JJJJ THOMAS SAVY: « Archipel »

Nocturne 2006

Beaucoup pensent ne pas connaître Thomas Savy qui signe là son premier album. Et beaucoup se trompent. Car Thomas est pour beaucoup de jazzmen l’un des sideman les plus recherché. On le retrouve chez Vincent Artaud, Pierrick Pedron ou Christophe Dal Sasso sans compter le nombre incalculable de prestations en sideman dans les clubs. Et chaque fois cette même constante qui en fait un partenaire particulièrement recherché : le « son » Thomas Savy à la clarinette basse, instrument qu’il s’est approprié au point d’incarner aujourd’hui l’instrument sur la scène française du jazz. Cet élève doué qui a quitté ses études classiques pour rejoindre les bataillons de Jeanneau et Théberge au CNSM a quasiment abandonné tous les autres anches pour ne se consacrer qu’à cet instrument. Au point que l’on croit y entendre à la fois le clarinettiste Jimmy Giuffre dans l’oreille droite et dans les aigus et le sax baryton Pepper Adam dans l’oreille gauche lorsqu’il descend dans les graves. Car Thomas Savy possède cette sorte de respiration profonde et chantante qui le porte à mettre en valeur les structures mélodiques et rythmiques les plus évidentes. Un discours épuré, simple et beau. Le capiteux de la clarinette basse. Le son délicat du bruit des clés. Un art de la mesure en toute chose. Jamais dans la surexpressivité. Un murmure caressant. Les clarinettistes ont parfois de ces pudeurs !

Et pourtant dans « Archipel » Thomas Savy avec Vincent Artaud à la direction artistique se révèle d’une grande audace. Car il est audacieux  de passer, tout en restant cohérent, du rock furieux « ma non troppo » (Rock on où Thomas Savy transcende son instrument) à un classique et très Ravelien Pour Pierre, à un jazz modal pour jus (single track road ) voire plus free (comme le bien nommé Solo) ou encore comme au très Strayhornien 19/08/03 dans lequel Thomas Savy, dans les graves parvient à faire trembler les murs. Le titre éponyme, Archipel, est un des points culminant de l’album, un morceau dans lequel chaque membre de la formation ajoute sa patte pour, en surimpression les uns par rapport aux autres  construire un thème aux arrangements magnifiquement poétiques. Une Exploration Debussienne. L’audace aussi d’insérer dans un disque de jazz une très jolie comptine enfantine à la ligne mélodique simple, aux contrepoints enchevêtrés mais bouleversante d’émotion simple.

La cohésion de cette formation ne contribue pas qu’un peu à la cohérence de cet album mosaïque. Synthèse audacieuse des univers chers au clarinettiste qui signe là toutes les compositions. Audace vagabonde que Thomas Savy peut se permettre dans la mesure où il possède dans le son de sa clarinette basse toute l’histoire de l’instrument dont il porte l’héritage. Ce son magnifique, c’est sa propre cohérence. Jamais dénaturé. Jamais caricaturé. Sorte de fil directeur, d’âme conductrice de cet album merveilleux.

Jean Marc Gelin

Quel est ce parcours avant que tu arrives en France en 1999 ?

J’ai commencé à jouer vers l’âge de 7 ans. Mes parents n’étaient pas musiciens, mais un jour ils m’ont donné un petit accordéon en jouet et à partir de ce jour là je me suis enfermé dan ma chambre pour jouer et jouer encore. Et quand ils ont vu que j’avais ce rapport à la musique, très jeune ils m’ont offert un piano. A 15 ans j’ai commencé à jouer dans des groupes de rock. En fait j’étais très déçu par les études classiques car j’étais déçu par l’enseignement qu’on y professait.

