Blue Note 2024

Immanuel Wilkins. (as, compos), Sekai Edwards. (compos), Micah Thomas (p), Rick Rosato (cb), Kweku Sumbry (dms), June McDoom (vc), Ganavya (vc), Yaw Agyeman (vc)+ Cecil Mc Lorin Salvant (vc), Marvin Sewell (g)

Juste sublime !

Lorsque l'on commence à écouter "Blues Blood", quelque chose, un je-ne-sais-quoi nous renvoie immanquablement au dernier album de Meschell Ndegeocello. Serait-ce le côté oratorio ? Serait-ce la façon dont cet album est produit dans les usines de Blue Note ? Serait-ce cette obsession, pour ne pas dire « manie » des jazzmen de l'autre côté de l'atlantique de vouloir absolument signer un " manifeste" musical ? On ne sait.
En revanche, lorsque l’on regarde le communiqué de presse on voit qu'effectivement Meschell Nedegeocello est de la partie puisqu'elle a co-produit cet album. On trouve donc une forme de continuité entre son travail et celui du jeune prodige de l’alto, Immanuel Wilkins.
Mais bref, là n'est pas l'essentiel.

Car l’essentiel c’est que cet album porte fort et touche en plein. Et qu’il n’est nul besoin de sous-texte, de prétexte, de contexte ou que sais-je pour nous faire vivre cet opus et entrer dans ce qui est à ce jour l'album le plus puissant du saxophoniste.

On connaît le saxophoniste alto surdoué qui ne cesse de franchir des étapes avec, à ses côtés un autre prodige, Micah Thomas dont les schémas ascendants semblent suivre la même ligne parallèle.  Qu’une légende comme Kenny Barron décide dans son dernier album ( The Source) de s’adjoindre les services d’ Immanuel Wilkins est en soi une vraie reconnaissance, si ce n’est un sacre.

Immanuel Wilkins c’est la virtuosité alliée à la maitrise et à la douceur du dire. Jamais dans le trop et toujours dans le juste. Mais ici Immanuel Wilkins est dans une autre dimension  bien au-delà de son lyrisme. Ici c’est le compositeur et arrangeur qui nous bluffe par l’ampleur de son travail magistral et par la façon qu’il a de faire habiter sa musique. De l’habiter lui-même et de la faire incarner par d’autres. Dans cet album, il y a cet art de mettre de la densité dans sa musique qui devient à la fois très palpable et à la fois mystique.  Mais il y a aussi, comme avec Meshell, une dimension gospel qui lui vient de sa propre expérience au sein du groupe Black Monks.

Blues blood est aussi un travail sur la transmission et la réminiscence. Notamment au travers des souvenirs venus de l’enfance. Wilkins évoque des souvenirs culinaires comme une forme de transmission d’une tradition remontant au plus loin du plus loin, à l’Afrique. Sur scène, pour la représentation de Blue Blood, il est même prévu de préparer des repas en laissant les micros ouverts sur les bruits de la marmite mijotant et sur les couteaux qui coupent. Why not ? Après tout la musique est aussi une expérience sensorielle.

Mais, comme on le disait précédemment, pas besoin de se raccrocher au prétexte pour rentrer dans cette musique aussi fascinante que belle. Chargée d’émotions. Elle se suffit à elle-même dans un moment de parfaite plénitude.

Incroyablement peacefull .

Jean-Marc Gelin

ADELE VIRET QUARTET

CLOSE TO THE WATER

Label LZI415/ L’Autre Distribution

www.adeleviret.com

Adele Viret, cello, composition

Wajdi Riahi, piano, Fender Rhodes, vocals (7)

Oscar Viret trumpet, vocals(5,7,9)

Pierre Hurty, drums

Le nom de Viret évoque sûrement quelque chose, n’est-ce pas? C’est que dans la famille Viret la musique est essentielle : avec son plus jeune frère Oscar, trompettiste, Adèle violoncelliste forme avec son père, Jean-Philippe, contrebassiste, un Triumviret savoureux et remarqué.

