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22 septembre 2019 7 22 /09 /septembre /2019 10:39
LES EMOUVANTES à Marseille, chapelle des Bernardines
LES EMOUVANTES à Marseille, chapelle des Bernardines
LES EMOUVANTES à Marseille, chapelle des Bernardines
LES EMOUVANTES à Marseille, chapelle des Bernardines

LES EMOUVANTES à Marseille, chapelle des Bernardines.

Samedi 21 Septembre.19h. In spirit, Claude TCHAMITCHIAN solo

 

Deux jours après la sortie sur nos écrans de la délicieuse comédie de Woody Allen, A rainy day in New York , il pleut sans faiblir sur Marseille en ce premier jour d’automne. Si la B.O du dernier Woody célèbre l’un de ses musiciens de prédilection, Errol Garner, nous n’entendrons pas vraiment du jazz classique avec la dernière soirée de ce festival si étonnant que sont les Emouvantes dans le cadre privilégié de la chapelle des Bernardines du lycée Thiers.

Claude Tchamitchian, le créateur du label EMOUVANCE, contrebassiste, compositeur, chef d’orchestre avec son Louzadsak, accompagnateur de nombreuses formations dont celle de l’ami Andy Emler, joue In Spirit, en hommage à Jean François Jenny Clark son troisième album solo après Jeux d’enfant en 1992 et Another childhood en 2010. Ces projets de solo prennent leur temps, correspondent à une maturation réfléchie, et dans ce cas très particulier, à une sorte de “captation” qui lui est venue avant même l’écriture.

Sur une contrebasse et quelle contrebasse, puisqu’il s’agit de celle du grand “JF”, disparu il y a vingt ans, l’autre étant entre les mains de Jean Paul Céléa, accordée différemment pour répondre à la musique entendue, pour éviter certains réflexes de jeu , automatismes de l’instrument, il se lance dans l’aventure, quatre suites, si on accepte comme telle, l’interlude plus court, entre la deuxième et la troisième pièce.

Comme il le disait déjà dans l’excellente interview d’Anne Montaron qui figurait dans les notes de pochette d’Another Childhood, il joue sans tension mais avec une grande intensité, comme “traversé”, en connexion avec l’instant, ce qui donne grande cohérence au solo, joué à flux tendu. Incarnation” est aussi un mot qui peut revenir sous la plume, car il ne s’agit pas pas vraiment de se portraiturer au hasard des plages et de l’improvisation, pour rester pleinement dans la thématique du festival. Claude Tchamitchian aime sans doute se frotter à tous les genres, styles et techniques, mais cela va plus loin qu’un exercice de style, variant nuances et atmosphères de l’instrument. Ce n’est ni l’exploration de plusieurs modes de jeu qui est ici à l’oeuvre, ni l’art de la contrebasse en quatre leçons, sans, avec un, ou même deux archets (sur la deuxième pièce), mais une épreuve où la position de soliste s’avère difficile à garder, étant souvent ingrate. Je ne ressens pas, contrairement à son solo précédent, une dimension narrative avec une succession de portraits de figures amies, disparues qui hantent son inconscient. Mais plutôt un auto-portrait sur le fil du rasoir, où il lutte contre ses démons peut-être, contre le temps aussi, où la charge émotionnelle domine. Peu de silence, peu de vide mais un combat essentiel avec l’ instrument, une contrebasse puissante, résolue qui a son autonomie propre. Un rapport passionnel fort, dans la lutte plus que dans le ravissement, même s’il parvient à faire chanter la contrebasse qu’il empoigne, saisit, balance, arc bouté sur elle. Il en fait sortir des sons rauques qui enflent parfois en une mélodie plus apaisée, comme dans ce “In Memory” venu de la tradition arménienne, chant du Xème siècle selon Gaguig Mouradian, le joueur de Kamantcha, avec lequel Tchamitchian signa un album mémorable chez Emouvance, en 2002, Le Monde est une fenêtre.

Une performance saisissante où l’on entend le souffle, la respiration, où l’on sent la sueur couler, les doigts se retenir de glisser. Saisi par la teneur dramatique, on admire la maîtrise à ce niveau d’intensité, l’ivresse de certains passages qui deviennent frénésie, transe dans ces suites vibrantes et enlevées qui “ne scient pas de long”. 

