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9 février 2018 5 09 /02 /février /2018 20:34

 

 

Le jazz n’a jamais quitté Melody Gardot. La chanteuse du New Jersey l’a rappelé à ses fans (et aux autres) en participant à un disque-hommage à Charlie Parker l’an passé. Son tout dernier album, une sélection de ses concerts donnés en Europe de 2012 à 2016 (dont Paris en 2012 et 2015) confirme sa présence sur scène et sa capacité à improviser sur des standards (Over the Rainbow) et sur ses propres compositions (Baby I’m a Fool, proposé en deux versions, ou encore March for Mingus, morceau de 11 minutes avec force intervention instrumentale et des accents de saxophone « à la Roland Kirk »). Passionnée par la France, où elle réside régulièrement, Melody Gardot s’est confiée aux DNJ dans la langue de Victor Hugo.

Les DNJ : -Comment vous est venue l’idée de sortir un album reprenant le meilleur de vos concerts en Europe ?
 

Melody Gardot : Chaque concert est tellement différent. Les artistes qui font exactement la même chose sur scène, c’est ennuyeux. C’est comme quelqu’un qui répète les mêmes blagues (rires). Je suis très sensible à l’esprit de chacune des scènes, à la possibilité de faire quelque chose de différent à chaque fois, d’improviser, de totalement abandonner la chanson et de faire une jam, comme dans ce morceau dédié à Mingus (ndlr March for Mingus, qui figurait déjà dans son album de 2015, Currency of a Man).

Les DNJ : Que vous apporte le public ?
 

MG : Je suis née (sic) grâce au public. C’est lui qui m’a permis de relever tous les défis. Quand j’ai commencé à chanter, il y a dix ans, après un terrible accident de la route, j’étais en chaise roulante. Maintenant je peux prendre le micro sans aucune aide, sans devoir recourir à une canne .

Les DNJ : Avoir des origines européennes et même françaises, cela influence votre façon de chanter ?
 

MG : Il y a des choses qui sont dans le sang. Moi je suis white. J’ai écouté Chopin, Debussy. Mais j’ai aussi le côté américain, je peux oser.

Les DNJ : Après dix ans de carrière, vous n’avez pas envie de faire une pause ?
 

MG : Ces derniers temps j’ai pris le temps de voyager, mais aussi d’aller au spectacle, notamment de danse, comme la compagnie de Pina Bausch, assister à des concerts de musique classique. J’aime la musique classique parce qu’il n’y a pas de paroles et que tu peux imaginer ce que tu veux.
P

ropos recueillis par Jean-Louis Lemarchand
Melody Gardot , Live in Europe. 2 cd. Decca-Universal. Février 2018.
En concert à l’Olympia, Paris, les 1er et 2 juillet.

 

 

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9 février 2018 5 09 /02 /février /2018 09:13

Remi Masanuga (piano), David Patrois (vibraphone, marimba)

Paris, 1-3 décembre 2016

Arts et Spectacles ASCD 161204 / Socadisc


 

Il faut une bonne dose d'audace, et de talent, pour affronter de manière diagonale l'illustrissime partition de Bach, et ses 30 variations sur une aria composée, dit-on, par le tout jeune Johann Gottlieb Goldberg, élève du grand Jean-Sébastien, puis de ses fils. Le pianiste Dan Tepfer s'y était risqué («Goldberg Variations, Variations», Sunnyside), et brillamment, en faisant alterner chaque variation jouée à la lettre avec une improvisation qu'elle suscitait. Le parti pris de la pianiste Remi Masanuga est différent : pianiste classique, et qui avait enregistré ces Variations Goldberg voici quelques années, elle a désiré en 2012 rencontrer un musicien de jazz qui lui donnerait sur cette matière musicale une réplique improvisée. David Patrois a fait plus qu'improviser : il a conçu quelques arrangements qui entraînent certaines de ces variations vers d'autres univers musicaux, ici un boléro, là une rencontre fantasmée entre Bach et Steve Reich, ailleurs un tropisme africain, où le marimba sonne comme un balafon en liberté, tandis que le piano, imperturbable, trace sa route au plus près de la partition originelle, ou de l'arrangement élaboré pour l'occasion. Sans parler d'autres facéties qui bouleversent le rythme, révisent l'harmonie ou entraînent le vibraphone, seul, vers le hors piste. L'instant d'après la pianiste, seule, va donner une séquence telle qu'elle fut écrite. On trouve aussi plusieurs variations originales sur l'aria originelle. Tout se joue entre rigueur et fantaisie, mais manifestement dans un amour exclusif pour cette musique. Pas un disque de jazz au sens strict bien sûr, mais un disque empreint des libertés du jazz : un disque qui mérite vraiment le détour.

