Une histoire d’équilibre, d’écoute, d’attention à autrui. Mais aussi une aventure audacieuse, qui consiste à se jeter dans le geste musical avec les boussoles de l’instrument, de la culture, de l’histoire personnelle, et d’une déjà longue expérience commune (quatrième disque en duo en l’espace de 26 ans) ; avec le radar de la musicalité en horizon privilégié. C’est comme un jeu de timbres, souvent inattendus, issus des deux instruments. Un jeu sur quoi se greffent des lignes et des accents issus de tous les langages musicaux pratiqués par les deux protagonistes. Jeu de dialogue bien sûr, avec ses tensions, ses conflits, ses harmonies retrouvées, et affirmées. Certains sons préparés du piano, et certains modes de jeu hétérodoxes de la clarinette, font surgir cet inouï, dont la musique de jazz - au sens large - et les autres musiques écrites ou improvisées augmentées possèdent jalousement le secret. Il suffit de se laisser aller à suivre les deux artistes dans leur cheminement. Une écoute attentive et accueillante offre à qui prêtevraimentl’oreille un authentique bonheur musical, plage après plage.
Baptiste Trotignon, Pierre de Bethmann, Bojan Z, Eric Legnini ( p, fender)
Attention les amis, ici ça jazz très très haut et l’on peut vous dire que les lignes à suivre vont vite manquer de superlatifs.
Cet exercice de style à huit mains ( deux pianos et deux fender) côtoie en effet les sommets du jazz ! Peut-être du fait que, justement il est bien plus qu’un exercice de style mais un vrai moment de musique aussi inédit qu’inouï.
Si l’on était resté un peu dubitatifs par le côté performatif montré à Marciac, on est en revanche totalement bluffés par la version studio de ce qui apparait comme un instant de fusion musicale où le plaisir de faire de la musique ensemble n’a jamais été aussi communicatif. Les quatre alternent ici tout à tour le rôle du piano et du Fender Rhodes pour ce mariage acoustique/électrique absolument génial.
Même si les indications de pochette précisent qui joue de quoi et s’il est à gauche ou à droite, il faut avouer que l’on a un peu de mal à les repérer. Et c’est tant mieux car le résultat est d’une cohérence parfaite. Ces quatre monstres sacrés qui connaissent sur le bout de leur clavier ces thèmes du répertoire jazz ou brésilien peuvent se fondre dans les lignes mélodiques ou harmoniques, dans les lignes de base comme dans la pulse de l’improvisation avec une virtuosité qui donne autant le tournis que quand on les voit sur scène changer de clavier dans une sorte de ballet savamment orchestré.
Pas de section rythmique ici ( manquerait plus que ça !) mais un vrai orchestre à eux tout seuls qui nous laisse un peu comme des lapins devant les phares de la voiture : éblouis et captivés.
Au final, ça groove sévère, ça invente tout le temps, ca s’entend avec aisance mais ça surprend tout le temps.
J’avais beaucoup apprécié la pianiste dans son quartette avec Mark Turner publié l’an dernier sous le même label (‘Shades Of Rainbow’). Ce disque en trio (son premier alors que c’est son sixième album) m’a définitivement conquis. Par la choix du répertoire d’abord : des standards (I Wish I Knew, Body And Soul….) mais aussi des ‘classiques du jazz’ : Trinkle Tinkle de Monk, renversant de liberté et d’invention ; Cheryl, mêlant les vertiges du phrasé et des accords aussi tendres qu’hétérodoxes…. Le vénérable et facétieux Jitterbug Waltz de Fats Waller est habillé de neuf et d’audaces. Les thèmes sont aussi puisés dans un répertoire moins connu, mais composé par des musiciens importants : Herzog, de Bobby Hutcherson (qui l’avait enregistré en 1969 avec son groupe, dont le pianiste étatit Chick Core) ; Chance, qui donne son titre à l‘album, est dû à Kenny Kirkland. La pianiste japonaise, installée à New York depuis plus de 10 ans, insiste sur la difficulté de ce dernier titre, qu’elle travaille comme un défi, et une chance tout à la fois…. Quant à sa version de Unconditional Love de Geri Allen, c’est un hommage manifeste à cette très grande pianiste, qui avait gravé ce titre en 2004 avec Dave Holland et Jack De Johnette. Grand disque de trio : qu’on se le dise !