21h. MARC DUCRET ENSEMBLE LADY M”

Marc Ducret ( compositions, guitares)

Sylvain Bardiau (trompette, bugle), Samuel Blaser (trombone), Catherine Delaunay (clarinette, cor de basset), Liudas Mockunas (saxophones, clarinette basse), Régis Huby (violons), Bruno Ducret (violoncelle), Joachim Florent (contrebasse) et Sylvain Darrifourcq (percussions, batterie, électronique). 

Après le saisissement du solo de Claude Tchamitchian, nous poursuivons  avec une traversée shakespearienne épique sur la lande écossaise. Marc Ducret, féru de littérature, a choisi, après sa lecture d’ Ada ou L’ardeur de Nabokov, de s’attaquer à un mythe revisité par de très grands cinéastes, Orson Welles en 1948, Akira Kurosawa en 1957( Le château de l’araignée) et Roman Polanski en 1971, sans oublier le romancier WilliamFaulkner qui a fait sienne la citation à la fin de Macbeth :

It’ s a tale told by an idiot, full of sound and fury, signifying nothing”.

Les années de jeunesse passées, l’expérience de la vie a porté ses fruits quand Shakespeare écrit, après Jules César et avant Hamlet, ce Macbeth aux oscillations violentes, qui combine, en une seule intrigue, deux récits différents, retraçant en cinq actes assez resserrés, l’usurpation, le règne et la mort de Macbeth, guerrier valeureux, poussé au crime par sa femme Lady Macbeth. Marc Ducret comme Chostakovitch d’ailleurs, a choisi de déplacer son angle de vision et de se concentrer sur le personnage de Lady M. Les deux meurtriers ont en effet des caractères différents : si Macbeth, ambitieux et noble, hésite longuement, il succombe à une tentation infernale alors que sa femme a l’energie et la détermination triomphantes, sans hésitation. Animée par la soif du mal, Lady M est dotée d’une éloquence ardente et n’hésite pas à mettre en avant les arguments les plus spécieux pour changer les crimes en rêves de gloire. Macbeth se protège plus longtemps, confiant en la prophétie trompeuse des sorcières.

La vision de cette oeuvre laisse une grande liberté au metteur en scène qui peut interpréter les scènes d’action à sa guise, jouant sur les variations autour d’un même thème, exactement comme dans le jazz. Choisissant chaque interprète comme il l’imagine. C’est ce que fait Marc Ducret avec ses musiciens, triés sur le volet, un des castings les plus brillants de la scène musicale hexagonale actuelle, en ajoutant le tromboniste suisse Samuel Blaser, parfaitement en place. Chaque rôle est pensé en fonction de ce que peut apporter le musicien. Et l’ensemble est remarquable, répondant à une écriture exigeante, ambitieuse, d’une précision folle. L’idée forte de ce théâtre musical est d’engager deux chanteurs lyriques, une soprano Lea Trommenschlager et un contre ténor Rodrigo Ferreira pour “répéter”, ressasser ces mots obsessionnels. Ils interviennent  l’un après l’autre, puis ensemble. Il s’agit de reprendre certains vers du monologue de Lady Macbeth de l’acte I, scène 5 :

Come you spirits that tend on mortal thoughts, unsex me here and fill me to the crown to the toe… Puis le passage si célèbre, somnanbulique de l’acte V, scène 1, où Lady Macbeth voit du sang, une tâche qu’elle ne parvient pas à enlever :

Out damn spot, out I say!...All the perfumes of Arabia could not wipe this little hand”...

Car le couple est maudit dès le premier forfait accompli, tous deux connaîtront un repentir fatal, leur conscience aiguillonnée poussant au suicide Lady M et à un combat mortel pour Macbeth, qui accepte son sort, quand il comprend que la prédiction des sorcières se réalise.

