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29 mars 2020 7 29 /03 /mars /2020 00:06

Kandace Springs (voix, claviers), Steve Cardenas (guitare), Scott Colley (contrebasse) et Clarence Penn (batterie). Invités: Norah Jones (voix), Chris Potter (saxophone ténor), David Sanborne (saxophone alto), Avishai Cohen (trompette), Elena Pinderhughes (flute) et Christian McBride (contrebasse). Blue Note/Universal. Paru  en France le 27 mars 2020.

Prince lui avait conseillé : « Fais en sorte que tout soit centré sur ta voix. Tu pourrais devenir la Roberta Flack de ta génération ».

 

Kandace Springs a bien écouté son mentor. La native de Nashville, découverte en France voici quatre ans avec « Soul Eyes » (Blue Note), titre d’une composition de Mal Waldron, nous offre un récital de haute volée où le jazz et la soul font bon ménage.

 

Produit par un as du métier, Larry Klein, « The Women Who Raised Me » permet à Kandace Springs de rendre hommage aux femmes qui l’ont inspirée. L’éventail est large, d’Ella Fitzgerald et Billie Holiday à Norah Jones en passant par Nina Simone et bien sûr, Roberta Flack. Nous est proposé ici un florilège de standards cueillis sur sept décennies (‘Solitude’ datant de 1934) où Michel Legrand (‘What Are You Doing the Rest of My Life’) côtoie Screamin’Jay Hawkins (‘I Put a Spell on You’).  
Deux titres donnent une idée de l’étendue du registre de Kandace Springs, ‘Devil My Care’ (insouciante en français) pris sur un train d’enfer assorti d’un solo de basse de Christian McBride, et ‘Strange Fruit’, merveille de sobriété où la chanteuse s’accompagne au Fender Rhodes.


« Je suis une jeune femme qui adore jouer une musique que les gens perçoivent comme une musique de vieux(sic) » nous confiait en 2016 Kandace Springs lors de sa première venue à Paris.  Chanteuse et pianiste, elle sait s’entourer d’interprètes qui connaissent les secrets de la « note bleue » (se mettent ainsi en valeur David Sanborne dans 'I Put A Spell on You’, Christian McBride dans ‘Devil My Care’, Avishaï Cohen dans ‘Pearls’).  

 

Un album hautement recommandé.  

 

Jean-Louis Lemarchand

 

https://www.youtube.com/watch?v=TLDGD8MKlSQ

 

Le concert de lancement de l’album prévu au Café de la Danse (75011) le 28 mars est reporté au 2 juillet, en raison de la crise sanitaire.

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26 mars 2020 4 26 /03 /mars /2020 14:36

Tim Berne(saxophone alto), Marc Ducret(guitares), Matt Mitchell (piano, piano bastringue, synthétiseurs), Oscar Noriega (clarinette basse, clarinette), Chess Smith (batterie, vibraphone, glockenspiel, tambour haïtien, gongs)

Rhinebeck (État de New York), 29 mai 2019

Intakt CD 340 / Orkhêstra

 

Premier réflexe légèrement cocardier : plaisir de voir arriver dans ce groupe (qui, sauf erreur, possède déjà 5 autres CD à son actif) le très unique Marc Ducret, complice de Tim berne dans quelques autres groupes (Caos Totale, Big Satan, Science Fiction, Bloodcount) et leurs CD. Et puis, dès la première plage, cette formidable sensation d'entrer dans un univers de maîtrise libertaire. Je m'explique. On commence par un thème que l'on pourrait qualifier de librement sériel (mais d'essence lyrique, comme cela s'entend chez Bartók). Et progressivement la musique se développe par prises progressives de libertés (surveillées, mais pas que....) par tous les musiciens. Ce qui nous épate dès l'abord, c'est la réactivité, l'interactivité, la qualité du dialogue entre tous les acteurs de cette folie créative. Ça fuse, ça jaillit, ça court-circuite, et pourtant le projet esthétique est patent, et de surcroît accompli. Tim Berne mène la danse, tant par ses propositions que par ses échappées, mais pas de bavardage, pas de complaisance, simplement de l'ardeur à dessiner un horizon musical ambitieux autant qu'inouï. Et la fête continue : échappée chambriste contemporaine soudain revigorée par le lancinement d'un motif de saxophone qui emporte ensuite tout le groupe, avant de s'ouvrir aux commentaires très libres de chacun. Comme une idée, désormais accomplie, mais sans ostentation de maîtrise, d'une liberté paroxystique. Cette magie opère de bout en bout, sur un répertoire imaginé par Tim Berne, augmenté d'une composition de Julius Hemphill, Dear Friend, inédite au disque me semble-t-il, et originellement conçue pour un trio ; merveille de pure musicalité recueillie. Et aussi l'assistance de David Torn sur l'ultime plage, solo de sax avec paysage électronique. Une absolue réussite d'une aventure musicale toujours en mouvement, jamais en panne de créativité. Ici la pensée musicale, la sensualité du son et l'émotion sont en parfaite symbiose. Admirable !