New Record "Chance" out on October 4th from Cellar Music - in the meantime, enjoy our second single - "Unconditional Love" by Geri Allen! Feat. Tyrone Allen on bass Jimmy Macbride on drums Miki ...
Enrico Pieranunzi (piano), Marc Johnson (contrebasse), Joey Baron (batterie)
CAM Jazz 7977-2 / l’autre distribution
Boulogne Billancourt, La Seine musicale, 13 décembre 2019
Le premier disque de ce trio, ‘New Lands’, enregistré voici 40 ans et quelques mois, je l’avais écouté dès sa sortie, et tout de suite aimé.
Après tout ce temps, j’aime toujours, et plus encore, ce trio. Le premier thème du CD me rappelle l’une des deux compositions originales du pianiste pour ‘New Lands’ ; et l’on retrouve aussi sur ce nouveau disque un thème que le pianiste avait déjà gravé avec ces deux partenaires voici un peu moins de 40 ans. Avec le temps, Pieranunzi et ses acolytes sont devenus plus libres que jamais. C’est enregistré en concert : ça fuse, ça échange, ça rebondit ; audace, passion et goût du risque à tous les étages. Un indescriptible mélange d’absolue maîtrise et d’ extrême abandon. C’est un festival de plaisir partagé…. Public de La Seine Musicale très enthousiaste, et le chroniqueur itou. À découvrir de toute urgence !
Poète et écrivain-chroniqueur de jazz, Jacques Réda nous a quittés le 30 septembre à l’âge de 94 ans à Hyères. Lorrain né à à Lunéville (24 janvier 1929), il laisse une œuvre considérable de plus de 80 ouvrages, le dernier publié en 2023, ''Leçons de l'arbre et du vent'', et consacré à l’un de ses thèmes préférés, la vie et la nature à Paris où il aimait se promener, à pied ou à vélosolex.
Lauréat de distinctions prestigieuses (Grand Prix de la poésie de l'Académie française en 1997 et Goncourt de la poésie pour La Course en 1999), Jacques Réda entra dans le milieu littéraire parisien au début des années 50 : éditeur chez Gallimard à partir de 1975, il fut également rédacteur en chef de La Nouvelle Revue française de septembre 1987 à décembre 1995.
Avec la poésie, la musique fut sa seconde passion, et plus spécialement le jazz. Collaborateur de Jazz Magazine à compter de 1963, Jacques Réda confia ses analyses au mensuel pendant un bon demi-siècle, et publia de nombreux ouvrages qui marquèrent les esprits : Anthologie des musiciens de jazz (Stock), ‘’L’improviste, une lecture du jazz’’, ‘’Jouer le jeu’’, ‘’Le grand orchestre’’, consacré à Duke Ellington (tous trois chez Gallimard), ‘’Autobiographie du jazz’’ (Climats), ‘’Une civilisation du rythme'' (Buchet-Chastel) et dernier en date ‘’Le chant du possible, écrire le jazz'' (Fario, 2021).
« Grand amoureux des mots, son œuvre poétique a rendu hommage au jazz ou encore à Paris, dont il fut un insatiable arpenteur », a salué la ministre de la Culture Rachida Dati.
Jacques Réda avait ainsi résumé son style :« Peut-être doit-on écrire à la fois comme tout le monde et comme personne, si l’on en croit beaucoup d’exemples fameux. »
A ses yeux, le jazz ne pouvait se séparer de deux éléments indispensables, le blues et le rythme, et dépassait sa seule fonction musicale : « de quelque façon dont on l’analyse (la sociologie, la politique et même l’économie), il semble que le jazz ait toujours voulu être plus ou autre chose que lui-même ».
On manque de superlatifs chaque fois que l’on évoque la clarinettiste israélienne Anat Cohen.
Ce dernier album, le deuxième qu’elle signe avec ce quartet de ployintrumentistes (géniaux), ne déroge pas à la règle et même porte à son point culminant le langage d’Anat Cohen.
Un langage universel qui s’approprie celui du Bresil et de la musique sud-américaine avec un sens de la mélodie et du swing à nul autre pareil. Tout ec qu’exprime Anat Cohen est en effet porteur de soleil et de lumière tant son lyrisme est toujours empreint d’une énorme dose d’optimisme et de joie. C’est cela : Anat Cohen est solaire !