Une mise en scène idéale de Sara Lee Lefèvre rend crédible la représentation : les neuf musiciens entrent en scène solennellement et se placent en un demi cercle parfait, tous vêtus de jupes noires à la Gaultier et chaussés de Doc Maertens. Ils ressemblent à ces chevaliers en armure, violents et sinistres, résistant avec Macbeth à l’avancée inexorable d’un Macduff vengeur. On entend la lande, le bruissement du vent, sur ces wuthering heights avec les effets électroniques saisissants de la batterie ou du violoniste Régis Huby.Tous regardent le chef, debout, impérial avec ses guitares (dont une douze cordes), dont il change régulièrement, s’autorisant à jouer de pleins passages qui tirent vers le rock.  Ducret, s’il ne peut être réduit à la seule figure de guitar hero, même splendide, n’est pas solitaire ; il a la vaillance d’un chevalie dirigeant ses troupes qui obéissent avec ferveur. Il faut voir le regard fièvreux de la clarinettiste Catherine Delaunay dont la partition est particulièrement ardue qui joue sous codeine car elle s’est fêlée une côte. Et son rôle de soliste est très important, taillé sur mesure, lui permettant de déployer la palette de son talent qui est grand. Les instrumentistes jouent souvent à deux, se mettant mutuellement en valeur comme les deux clarinettistes Catherine Delaunay et Liudas Mockunas à la clarinette contrebasse ou la même avec le formidable trompettiste-bugliste Sylvain Bardiau, l’un des trois du Journal Intime qui a souvent accompagné Marc DUCRET.

Car, cette aventure exceptionnelle est menée avec des musiciens fidèles depuis longtemps ( il faudrait les citer tous) qui sont de tous les projets du guitariste, dont Régis Huby, chef de meute lui aussi, qui livre un passage inquiétant, exaltant, tout seul, avec ses violons dont un ténor et quelques effets surdosés. Les "Tutti" de l' orchestre sont impressionnants et assez rares pour qu’ils gardent  leur force et se coulent dans la dramaturgie. Pas de clavier dans cette formation qui claque au vent sous la mise en son experte de Bruno Levée.

Bravo à tous et remercions encore les EMOUVANTES de nous donner une émotion aussi précieuse. Précisons pour les amateurs que cette création à la Dynamo de Pantin en 2017, la Lady M de Marc Ducret est sorti en CD sur ILLUSIONS en 2019. 

 

 

SOPHIE CHAMBON

 

 

 

 

 

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18 septembre 2019 3 18 /09 /septembre /2019 12:21
PHILIPPE BROSSAT STREETS OF NEW YORK L’histoire du rock dans la BIG APPLE

PHILIPPE BROSSAT

STREETS OF NEW YORK L’histoire du rock dans la BIG APPLE

LE MOT ET LE RESTE

Sortie le 19 septembre 2019.

https://www.librairie-voyage.com/amerique-du-nord/le-mot-et-le-reste-editions-streets-of-new-york-l-histoire-du-rock-dans-la-big-apple.html

 

Alors que l’on se prépare à aller faire un tour à New York avec Woody ALLEN et son jour de pluie à New York, sort concomitamment le livre des éditions marseillaises Le Mot et Le Reste, Streets of New York, l’histoire du rock dans la Big Apple.

Ce livre est enthousiasmant : à chaque page, à chaque rue, il évoque des souvenirs, des anecdotes qui balayent bien plus large que ce que le titre sous entend. Il s’adresse en effet aux passionnés de musiques, de toutes les musiques, du jazz au rap sans oublier la pop, le rock puisque la Big Apple a inspiré tous les styles, a vu naître tous les grands courants.

Pour découvrir New York autrement, pour tous les amoureux de cette ville qui pourraient dire à l’instar de Woody Allen, en ouverture de Manhattan, en voix off , quand il déclare sa flamme à la ville : Quelle que fût la saison, New York existait toujours et vibrait aux sons des grandes mélodies de George Gershwin….New York was his town and it always would be.”

Philippe Brossat va bien plus loin que le Manhattan Man: cette ville qui n'est pas la sienne, lui colle aussi à l’âme. Il arrive à nous la faire revivre  en organisant une visite méthodique, du Sud au Nord, avec, dès l’introduction, un plan très simple pour se situer entre Manhattan, Bronx, Queens et Brooklyn.

L’auteur qui a passé plus de vingt ans à sillonner la ville à la recherche de traces, d’empreintes, en a photographié le plus souvent les lieux marquants. Il vous en fait aimer ses rues, ses parcs, ses maisons... Et ceux qui y vécurent : comme dans le film de 1948, Naked City, où Jules Dassin évoque les millions d’ histoires qui se déroulent dans cette cité sans voiles.”