Xavier Prévost

Le duo jouera au Triton (Les Lilas, Seine-Saint-Denis) le 9 février à 20h


 

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=qJEoY3km8KE

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8 février 2018 4 08 /02 /février /2018 10:12

Yoann Loustalot (trompette, bugle), François Chesnel (piano), Frédéric Chiffoleau (contrebasse), Christophe Marguet (batterie)

Bruit Chic BC010 / http://www.bruitchic.com/

Amiens, Avril 2017


 

L'entreprise est hardie : concevoir tout un programme autour de mélodies, traditionnelles ou célèbres, issues du vaste monde. L'entreprise est intéressante, car elle convoque le désir qu'a le jazz, structurellement, de s'emparer des mélodies pour les parer d'autres atours. L'entreprise est féconde, car elle est entre les mains de musiciens pour qui la mélodie garde un sens profond, jusque dans ses métamorphoses les plus insolites. Chansons de Russie, du Brésil, du Portugal, du Japon, d'Italie, de Suède, mais aussi de France (du XVIème au XXème siècle), tout est prétexte à exalter la mélodie, en l'exposant, mais aussi (et surtout) en l'ornant, en la contournant, avec toujours l'amour et le respect qui s'imposent. Le trompette et le bugle sont évidemment aux avant-postes de ce festin mélodique, mais le piano, la batterie et la contrebasse ne sont pas en reste : ils plantent le décor, et ouvrent la voie vers d'autres chemins, comme ce solo de Christophe Marguet, au milieu du CD, qui rappelle la place de la caisse claire dans beaucoup de musiques d'antan, tout en faisant de ce disque un manifeste : faire du neuf avec des traces du passé, proche ou lointain. Plaine, ma plaine est esquissé avant de partir à l'exquise dérive ; File la laine nous entraîne loin de Jacques Douai, dont le souvenir pourtant demeure entre les lignes. La cinquième des Bachianas Brasileiras nous éloigne de Villa-Lobos, et pourtant l'esprit demeure. Et tout à l'avenant : quels que soient les continents ou les époques, le jazz s'approprie ces mélodies comme il sut toujours le faire, quand il est entre de bonnes mains. Et là c'est le cas : ces gars-là sont des orfèvres

Xavier Prévost


 

Le groupe sera en concert à Paris, au Sunside, le 8 février, puis à la MJC Claude Nougaro de Montmorillon (Vienne) le 30 mars

Un extrait du disque sur cette page

http://www.bruitchic.com/disques

Et un extrait d'un concert au Petit Faucheux en 2016 sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=qrb-KyUO_Z0


 

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7 février 2018 3 07 /02 /février /2018 16:27

Linda Oláh (voix, textes, effets), Rémi Fox (saxophones alto & soprano, effets), Matthieu Naulleau (piano augmenté, textes), Nicolas Fox (batterie & effets), et la participation de Clément Bertrand (voix, textes)

Chamonix, 2017

Ilona Records LIR 8397156 / l'autre distribution


 

Après deux disque en trio, nOx.3 s'est adjoint la participation de la vocaliste suédoise Linda Oláh, comme eux très férue de traitements électroniques, de musiques aventureuses, de climats entrecroisés, avec aussi un indiscutable goût des collages et de la fantaisie. Mais tout cela n'exclut nullement le sens d'un lyrisme recueilli, lequel s'exprime, notamment mais pas exclusivement, par la voix de la chanteuse, d'une riche expressivité. Voici donc un quartette, voire un quintette, car l'ingénieur du son, Valérian Langlais, prend une part importante dans l'élaboration sonore et musicale, comme une sorte de scénographe , metteur en scène et en espace.... sonore. Chaque son (piano, voix, sax, batterie) est travaillé, traité, pour obtenir une couleur inusitée, surprenante, mais toujours avec une pertinence esthétique qui permet la composition d'un objet sonore original, inattendu, et souvent porteur d'horizons neufs. Inclassable, évidemment, mais le jazz fut de tout temps, et demeure, un territoire d'hospitalité pour ce qui échappe aux étiquettes. Textes en plusieurs langues, écrits de plusieurs mains, dans une identité collective très intense qui nous rend admiratifs, devant un tel projet de groupe. Dans la langue natale de la chanteuse, le titre de l'album signifie «rien de nouveau», par antiphrase évidemment, car il y là quelque chose de neuf, où fraîcheur et profondeur se mêlent. Le groupe fait partie des quatre projets qui bénéficieront cette année d'une large diffusion sur scène grâce à 'Jazz Migration', et c'est une très bonne nouvelle !

