'est tenu au concept suivant. Nous ne retenions que des chansons ("Songs").

DNJ : Le concept a-t-il été d’emblée accepté par les maisons de disques ?

EE : Pensez-vous ! A l'époque j'étais à BMG. Je ne faisais pas que du jazz. Nous leur avons présenté la cassette dans un état d'excitation surnaturelle. Le projet les a laissés de marbre. J'ai failli leur claquer la porte au nez! Nous sommes allés voir le label le plus prestigieux du jazz, Blue Note. Entre temps, BMG m'avait transféré sur la filiale RCA, plus jazz; ils voulaient récupérer le disque. Mais je suis restée à  Blue Note. De toutes façons, leur marketing est meilleur!

DNJ : Eliane, vous définissez vous comme pianiste ou comme chanteuse ?

EE Je suis pianiste, mais j'ai commencé la voix à quatre ans. Puis j'ai perdu. J'ai pris il y a quelques années un coach de voix, William Riley. Il a notamment entraîné Stevie Wonder, Pavarotti,  Bill Clinton et Céline Dion. Il vous fait intégrer les différentes fonctions du son avant de raconter une histoire. L'échauffement de la voix induit tout le reste. Vous ne préparez pas la gorge de la même façon pour un concert ou pour une interview

DNJ : Marc, quelle relation aviez vous avec Bill Evans ?

MJ Je me souviens une personne merveilleuse. Il m'encourageait beaucoup. Il m'a permis de me débarrasser de mes défauts, mais ne me critiquait jamais. J'ai pu m'améliorer sous sa houlette. Un soir Bill s'est levé. A enlevé la partition devant moi et a dit : "maintenant tu es en mesure de faire ce duo sans les notes". Il se plaignait que je ne prenne pas suffisamment de risques. Il disait du choix d'un accord ou d'une clé : "une fois que la décision est prise dans ton esprit, elle est solide". Un soir, je faisais un duo avec Bill. Je prenais soin d'avoir la partition sous le nez.
J'aurais voulu que l'aventure dure plus longtemps. J'étais si jeune (24 ans, en 1978) quand j'ai commencé avec lui. Quand il est mort, j'ai dû tout revoir. J'étais anéanti ("devastated").

DNJ : Racontez nous une anecdote

MJ : Je me souviens d'une boîte attenante à  un Holiday Innn, le Riggs Café America, à  Chicago. Le public était composé d'éleveurs descendus à  l'hôtel. Un soir, après le set, un de ces paysans est venu s'appuyer à  côté de moi, au bar. Il m'a dit texto : "je suis venu pour du business. Je viens de vous écouter par hasard, les gars. Quelle expérience ! Je vous bénis. J'ai l'impression de sortir d'une église. Votre musique est divine."

Eliane Elias sings and plays Bill Evans
"SOMETHING FOR YOU"

Fresh Sound new talent 2007

 Cela fait déjà près d’une dizaine d’année que  Roger Mas, jeune joueur de Fender, écume les clubs de Barcelone. Au départ il s’agit d’une banale histoire de copains qui se sont rencontrés à l’Ecole Supérieure de musique de catalogne à Barcelone. Un trio de base auquel sont venus s’ajouter  le ténor Jon Robles, le guitariste  Jaume Llombart et le non moins ténor Enrique Oliver. Les thèmes sont tous signés Roger mas à l’exception d’un thème de Coltrane (Moment notice) et d’un autre de Jobim (God and devil in the land of the sun). Parce que leur culture n’est pas exactement la même, les musiciens évoluent alors entre deux styles opposés, d’un côté un jazz très ancré dans la tradition, axée sur un bop assez classique où la reprise de Coltrane sonne très bien  ainsi que sur un blues de J. Kern réarrangé par Roger Mas dans un genre très old style où le ténor cherche à sonner comme Lester. Ils abordent alors cette musique sans complexe et se jettent avec beaucoup de talent dans l’histoire du jazz qu’ils n’ont pas besoin de beaucoup dépoussiérer. Ils lui rendent vie. Lorsqu’ils s’attaquent au répertoire de Roger Mas, les jeunes musiciens semblent chercher à tout prix à se démarquer de l’esthétique post Rosenwinkel chère au manager du label tout en en conservant la patte, évidemment ; Du coup tout se passe comme s’ils n’allaient pas au bout de l’émancipation qui à l’évidence bouillonne sous leurs doigts. La musique est de qualité et les solistes sont remarquables. On retiendra le lyrisme très doux de Roger Mas qui évoque parfois Larry Golding (comme dans ce God and Devil). On aime aussi le jeu des ténors qui se livrent sans forcer à une joute  sympathique sur Mason ou encore les belles sinuosités tranchantes de Jon Robles lorsqu’il conclut l’album au soprano  (Millenium Park). La redondance du guitariste et du fender peut parfois donner une impression de ronde mollesse mais l’équilibre est néanmoins parfaitement trouvé avec les saxophonistes. Sympathique album en somme mais néanmoins un peu jeune ou prématuré pour sortir dans les bacs. Gageons pourtant que la notoriété de Roger Mas