Xavier Prévost

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26 mars 2020 4 26 /03 /mars /2020 09:18

EHA : « Paris-Rio-New York »
Kwazil 2020 ( www.adimaprod.com)
Leandro Aconcha (cl, arrgt, prog), Cac

au de Queiroz (ts, bs, ss, as, fl), Philippe Coignet (g), Michel Alibo (b), Damien Schmitt (dms) + Mike Stern (g), Minino Garay (perc), Juan Manuel Forero (perc), Mario Contreras (perc), Andy Narrell (steel pans), Rubinho Antunes (tp), Sulaiman Hakim (as), Lionel Segui (tb tuba)

Ah mes amis je vous jure, il y a de ces remèdes à la morosité ambiante ! Suffit de bien vous laisser aller, d’ouvrir grand vos oreilles et de vous laisser porter par la musique, celle qui vous donne du plaisir et qui jamais ne renonce au très beau jeu.
L’album du guitariste Philippe Coignet est de ceux-là : ça joue et, comme on dit dans le jargon, ça joue grave. Sans prétention au niveau des compositions (assez inégales il est vrai) qui la jouent funky, jazz-fusion et fanfare mais qui assument un groove terrible porté par ce diable de Michel Alibo à la basse ( qui tient toute la baraque au dmeurant) et la lave incandescente de Cacau de Queiroz, le célèbre saxophoniste brésilien qui met le feu partout où il passe.
Philippe Coignet en maître de cérémonie organise tout cela avec en arrière plan une certaine révérence à ses groupes cultes comme Steps Ahead ou Sixun dont on le sent très proche.
Quelques invités de marque viennent ajouter des braises au feu ( rien moins que Mike Stern – les envolées de l’éternel ado sur Nuits magnétiques !! - ou Minino Garay ou encore Andy Narrell qui vient donner une touche lunaire sur Dudatjo,  entre autres).
Il y a de l’enthousiasme, de l’envie et une bonne dose de bonne humeur dans cet album-là.

Par les temps qui courent, il n’y a vraiment pas d mal à se faire du bien !

Jean-marc Gelin

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25 mars 2020 3 25 /03 /mars /2020 16:50
HAPPY HOURS  CHRISTOPHE MARGUET  QUARTET

HAPPY HOURS

Christophe MARGUET QUARTET

Label Mélodie en sous sol /L’autre Distribution

 

Happy hours, ce sont les heures joyeuses, de détente, de retrouvailles entre amis après le travail. Pour le formidable quartet du batteur Christophe MARGUET, cela va  beaucoup plus loin. Une certaine idée de l’existence, de ce qui nous (a) rend(u) heureux et qui nous donne à espérer. Il conduit un équipage qui tient la route et en douze pièces construites avec cohérence, donne, dans une saine liberté de création, une musique généreuse, expansionniste, d’autant plus remarquable que personne dans son collectif ne prend le pouvoir. Mais chacune des interventions des quatre complices sonne juste. Ça joue l'unisson, en diverses combinaisons, dans une écoute mutuelle : la musique respire, évolue continûment dans l’échange, création très travaillée de chaque instant.