C’est le guide le plus complet, absolument indispensable d’une époque et de sa culture, à travers toutes ses formes artistiques, de la littérature au cinéma, sans oublier la peinture, l’architecture (Soho et ses cast-iron buildings reconvertis en lofts), la photo, la danse….Comment s’organise ce livre plus passionnant que le Routard ou Lonely planet?

Un paragraphe introductif sur chaque quartier donne envie de vous aventurer dans ces pages comme si vous arpentiez le macadam. Le seul Manhattan est découpé en onze zones, ce qui vous permet de quadriller la ville et de vous repérer rapidement .

Ce livre me rappelle le merveilleux Je me souviens de Georges Perec, même si Philippe Brossat fait plus oeuvre de reporter-historien que d’écrivain: ce même souci de listes avec un désir d’exhaustivité. On est saisi par une même émotion à l’évocation de ce qui a compté, lors des cinquantes dernières années du XXème siècle, une grande partie de la vie artistique défile sous nos yeux avec souvent la nostalgie de ce qui n’est plus.

On peut lire d'un trait ces Streets of New York, linéairement, chronologiquement ou picorer au hasard. Se servir aussi d' un index formidable qui vous permet de localiser Charles MINGUS, Woody ALLEN, SAM RIVERS, Dizzy GILLESPIE et Charlie PARKER au Town Hall en 1945, John COLTRANE, Bill EVANS au Village Vanguard, Joni MITCHELL… mais aussi Bob DYLAN, les frères Coen dans le Greenwich Village d’ Inside Llewyn Davies, Patti SMITH posant pour Robert MAPPLETHORPE pour la mythique pochette de Horses, toutes les icônes de la pop, des lieux mythiques comme le Chelsea Hotel(W 23th street/7Av.) Andy WARHOL, Lou REED, NICO et le Velvet, David Bowie, John Lennon et Yoko au DAKOTA sur Central Park West, qui abrita aussi Léonard BERNSTEIN, les studios d’enregistrement ( Tower Records/ Pazz and Jop Music Polls The Village Voice) et les galeries d’art, Jean Michel BASQUIAT, MADONNA… 

Ce New York deviendra un peu le vôtre et avec ce livre, vous déambulerez d’un bloc à l’autre, dénichant appartements, restaurants, galeries, cinémas, théâtres... Alors, n’hésitez plus, procurez-vous ce Streets of New York très vite.

 

Sophie Chambon

 

 

 

 

 

 

 

 

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5 septembre 2019 4 05 /09 /septembre /2019 21:18

Ramona Horvath (p), Nicolas Rageau (cb)

L'été c'est bien ! Il y a des albums que l'on reçoit durant l'année et que l'on met de côté en se disant qu'on les écoutera quand on aura le temps. Et l'été on a le temps.
C'est comme ça que j'ai découvert une petite pépite à laquelle je n'avais pas vraiment prêté attention : l'album de la pianiste Ramona Horvath en duo avec le contrebassite Nicolas Rageau.
Et finalement cet album, ben voyez-vous il ne m'a pas quitté de toutes les vacances !
Je le connais par coeur. J'en connais toutes les modulations et tous les renversements d'accord. Totalement sous le charme.

Ramona Horvath est une pianiste roumaine sortie du conservatoire de Bucarest il y a quelques années et qui, depuis 2010 a fait de Paris sa terre d’élection. Ramona n'est certes pas une révolutionnaire du jazz et son coeur penche du côté des classiques : Duke Ellington et Billy Strayhorn, Bill Evans, peut être aussi Chet Baker et tous les standards de Broadway. Je jurerai même qu'elle a dû écouter un jour le remarquable et ignoré Phineas Newborn.
Nicolas Rageau, on le connait mieux. Vieux briscard de la scène jazz nourri aux mêmes influences avec une petite touche de NHOP ( enfin, je crois), il fut un moment un pilier du Smalls, le petit club mythique de New-York.
Tous les deux se sont trouvés. Remarquablement trouvés.
Leur album on l'a dit ne révolutionne rien. Mais Dieu que c'est bon !
Avec une rare élégance, un phrasé aérien et léger, un sens de la réinvention des thèmes (avec fidélité toutefois), et un placement rythmique d'enfer, Ramona Horvath respire le jazz. Il faut l'entendre caresser le swing au fond du temps sur le Sucrier Velours (Duke), le faire légèrement rebondir sur la pulse profonde de Nicolas sur Drop me off in Harlem (Duke toujours dont Ella livra une bien belle version). Prenez cette version enjouée de Pennies From Heaven lancée sur une fausse piste avec l'intro de But not for me et sur laquelle Ramona fait preuve de la légèreté du swing. Ou encore ce beau thème de Bill Evans, My Romance réharmonisé à sa façon sans jamais trahir.
Ramona et Nicolas s'écoutent, s'attendent, se devancent  avec une parfaire osmose.
Il faut écouter leur communion sur Esmeralda et cette musicalité de Ni comas Rageau qui fait chanter sa contrebasse.
Au final cet album est un pur moment de plaisir de bout en bout.
On vous l'a dit, il respire le jazz !