Xavier Prévost

 

En concert pour la sortie du disque à Paris, le 8 février, au FGO Barbara (1 rue de Fleury, 75018) et en tournées 'Jazz Migration' le 23 mars à Pau-Billère (Hautes Pyrénées), le 29 mars à Romans (Drôme) puis à Orléans, au Mans, à Tours, Thionville.....

Des extraits sur le site de Jazz Migration

https://jazzmigration.com/laureat/remi-fox-nox-3-linda-olah/

et sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=7uBIYpvu5U0

https://www.youtube.com/watch?v=8Xugyoi_pQM


 

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5 février 2018 1 05 /02 /février /2018 22:56

Sinne Eeg (voix), Jacob Christoffersen (piano), Larry Koonse (guitare), Scott Colley (contrebasse), Joey Baron (batterie) + Warny Wandrup, Lasse Nilsson, Jenny Nilsson (voix additionnelles)

Brooklyn, 12-13 janvier 2017

Stunt Records STUCD 1712 / Una Volta Music

 

Décidément la chanteuse danoise s'impose par ses très grandes qualités : voix, expressivité, interprétation, composition, improvisation, textes, tout respire le talent de haut vol, et se confirme dans l'extrême faculté d'affronter les standards (4 plages sur 10) en renouvelant l'approche et en apposant sa griffe. What Is This Thing Called Love est rajeuni dans un dialogue avec les balais de Joey Baron, et avec un scat d'une fraîcheur agile, sans esbroufe, rejoint par le piano (un peu 'à la Tristano') et la basse. Falling In Love With Love, avec le renfort de la guitare, magnifie le rythme souple de la valse tout en suivant le tempo cursif du jazz. I'll Remember April et Anything Goes offrent aussi des traitements inédits et confirment la formidable faculté de rénover un patrimoine. Quant aux thèmes originaux, d'un très grande diversité (ici un peu soul, là d'un lyrisme poignant chargé des douleurs du monde, ailleurs évoquant un climat de comédie musicale qui serait 'pur jazz', ou encore une ballade sinueuse qui ne déparerait pas dans le répertoire de Joni Mitchell....), ils sont d'un niveau remarquable. La chanteuse a emmené avec elle à New York son fidèle pianiste, pour le confronter à trois jazzmen de là-bas : rencontre ô combien féconde. Tout est bon dans ce disque : on se précipite !

Xavier Prévost

Concert en duo avec Jacob Christoffersen le 8 février à l'Échiquier de Pouzauges (Vendée) et le 9 à Paris au Sunside

Une plage sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=SIM6mYcRi_k

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5 février 2018 1 05 /02 /février /2018 16:58
Henri TEXIER Sand Quintet   SAND WOMAN
 
 