Le quartet évolue sur des terres musicales connues et communes, avec des références fortes sur lesquelles ces musiciens ont construit l’édifice musical. S’il y a belle lurette qu’ils ont brisé les codes, ils restent dans l’idiome jazz cependant, de part l’instrumentation (piano, batterie, contrebasse, trompette et bugle) et la trame des compositions du batteur leader.

La réussite est collective : une rythmique éblouissante avec un Marguet précis, attentif, détonant, surprenant toujours par cette douce violence qui le caractérise, celle de l’engagement. Soutenu par la contrebassiste Hélène Labarrière dont il apprécie depuis longtemps la personnalité affirmée, il a vérifié avec plaisir que le seul nouveau venu, le pianiste Julien Touéry, savait s’intégrer dans le groupe. Quant au trompettiste/bugliste Yoann Loustalot, il est sur tous les fronts et, s’il nous propulse très haut, il a le désir de jouer avec et dans l’orchestre.

Certains des titres sont des hommages à des musiciens qui ont compté dans la vie de Christophe Marguet. Ainsi “Happy Hours” est une référence à Don Cherry, à sa joie de vivre et de jouer, avec ce sens de la fête africaine et des percussions. A cette influence, Marguet rajoute sa touche, glissant ici quelque chose de plus urbain. Haute fidélité“ est un hommage au batteur, le maître Paul Motian qu’il écoute depuis l’adolescence. Christophe Marguet voit comme “un tunnel qui se développe, quelque chose de gris”. Sur cette base, les quatre travaillent sur les matières de son, les mélanges de timbres, tous ces alliages qu’ils font évoluer ... Yoan Loustalot est saisissant, proche de la voix humaine, frémissant, nerveux, toujours lyrique. Il s’élève au dessus de la rythmique même quand elle s’emballe, pouvant varier ses phrasés, pointus, explosifs, ou plus sensuels. Souffle, précision, sensibilité, que lui manque-t-il? Il peut aussi stratosphériser sans jamais s’alanguir, devenir sombre et rêveur. Ou vrombir tel un bourdon énervé sur ce “Happy Hours” éponyme qui est tout sauf serein. Titre immédiatement suivi par un “Trop tard?”  grave, dédié au photographe brésilien Sébastien Salgado dans le documentaire de Wim Wenders sur Le sel de la terre.

On le voit, HAPPY HOURS est un nouveau projet qui s’intègre dans la démarche de “résistance poétique” et politique du batteur comme dans le thème “C.C.H” où avec entrain et une énergie qui ne veut pas sombrer dans le désespoir, il est question du camping de cet humaniste paysan dont le champ est surnommé le Camping Cedric Herrou.

La découverte de cet album réserve quelques surprises, mais il n’y a qu’ à suivre le mouvement. Christophe Marguet vit pleinement dans son temps, tout en étant sensible à la beauté cachée des choses, attentif à garder le droit fil de la tradition et à mettre ses pas dans les pas de ses pères.

Sophie Chambon

 

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21 mars 2020 6 21 /03 /mars /2020 21:26

Carla Bley (piano), Andy Sheppard (saxophones ténor & soprano), Steve Swallow (guitare basse)

Lugano, mai 2019

ECM 2669 /Universal

 

Certaines connivences confinent à l'extase, comme celle qui unit Carla et Steve. Lui jouait de la contrebasse quand, voici près de 60 ans, il enregistra une première fois la musique de la compositrice-pianiste dans le trio du mari d'icelle, Paul Bley. Très longtemps après, alors qu'il avait abandonné la contrebasse pour la guitare basse, il firent vie commune ; mais la connivence musicale s'était déjà installée de longtemps. Et cela fait des lustres qu'ils communiquent d'une façon presque magique par la musique. Trois suites composées par Carla Bley, trois miracles de formes surgies de la simplicité la plus pure pour s'épanouir dans une douce complexité. La teneur de la majorité des plages est mélancolique. On commence par le blues, au plus près des racines. Les basses introductives du piano, plus que lentes, résonnent comme un appel des origines. Résonnent même un peu trop, car dans ce magnifique auditorium en bois de la radio publique suisse de langue italienne (RSI), ça sonne terriblement bien, et la réverbération ajoutée frôle un court instant la faute de goût. Mais ce sera un très furtif manquement, dans une prise de son superlative. Il n'y a plus qu'à s'abandonner. La rondeur de la basse trace un chemin où s'épanouit le chant des saxophones, et la pianiste, toujours pertinente, n'élude pas les écarts poétiques. Il y aura aussi un duo piano-basse qui dépasse de loin les frontières usuelles de l'empathie.