Jean-Marc Gelin

 

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5 septembre 2019 4 05 /09 /septembre /2019 14:52

Barney Wilen (saxophone ténor et soprano), Olivier Hutman (piano), Gilles Naturel (basse) et Peter Gritz (batterie), Live at the Keystone Korner, Tokyo, 11 février 1991). Elemental Music Records / Distrijazz. Sortie le 6 septembre 2019 ; 2 CD et version Vinyle.

 

Barney Wilen (1937-1996) était une star au Japon. « Je me souviens des fans faisant la queue pour lui demander de signer des autographes sur ses disques originaux et écouter nos concerts avec un respect presque religieux », témoigne Olivier Hutman, pianiste dans le livret accompagnant le coffret de 2 CD consacré à un concert inédit du saxophoniste à Tokyo en 1991.

Sur scène, l’ex-jazzman prodige, prix Django Reinhardt de l’Académie du Jazz à 21 ans, délivrait une leçon de lyrisme avec un sens de la mélodie rare, révélant son affiliation à Lester Young et cette nonchalance élégante qui le caractérisait. Le répertoire témoignait d’une grande diversité, avec des standards américains (signés Rollins, Coltrane…), des compositions de Charles Trenet (L’âme des poètes, Que reste-t-il de nos amours ?), ou encore le tube,  Besame Mucho, distillé en 12 minutes 22 secondes.

Les puristes trouveront peut-être à redire sur la qualité technique de l’album, l’enregistrement ayant été réalisé à partir de la table de mixage du club sur lequel Barney avait branché un mini-enregistreur Sony DAT tout juste acquis dans un magasin de Tokyo. Le bonheur de retrouver, grâce à son fils Patrick, un inédit de cet artiste total et sans concession, véritable héros du jazz qu’était Barney Wilen l’emporte allègrement sur ces (minimes) désagréments.

Jean-Louis Lemarchand

 

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3 septembre 2019 2 03 /09 /septembre /2019 17:46

THÉO GIRARD «Bulle»

Basile Naudet (saxophone alto), Antoine Berjeaut (trompette & bugle), Théo Girard (contrebasse, composition), Sebastain Rochford (batterie)

Montreuil, sans indication de date

Discobole records SD 032019 / Differ-Ant

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Voici deux ans, c'est en trio, avec le disque «30YearsFrom» que le contrebassiste attirait notre attention. Le trio est devenu quartette, avec l'arrivée de Basile Naudet au saxophone. Il faut dire que ce jeune musicien avait parfois remplacé Antone Berjeaut au sein du trio. Le discours d'escorte (la littéraure promotionnelle si vous préférez, ce que l'on diffuse pour accompagner la sortie du CD) invoque Charlie Haden. Ce qui n'est pas illégitime. Mais à l'écoute, c'est plus souvent à un autre contrebassiste que je pense, Henri Texier, pour cette manière de composer des mélodies qui respirent le parfum des musiques populaires d'Europe tout en se nourrissant des fondamentaux du jazz. Musique ouverte, chantante et chaleureuse, mais qui se veut aussi passerelle vers de belles échappées libertaires. Pulsation véhémente, exposés élaborés qui pourtant paraissent d'une évidente simplicité, qualité des solistes, beau sens du collectif : un beau moment de (vraie) musique. On succombe, et on se régale.

Xavier Prévost

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Le quartette jouera le 5 septembre à Paris au Studio de l'Ermitage dans le cadre de 'Jazz à la Villette', le 25 octobre à Juna-les-Pins dans pour Jammin'Juan, et le 7 décembre à La Fraternelle de Saint-Claude, dans le Jura.

