Deux disques : un duo avec invité, et un duo stricto sensu

DANIEL ERDMANN & STÉPHANE PAYEN «Bricabracomaniacs»

Daniel Erdmann (saxophone ténor), Stéphane Payen (saxophone alto)

invité sur deux plages : Paul Erdmann (violon alto)

Reims, printemps 2018

Yolk Records J2084 / l'autre distribution

Ce n'est probablement pas un hasard si la première plage installe une atmosphère proche des inventions de Bach (d'ailleurs le livret nous dit que c'est conçu, comme une autre plage du CD, d'après le Cantor de Leipzig). Tout le disque paraît élaboré selon un sorte de science de la combinatoire, un jeu de constructions mélodiques, rythmiques et harmoniques qui s'offrent à nous comme un exquis labyrinthe où l'on a plaisir à se perdre. Outre les deux saxophonistes, les autres pourvoyeurs de thèmes sont Doug Hammond, Steve Argüelles et le saxophoniste néerlandais Jorrit Dijkstra. Et tout le répertoire semble procéder de cette démarche en spirales vertigineuses. Cet enregistrement, réalisé au Centre National de Création Musicale Césaré à Reims, nous ouvre les portes d'un univers plein de surprises, de jaillissements, d'harmonie et de tensions, mais abondamment pourvu aussi d'une sensualité musicale palpable. Comme chez Bach, ou pour le jazz chez les héritiers de Tristano (Lee Konitz en duo avec Warne Marsh, parmi d'autres), ce que l'on croirait à tort une pure construction de l'esprit se révèle constamment à l'immédiateté de nos sens. Bref c'est de la vraie Grande Musique.

AKI TAKASE & DANIEL ERDMANN «Isn't It Romantic»

Aki Takase (piano), Daniel Erdmann (saxophones ténor & soprano)

Budapest, 3-4 août 2020

Budapest Music Center BMCCD 301 / Socadisc

La formule piano-saxophone, comme le titre de l'album (celui du standard qui conclut les 13 plages) pourrait nous laisser penser qu'il s'agit d'un disque 'à l'ancienne'. Il n'en est évidemment rien, même si l'engagement total dans la musique, dans la substance mélodique comme dans la sensualité du timbre, peut nous rappeler des émois du passé. C'est comme une joute, un dialogue qui tourne au défi, mais se résout dans la convergence musicale, dans la subtilité des nuances et dans une forme de sensualité suscitée par le timbre du saxophone, et sublimée par la palette harmonique du piano. Daniel Erdmann est, comme sa partenaire Aki Takase, rompu à tous les langages.Tout le vingtième siècle constitue le spectre de cet univers, du jazz presque classique aux improvisations les plus libres, avec aussi à quelques rythmes qui rappellent Stravinski, quelques lignes mélodiques sinueuses qui nous entraînent du côté de Bartók, sans parler d'instants lyriques qui feraient revivre Berg, et d'un dépouillement qui ferait rêver à Satie. Vous penserez que je fantasme, et vous aurez sans doute raison. Comme (presque) tout le monde, j'écoute la musique avec ma mémoire, même quand elle m'entraîne sur un sentier inconnu. Bref cette musique m'a emporté loin de mes bases. C'est signe sans doute que c'est de la très très bonne musique.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr du duo Aki Takase – Daniel Erdmann sur Youtube

Dominique Sampiero (poèmes), Sylvie Serprix (dessins), Sébastien Texier (saxophone alto, clarinette, composition), Manu Codjia (guitare électrique), François Thuillier (tuba), Christophe Marguet (batterie, composition)

Livre-disque Phonofaune, 2021

Sous-titré We Celebrate Freedom Fighters, c'est un manifeste en forme d'hommage à des combattant.e.s de la liberté : les Indiens Yanomami d'Amazonie et Claudia Andujar, Aimé Césaire, l'inconnu de la Place Tian'anmen, James Baldwin, Louis Coquillet, Gisèle Halimi, Rosa Parks, Sitting Bull, Olympe de Gouges, Simone Weil (la philosophe) et Simone Veil (la rescapée des camps et femme politique). L'écrivain et poète Dominique Sampiero, convié par Sébastien Texier à se joindre à cette aventure, pose sur ces figures exemplaires des poémaroïdes aussi lyriques que combatifs. Les dessins de Sylvie Serprix mêlent à ce combat une pointe de poésie graphique où affleure parfois l'humour, et la musique, alternativement composée par Christophe Marguet et Sébastien Texier, porte la marque de ces mélodies lyriques qui gardent le poing levé (comme le fait de longtemps Henri Texier, avec qui l'un et l'autre ont abondamment partagé la scène). Sans détailler (ce serait stérile) les convergences entre les figures évoquées (invoquées ?) et les musiques qui soulignent chaque séquence, toujours la pertinence saute à l'oreille. Plaisir du texte, des yeux et des oreilles, plaisir souvent grave mais non exempt de jubilation ; et incantation finale du poète « Liberté, liberté chérie, je suis sur des braises en attendant ton retour ». Et pour conclure je m'en remettrai à un extrait de la postface signée Dominique Sampiero : « Le jazz existe pour ne plus s'appeler jazz mais juste vision du monde. Sensation, intuition, amour sans objet. Quête absolue de l'absolu. On parle sans mot. On est avec ». Musique de combat et de résistance. Le jazz en somme.