De plage en plage la magie opère, et soudain va sourdre l'humour indestructible de Carla. Magnifique, de bout en bout. Chant du cygne ? On espère que non, pour elle et eux comme pour nous.

Xavier Prévost

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16 mars 2020 1 16 /03 /mars /2020 23:17

B.O. du documentaire Birth of The Cool, de Stanley Nelson (visible sur Netflix). Legacy/Columbia/Sony. Disponible en CD et en LP (2 volumes).

 

Quoi de neuf ? Miles Davis naturellement. En cette époque de confinement, redécouvrir Miles reste un bonheur sans prix.  Passer en revue la carrière musicale du trompettiste en quatorze titres, c’est possible avec la sélection opérée pour la bande son du documentaire « Birth of The Cool » tourné par le réalisateur Stanley Nelson, spécialiste de l’histoire afro-américaine (Cinq Emmy Awards) et disponible dès maintenant sur Netflix (près de deux heures de musique et de témoignages, démarrant avec Miles faisant du shadow-boxing sur un ring).

 

Ne vous méprenez pas ! Nous n’avons pas affaire à l’album enregistré par Miles en 1949-50 et publié sous ce titre, ‘Birth of The Cool’, en 1957 par le label Capitol sur un vinyle 30 cm, version enrichie d’un premier 25 cm sorti en 1954 dans la collection Classics in Jazz. Pour l’anecdote, Miles n’aurait guère apprécié ce titre alors qu’il était en pleine phase hard-bop.


Le travail opéré par Columbia-Sony mérite l’attention même si les morceaux choisis sont bien (archi) connus des amateurs, à l’exception d’un inédit, « Hail to The Real Chief », œuvre co-signée par Miles et Lenny White.
  Voilà un florilège de chefs d’œuvre gravés en quatre décennies débutant par ‘Donna Lee’ (1947) avec Charlie Parker, Bud Powell, Tommy Potter et Max Roach. Les autres titres sont du même tonneau, ‘Moon Dreams’ (tiré de Birth of The Cool), le ‘So What’ de Kind of Blue (Coltrane, Evans…), ‘The Pan Piper’ de Sketches of Spain (le big band de Gil Evans), ‘Footprints’, l’œuvre de et avec Wayne Shorter, ‘Tutu’ (1986) de et avec Marcus Miller, pour n’en citer que quelques-uns.


Supplément appréciable à cette encyclopédie sonore en condensé, des commentaires brefs qui s’intercalent, assurés entre autres par Jimmy Cobb (dernier survivant de l’album Kind of Blue), Wayne Shorter, Gil Evans, Carlos Santana, sans oublier Vincent Bessières qui fut commissaire d’une notable exposition consacrée à Miles (We Want Miles) à la Cité de la Musique en 2009-2010.

 

Un cadeau chaudement recommandé à tous les amateurs de musique et pas seulement de la « note bleue », pour mesurer la diversité du génie du Picasso du jazz.

 

Jean-Louis Lemarchand.

 

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16 mars 2020 1 16 /03 /mars /2020 18:10

Joce Mienniel (flûtes), Pierre Durand (guitare), Didier Ithursarry (accordéon) ; invités sur une plage, Geoffroy Tamisier (arrangements) & Cuareim Quartet : Rodrigo Bauza & Federico Nathan (violons), Eva Slongo (alto), Guillaume Latil (violoncelle)

Le Perreux, septembre 2018

LagunArte LP 06 / l'autre distribution

 