A cette époque j’étais fan de Pino Daniele. C’est un joueur de blues napolitain qui chante en dialecte. Dans ses disques, il invitait parfois des gens du jazz comme Wayne Shorter, Pat Metheny ou Chick Corea. Moi, à l’époque, je reproduisais à l’oreille les chorus de ces gens là qui me fascinaient. Et j’avais du mal à comprendre leur construction harmonique. Du coup, je me suis plongé dans le jazz rock de l’époque (Weather Report ou Steps Ahead). J’étais surtout branché sur le jazz électrique. Mais de fil en aiguille, j’ai atterri du côté de l’acoustique au point de tomber sur un album de Oscar Peterson qui est tombé comme une révélation. Je n’arrivais pas à croire qu’un être humain puisse jouer comme cela.

A 18 ans, j’ai vraiment décidé que je voulais devenir musicien (pas de jazz à l’époque). Et du coup comme j’étais, en Italie, trop âgé pour entrer dans un conservatoire j’ai fait mes études à l’extérieur mais tout en m’inscrivant chaque année aux épreuves des examens du conservatoire. J’étais assez motivé pour faire en 5 ans le cursus classique qui en principe en demande 10.

Cet apprentissage du piano a-t-il aussi été douloureux ?

Je l’ai pris comme une discipline très stricte et pendant 5 ans j’ai perdu tous mes amis, toutes mes relations et je travaillais de 8h du matin jusqu’à 11h le soir. Mes voisins étaient fous…. Mais c’était le seul but de ma vie même si pour moi à 18 ans, commencer du classique c’était déjà bien trop tard si l’on en juge par les gamins de 15 ou 16 ans qui deviennent très tôt des petits génies. Quand au jazz, il n’y avait pas vraiment d’écoles pour cela. Après mes années d’étude, j’ai fait quelques concerts de classique mais je continuais surtout à faire des masters class. Après mes études, en 1990 j’ai fait une audition pour un  cours de formation au jazz  qui durait deux ans dans une ville à côté de l’endroit où j’habitais (dans les Pouilles). Et parmi les invités du big band de la formation il y a eu des gens comme Steve Lacy, Glenn Ferris ou Paolo Fresu. A ce moment là, je ne jouais que dans les Pouilles. Dans ma région. En 1993/1994, j’avais déjà écrit quelques compositions et j’ai rencontré un saxophoniste italien avec qui on a eu la chance de faire un premier disque en 1993. C’était un groupe drumless. C’est ce premier groupe qui m’a fait mettre un peu le nez dehors et jouer un peu dans des festivals dans d’autres régions. J’ai commencé alors à véritablement côtoyer le milieu du jazz (musiciens, journalistes, éditeurs etc.…). J’ai alors pu jouer avec d’autres musiciens qui étaient bien plus avancés que moi dans leur carrière.

Puis en 1998 on m’a proposé un disque avec le très grand Marc Johnson à la contrebasse et Roberto Gatto à la batterie.

Ça doit être émouvant de jouer avec le dernier contrebassiste de Bill Evans On doit se sentir tout petit ?

En fait oui, mais il fallait que je dépasse la dimension du personnage parce que c’était mon projet, mes compositions, mon groupe. Il fallait que je me transcende. Mais jamais Marc Johnson ne m’a fait sentir le poids de sa notoriété. Extrêmement humble,  il m’a énormément encouragé. Le jour du premier concert il y a eu un retard de son avion qui venait de New York et on a presque annulé le concert. Il est arrivé à Rome juste une heure avant le concert. Pas le temps de répéter. J’imaginais alors qu’il n’y avait rien d’autre à faire qu’une sorte de jam session avec simplement des standards. Il est arrivé juste sur scène le temps de mettre le jack et tout a marché comme sur des roulettes tout simplement parce qu’il avait travaillé de son côté toutes mes compositions. Et il les connaissait par cœur. Et tout a été parfait !

Après cette expérience j’ai remonté mon propre trio avec des musiciens peut être moins célèbres mais avec qui je pouvais tourner plus souvent. On a alors beaucoup tourné et même gagné un concours international en 1998. On s’est à cette occasion trouvé sur scène avec Herbie Hancock, Dee Dee Bridgewater, Tom Harrell et là on a gagné le premier prix ! Du coup on est passé à la Télé et tu n’imagines pas ce qui m’est tombé dessus. Moi qui venais de mon village des Pouilles, on me reconnaissait dans la rue !