Devrait rapidement franchir les pyrénées. Sa belle sensibilité devrait être légitimement reconnue.

Jean-Marc Gelin

JJJJ Manuel Hermia : «  Rajazz »

Igloo 2007

Pour son album « Rajazz », alliance du ragga et du jazz, le saxophoniste belge Manuel Hermia  célèbre ses inspirations sous couvert d'un jazz classique, vigoureux et subtil à la fois. Autour d'un coltranisme non clairement revendiqué mais réel, Manuel Hermia construit. Il construit sa musique  autour de structures musicales empruntés aux musiques traditionnelles d'Asie, allant de la Chine à l'Inde, sur les fondements du jazz modal fortement développé sous l'ère Coltrane.

Pour  autant il ne s'agit pas de tentatives de fusion plus ou moins adroites de sonorités traditionnelles avec du jazz. Non, l'assimilation des structures ragga et l'utilisation des gammes pentatoniques est entières dans la musique d’Hermia. Cette assimilation lui sert à enrichir un jazz modal sur les morceaux coltraniens et un jazz tonal, chronologiquement plus classique, qu'on rencontre chez Dolphy, Mingus et consorts. D'où le rajazz.

Tout ce travail est très réussi avec inspiration, cultures et intelligence artistique.

Cet album est muni d' « objets » hétérogènes qui vivent en osmose et qui sont liés par des vertigineuses montées en tension qui ne connaissent ni essoufflement ni verbiage. Enfin, à part une, toutes les compositions sont écrites par le saxophoniste, ce qui confère à l’œuvre un côté authentique.

Le premier morceau « It's Just Me » est un rajazz très coltranien où Hermia nous démontre sa grande maitrise du soprano. « Internal Sigh » est toujours d'obédience coltranienne mais est plus personnel que le précédent. Curieusement « Rajazz #1 » a des sonorités hendersoniennes et se constitue de trois parties dont la première, plus libre que les deux autres, est véritablement un enchantement. Si « Contemplations » par McCoy Tyner est moins convaincant, « Awakening » et « Always Smiling » sont des réussites dans le travail d’Hermia dans un contexte hardbop. « Indian Suite », qui met clairement en exergue l'Inde et ses traditions musicales, et « Little Sonate for el Mundo » sont des pièces intérieures, graves et méditatives et rappellent Coltrane et Dolphy par l’utilisation de la flûte. Ces deux pièces lyriques sont probablement les deux pièces les plus abouties de l'opus.

Une fois n’est pas coutume, nous émettons une opinion d’auditeur affable.

De nouveau, nous avons à faire avec une musique dont John Coltrane est source d’inspirations. Ce type d'approche musicale est usuelle et ne surprend pas. On ne reproche pas à des musiciens d’honorer leurs inspirations et de leur rendre hommage. Non, il ne s’agit pas de cela.

Ce qui est dommageable, pour la musique et pour certains musiciens eux-mêmes, est que beaucoup d’entre eux créent leur musique autour de leurs influences en tentant de reproduire ce qui est, toutefois aujourd'hui, du passé.