A vingt-cinq ans Adèle Viret a déjà une solide et belle expérience musicale ( ONJ des Jeunes Denis Badault, Sessions Medinea), des projets et de la musique plein la tête. Et ça s’entend dans ce groupe d’amis qui ont partagé de nombreuses aventures musicales depuis le conservatoire. Comment se joue cette partition très écrite, au piano pour commencer qui évolue et se fortifie en quartet? La trompette est indispensable à l’équilibre cello-piano-batterie. Oscar Viret semble à l’aise dans ce contexte : il est difficile de retrouver ses influences si ce n’est Ralph Alessi, Ron Miles? Quelque peu lunaire, voire élusif, le son droit flotte léger et fantasque.

Dans l’aventure émouvante d’un premier album, Adèle Viret, variant les nuances et climats, fait se croiser mystères, instantanés et révèle le tempérament d’une personnalité musicale à découvrir. La singulière cohérence de l’album découle de l’inspiration au plus près de l’élément liquide, sans terrain balisé pour autant : de nombreuses ruptures de rythme parfois inattendues, des dissonances à grands coups d’archet, un jazz de chambre volontiers bleuté, une musique énergique ourlée de lumières et vapeurs.

Close to the Water soit l’alternance de rivages Nord-Sud, de la Bretagne à la Méditerranée, la mer encore et toujours oriente les compositions d’Adèle, mélodies atmosphériques aussi lumineuses que mélancoliques. Le morceau-titre qui débute l’album favorise le duo batterie trompette avant que le violoncelle et le Fender n’interviennent. La mélodie peut alors se déployer.

Choral to the sea, une mélodie entêtante des Balkans dont le souffle dans le rythme ne retombe pas et Ceux qui sont loin sont deux pièces inspirées par la mer Méditerranée. La seconde, une élégiaque ritournelle, fut écrite dans le cadre enchanteur de la Fondation Camargo de Cassis, pendant une des sessions de Medinea, projet trop peu connu développé au cours du Festival d’Aix en Provence pour favoriser les échanges entre jeunes musiciens de toute la Méditerranée sous la direction du saxophoniste belge Fabrizio Cassol qu’elle reconnaît volontiers comme un mentor.

Suivent encore dans ce recueil d’impressions tournées avec élégance “Novembre” plus sombre et opaque parfois, “Made in” (Méditerranée bien sûr, le tropisme est connu à présent) où le duo fraternel se rapproche complice, mêlant heureusement leurs timbres singuliers en contraste avec l’autre duo impeccable piano et batterie. Une rythmique puissante et vigoureuse qui excelle par ailleurs dans ce singulier “The Watchmaker” qui se démarque dès le tic-tac initial : une précision toute mécanique comme il se doit dans cet exercice d’horlogerie fine.

Quant aux Courbes, comme celles de la pochette, elles s’apparentent aux vagues où se rejoignent trois voix complices au-dessus de la batterie qui concasse les sons comme des galets sur un sable rendu soyeux par le flux et reflux.

Dans ces divers tableaux, chanteurs à leur manière, les partenaires suivent une musique lyrique et retenue à la fois. Avec le quartet d’Adèle Viret, on aborde la fin de ce voyage maritime en résonance avec une prière qui s’éteint doucement.

Sophie Chambon

Laurent Coq (piano), Yoni Zelnik (contrebasse), Fred Pasqua (batterie)

Pompignan (Gard), 25-26 juillet 2023

Jazz & People / Pias

Enregistré au studio Recall de Philippe Gaillot (guitariste devenu un expert en enregistrement dont le studio, et les pianos, sont très appréciés par des musiciens de premier plan), c’est un disque mûrement réfléchi qui pourrait être une sorte de manifeste. Il se peut que Laurent Coq, qui a longuement vécu à New York, ait voulu jouer sur la polysémie du mot confidence, qui en français (sa source, qui l’avait repris du latin) comme en anglais (qui l’emprunta à l’ancien français), désigne tout à la fois la confiance et la chose que l’on dit en toute confiance. En tout cas, la musique repose manifestement sur la confiance mutuelle qui circule entre le pianiste et ses partenaires. La forme est serrée, les thèmes sont précis, les rythmes vertigineux, et cet appareil soigneusement élaboré ne brime nullement les libertés : celle de Laurent Coq, et celles de ses partenaires, Yoni Zelnik et Fred Pasqua. Il faut suivre avec soin cet itinéraire passionné dans les méandres de la musique. La qualité de l’écoute chez l’auditeur rend justice à cette musique car ce disque fait partie de ceux que l’on écoute, et réécoute, pour en goûter la substantifique moelle. Alors vous savez ce qui vous reste à faire : le bonheur musical est au bout du chemin, lequel se termine en apothéose par une ultime composition du pianiste, dédié à un artiste qu’il admire profondément ; son titre : Mazurka pour Alain Jean-Marie.