En octobre 1998, je n’avais pas beaucoup d’engagements en Italie et Flavio Boltro m’a proposé de venir en France. J’ai saisi l’occasion de venir faire un tour pour les vacances tout en profitant de cette occasion pour jouer un peu. Mais je n’avais pas l’intention de rester. Et de fil en aiguilles, j’ai rencontré pas mal de musiciens français et j’ai vite eu des engagements dans des clubs. Mais mon arrivée à Paris a été en fait mon premier contact avec une grande ville. C’était la première fois que j’habitais dans une mégapole. Et pour l’activité de musicien il y a une telle activité dans les clubs à Paris que tout s’est enchaîné. Et là j’ai d’un seul coup été confronté avec plein de musiciens qui ne me connaissaient pas forcément et qui m’invitaient de partout. Et surtout j’étais confronté avec des musiciens de tous les niveaux. Avec des bons et des mauvais musiciens. Je me rends compte que l’on progresse autant avec les premiers qu’avec les seconds.

En venant en France, tu es venu avec ton bagage universel, celui de la musique du jazz qui te permet de communiquer avec tout le monde. Est ce que cela a été aussi l’occasion de te confronter avec d’autres cultures musicales que tu ignorais ?

Ce qui est sûr c’est que j’ai retrouvé en France d’autres façons d’aborder la musique. A Paris il y a une multi ethnie bien plus importante qu’en Italie. J’ai donc pu confronter mes idées avec des musiciens Africains, Argentins, avec plein de musiciens qui ne sont pas forcément de jazz mais qui m’ont appris de nouveaux langages et qui m’ont donné de nouvelles ouvertures propices à ma propre musique

Dans ton gotha en matière de piano, quel et celui ou ceux qui t’influencent le plus ?

C’est un parcours. J’ai commencé avec Chick Corea, Herbie Hancock, Oscar Peterson pour arriver finalement à Art Tatum. Même si quelqu’un qui a dit que Art Tatum n’était pas un musicien de jazz sous prétexte qu’il faisait des variations et n’était pas réellement un improvisateur. C’est un musicien fondamental pour moi.

Cette référence n’est pas étonnante. Dans ton dernier album il y a c’est vrai dans ta façon de jouer celle d’un mort de faim, une sorte d’expression vitale et une énergie désespérée que l’on retrouve un peu aussi chez Tatum.

C’est vrai que lorsque j’ai enregistré mon dernier disque c’était l’un des moment les plus beaux de ma vie. Il est différent des disques précédents. Dans ce disque c’est un rêve de musicien ? Quelqu’un est venu me voir et m’a demandé d’enregistrer pour lui. Ce disque était une énergie plus qu’un projet. Et puis j’ai eu la chance d’avoir pour cet album Marc Burronfosse et Stéphane Kérécki, Aldo Romano et Stefano di Battista.

Tu aimes visiblement composer. As-tu beaucoup de demandes ?

Composer c’est aussi un défi, mais il ne faut pas le mettre à côté et ne jouer que des standards. Je regrette par exemple que quelqu’un comme Jarrett ne compose plus. C’est pour moi une expression intime essentielle de l’artiste.

Quelle est ton actualité ?

Je travaille sur ce film qui me prend pas mal de temps. Depuis mai 2004, un réalisateur m’a appelé pour me proposer de faire un film sur ma vie. J’ai raccroché en pensant que c’était une blague ; mais en fait il a rappelé ensuite et m’a donné rendez vous dans un  café. Il m’a exposé son idée. Ce sera un documentaire- fiction. Dans la partie fiction il y aura des acteurs. Par exemple Il y aura un enfant qui fera moi quand j’avais 3 ans, ou un acteur qui jouera mon rôle à l’âge de 15 ans et puis il y aura aussi de faux parents. Ça c’est pour la partie fiction. Pour la partie documentaire il y aura des invités, des musiciens avec qui j’ai collaboré, des interviews etc…. En fait l’équipe de réalisation me suit partout, filme mes concerts. Le film sortira avec le prochain disque que j’enregistrerai chez Cristal. Il sera aussi diffusé sur les chaînes de télé, Arte, Mezzo, la Raï.