HENRI TEXIER
SAND WOMAN
Label Bleu / L'autre Distribution
Sortie 2 février 2018
 
Notre contrebassiste breton au calot rond a profité du double anniversaire de l'Europa Jazz Festival  qui fêtait ses trente ans et de son premier label JMS sur lequel il avait enregistré en solo il ya quarante ans, pour mettre au point un de ses projets malins dont il a le secret. Ecrire un nouveau chapitre d'une histoire musicale qui a débuté en 1967 et créer un autre de ses "orchestres" utilisant l'alchimie entre les acteurs de cette nouvelle dramaturgie. 
Le thème est venu du constat simplement accablant que 80% des plages du monde ont déjà disparu pour récupérer le sable, ressource naturelle des plus précieuses. La femme est un fil conducteur toujours passionnant à suivre, un sujet incontournable dans une narration. Le titre était alors tout trouvé: c'est "Sand Woman" que rend magnifiquement l'illustration de la pochette, un collage de Prévert, le mouvement des marées, des plus étonnants, tout à fait raccord avec le projet du contrebassiste. Où l'on voit que le poète n'avait pas que le talent d'agencer les mots.
Texier explique parfaitement dans ses notes de pochette pourquoi il a eu l'idée de reprendre des thèmes joués autrefois en solo, inédits en orchestre donc, pour laisser le jazz advenir avec un  nouvel équipage, un quintet de charme et surtout de choc.
"Remettre ses pas dans de lointaines traces... aller plus loin , toujours plus loin mais pas forcément au delà." 
Reprendre les thèmes, autrement, continuer à creuser le sillon inlassablement avec d'autres idées, n'est-ce pas une des constantes du jazz? Ainsi du thème "Amir",  premier thème joué il ya 43 ans pour le label JMS, qui est repris aujourdhui en variant avec des passages à l'unisson où guitare et contrebasse sonnent comme un oud.
Sa réputation de mélodiste n'étant plus à faire, ni à remettre en question, on reconnaît immédiate ment la "signature"Texier, quoi de plus passionnant que de tenter l'exploration sonore avec la guitare de Manu Codjia, l'un de ses fidèles compagnons de route, d'associer les timbres de Vincent Lê Quang au soprano et ténor à ceux des clarinettes et sax alto de son fils Sébastien, qu'il qualifie joliment de compagnon "de bientôt toujours". Quant à Gauthier Garrigue, le batteur, rien que le nom évoque des sonorités intéressantes.
On entend donc  six compositions anciennes amplement développées par la grâce du jouage et de l'improvisation collectives, un blues lancinant et un "Indians" qui va chercher du côté d'un de ses grands succès sur Label Bleu, le formidable An Indian's week, à moins que ce ne soit le contraire, chronologiquement. Mais l'inspiration de Texier fait retour éternellement, défrichant en profondeur, sans jamais se lasser. Pour notre plus grand plaisir.   
 
sophie chambon       

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3 février 2018 6 03 /02 /février /2018 08:51

Fireworks au Bal Blomet, la fête du saxophone

 

 

@jean-louis Lemarchand


Dans le jazz, comme dans la musique contemporaine, le quatuor de saxophones est un format qui a fait ses preuves. Pour se limiter à la sphère française, reste dans les mémoires le quatuor constitué en 1979 par Jean-Louis Chautemps, François Jeanneau, Jacques di Donato et Philippe Maté. Le quatuor Fireworks s’inscrit dans cette grande tradition. Formé en 2012 à l’initiative de Vincent David –très actif sur la scène classique, au sein d’orchestres symphoniques, créateur d’œuvres de Boulez et Mantovani- il regroupe deux autres compagnons connus au Conservatoire, Stéphane Guillaume et Jean-Charles Richard, et un autre jazzman, étoile montante de la jeune génération, Baptiste Herbin.
Leur travail en commun s’est traduit par un album Fireworks, sorti récemment, et présenté le 1er février lors d’un concert au Bal Blomet (75015) dans des conditions optimales d’écoute, sans recours à la sonorisation. C’est à une fête de l’instrument sophistiqué (700 pièces pour un saxophone) crée par Adolphe Sax qu’il nous a été donné d’assister. Toute la gamme était mise à contribution : alto (Herbin et David), ténor (Guillaume, David), baryton (Richard), soprano (David, Richard) sans compter la clarinette (David) et les flutes (Guillaume). Et l’occasion pour les interprètes de donner un coup de chapeau au manufacturier français Selmer qui aborde un tournant de son histoire (*)
Sans aucune rythmique (mais avec des partitions), les quatre saxophonistes ont fait éclater leur passion collective, révélant une formidable capacité à transformer une maîtrise parfaite de l’instrument en émotions. Cette performance de groupe coupe littéralement le souffle du spectateur qui est porté au sommet par un répertoire original comprenant surtout des compositions de Vincent David et Stéphane Guillaume mais aussi une œuvre d’Olivier Messiaen. Nous retrouvons des accents de Debussy et Ravel et des sonorités de musique contemporaine, même si le jazz est bien au cœur de ce Fireworks, véritable feu d’artifice instrumental, sans artifices. Reste à espérer que les programmateurs de concerts et festivals sauront donner à ce quatuor d’exception les chances de s’exprimer sur scène.
Jean-Louis Lemarchand
Fireworks au Bal Blomet (75015) 1er février. Vincent David, Stéphane Guillaume, Jean-Charles Richard, Baptiste Herbin.
L’album Fireworks peut être obtenu sur le site de Vincent David www.vincentdavid-sax.fr
  ’
(*)Les associés d’Henri Selmer Paris, société familiale fondée en 1885, leader mondial de la manufacture de saxophones et acteur majeur des clarinettes et becs haut de gamme, ont annoncé le 10 janvier dernier être entrés en négociation exclusive avec le fonds de capital-investissement Argos Soditic, en vue de la cession du capital de l’entreprise. Au terme de cette opération Argos Soditic deviendrait l’actionnaire majoritaire aux côtés d’un noyau resserré de membres de la famille et de l’équipe de direction qui mènera, avec le directeur général, Jérôme Selmer, cette nouvelle phase de développement.