Didier Ithursarry, croisé dans les univers musicaux les plus variés, a partout imposé en douceur son exigence musicale. Avec ce disque, et ce trio, il ouvre les vannes, ou plutôt la porte, comme le suggère le titre en langue basque. Toutes les douceurs, comme les torrents musicaux, y ont droit de cité, des rythmes d'inspiration balkanique aux mélancolies profondes qui sourdent de toutes les musiques de tous les mondes, à commencer par le sien propre. Il est soutenu par deux orfèvres : la virtuosité expressive de Joce Mienniel trouve constamment écho dans la musicalité inspirée de Pierre Durand. L'accordéon de Didier Ithurssary, souverain dans la vigueur rythmique, pose aussi constamment l'intensité de son chant, un chant encore magnifié dans la suite en six plages par le quatuor à cordes Cuareim et l'écriture de Geoffroy Tamisier. C'est lyrique, vivant, bondissant quand il le faut, et toujours d'une intensité folle. Il y a aussi, et c'est encore un moment de grande intensité, en solo, l'adieu à Éric Groleau, batteur-percussionniste, partenaire musical tragiquement et prématurément disparu, sur un thème de la tradition basque. Un adieu, déchirant, dans la lumière du petit matin. Très beau disque, par de grands musiciens.

Xavier Prévost

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Le concert de sortie, prévu le 18 mars 2020 à Paris au studio de l'Ermitage, a hélas été annulé, comme tous les concerts de la période, pour cause d'épidémie de coronavirus. On a hâte de retrouver cette musique au concert !

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14 mars 2020 6 14 /03 /mars /2020 17:35

Xavier Camarasa (piano, piano préparé), Matthias Mahler (trombone)

Le Pré-Saint-Gervais, 4 octobre 2019

Gigantonium GIG 010TBP2 / https://www.gigantonium.com/label

 

Un disque mystérieusement relié au précédent (Camarasa -Mahler « TbPn », chronique en suivant ce lien), par une quête formelle, une manière de reprendre la matière sonore, musicale et instrumentale, et de la déployer selon d'autres modalités. Encadrées par deux versions différentes de la même pièce, Mouvement perpétuel, sept compositions signées par le pianiste (sauf une, imaginée par le tromboniste), qui sont autant de digressions à partir d'un même univers, celui d'un duo qui explore. L'exploration est en permanence un jeu, sur l'interaction, la tension, et la mémoire qui s'imprime dans les formes mais engendre d'autres chemins, dictés autant par la sensualité du son que par les constructions abstraites qui organisent un discours musical. On croit deviner le cheminement, et voilà que l'on nous fourvoie. C'est intense et captivant, sans que l'on sache toujours ce qui est préconçu et ce qui surgit du vertige de l'instant. Il suffit de s'y plonger, de s'y abandonner : alors la musique coule de source. C'est assez bluffant.

Xavier Prévost

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J'avais différé la chronique de ce CD paru en janvier pour la publier en mars, à l'occasion d'un concert du pianiste Xavier Camarasa avec son quintette 'El Memorioso' à l'Atelier du Plateau, dans le cadre du Festival Banlieues Bleues. Le coronavirus et ses annulations de spectacles en ont décidé autrement.... Haut les cœurs, et vive la Musique !

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9 mars 2020 1 09 /03 /mars /2020 10:29

Daniel Erdmann (saxophone ténor)

Bruno Angelini (piano)

Le Blanc-Mesnil (Seine-Saint-Denis), 18-19 décembre 2017

Angelini-Erdmann AE001/ disponible sur les plateformes

 

Une œuvre très singulière, qui trouve son origine dans l'évocation de deux jeunes gens qui incarnèrent l'opposition allemande à Hitler en 1943. Sophie Scholl et son frère Hans furent condamnés à mort pour avoir, à l'Université de Munich (et ailleurs), distribué des tracts hostiles au régime nazi. Un concert-spectacle, créé en 2017 au Blanc-Mesnil, puis donné en 2018 à Paris au Goethe-Institut, avait vu le jour, sur un texte (accessible via ce lien) signé Alban Lefranc, écrivain français vivant à Berlin ; texte incarné par la comédienne Olivia Kryger : c'est le songe de Sophie Scholl lors de la dernière nuit, celle qui précède l'exécution. Un songe qui, près de son terme, délivre ce message «Ne crains pas la mort ni à dix-sept ni à soixante-dix ans. Il n'existe que le réel et la lumière»