Le disque est dédié à la mémoire du batteur Éric Groleau. Théo Girard participera le 17 septembre à Paris, Atelier du Plateau, à une soirée d'hommage à ce musicien.

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Un avant-ouïr sur YouTube

https://www.youtube.com/watch?v=6jcwjT1Uiik

 

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29 août 2019 4 29 /08 /août /2019 12:47

Enregistrement au studio Midi Live (95) les 2 et 3 juin 2018. Compositions et arrangements de Christophe Dal Sasso. Julien Alour, Joël Chausse, Quentin Ghomari (trompette, bugle), Jerry Edwards, Denis Leloup (trombone), Bastien Stil (tuba), Dominique Mandin, Sophie Alour, David El-Malek, Thomas Savy (saxophones, clarinettes, flûte), Christophe Dal Sasso (flûtes, direction), Pierre de Bethmann (piano), Manuel Marchès (basse), Karl Jannuska (batterie).

 

 

L’engagement (et engouement) de Château Palmer, grand cru du Médoc, pour le jazz n’est pas un secret. Chaque année, depuis 2010, l’appellation Margaux invite des jazzmen pour célébrer son dernier millésime : la liste laisse rêveur, Jacky Terrasson, Michel Portal, Yaron Herman, Emile Parisien, Daniel Humair, Archie Shepp. Le directeur général du domaine, Thomas Duroux a décidé de commander une œuvre à Christophe Dal Sasso pour célébrer les deux cents ans de la propriété rachetée en 1814 par un major général anglais, Charles Palmer à Marie de Gascq**.

 

 

Christophe Dal Sasso avait à respecter une feuille de route, relève Vincent Bessières, patron du label Jazz & People dans un livret détaillé : retracer dans une suite pour big band « la longévité du domaine » en évoquant quelques-uns des chapitres les plus marquants de son histoire. Présentées sous une forme chronologique, les onze compositions traitent des riches heures et des déboires d’un vignoble qui traversa la crise du phylloxera et du mildiou, changea plusieurs fois de mains, adopta la culture en biodynamie.
Mouvements d’ensemble et solos alternent dans une suite riche en couleurs qui témoigne de l’imagination du compositeur et de la qualité de chacun des interprètes. Une œuvre (majestueuse) à déguster sans modération. Formidable.

 

Jean-Louis Lemarchand

 

*Christophe Dal Sasso, ‘DAL SASSO BIG BAND, THE PALMER SUITE’. Sortie le 30 août 2019. Jazz & People/PIAS – JPCD819006.

 

**Xavier Prévost, contributeur régulier des DNJ, conseille à nos lecteurs de se référer à la thèse de doctorat d'état du professeur René Pijassou (Le Médoc, un grand vignoble de qualité, Taillandier 1980) et spécialement les pages 515-516 du tome I sur les classements de 1741 et 1775 (avant le fameux classement de 1855) quand le domaine appartenait au Sieur de Gascq.

 

©photo Julien Magre et X. (D.R.)

 

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23 août 2019 5 23 /08 /août /2019 08:20

Abdullah Ibrahim (piano)

Söllhuben (Allemagne), 17 mars 2019

Enja ENJ-9676 2 / l'autre distribution

 

Un concert dans une petite salle bavaroise, région où le pianiste a désormais des attaches. Un savant mélange de thèmes anciens et de compositions inédites, le tout enchaîné avec la fluidité qui lui est coutumière. On pense immanquablement aux solos d'avant, ceux du temps où il s'appelait Dollar Brand (notamment «African Piano», 1969, Japo/Ecm). Les accents sont moins vifs, le tempo plus apaisé, mais l'atmosphère persiste : dérive harmonique, glissement d'une tonalité à une autre, d'un climat méditatif à une tournerie obsessionnelle. Bref c'est une sorte de 'bilan prospectif', une manière de parcourir le passé à la lumière de l'instant, tout en gardant l'œil ouvert sur les temps à venir. Une belle leçon de sagesse, et un beau moment de musique.