Xavier Prévost

Mauro GARGANO Alessandro SGOBBIO Christophe MARGUET

FEED

DIGGIN MUSIC PROD /ABSILONE SOCADISC

SORTIE 7 MAI 2021

Au vu de sa discographie, on connaît surtout Mauro GARGANO comme l’indispensable accompagnateur de musiciens avec lesquels il a su tisser des liens indéfectibles. Il a néanmoins créé en 2009 son premier groupe Mo’Avast ( “ça suffit” dans le dialecte des Pouilles), ce qui n’est pas un détail.

Il revient avec une nouvelle formation et un album, simplement intitulé FEED, conçu en plein Covid, entre avril et septembre 20. Alors que beaucoup d’artistes confinés se réservaient en solo, le contrebassiste est la pierre angulaire d’un trio inspiré qui se réinvente au fil des morceaux, huit pièces vibrantes qui donnent à ces “nourritures” une cohérence rare. S’il rend justice à certaines influences (dans “Feed”, il suit Craig Taborn qui privilégie la basse comme ligne principale de la mélodie), le contrebassiste donne une interprétation libre et rigoureuse qui doit beaucoup à la performance collective, à l’alliage efficace des timbres, à une fusion dans le flow de l’improvisation, à une vision d’ensemble clairement exposée. La musique suit une ligne imaginaire reliant rock prog, fragments de folk (“Lost wishes”), chanson italienne, harmonies municipales pendant les processions de Pâques (“Ilva’s Dilemma”) mais aussi le contemporain et le jazz qui s'exprime parfois en "petits motifs rythmiques, répétés avec de petites variations", sorte de haïkus musicaux.

Communiant fiévreusement avec les rythmes jamais ralentis d’un Christophe Marguet qui s’épanouit dans les crescendos, la pulsation demeure l’élément dominant du trio, avec du tranchant et une détermination que l’on peut après coup, associer au danger de l’orange de la pochette, couleur “radioactive”, criminelle et polluante. Pas de sentimentalisme ni d’autofiction dans cette musique qui chante par ailleurs l’amour des Pouilles natales, l’attachement à une certaine culture.

Son “message” fait remonter une émotion vive, une rage devant l’injustice que font endurer aux plus faibles les puissants. Par deux fois, Arcelor Mittal est désigné comme le responsable hautement criminel dans “Ilva’s dilemma” et “The red road”, une histoire dramatiquement actuelle qui nous est racontée par la musique. Le contrebassiste réfléchit encore à cette période étrange du confinement (“Keep Distance”) où il fallut recoller les morceaux d’un moi brisé, rassembler les fragments épars, regarder au delà, pour ne pas perdre pied, comme dans ce “Look Beyond The Window” dans une spirale qui aspire jusqu’au vertige, avec un batteur lui aussi imprégné de cet esprit de Résistance .

Feed alterne aussi des moments élégants, de répit, teintés de mélancolie, frémissements où le pianiste Alessandro Sgobbio détache les notes du silence. La musique composée par Mauro Gargano a la juste gravité pour exalter ce “soulèvement” émotionnel. Tout ce qui lui importe est d’aller au bout de son idée. Et il atteint son but puisqu’elle résonne encore fort dans notre conscience, longtemps après l’avoir écoutée.

Sophie Chambon

Enregistré en direct à la Salle Gaveau (75008). 23 janvier 2019. Challenge Records / DistrArt Musique. Sortie le 12 mai.

Le Tout-Paris du jazz s’était donné rendez-vous ce 23 janvier 2019 Salle Gaveau. On y programmait Martial Solal en solo.

Un retour sur la scène dévouée à la musique classique pour le pianiste qui s’y était produit pour la première fois en 1962, en trio (Guy Pedersen, basse, Daniel Humair, batterie) … et en smoking. « Martial Solal improvise », annonçait l’affiche. Un exercice familier pour l’artiste depuis les années 50 mais auquel il s’était préparé depuis plusieurs mois pour « être en doigts ».  Les spectateurs privilégiés n’allaient pas être déçus. Martial Solal n’aura peut-être jamais été plus libre que ce soir-là. Jouant, comme il le précise dans le livret du disque, « sur les mélanges de tonalités, de rythmes, de durée, de style ».