Elue plusieurs fois clarinettiste de l’année et nominée aux Grammy Awards, Anat Cohen, à l’aube de la cinquantaine s’impose comme l’un des plus grands talents de la scène du jazz actuel. On trouve chez elle ce qui fait la marque des plus grands : l’alliage d’une énorme exigence musicale avec l’apparente fluidité d’un geste libéré et jubilatoire. Du plaisir de faire de la musique, tout simplement.
Chaque membre de ce quartet apporte ici ses propres compositions teintées de danse, de swing, de ballades et même parfois d’un brin de mélancolie. Et le résultat est de très haut niveau et vous amène à vous lover dans une sorte de cocon musical dans lequel tout simplement on se sent bien.
Anat Cohen : « Cela me rendrait très heureuse si, lorsque les gens nous entendent en concert ou écoutent l’un de nos disques, ils ont le sentiment de « là où il y a une volonté, il y a un moyen ». Tout cela demande un réel effort, maîtriser un art, engager une conversation et s’écouter les uns les autres, faire ce qu’il faut pour partager quelque chose de significatif – et écouter le public demande aussi un réel effort, pour être pleinement présent dans l’instant, pour être en phase avec ce qui se passe sur scène ou avec ce que quelqu’un a écrit sur un disque. De nos jours, tant de choses dans la vie dans le monde peuvent être douloureuses. Je sais que la musique est le seul endroit où je me sens complètement en sécurité. Ce groupe me fait sentir que tout est possible et accepté. Nous devons chérir ces expériences, tirer le meilleur parti du voyage. J’espère que les gens viendront et qu’ils vivront la musique de Bloom comme nous, comme quelque chose de positif, d’unificateur, de joyeux. »
Et de fait avec « Bloom », la clarinettiste sur la lancée de son amour pour la musique brésilienne et sud-américaine, signe ici son ode à la joie.
Juste beau.
Anat Cohen et son Quartetinho sera au Duc des Lombards à Paris le 31 octobre
Miguel Zenón (as); Diego Urcola (tp, tb à pistons) ; Alan Ferber (tb) ; Jacob Garchik ( tb, tuba) Matt Mitchell (p) ; Miles Okazaki (g) ; Chris Tordini (b) ; Dan Weiss (dms) ; Daniel Diaz (perçus)
Décidemment le saxophoniste new-yorkais de Porto Rico ne cesse de nous éblouir d’album en album. En multipliant les formes, les associations et les points de vue sur la musique, Miguel Zenon ne cesse de nous surprendre.
Lui qui creuse sans cesse le sillon de ses origines latino-américaines et de ses liens au jazz, lui qui a co-fondé le formidable SF Jazz Collective s’attache ici à une visite musicale de cette ville, San Francisco, la ville dorée, celle de son histoire et de ceux ( les migrants notamment) qui l’ont écrite.
L’écriture de cet album est éblouissante et d’une grande richesse musicale. Et la meilleure preuve c’est que lorsque la complexité de la musique laisse place à une écoute aussi fluide qu’évidente, on sait que l’on est face à un travail majeur qui jamais ne cède à l’exigence sans jamais perdre l’auditeur.
Miguel Zenon écrit en maniant les polyrythmies ( comme il l’a toujours fait), les ryhtmiques impaires et parfois les dissonances qui donnent une force particulière à son discours.
Cet album navigue sans cesse entre l’homogénéité collective et le rôle majeur des solistes avec une place toute particulière aux harmonies des trombones et tuba.
Et puis il y a Miguel Zenon, le saxophoniste. Toujours porté par un discours « entier ». Entendre par là un engagement sans faille dans sa musique formidablement ancrée dans « son » sol, son histoire musicale. Il y a dans la phrase de Miguel Zenon une forme d’urgence tellurique. Il ne suffit pour s’en convaincre que d’écouter « wave of change » pour sentir le souffle puissant de cette expression.
Ce qui pouvait apparaître dans les précédents albums comme une force individuelle de Zenon, presque introspective se transmet ici au collectif dont il est , en l’occurrence un des formidable serviteur.