Il y a donc un nouvel album en préparation

Je ne suis pas encore rentré en studio. Je rentrerai début 2006 pour une sortie en octobre 2006. Mais tant que cela n’est pas fait je ne veux pas trop en parler. Ce sera avec un groupe de jazz qui s’intègrera à d’autres éléments.

Dans tes rêves de musicien, avec qui rêverais-tu de jouer ?

Je crois que j’adorerais jouer avec Lee Konitz car c’est un musicien pur. J’adore cette école tristaniene. Dans le phrasé de Konitz il invente toujours des choses. Il ne retombe jamais sur les phrases qu’il a déjà joué.  Quand à Tristano c’est une musique sans compromis. Il est quasiment dans les mathématiques dans sa construction. La signification est purement dans les notes. Je pense que Tristano a inventé le free dans le sens où ils ont inventé des structures libres. Il y a un disque de Tristano qui s’appelle «  Descent into the maelstrom » c’est un disque qu’il a fait en superposant des bandes de piano. C’est encore plus avancé que le free. C’est incroyablement moderne pour l’époque. C’est ce que l’on fait aujourd’hui en électro mais à l’époque il le faisait en acoustique. Il était extrêmement moderne.

Tu écoutes quoi en ce moment ?

Ce matin j’écoutais « New Conception » de Bill Evans. J’adore sa notion du trio.

Justement, alors que Bill Evans semblait toujours mal à l’aise avec la place de la batterie, toi tu sembles t’appuyer beaucoup sur le drumming

Moi j’adore les batteurs qui donnent de l’énergie. J’adore cet échange d’énergie entre le batteur et le piano. Les bassistes tiennent la barque mais l’échange de l’énergie c’est pour moi entre le piano et la batterie. Il doit y avoir beaucoup d’intelligence de la part des batteurs pour comprendre et soutenir l’esprit d’un morceau. J’adore les batteurs comme Roy Haynes ou Tony Williams.

Sur ton île déserte tu emporterais quoi ?

Pour la musique c’est Keith Jarrett en live avec De Johnette et Peacock «  Still live » (ECM 1986). Sinon j’emmènerais un livre de James Redfield : «  la prophétie des Andes ». Et puis sinon un bateau.

Propos recueillis par jean marc Gelin

Miracle céleste ! Accomplissement divin ! L’autre jour un des reporters des DNJ qui a ses entrées un peu partout et notamment au paradis des musiciens surprit du côté de chez Saint Pierre cette conversation entre Ellington et Basie : « t’as entendu ce Badini et sa sacrée machine à swinguer ! Quand tu penses que c’est moi qui lui ait tout appris ! ». « Mais non pas du tout répondit le Duke, c’est moi. D’ailleurs t’as qu’à voir, dès que j’ai eu le dos tourné il s’est empressé de me piquer Sam Woodyard, mon batteur ». «  Il n’empêche, interrompit Basie, ce gars là à fait trop de bonnes choses pour le swing, je crois qu’il mérite qu’on lui fasse un petit cadeau ». Et les deux hommes de sa taper dans la paluche et de se renvoyer mutuellement leur clin d’œil.