Certes le résultat est le plus souvent de bon goût, quand les exécutants ont du talent, mais si peu novateur que l’œuvre en devient rapidement ennuyeuse. Il est courant que ces inspirations, nécessaires il faut le rappeler, étouffent la création de certains artistes et les empêchent de faire « leur » musique. Las d'entendre des beautés sans surprise, il serait temps que ces musiciens sachent, à l’instar d’Hermia, faire un travail d’assimilation puis d’intégration de leurs propres ressources afin qu’il serve leur musique.

Citons ces quelques mots de Jean Louis Chautemps dans le bel ouvrage de Franck Médioni («John Coltrane – 80 musiciens de jazz témoignent » chez Actes Sud): « ... il est on ne peut plus nécessaire et de toute urgence de sortir d'un tel coltranisme. L'avenir du jazz est à ce prix ».                                                                                                Jérôme Gransac

JJJJ(J) Non stop travels with Michel Petrucciani - Live in StuTggarT

De Roger Willemsen

C’est bien plus qu’un travail que livre là Roger Willemsen. Plus qu’un hommage bien sûr et plus encore qu’un témoignage, une sorte de déclaration d’amour fraternelle entre lui et son sujet Michel Petrucciani. Et il ne peut pas en être autrement pour parvenir à tant de complicité, tant de liberté dans l’échange et tant de sincérité aussi. Alors entre eux tout est dit, rien n’est éludé et naturellement tous les thèmes sont abordés tout au long de ce chemin que nous parcourons en 1995 avec Petrucciani de San Francisco, à Paris et enfin à New York. Et il faut rendre hommage à la simplicité, à l’humour et à l’immense force du pianiste avec qui il était possible de parler de tout, de la vie, de la maladie, de la souffrance, de la mort, de l’amour et de ses souvenirs d’enfance sans la moindre gêne.

Ce DVD n’est pas un inédit et il avait été diffusé il y a quelques années par la chaîne Arte. Beaucoup le connaissent donc déjà. Il est complété par un concert donné par le pianiste à Stuggart en février 1998 moins d’un an avant sa disparition en janvier 1999.

Michel Petrucciani dont jamais autant que dans ce DVD nous n’avions pu percevoir la force titanesque qui l’habitait. Et nous ne parlons même pas de son courage même si toujours il s’impose d’évidence. Nous parlons de ce regard pétillant et malicieux toujours porté sur le futur de lui-même. Cette gourmandise de la vie autant que cette volonté farouche de la mordre à pleine dent

Les rires succèdent aux moments d’émotion pure. On rit lorsque Petrucciani parle de la mort et de son agnotisme ( je veux bien croire qu’il y a quelque chose après la mort mais si je me suis trompé je demanderai à ce que l’on me renvoie sur terre !) et l’on pleure lorsque Charles Llyod, 20 ans après leur première et magnifique rencontre, reprend la même prose qu’une photo de l’époque et lui dit combien il est aujourd’hui un homme fier de lui. Petrucciani parle de tout très simplement. Il évoque son père, musicien pour qui il avait une admiration sans borne ( terrible souvenir de cette séance de répétition tant attendue et tournant au désastre),  il évoque le jazz et un peu son regard sur les autres pianistes. On rit encore lorsqu’il raconte ce thème qu’il avait composé pour Charles Llyod « She did it again » que d’aucuns croient dédiés à une femme et qui en fait raconte l’histoire de Josy, la chienne de Charles Llyod qu’il emmenait en voiture et qui ne cessait d’émettre des pets insupportables ! On frémit lorsque Roger Willemsen ave une infinie délicatesse pose à Petrucciani la question de la souffrance. Moment terrible.