Les deux musiciens donnent à cette musique, par ce disque, une existence autonome, reliée au projet originel par sa puissance d'évocation. Car il s'agit ici, plutôt que d'illustrer, d'évoquer : dans son sens originel, ce mot fait parler les esprits, et c'est le prodige que réalise cette musique. Les thèmes, composés alternativement par le pianiste et le saxophoniste, portent leurs charges de mélancolie, mais aussi de révolte explicite, de foi dans la pertinence d'un combat, fût-il inégal. Ici c'est une sorte d'épisode de pulsation savamment harmonisée, ailleurs une déploration qui nous plonge dans des abîmes de noirceur, avec en écho un espoir, indéfectible, d'humanité. Au fil des plages les deux musiciens dialoguent, interagissent et conjuguent les lignes mélodiques et les harmonies en parfaite osmose. Une sorte de rédemption par la beauté.

Xavier Prévost

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Le duo sera en concert le 12 mars à La Fraternelle de Saint-Claude (Jura)

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Des extraits du disque sur le site de Bruno Angelini

http://www.brunoangelini.com/sons.html

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Des informations sur le projet

http://www.brunoangelini.com/projets.html#derniereDUO

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5 mars 2020 4 05 /03 /mars /2020 18:59

Pierre de Bethmann (piano, piano électrique),

Sylvain Romano (contrebasse), Tony Rabeson (batterie)

Pompignan (Gard), 6-7 septembre 2019

Aléa 012 / Socadisc

 

Pour ce troisième volume d'Essais, Pierre de Bethmann persiste et signe dans l'affirmation d'un choix très ouvert du répertoire. Dans le volume 1(chronique des DNJ ici) on trouvait, à côté des standards dont le jazz fait son miel, Trenet, Fauré ou Gainsbourg ; et dans le volume 2 (chronique) Boris Vian, Voulzy, Haendel ou le Chant des partisans. Fidèle à ce tropisme qui révèle la liberté du jazzman, le pianiste nous entraîne cette fois du côté de Brassens, Stevie Wonder, mais aussi Robert Schumann. Et comme toujours quand le jazz est là, c'est un mélange de rigueur et d'absolue liberté, de passion artisanale et de métamorphose artistique. C'est ainsi que vous découvrirez La cane de Jeanne comme vous n'osiez pas l'imaginer, surgie d'un piano Fender Rhodes doucement saturé, et s'évadant comme aux plus belles heures du Sieur Hancock. D'ailleurs j'ai le souvenir que, au mitan des années 90, à l'époque où notre pianiste s'imposait au Concours de la Défense avec le trio Prysm, il avait lors d'une sorte de Master Class épaté ledit Hancock par son choix de notes et son phrasé. Sur L'Opus 105 de Robert Schumann, ça chante comme du Schubert (Oui, oui, croyez-moi !) et ça danse comme une valse de Bill Evans. Puis c'est Cyclic Episode de Sam Rivers (du disque «Fuschia Swing Song», 1964), une cavalcade modulante qui donne le vertige (Tony Rabeson magistral). Puis un surprenant ravalement de façade sur Que Sera Sera, rengaine des années 50, rarement visitée par les jazzmen, et métamorphosée par Sylvain Romano. Groove d'enfer très Soul Jazz sur Dark Blue de John Scofield, un petit Cole Porter pour la route (on me dira, à juste raison, qu'il n'y a pas de petits Cole Porter....), puis une compo de Jean-Loup Longnon, L'Ours, originellement conçue pour quintette de cuivres et orchestre symphonique, et qui en trio devient une ligne mélancolique d'une infinie subtilité. Mélancolie encore avec I Can't Help It de Stevie Wonder pour clore le tout : beau voyage. Je ne risquerai pas 'essai transformé', déjà usé, et abusé. J'oserai : trois coups d'essai, trois coups de Maître. Vraiment.

Xavier Prévost

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=kPFA9hFfsBU

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Le trio sera en concert le vendredi 6 mars à 19h45 à Reims, au Café du Palais, un restaurant agréable et recommandable puisqu'on y trouve une lithographie de Daniel Humair

Et aussi les 13 & 14 mars à Paris au Sunside, le 27 à Mâcon au Crescent, et le 28 à Toulouse au Taquin

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