Sur ces entre faits, alors que le gars Badini dormait bien profondément chez lui du côté de Deauville, il se réveilla en pleine nuit pour aller pisser mais ne parvint plus à retrouver le sommeil. Un nom lui revenait en tête, Scriabine, Scriabine, Scriabine ! C’est curieux parce que ce compositeur est un contemporain de Debussy sur qui Badini avait déjà travaillé et que dans les projets de Gérard il y avait plutôt Ravel. Mais non, ce Scriabine lui revenait tout le temps en tête. Alors il se plongea la tête la première dans l’œuvre du compositeur et y découvrit de pure merveilles. Au petit matin, alors qu’il n’avait toujours pas remarqué l’auréole qui flottait au dessus de sa tête il se précipita sur le téléphone et appela son copain Stan (Lafferière) et lui demanda de rappliquer illico en prenant au passage notre Paul Gonsalves national, André Villeger, parce que là il y avait du boulot, du génie à moudre.

Et le résultat vous l’avez là devant vous. Un cadeau du ciel. Un bijou. Un pur chef d’œuvre !

Gérard Badini et sa super swing machine se lancent âmes et flammes sur les traces du compositeur russe. Avec un délicieux souci de lisibilité et pour bien nous faire saisir leur travail chaque morceau est précédé de la version « originale » interprétée par le jeune prodige russe Igor Tchetuev. Chaque fois avec l’aide de Stan Lafferière sont mis en places des phrases interludes qui poursuivent le fil classique et préparent leur entrée au répertoire jazz. La reprise de ces opus mis en regard nous montrent de manière limpide tout le travail de Badini. Quel travail d’arrangement ! Quel swing ! Quels solistes nom d’un petit bonhomme. Il faudrait citer Villeger bien sûr mais aussi Michel Pastre, Sylvain Gontard, le génial Jerry Edwards, Pierre Christophe sans oublier le jeune Olivier Zanot et tous les autres.

Le big band de Badini c’est l’intelligence de Ellington et le son de Basie.

Rarement nous avons été conquis à ce point. Jubilant d’un instant à l’autre de ce chef d’œuvre. Et Badini ne nous fait pas que swinguer du feu de Dieu, il nous donne en plus et aussi l’envie de nous plonger aussi dans l’oeuvre de Scriabine.

Alors si nous devions alors prononcer le mot de la fin nous ne dirions que deux mots : «  Victoires, victoires ! »

Jean Marc Gelin

Poursuivant l’aventure de Flench Wok, le guitariste sudiste Jean Philippe Muvien persiste, et signe Air libre (titre de Daniel Humair) sur le nouveau label Algorythm qu'il a créé et que distribue Abeille.
Dès les premières secondes, on reconnaît la batterie de Daniel Humair qui continue à enregistrer aux côtés de jeunes musiciens avec lesquels il partage le bonheur du collectif.
Le graphisme sort directement de l’atelier de Philippe Ghielmetti qui ne perd jamais de vue les artistes qu’il aime… et Humair est du nombre. Le batteur comptait en effet parmi les artistes emblématiques du label Sketch, depuis le premier album triple jamais sorti en France Hum en 1999. Gageons qu’à présent le guitariste fait partie des musiciens de la « famille ».
Sans piano, mais avec "des" noms, cette formation pluri-générationnelle illustre le niveau de création auquel sont parvenus les musiciens actuels. Comme les formations régulières sont rares, habitude est prise de s’inviter les uns les autres… et de tracer son sillon. A la paire initiale composée de Humair et Muvien viennent donc s’ajouter de vieux complices du batteur, les maîtres Celéa à la contrebasse et Sclavis aux clarinettes. Ils se glissent partout où il peuvent, et l’espace ne manque pas dans cette musique à la fois construite et ouverte. Les autres invités, plus jeunes, ne sont pas en reste, apportant chacun leur contribution et leurs timbres originaux : finesse et délié du phrasé de Vincent le Quang au soprano, accords mélancoliques de Vincent Peirani à l’accordéon (avouons une préférence pour la couleur "bleue" de ses interventions). Il y a aussi Maja Pavloska instrumentalisant sa voix sur les deux derniers titres, Vlada et ce Drôle d’endroit qui conclut le disque en feu d’artifice. Les irisations de la guitare de Jean Philippe Muvien comblent largement l’absence de piano. Il joue sur l’éclat, entre vivacité cinglante et harmonies décalées. Son phrasé plus harmonique que mélodique, se combine aux emportements plus mélodiques des souffleurs. C'est bien sa propre voix que nous entendons à chaque occasion, au fil de ses rencontres, faisant passer la recherche du son avant l'affirmation de soi.
Huit compositions particulièrement enlevées, souvent co-écrites par le guitariste et le batteur, tiennent sur une longueur quasi-idéale de 46 minutes. Deux d’entre elles rendent hommage au pianiste intense Joachim Kühn, partenaire d’un autre trio historique autant qu'éphémère, le "Triple entente" de Humair-Kühn-Jenny-Clark.
Jean Philippe Muvien parvient à donner consistance à son projet de concilier liberté, invention et respect des règles du rebondissement. Du free son, des accents rock tels que nous les aimons avec une batterie plus subtile : une musique qui respire, électrisante, impatiente et souvent fébrile.
Le guitariste a trouvé en Daniel Humair un partenaire idéal. Les entendre jouer de concert est un régal, car ils ont l'art de nous entraîner à leur suite dans une course folle.
Rien n’est imposé… vous êtes prévenus… seul vous est offert le plaisir de s’abandonner au travail de l’ensemble.