Miguel Zenón (as); Diego Urcola (tp, tb à pistons) ; Alan Ferber (tb) ; Jacob Garchik ( tb, tuba) Matt Mitchell (p) ; Miles Okazaki (g) ; Chris Tordini (b) ; Dan Weiss (dms) ; Daniel Diaz (perçus)
Décidemment le saxophoniste new-yorkais de Porto Rico ne cesse de nous éblouir d’album en album. En multipliant les formes, les associations et les points de vue sur la musique, Miguel Zenon ne cesse de nous surprendre.
Lui qui creuse sans cesse le sillon de ses origines latino-américaines et de ses liens au jazz, lui qui a co-fondé le formidable SF Jazz Collective s’attache ici à une visite musicale de cette ville, San Francisco, la ville dorée, celle de son histoire et de ceux ( les migrants notamment) qui l’ont écrite.
L’écriture de cet album est éblouissante et d’une grande richesse musicale. Et la meilleure preuve c’est que lorsque la complexité de la musique laisse place à une écoute aussi fluide qu’évidente, on sait que l’on est face à un travail majeur qui jamais ne cède à l’exigence sans jamais perdre l’auditeur.
Miguel Zenon écrit en maniant les polyrythmies ( comme il l’a toujours fait), les ryhtmiques impaires et parfois les dissonances qui donnent une force particulière à son discours.
Cet album navigue sans cesse entre l’homogénéité collective et le rôle majeur des solistes avec une place toute particulière aux harmonies des trombones et tuba.
Et puis il y a Miguel Zenon, le saxophoniste. Toujours porté par un discours « entier ». Entendre par là un engagement sans faille dans sa musique formidablement ancrée dans « son » sol, son histoire musicale. Il y a dans la phrase de Miguel Zenon une forme d’urgence tellurique. Il ne suffit pour s’en convaincre que d’écouter « wave of change » pour sentir le souffle puissant de cette expression.
Ce qui pouvait apparaître dans les précédents albums comme une force individuelle de Zenon, presque introspective se transmet ici au collectif dont il est , en l’occurrence un des formidable serviteur.
FRANCESCO BEARZATTI & FEDERICO CASAGRANDE : « and the winter came again »
Cam Jazz 2024
Francesco Bearzatti (ts, cl), Federico Casagrande (g)
C’est une sorte de passage de témoin auquel on assiste avec ce nouvel album du duo. Après « lost songs » essentiellement composé par le saxophoniste pour ce duo, c’est aujourd’hui autour du guitariste de livrer (d’offrir) à son camarade de jeu ses propres compositions.
Et le duo continue de séduire.
Car, il faut bien le dire, ces deux musiciens transalpins qui vivent à Paris s’entendent de manière quasi-télépathique. Marchent au même pas vers un seul but : donner vie au son et air à ces morceaux conçus comme des chansons parfois crépusculaires ou fantomatiques.
Avec l’idée constante de laisser à la musique l’espace indispensable à sa respiration, les deux acteurs de ce dialogue se complètent à merveille. Francesco Bearzatti au ténor ( quel son !) ou à la clarinette apporte la ligne mélodique qu’il dessine avec douceur et raffinement. Lui, un peu trublion que l’on avait connu sur des terrains presque punko-jazz se révèle ici en ténor Lesterien amoureux de la belle phrase. Lyrisme soyeux.
Quant à Federico Casagrande, le plus élégant des jazzmen de la capitale dont on aura aussi l’occasion de parler à l’occasion de l’album de Gauthier Garrigue, outre la beauté poétique de ses compositions en clair-obscur qui évoquent les univers de Kenny Wheeler, de Motian voire de Bill Frisell, il apporte à ce duo des nappes harmoniques comme seuls les très grands savent nimber la musique pour lui donner cette forme ectoplasmique et belle à la fois. Jamais en avant mais toujours au service de la forme du son, toujours garant de l’espace de la musique, il brille en arrière-plan.
« And winter came again » resonne comme un voyage onirique peuplé d’être étranges qui sensiblement vous attirent et vous charment. Pour cette route enchantée, nous pouvons bien l’avouer, nous nous sommes laissés entraîner et envoler par ces muses vers un pays d’ailleurs.
Saxophoniste ténor à la large sonorité, Benny Golson, qui vient de disparaître à New York le 21 septembre à l’âge de 95 ans, restera dans l’histoire du jazz comme une des figures Emblématiques du hard-bop.