Xavier Prévost

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Le trio est en concert les 23 & 24 octobre à Paris au Sunside

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Infos et avant-ouïr

https://www.youtube.com/watch?v=syQzB5DVceM

http://www.jazzandpeople.com/portfolio/laurent-coq-confidences/

Baptiste HERBIN TRIO

Django!

ACCUEIL - BAPTISTE HERBIN

Ce titre exclamatif annonce un hommage non déguisé à Django qui provient non pas d’un guitariste ce qui serait attendu quoique toujours osé, mais d’un saxophoniste alto qui compte dans la jeune génération Baptiste Herbin. Quand on sait que Daniel Yvinek est à l’origine de ce projet Django! on se doute que le directeur artistique aura eu une action des plus stimulantes sur l’engagement du trio en studio. Il aura soigné la beauté du son des douze compositions choisies et arrangées par le saxophoniste qui n’hésite pas à reprendre au saxophone certains solos originaux de Django.

Le trio (Baptiste Herbin, Sylvain Romano et André Ceccarelli ) à peine formé est déjà majuscule dans une configuration délicate et aventureuse (saxophones, batterie et contrebasse). L’évidente complicité des musiciens, leur plaisir de jouer ensemble prouvent qu’ils n’ont pas fini de se livrer à des échanges aussi énergiques que lyriques. L’album s’écoute d’un trait, de l’émouvante composition de John Lewis qui ouvre l’album jusqu’au final, l’inévitable Nuages où flotte l’esprit du guitariste avant quelques fulgurances bien balancées du saxophoniste.

Si cinq de ses titres sont repris, la partie sans être facile est gagnée tant le trio sait confronter l’expérience et le talent de chacun en se glissant dans l’univers singulier du maître : une paire rythmique superlative, un saxophoniste au son unique, aussi mélodique que sophistiqué quant il étire le temps dans un Troublant Boléro langoureux en diable. Pas beaucoup de temps morts même quand le tempo ralentit dans la ballade Anouman, autre bijou reinhardtien. Baptiste Herbin pensait-il au travail d’ensemble de Django avec (entre autres) le ténor Coleman Hawkins et l’altiste Benny Carter dans les merveilleuses sessions de 1937 sur disque Swing en préparant cet album, en signant ce Djangology Herbinologué où il tire son épingle du jeu en multipliant les effets que permettent son instrument?

Un montage toujours entraînant enchaîne aussi des valses musette qui font partie intégrante de l’univers manouche que connaît bien le saxophoniste, des interludes comme l’époustouflant Montagne Sainte Geneviève ou Valse de Wasso.

Baptiste Herbin ne dédaigne pas cependant se frotter à d’autres standards du jazz aux références très connotées comme cette autre valse, Indifférence de l’accordéoniste Tony Murena. Il se lance dans une improvisation débridée sur Night and Day, sa version du tube de Cole Porter pour le moins différente, fièvreuse mais toujours aussi chantante. Le rebattu Tea for Two de la comédie musicale de Broadway No, No Nanette débute par un cha cha sans équivoque avant de céder à la frénésie d’un trio qui s’emballe. Ça vous redonne des couleurs avec des références tout autres qu’ajoute par instant le saxophoniste, courtes échappées qui pulsent, frisent, s’enroulent autour du motif principal. Avec spontanéité, fluidité, rapidité, Baptiste Herbin joue dans l’esprit du répertoire sans tomber dans le rétro.