 

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3 février 2018 6 03 /02 /février /2018 08:03
Mark Wade Trio  Moving Day
Mark Wade trio
Moving Day
Label  edition 46 
www.markwademusicny.com
Mark Wade (contrebasse), Tim Harrison (piano), Scott Neumann (drums)
Il est peut être l'un des contrebassistes actifs et remarqués de la scène jazz New Yorkaise, il n'en reste pas moins que Mark Wade demeurait jusqu'à ce second album Moving Day quasi inconnu chez nous. Et pourtant il a commencé il y a près de vingt ans. Il n'est devenu leader cependant qu'en 2015 avec Event Horizon.
Voilà une musique délicate qui pourrait passer pour fade si on ne  se pose pas pour l'écouter: aucune aspérité apparente, aucune violence rentrée ou explosive, une façon de rendre des sensations, voire des émois  perceptibles, par un jeu de couleurs et d'atmosphères bien dessinées, de se laisser aller à une rêverie qui remonte le temps comme dans ce "Midnight in the Cathedral".
Un trio équilibré où chacun joue sa partie, sans prédominance aucune, même si le fait que Mark Wade soit contrebassiste nous permette de l'entendre, un son clair et léger, une façon de faire chanter son instrument. Le piano est cristallin sans excès et impressionniste : une citation de Debussy dans "La Mer" confirme cette idée dans "The Bells"; quant au drive du batteur, constant et énergique, il restitue l'atmosphère des "marching bands" de la Nouvelle Orleans dans "The Quarter".
 
Les compositions sont de Mark Wade à l'exception de deux reprises bien connues, "A night in Tunisia" agréablement chahuté et surtout une revisitation de ce qu'il faut bien nommer une "scie", "Autumn Leaves" de notre cher Kosma. Le contrebassiste en fait quelque chose d'assez original, en laissant libre cours à son inspiration et à des références qu'il tisse, revivifiant le standard par des emprunts identifiables au bridge de "Maiden Voyage" de Herbie Hancock.
Du jazz "mainstream" qui ne manque pas de goût, dans une volonté  affirmée d'illustrer, dans de belles correspondances, sons et couleurs, textures et images. Ce qui s'opposerait presqu'au graphisme de la pochette, très "op art", signant la géométrie verticale de la "Grosse Pomme".
 
Sophie Chambon        
 

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2 février 2018 5 02 /02 /février /2018 08:55
JAMIE SAFT SOLO A GENOVA
 
