CAMILLE THOUVENOT METTA TRIO

Crésistance

Christophe LINCONTANG (contrebasse) Andy BARRON ' batterie)

Premier album à la fois fluide et haletant du Metta trio, ce Crésistance suscite rapidement une attention bienveillante. C’est une histoire de famille au sens large, d’amitié entre potes, depuis la création de la pochette (Victor Costes et Lucas Linares ) qui tranche heureusement de la production actuelle en jazz assez médiocre, aux effets sonores et habillage d’Audrey Podrini (la compagne du pianiste). Même Bérénice, la fille de l’un des concepteurs Lucas Linarès, gazouille sur la coda du titre éponyme.

Metta est une référence bouddhiste qui éclaire sur le propos de l’album : Crésistance est pensé comme une histoire, dans laquelle on vous parle d'amour, de bienveillance, d'inspiration, d'émotions, de créations et résistances. Quant au titre Crésistance, il fait écho à la formule célèbre du regretté Stéphane Hessel, apôtre de l’indignation : “Créer c’est résister et résister c’est créer”.

Camille Thouvenot est un musicien talentueux, curieux de tout, à la gouaille enjôleuse: né dans le Gard, étudiant au Conservatoire de Nîmes, il intègre ensuite le CNR de Lyon où il étudie avec Mario Stantchev. Des rencontres nombreuses l’ont fait s’orienter vers le jazz avec un bagage plus que consistant, puisqu’il a une double culture. D’où des résurgences classiques dans les harmonies enrichies et le phrasé, du rhythm &blues, tout un brassage avec des couleurs franches. Assurément mélomane -et ce n’est pas toujours le cas chez les musiciens, il a écouté les styles les plus divers, faisant son miel de certaines manières. Chaque composition trouve son inspiration dans une “rencontre”. Et comme il n’en est pas à sa première expérience de groupes (le trio Desiderio, le Dreisam trio qui s’est fait connaître au Tremplin Jazz (s) RA en 2012), il a acquis une assurance qui s’entend dès le premier titre. Eclectique donc, il virevolte avec aisance et a su s’entourer de complices attentifs d’où un trio soudé, plutôt équilatéral: un sens du collectif, du souffle et du lyrisme, un rythme soutenu, car il n’y a pas de temps à perdre pour ce boulimique de musiques.

Le programme est bien composé, les titres s’enchaînent sans que la tension ne retombe, entrecoupés de montages sonores divers qui font retour au jazz ( fragments d’interview de Duke Ellington, Miles, Wynton Marsalis, Coltrane). Et à l’actualité.

Généreusement, le pianiste se livre dans des notes de pochette, confidences instructives. Ainsi se dessine un auto-portrait kaléidophonique, où il indique  influences, préférences,  emprunts,  faisant  défiler des musiciens de générations diverses, de Gérard Clayton à Tigran Hamasiyan, Herbie Hancock et même dans une pirouette finale “a ghost title” surprenant, cet “Indifférence” du roi de la valse musette swing jazz Tony Murena, que cite volontiers Michel Portal.

Sur les 15 compositions, neuf sont des originaux d’Audrey Podrini et de Camille Thouvenot et le reste des reprises arrangées avec une science que le pianiste possède à un haut niveau. On se souviendra de la version endiablée de “Caravan”, ce standard rebâché qui connaît une nouvelle jeunesse, retricoté entre le sens de l’espace d’Ahmad Jamal et les rythmiques néo orléanaises. Il faut aussi écouter ce “Cherokee” sous le patronage de Wynton Marsalis, ces lectures de “Nardis”, “On green Dolphin Street” et un double“moment” Coltrane. En travaillant les répertoires, le trio joue ce que souffle la mémoire, s’en inspirant librement, toujours un peu sur le fil. Toutes ces compositions ont en commun un fort caractère mélodique, favorisant le travail sur les dynamiques, l’espace. Le pianiste sait se renouveler, introduire nuances, contrastes, profiter des ruptures que la rythmique introduit. Une belle et rare synthèse entre exigence et lyrisme, préméditation et spontanéité .

L’ensemble dégage une joie de vivre communicative,  une exceptionnelle vitalité qui tranche sur la production de CDs qui sortent en ces temps de confinement. Un album des plus réjouissants, surprenant d’intensité, qui allie à une réelle fantaisie un sens de la liberté qui n’exclut jamais une maîtrise certaine.

Sophie CHAMBON

Cédric Caillaud (contrebasse), Gilles Réa, (guitare), Hervé Meschinet (flute). Joël Fajerman studio, Paris. 10-11 janvier 2020.
Fresh Sound Records FSR-CD 5107 / Socadisc.
Sortie le 27 novembre.