La rythmique paraît mener la danse : ainsi le soliste entre le chant puissant de la contrebasse et l’aisance naturelle du drive creuse intimement un sillon qui lui est propre, nourri de multiples influences. Baptiste Herbin sans dispersion continue à édifier patiemment son grand oeuvre. Il nous faudra le suivre assurément.

Sophie Chambon

STEFY HAÏK sings and loves BURT BACHARACH

Frémeaux et associés

2023

Enregistré par Dominique Blanc-Francard

Pas étonnant que la maison Frémeaux qui s’attache à faire oeuvre de mémoire rende hommage par la voix de la franco-américaine Stefy Haïk à un merveilleux songwriter de l’American Songbook, Burt Bacharach (1928-2023) pianiste, arrangeur et chef d’orchestre qui a marqué l’histoire de la chanson et des musiques de film des sixties et seventies. Nous ne citerons qu' un exemple parmi une production pléthorique,  la B.O de Butch Cassidy and The Sundance Kid pour lequel il obtint l’oscar de la meilleure musique en 1970. Des labels ( Blue Note ou  la Motown ) comme les jazzmen se sont emparés de sa musique de Diana Krall (The Look of love dans Casino Royale) à Sonny Rollins pour Alfie du film éponyme, chanson que Stefy Haïk chantait déjà dans son premier album The Longest Mile.

Cet album de jazz vocal fera plaisir à tous les amoureux de la musique de Burt Baccharach-ils sont nombreux, même si nous sommes beaucoup pen France du moins, à fredonner ses chansons sans toujours savoir qui en est l’auteur. Ce que chantait déjà notre Trenet dans L’Âme des Poètes.

Dans la mémoire collective américaine, ce formidable mélodiste a toute sa place et aujourd'hui encore dans la comédie musicale  Joker 2 de Todd Phillips, on entend dans un recyclage habile autant Bewitched de Rodgers and Hart que Close to you.

La chanteuse franco-américaine reprend dans cet album soigné quelques unes des mélodies du duo magique Burt Baccharach- Hal David ancrées dans la mémoire consciente ou non qui nous ont touché voire ému. Elle en délaisse d'autres peut-être trop attendues comme Raindrops keep falling on my head au profit de ce God give me strength écrite avec le "versatile"(au sens anglais) Elvis Costello, autre référence de la chanson ou My Little Red Book entendue dans What’s new Pussycat? Retenons encore une curiosité, le duo réussi avec Bruce Johnston dans Wives and lovers.

On retrouve néanmoins  des tubes comme What the World Needs Now  popularisé par Dionne Warwick avec Walk on by, A House is not a home ou Close to you dont la déchirante Karen Carpenter donna une version inoubliable sans oublier la grande Aretha Franklin pour laquelle fut écrite I say a little prayer.

Les arrangements essentiels dans ce genre d’exercice sont écrits de main de maître par le pianiste Olivier Hutman. La chanteuse est  entourée par la fine fleur de nos musiciens Hugo Lippi à la guitare, Hermon Mehari à la trompette, Sylvain Romano à la basse, André Ceccarelli aux drums… Il faudrait les citer tous car ils offrent un accompagnement idéal  à  la voix chaude et sensuelle, au phrasé résolument jazz de Stefy Haïk. Très élégant dès le démarrage de I”ll never fall in love again, son swing est subtil et son énonciation claire (elle est aussi une enseignante accomplie).

On pourrait reprocher une certaine  facilité à la pop musicale, avoue même Stefy Haïk de quoi dégoûter les puristes jazzeux qui d’ailleurs ne connaissent pas bien ce répertoire. Mais composer une chanson qui touche le plus grand nombre est un art qui n’est pas aussi mineur qu’on voudrait nous le faire croire. Un art qui requiert et c’est le cas ici, complexité harmonique et rythmique sur une mélodie qui semble “facile” et qui reste en tête,  un fredon qu’agrémentent des paroles que l'on retient. Car avouons- le, l’anglais swingue et colle parfaitement à cette pop pas si sucrée en définitive. Alors si tous ceux qui comptent ont chanté Burt Bacharach, en écouter une nouvelle version est toujours irrésistible.

Sophie Chambon