Ce voyage réalisé en 1995 avec Petrucciani le mène en studio lorsque fut enregistré l’album Flamingo avec Stéphane Grappelli et Roy Haynes (ainsi que George Mraz). La rencontre de trois générations de jazzmen mythiques. Et l’on suit Petrucciani concentré et ému à l’écoute d’un chorus de Grappelli et s’en aller voir avec une grande humilité ce vieux monsieur pour lui dire combien il avait été touché par ce qu’il avait entendu. Le DVD s’achève sur un rêve, comme un défi lancé un jour à l’heure du thé dans le jardin de Charlotte Rampling : Willemsen lançait l’idée de filmer Petrucciani assis devant un piano posé sur le toit d’un building en plein cœur de Manhattan. Quelque mois plus tard un hélicoptère un peu kitsch tournait dans les airs autour de cet homme de génie posé sur le toit du monde et de nos rêves. L’image s’arrête, nous laissant le regret de ne pas avoir connu l’homme. Nous laissant aussi avec le souvenir d’un extraordinaire musicien dont on perçoit aujourd’hui l’empreinte qu’il laisse sur des générations entière de pianistes et qui, irrémédiablement ne cesse de nous manquer.                                                                            Jean-Marc Gelin

JJ EHA – « Fortune »

2007

EHA (prononcer é-a) est un collectif regroupant six musiciens et quelques invités d’origines européennes, africaines, sud et nord américaines. Tous sont réunis par le guitariste et compositeur Philippe Coignet, pour jouer une musique originale et actuelle, fusion du Jazz, du Funk et de la World Music, très représentative de la scène culturelle du Paris des années 2000. Un mariage particulièrement réussi des sons acoustiques et électriques.
Après de nombreux concerts, EHA réalise un premier album à la fin des années 90. Distribué dans une vingtaine de pays, il est diffusé par des radios de nombreux pays, d'Amérique du Nord au Japon en passant par les Caraïbes, l'Europe, l'Afrique, le Moyen-Orient, l'Océan Indien, l'Indonésie... Cet album est aujourd'hui épuisé. EHA revient aujourd’hui en 2007 sur le label Kwazil avec un nouvel enregistrement, « Fortune », fruit d'un travail de studio très abouti, mêlant maturité, énergie, écriture subtile et spontanéité, pour une musique oscillant entre World et Latin Jazz. Malgré ce coté très écrit de cette Musique au caractéristiques quand même très électriques, dans ce disque domine une étonnante poésie, qui n’est pas sans rappeler les célèbres opus des grands groupes d’hier comme Weather Report ou bien Mahavishnu Orchestra. Les passionnés de ce genre de projets magistraux ne resteront pas insensibles à la qualité de cet enregistrement, dédié au plus large des publics, au-delà de toute connotation jazzy. Malgré tout, si toutefois le kitch de ces œuvres n’est pas si dérangeant, il faut quand même relever un certain coté assez synthétique, qui désespère encore et toujours les amoureux de la Musique acoustique. Eternel débat. Chaque morceau du disque emploie une formule assez peu novatrice dans l’instrumentation, laissant peu de place à la nouveauté dans les arrangements tout comme dans les solos des instrumentistes. Il faut se rappeler du dangereux tournant qu’avait pris Georges Benson à l’époque de son album « Breezin’ », album qui a quand même cartonné et qui a fait passer Benson au stade de star internationale. Dans le cas d’EHA, cette fusion des styles révèle ses limites dans la maturité du jeu des instrumentistes, qui malgré cela nous offrent, après tout, un parfait aperçu de ce qui est faisable dans le style choisi. Il est regrettable aussi de ne pas retrouver une prise de risque dans l’innovation, dans la composition. Comme s’il était encore nécessaire de revenir indéfiniment sur ce style de fusion qui marqua les années 70 et 80. Un bémol aussi sur les qualités d’improvisateur du guitariste électrique, lors des solos de certains morceaux, dénudé de tout sens rythmique et harmonique, perdu dans un flot démonstratif et parfois peu ressemblant avec l’original, seule cible à atteindre. Dommage aussi de ne pas trouver non plus d’innovation dans le timbre de chaque instrument, donnant un point commun avec une quelconque Musique de Variétés. Il faut malgré tout quand même souligner l’incontournable hommage au folklorisme ethnique résidant dans ce disque. Un incomparable voyage au sein des cultures, toutes aussi vastes que diverses. Laissons nous bercer quand même par le côté festif de ce travail colossal réalisé en studio par des musiciens aux qualités, disons plus que redevables. - Tristan Loriaut