Le répertoire comprenait des standards éternels (My Funny Valentine, I’ll Remember April, Lover Man, Tea for Two…), des compositions personnelles (dont Coming Yesterday qui donne son titre à l’album) pièce maîtresse de ses concerts, un medley d’Ellington, et un air habituel des fêtes, Happy Birthday. Du haut de ses 91 printemps, Martial Solal se montrait impérial, facétieux, guilleret, cassant les codes, surprenant, inclassable. Une forme qui se manifestait aussi dans ses échanges avec le public entre les morceaux. La preuve que l’on peut jouer sérieusement sans se prendre au sérieux.

Ce soir-là, Martial Solal, ovationné, donnait une leçon de jazz et de vie. Il nous révèle dans le livret accompagnant l’album qu’il s’agissait de son dernier concert public. « J’ai l’impression d’avoir pendant ce concert semé un brin d’herbe indiquant une direction que j’aimerais voir se poursuivre ».  C’est une sorte de testament musical qui nous est donc livré. En attendant des inédits qui devraient nous éclairer un peu plus encore sur le « mystère » Solal.

Jean-Louis Lemarchand.

©photo Xavier Prévost

©couverture Anna Solal

Coup de tonnerre dans le monde de la musique au printemps 1948 : Columbia annonce le lancement d’un produit destiné à remplacer le 78 tours en gomme laque (shellac).

Annoncé comme « révolutionnaire » ce disque, le 33 tours 1/3 (sa vitesse de rotation par minute) doit permettre sur une matière réputée incassable, le vinyle, de proposer jusqu’à 30 minutes et plus de musique, six fois plus que le 78 tours, avec une qualité de son incomparable, la haute fidélité. La surprise est totale même si les ingénieurs de Columbia avaient travaillé sur le procédé avant d’interrompre leurs études au début de la guerre de 39.

Va dès lors s’engager une « guerre » commerciale entre Columbia et l’autre géant américain du secteur, RCA, même si les protagonistes refusent d’employer le terme. Le récit détaillé de cet épisode crucial dans l’histoire de la musique enregistrée est présenté par Daniel Richard sur son site d’informations www.Jazzinfrance.com (Facts & Sources) sous le titre ‘’The Modern L.P, A transitional period’’.

Fruit d’une enquête de bénédictin, ce travail propose une chronique portant sur la période 1948-1951, émanant d’extraits de journaux et magazines spécialisés et généralistes. Pas moins de 184 textes, présentés de manière chronologique, en anglo-américain, dans leur version originale.  Résultat, des faits, des faits, des faits : des chiffres et des déclarations qui suffisent à mesurer l’enjeu de cette révolution.

Quand Columbia révèle son innovation, le marché du disque aux Etats-Unis accuse une baisse de régime, les ventes étant tombées en 1947 à 250 millions d’unités contre 300 millions l’année précédente. Lancer un nouveau support pourrait bien être l’occasion d’un rebond des achats du public. L’argument commercial avancé doit séduire : 4,85 dollars pour un disque présentant une symphonie contre 7,25 dollars pour le même enregistrement proposé sous le format du 78 tours.  Bien sûr, il faudra faire l’acquisition d’un adaptateur (environ 30 dollars) pour le tourne-disque qui équipe alors quinze millions de foyers américains ou mieux acheter un nouvel appareil. Qu’importe. Les dirigeants de Columbia publient dès l’été 48 un catalogue de 325 références, étant bien persuadés que le jeu en vaut la chandelle.

Tel est aussi l’avis de RCA qui décide de riposter… sur un autre terrain en annonçant la sortie de disques de même qualité (le vinyle) mais disposant d’une vitesse supérieure (45 tours/minute). La compagnie entend également compenser le format plus modeste du disque (de 7 pouces ou 17 centimètres contre 10 pouces ou 25 centimètres et même 12 pouces ou 30 centimètres) par une autre innovation, un système équipant le tourne-disque permettant de jouer de manière automatique jusqu’à 8 disques soit une durée totale de 42 minutes. Les disques sont empilés sur le plateau de l’appareil autour d’un pivot central et à la fin de chaque disque, le bras de lecture revient au point de départ le temps que l’album suivant se mette en position.

Devant de tels bouleversements, les amateurs de musique restent un moment désorientés mais l’engouement pour ces nouveautés l’emporte. En 1950, les ventes globales aux Etats-Unis des vinyles (33 tours et 45 tours) rattrapent déjà le niveau des 78 tours. Les deux nouveaux formats se répartissent, avec des volumes de ventes équivalents, le marché : le 33 tours LP (Long Play) pour la musique classique et de plus en plus le jazz, le 45 tours, de plus courte durée, pour la chanson et notamment le rock & roll naissant. Nous sommes en 1951 et la trêve peut dès lors s’installer de facto entre Columbia et RCA.

Une page de l’histoire de la musique enregistrée se tourne. Bientôt le 78 tours va disparaître :

Jazz in France

L’amateur pourra profiter de sa visite sur le site pour lire le récit de la première venue de Thelonious Monk à Paris (31 mai au 10 Juin 1954).

Jean-Louis Lemarchand.    

©photo Daniel Richard/jazzinfrance.com