Xavier Prévost

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14 août 2019 3 14 /08 /août /2019 14:42

Franco D'Andrea (piano)

Rome, 20 septembre 2018

Parco Della Musica Records MPR103CD / Orkhêstra

 

Un solo exemplaire, en cela qu'il rend compte globalement de l'identité musicale de Franco D'Andrea. On sait le pianiste italien attaché aux composantes fondamentales de la musique de jazz (prépondérance de la syncope, swing, rôle de l'improvisation....), et on le connaît aussi comme prospecteur passionné des avant-gardes musicales, des connexions avec les musiques africaines, etc.... Et ce double disque en solo, enregistré au cours d'une seule journée à l'auditorium du Parco Della Musica, et sous titré «Morning Suite» (CD 1) et «Afternoon Suite» (CD 2), restitue de la façon la plus fluide, d'une plage à l'autre (ou à l'intérieur d'une même plage) ce double tropisme. On y chemine, de plage en plage, entre des standards canoniques (Tiger Rag, Livery Stable Blues, Saint Louis Blues....) et des improvisations-compositions issues de la pensée du pianiste dans le bonheur de l'instant. C'est libre et brillant (ou brillant et libre, au choix), et en écoutant cette formidable liberté à l'œuvre dans une parfaite maîtrise de l'instrument, je pense à Martial Solal. Et ce n'est pas un hasard : je garde un souvenir intense d'un concert du Festival de Jazz de Paris qui rassemblait au Théâtre de la Ville, en octobre 1983, trois pianistes (Martial, Franco, et le britannique John Taylor) et trois pianos. Et Martial a aussi joué en duo avec le pianiste italien en d'autres circonstances. Je suis frappé par la liberté insolente de Franco D'Andrea, par sa pertinence musicale de chaque instant, son goût réjouissant de la pirouette et sa faculté de retomber toujours sur la note et le temps qui conviennent. Le pianiste nous a offert ces dernières années un certain nombre de disques (quelques occurrences sur le site des DNJ : http://lesdnj.over-blog.com/2015/11/franco-d-andrea-three-concerts-live-at-the-auditorium-parco-della-musica.html , http://lesdnj.over-blog.com/2016/06/franco-d-andrea-elecrtric-tree-trio-music-vol-i.html ….), et il se maintient constamment à un niveau d'invention, de liberté et de jubilation pianistique qui force l'admiration. Alors oui, sans réserves, VIVE FRANCO D'ANDREA !

Xavier Prévost

 

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=zpFGXE0k0p8&list

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13 août 2019 2 13 /08 /août /2019 21:27

 

On se souvient peut-être du millésime 2017, publié juste avant l'été 2018, et alors chroniqué dans nos colonnes ( http://lesdnj.over-blog.com/2018/06/jazz-et-vin.en-italie-du-nord-est.html ). La fin du printemps 2019 nous a offert une nouvelle fournée de ces concerts, toujours captés dans des domaines viticoles du Nord-Est de l'Italie. Il fallut au chroniqueur attendre le paisible repos aoûtien (on préfèrerait écrire augustinien, mais cela pourrait prêter à confusion....) pour approfondir la première écoute rapide de juin et déguster, comme il se doit.

 

'WINERY SERIES' Cam Jazz/ Pias, 6 CD

Tous ces disques ont été enregistré en concert dans des domaines viticoles de Vénétie-Frioul-Julienne, entre le 4 et le 9 juin 2018. L'aventure commence le 4 juin au Domaine Livio Felluga de Brazzano di Cormòns. Les protagonistes sont le pianiste Huw Warren et le saxophoniste Mark Lockheart, un duo britannique pour une musique très ouverte, lyrique à souhait, plutôt mélancolique, avec parfois des emballements qui fleurent bon le jazz cursif et les échappées tristaniennes.

Le lendemain, au Domaine Tonutti de Tavagnacco, c'est un duo transalpin : Gabriele Mirabassi à la clarinette, et Enrico Zanisi au piano, qui mêlent allègrement Robert Schumann, Scarlatti, et Cole Porter, avec un petit tour du côté de Besame Mucho. Dans Schumann on s'évade parfois vers l'impro, et au fil des plages liberté et expressivité sont souvent de mise. Un beau duo, un rien corseté parfois, mais sans dommage pour notre plaisir.