Antonio Carlos Jobim –ou plus simplement Tom Jobim-fut l’un des plus prolifiques compositeurs du XX ème siècle. Les œuvres signées du musicien brésilien (1927-1994) se comptent par centaines. Surtout son nom évoque immanquablement la bossa nova dont il fut à la fois le héraut et le héros.

« J’aime les compositions de Jobim car elles sont abouties, fortes, complexes et en même temps très séduisantes et populaires », explique le contrebassiste Cédric Caillaud. Une justification au choix de l’hommage rendu par ce jazzman natif de La Rochelle rompu aux finesses de la scène en vingt ans de carrière et qui apprécie les bassistes au jeu solide, citant notamment Ray Brown, Ron Carter, NHOP ou encore pour les interprètes hexagonaux Pierre Michelot et Luigi Trussardi.

Onze compositions ont été retenues dont le célébrissime Chega de Saudade. L’approche se veut dépouillée, intimiste. Un objectif atteint par le contrebassiste qui a fait appel à deux complices, le guitariste Gilles Réa et le flutiste Hervé Meschinet (un vrai flutiste, et non un saxophoniste jouant de la flute). Fluidité, légèreté, et une pointe de mélancolie sont au rendez-vous.  Aucun des comparses ne « tire la couverture » à lui et s’instaure une conversation à trois qui invite à la rêverie, à une certaine nonchalance, particulièrement bienvenues en ces temps maussades. Un album qui fait du bien. Et aussi une forme d’hommage à un guitariste, Marc Fosset, tout récemment disparu –après cet enregistrement- et avec lequel Cédric Caillaud a joué à de nombreuses reprises. (« Je l’admire. Avec lui la musique est une conversation »).  

Jean-Louis Lemarchand.

https://music.youtube.com/watch?v=P_c985Dk1no&list=RDAMVMP_c985Dk1no

http://cedriccaillaud.free.fr/

Serge Lazarevitch (guitare), Ben Sluijs (saxophone alto, flûte alto), Teun Verbruggen (batterie, électronique)

Anderlecht (Belgique) 2018

Rat Records CD-RAT 046 / www.ratrecords.biz

Après «Free Three», publié voici un peu plus de 4 ans (Igloo Records IGL 266), avec Nicolas Thys à la contrebasse, voici «Still Three, Still Free», où la basse cède la place au saxophone de Ben Sluijs. Parce qu'il y a au répertoire une composition de Paul Motian, et aussi à cause de l'instrumentation, de la couleur de certaines plages, on est tenté de penser au trio qui associait Paul Motian, Bill Frisell et Joe Lovano. Mais cela dit assez peu de ce disque singulier, même si l'on se souvient que, voici plusieurs décennies, Serge Lazarevitch succéda à Frisell dans le groupe du saxophoniste belge Steve Houben. Il l'avait croisé aux USA, durant ses études au Berklee College de Boston, et son début de carrière là-bas, quand il avait étudié avec Mick Goodrick, enseignant majeur à Boston pour tous les guitaristes. Et ce trio ? Le batteur est né l'année même où le guitariste commençait ses études de jazz à Boston, et le saxophoniste appartient à la génération médiane entre ses deux partenaires. Le titre de cet opus collectif annonce la couleur : encore et toujours libre(s). Libres d'aborder des territoires différents, libres de s'offrir en ouverture une ballade sinueuse (je pense à Motian, déjà....) au titre faussement connoté (Georgy On My Mind). Puis de bifurquer vers une impro collective pleine de fougue, avant une méditation nimbée de mystère, et un plongeon très personnel dans la déconstruction d'un thème de Monk (Evidence). Liberté d'improviser sur ce matériau segmenté qui se recompose dans le solo de sax, tandis que guitare et batterie fragmentent : jouissif ! Puis c'est un thème d'Ornette, lyrique et distendu avant de devenir anguleux (mais moins que dans la version princeps). Une autre courte impro collective, puis du lyrisme à l'état pur, et le thème de Motian, Drum Music , ou comment faire chanter la batterie sans fracas sur des méandres mélodiques qui nous emportent. On aura aussi le timbre troublant de la flûte alto pour un voyage oriental, avant la plage conclusive sur Les Baricades Misterieuses (orthographe dix-huitième siècle garantie) de François Couperin. Bref un très beau voyage de musicalité, de jeu collectif et de liberté. Grande réussite.