Le label Cam Jazz sait y faire en matière de duos. Souvenez vous il nous avait gratifié le mois dernier d’un beau duo entre le guitariste Jim Hall et la pianiste Enrico Pieranunzi.

 Dans l’album entre Solal et Douglas il y a un peu le même esprit qui flotte en studio. Celui d’une vraie rencontre, d’un vrai dialogue. Entre les complexités harmoniques de Martial Solal et les abstractions Zorniennes de Dave Douglas, les deux hommes ont trouvé ici un terrain d’entente évident sur des thèmes  originaux (chacun a apporté trois compositions de son cru) autant que sur les standards qui viennent conclure le dernier tiers de l’album. Il y a chez Solal un amusement évident dans sa façon de suivre le trompettiste, de faire la course en tête, de l’anticiper ou de jouer des Walkin bass, à se transformer seul en une vraie section rythmique. Douglas de son côté n’a jamais été aussi Bix Beiderbecke que jamais. L’hommage que les deux hommes rendent à Steve Lacy dans Blues for Steve Lacy est un des moments poignantissime de cet album où la sonorité de Dave Douglas avec un son feutré arrache des phrases perçantes et torturées. A cet instant on pense justement au fameux duo de Mal Waldron avec le regretté saxophoniste soprano. Elk’s club est un des points culminant de l’album d’improvisation/dialogue.  On croirait les entendre commenter une sorte de film muet. Comme s’ils voyaient les mêmes images au même moment. Et nous avec. Il y a beaucoup de respect dans cet album lorsque l’on sait par exemple que Dave Douglas sur For Suzannah alors qu’il devait rejoindre le pianiste après son intro préféra s’adosser au piano et écouter le maître. Et comme l’on sort des sonorités bixiennes de Douglas on pense inévitablement sur ce morceau à la possible inspiration de In a Mist. Et lorsque les deux hommes en viennent aux standards c’est avec un réel bonheur. Loin des expériences du Massada de John Zorn, Dave Douglas montre un réel amour du répertoire et les versions de Body and Soul, Here’s that rainy day ou All the things you are sont absolument admirables.  Un beau moment d’échange de haute volée. Reste à savoir si Martial Solal qui se dit plutôt incompris par les amateurs de jazz a réalisé cet album pour se faire réellement plaisir ou pour se réconcilier avec une partie du public qui l’a toujours boudé. On se gardera bien de trancher dans ce débat pour ne garder qu’une chose, le sentiment qu’au-delà de toutes les polémiques les deux hommes retrouvent dans un partage d’amour les digressions mélodiques avec un sens commun de l’émotion profonde ou joyeuse.

Jean Marc Gelin