C'est ensuite le tour d'un duo plus inattendu, qui rassemble la pianiste Rita Marcotulli et le batteur-vocaliste mexicain (désormais romain) Isreal Varela. Ça chante et virevolte, avec parfois un parfum de musique expérimentale, et souvent un lyrisme presque torride. Très vivant, plein d'un charme profondément musical, c'est une invitation à l'échappée belle.

Le 7juin, au Domaine Gravner d'Oslavia, on entre de plain-pied dans le champ expérimental avec le Trio Ixi, et une improvisation en deux parties que nous rappelle (s'il en était besoin....) que parfois la musique improvisée est d 'une densité qui rivalise sérieusement avec la musique-savante-écrite-et-contemporaine. Il faut dire que Régis Huby (violon), Guillaume Roy (alto) et Atsushi Sakaï (violoncelle) sont trois orfèvres de l'impro, nourris par une complicité active exercée au sein du Quatuor Ixi. Comme un bouquet de beautés fugaces dont on se rend compte, minute après minute, qu'elles forment une œuvre cohérente.

Le 8 juin 2018, dans un chais de Rosazzo-Manzano, le violoncelliste (et vocaliste) Hank Roberts dialogue avec le tromboniste Filippo Vignato. Conversation vivante, pleine de rebondissements, où la variété des modes de jeu (et d'expression) nous entraîne en pleine exploration de l'imaginaire (le nôtre, le leur). Encore une belle expérience de musique vivante. 

Et enfin le 9 juin, c'est un groupe franco-italien ou plutôt italo-français, qui rassemble Francesco Bearzatti (au saxophone ténor et peut-être, furtivement, à la sanza), Benjamin Moussay (piano électrique), et Robert Gatto (batterie). C'est une sorte d'hommage au grand Coltrane, auquel on emprunte l'esprit de mélodies en forme d'hymnes religieux, pour une incandescence jamais démentie. Il y a aussi une variation très vive sur les harmonies de Giant Steps. Seule la dernière plage (Dear Lord/One Love ) évoque directement le répertoire coltranien, mais le souffle de l'esprit de 'Dear John' est constamment présent.

Belle conclusion pour un voyage dans les vignobles italiens, voyage qui respire la spiritualité autant que la convivialité.

Xavier Prévost

Infos : http://www.camjazz.com/winery-series.html/

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11 août 2019 7 11 /08 /août /2019 19:13

 

Dave Liebman (saxophones ténor & soprano, flûte), Richie Beirach (piano)

Zerkall (Allemagne), décembre 2016, août 2017

Jazzline N 77067 / Socadisc

 

Un double voyage des deux inséparables musiciens (50 ans d'amitié musicale !). Voyage dans l'espace avec un retour vers l'Allemagne où étaient leurs amis Walter Quintus et Ernst Bucher, auxquels chacun d'eux dédie une composition. Voyage dans le temps de l'histoire musicale (et de l'espace intercontinental....) avec une pérégrination très libre dans des œuvres marquantes, du siècle de Bach à celui de Bartók en passant par l'évocation de Mozart, Beethoven, Khatchatourian, Fauré, Scriabine, Mompou et Schönberg. Le premier CD prend prétexte d'œuvres qui ont en commun lyrisme, recueillement et densité pour cheminer librement dans l'improvisation : mouvement lent d'un concerto de Mozart, sonate de Beethoven, préludes de Bach ou de Scriabine, œuvres orchestrales de Fauré ou Schönberg.... Leur fréquentation ancienne et amoureuse de ces répertoires donne à Liebman comme à Beirach un sentiment de familiarité qui leur permet de partir à la dérive, comme ils le feraient sur un bon vieux standard. Mais c'est plus que cela : l'imagination des improvisateurs se nourrit des richesses de chaque pièce, relevant ici un détail qui sera source d'un nouvel émoi, et là une ouverture qui permettra quelque audace. Dans mon exemplaire dématérialisé, en fichiers numériques, Mompou désigne Fauré... et réciproquement. Mais ce n'est pas bien grave, le plaisir est sauf.

Le second CD se promène dans les six quatuors de Bartók, cueillant ici un fragment, là un ligne instrumentale, pour en faire la matière d'une création nouvelle. L'exercice est de haut vol car les deux compères sont coutumiers des cimes, et chaque note improvisée comme chaque réharmonisation est à la hauteur de l'enjeu. Jouissif !

Xavier Prévost

 

 

 

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