 
JAMIE SAFT
RareNoise Records
Piano Solo a Genova
Sortie le 2 Février
 
On connaît l'extraordinaire versatilité (au sens anglosaxon) de ce multi instrumentiste, ingénieur du son, compositeur, accompagnateur de Bobby Previte, Steve Swallow, encore récemment de Roswell Rudd, membre important  de la RJC (Radical Jewish Culture) et de l'écurie John Zorn (Masada) sans oublier d'être leader.
L'origine de ce projet n'est pas sans lien avec cette présentation sommaire. Il sort son premier album solo après 25 ans et il a choisi un angle particulier, celui de rendre hommage à la musique américaine "comme un exemple d'art positif et avant gardiste qui a fait la différence dans le monde"....
On entendra ainsi ses versions de chansons de musiciens qui lui sont chers : Bob Dylan qui occupe une place des plus importantes dans son panthéon, Joni Mitchell, Stevie Wonder, des jazz men comme Coltrane et Miles, mais aussi Charles Ives, l'un des grands compositeurs américains de musique du début du XXème.
Une "Americana" différente mais aussi intense que celle d'un autre pianiste, Bill Carrothers qui a aussi creusé  ce  sillon, influencé par le patrimoine historique musical nord-américain.
Jamie Saft a conçu cet enregistrement comme un récital dans le magnifique teatro Carlo Felice à Gênes, sur un Steinway modèle D. Et il est juste de dire que cela ressemble à un formidable exercice de style, assez classique : dans ce contexte, ses modèles sont clairement des maîtres de l'instrument Bill Evans, T.S Monk et pour le versant pop/rock Garth Hudson de The Band, profondément américains. Leur musique constitue en effet la musique classique américaine. Il arrive à trouver une certaine liberté dans les nuances, avec une recherche sonore dans la progression dynamique. Parfois, il fait un peu trop éclater le piano, par une énergie passionnée, des changements de tempi soudains, clarté et bouillonnement intriqués. Beaucoup de lyrisme, d'expressivité et d'émotion et aussi sur certains titres le retour au stride comme dans le génial "Po' Boy" de Dylan. "Blue Motel Room", également en do majeur, de la grande Joni Mitchell est repris avec intensité. Une seule de ses propres compositions s'insère  habilement "The New Standard /Pinkus" mais l'album s'achève avec une autre composition de Dylan qu'il sert admirablement "Restless Farewell".  Un musicien à suivre absolument.
 
Sophie Chambon 
JAMIE SAFT SOLO A GENOVA

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28 janvier 2018 7 28 /01 /janvier /2018 15:22

Jean-Marie Machado (piano, piano préparé, tom basse, voix, composition), Keyvan Chemirani (zarb, udu, set de percussions, voix), Christian Hamouy (vibraphone, glockenspiel, tom contrebasse, cymbales, temple blocks, tam-tam, binsasara, voix), Marion Frétigny (marimba, bols japonais, tom basse, woodblocks, tam, cymbales, voix), Gisèle David (xylophone, chimes, grosse caisse, tom basse, tam, cymbales, glockenspiel, voix)

Aix-en-Provence, 30 août-1er septembre 2017

Hortus 151/ www.editionshortus.com

disponible également en téléchargement sur les plateformes : Quobuz, Amazon, Deezer, Spotify

 

Encore une proposition hors normes du pianiste compositeur Jean-Marie Machado, avec ce quintette pour piano et quatre percussionnistes, projet inspiré par la mémoire du regretté Nana Vasconcelos, avec lequel Jean-Marie a collaboré à plusieurs reprises. Autour de lui, qui est un musicien inclassable connu dans le jazz, et bien ailleurs, des percussionnistes tout aussi férus d'ailleurs, venus des musique traditionnelle, contemporaine ou symphonique. Et cet esprit d'ouverture va prévaloir dans cet ensemble de pièces créées en 2015 au Centre des Bords de Marne du Perreux, où le pianiste-compositeur est en résidence de compositeur associé, et conseiller à la programmation pour le jazz. Chaque pièce est porteuse d'un univers, et s'y mêlent les souvenirs des audaces rythmiques du début du vingtième siècle (Stravinski, Bartók, mais peut-être aussi le compositeur américain George Antheil, et son Ballet mécanique créé en 1926 au Théâtre des Champs-Élysées), les rebonds rythmiques des musiques vocales de l'Inde, le dépaysement sonore des percussions telles que la musique occidentale du vingtième siècle les a fantasmées, et surtout le goût des timbres, tel que l'instrumentarium choisi le laisse s'épanouir.

Il n'est que de se laisser porter, de plage en plage, par cette exploration musicale et sonore. Parfois le piano est absent. Et une autre plage est purement vocale, et un solo de piano conclut le CD. Les titres sont là comme des pistes, restituant peut-être la source d'inspiration, avec parfois ce sentiment que l'on nous égare, délibérément et avec un humour taquin, sur une fausse piste.... La prise de son est exemplaire, réalisée par l'équipe du studio de La Buissonne, justement renommé. Un disque à découvrir, puis à savourer dans le détail de ses multiples détours : Jean-Marie Machado n'a pas fini de nous surprendre.

Xavier Prévost


 

Le groupe sera en concert le 30 janvier à Paris au studio de l'Ermitage.


 

Un avant-ouïr sur YouTube et sur le site de l'artiste

https://www.youtube.com/watch?time_continue=1&v=7OnGwLNt4YI 

www.jeanmariemachado.com


 

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