Natif de Philadelphie (25 janvier 1929), la ville qui donna au jazz John Coltrane et tant d’autres, il doit sa notoriété à la composition de quelques titres devenus des standards tels que ‘’Along Came Betty’’, ‘’Park Avenue Petit’’, "Stablemates’’, "I Remember Clifford", "Whisper Not", ‘’Killer Joe’’ - qu’il interprète dans la scène finale du film de Steven Spielberg "Le Terminal"- ou encore "Blues March", qui fut l’indicatif de l'émission d'Europe 1 "Pour ceux qui aiment le jazz" de Frank Ténot et Daniel Filipacchi dans les années 1960. Benny Golson, souligne l’ancien rédacteur en chef de Jazz Magazine, Franck Bergerot, « savait donner du corps à une mélodie qu’il s’agisse d’un quintette ou d’un big band ».
Ayant appris le métier dans des formations de rhythm’n blues et au sein du grand orchestre de Dizzy Gillespie, Benny Golson prend la direction musicale des Jazz Messengers d’Art Blakey en 1958, poste qu’il occupe quelques mois avant de fonder son propre groupe, le Jazztet en 1959 (le 17 novembre au Five Spot) avec le trompettiste Art Farmer, formation qui va marquer l’histoire au cours de ses deux années d’existence.
Arrangeur très demandé dans le milieu du jazz (Ella Fitzgerald, Count Basie, Shirley Horn …), Benny Golson a également prêté ses talents de compositeur au cinéma ou à des shows télévisés tels que Mission Impossible ou le Cosby Show. Signe de sa renommée, il figure dans la célébrissime photo prise par Art Kane en 1958, A Great Day in Harlem ; il ne reste plus désormais qu’un seul survivant des 57 musiciens présentés sur ce cliché légendaire réalisé à New-York : Sonny Rollins
/image%2F1365231%2F20241009%2Fob_a9a857_poise-cover.jpg)
/image%2F1365231%2F20241009%2Fob_cf1de2_pianoforte.jpg)
/https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2Fo_pDEJejvaM%2Fhqdefault.jpg)
/image%2F1365231%2F20241009%2Fob_4cea8f_miki-yamanaka-chance.jpg)
/https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FZ8JoxMSoS6M%2Fhqdefault.jpg)
/image%2F1365231%2F20241002%2Fob_dc33e7_pieranunzi-hindsight-cover.jpg)
/image%2F1365231%2F20241002%2Fob_145e71_pieranunzi-new-lands.JPG)
/image%2F1365231%2F20240930%2Fob_9e71dc_1-jacred.jpg)
/image%2F1365231%2F20240930%2Fob_29b025_2-auduja.jpg)
/image%2F1365231%2F20240930%2Fob_ed18d0_3-alimpr.jpg)
/image%2F1365231%2F20240930%2Fob_38cbde_4-uncidu.jpg)
/image%2F1365231%2F20240930%2Fob_f6565c_5-legror.jpg)
/image%2F1365231%2F20240930%2Fob_888cee_a1523530271-16.jpg)
/image%2F1365231%2F20240930%2Fob_ecb4a5_1318-1725636464.jpg)
/https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FfCovTiJ9--I%2Fhqdefault.jpg)
/https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FG1tSmOrTmBg%2Fhqdefault.jpg)
/image%2F1365231%2F20240927%2Fob_676d1f_zenon.jpg)
/https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FBCgC1qvxhms%2Fhqdefault.jpg)
/image%2F1365231%2F20240924%2Fob_79267c_wintercameagain.jpg)
/http%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FnYkrWsKrFMo%2Fhqdefault.jpg)
/image%2F1365231%2F20240923%2Fob_fbe4d6_1-bengo1-copie.jpg)
/image%2F1365231%2F20240923%2Fob_208c41_2-bengo2-copie.jpg)
/image%2F1365231%2F20240923%2Fob_7e037e_3-bengo3-copie.jpg)
/image%2F1365231%2F20240923%2Fob_a70dff_4-bengo4-copie.jpg)
/fdata%2F0276739%2Favatar-blog-3440632-tmpphpSz7I1o.jpeg){kind=avatar}