Xavier Prévost

Mélissa Acchiardi (vibraphone), Christophe Gauvert (contrebasse), Clément Gibert (clarinette, clarinette basse, saxophone alto), Guillaume Grenard (trompette, bugle, flûte), Christian Rollet (batterie)

Label ARFI AM 069 / l'autre distribution & www.lesallumesdujazz.com/

Autour de Christian Rollet, membre de l'ARFI 'canal historique', une nouvelle génération rassemblée par le saxophoniste-clarinettiste Clément Gibert (fils d'un autre membre historique, aujourd'hui disparu, Alain Gibert). Tous ensemble pour revisiter, à leur façon, ce monument que fut, et demeure, «Out to Lunch !», célébrissime album d'Eric Dolphy, et l'ultime si l'on s'en tient aux publications anthumes (enfin pas vraiment, car Dolphy est mort à Berlin en juin 1964, et le disque a paru sous étiquette Blue Note deux mois plus tard. Mais cela le distingue des toutes les bandes qui ont été exhumées ensuite).

 Mélissa Acchiardi ©Philippe Malet

Comme le disque inspirateur, celui-ci commence par Hat and Beard, dans une version relativement proche dans sa structure (c'est Mélissa Acchiardi qui ouvre la séquence), et dans le traitement, de la version princeps. Cette relative fidélité sera ensuite abandonnée, et c'est tant mieux, car l'essence du projet est précisément d'aller vers l'infidélité, comme le laisse entendre le titre de l'album. J'ai d'ailleurs le souvenir que, un an exactement avant la sortie de ce disque, le 13 novembre 2019 au festival D'Jazz de Nevers, le groupe avait donné en ouverture une version assez fidèle à l'original, pour offrir en rappel une autre version du même thème, bien différente. On ne saurait mieux résumer l'essence de cette aventure musicale. Le présent disque bouleverse ensuite l'ordonnancement de l'opus inspirateur, puisqu'il aborde en plage 2 Gazzelloni, hommage à un célèbre flûtiste italien (interprète de la Sequenza per flauta solo de Luciano Berio), troisième et dernière plage de la face A du 33 tours originel de Dolphy. Heureuse distorsion qui livre le présent disque à sa revendication légitime de singularité. Ici c'est la batterie de Christian Rollet qui ouvre une danse de liberté.

 Christophe Gauvert & Christian Rollet ©Philippe Malet

La flûte est jouée par le trompettiste-bugliste Guillaume Grenard (pas plus flûtiste chevronné que ne l'était Dolphy, lequel n'était pas un virtuose à la Severino Gazzelloni, mais là n'est pas la question), et elle fait son entrée soutenue par la clarinette, avec laquelle ensuite elle dialogue très librement. On est exactement dans l'esprit de liberté légèrement transgressive du disque de Dolphy : prendre son essor, et ne surtout pas jouer les épigones.

 Guillaume Grenard & Clément Gibert ©Philippe Malet

Puis on en vient à ce qui était le titre 2 de l'album originel, avec encore une fois un traitement très différent. Cette liberté même est le plus bel hommage que l'on puisse rendre à Dolphy, dynamiteur dont la carrière fut hélas trop courte, mais qui en son temps bouleversa le langage du jazz au moins autant que Coltrane, mais dans une voie singulière. Je ne vais pas détailler toutes les plages. Sachez simplement que les trois suivantes sont des originaux (deux de la plume de Clément Gibert, un de Guillaume Grenard), qui sont à la hauteur de l'enjeu : celui de la liberté et de la créativité. Et pour conclure on revient au répertoire du disque : Out to Lunch et Straight Up and Down, avec notamment, dans des climats et des tempi différents, de belles stimulations de la contrebasse de Christian Gauvert pour installer l'intensité du discours. Bref c'est un très beau disque, dans l'esprit du projet comme dans son accomplissement. Et cela redonne sens à l'idée d'hommage, trop souvent galvaudée par excès de servilité.

Xavier Prévost

.

Des infos

http://pointbreak.fr/arfi-dolphy/

.

Des avant-ouïr sur Youtube

Michael Alizon (saxophones ténor & soprano), Jean-Charles Richard (saxophones baryton & soprano), Benjamin Moussay (piano électrique, synthétiseur, effets), Jozef Dumoulin (piano électrique, synthétiseur, effets), Franck Vaillant (batterie)

Strasbourg, février 2020

Label Oh ! COH 0010 / Inouïe Distribution

Souvenir d'avoir écouté (et même présenté sur scène) Michael Alizon, au sein de l'orchestre de Bernard Struber, et d'avoir été frappé par sa personnalité musicale. Le retrouver avec son quintette, en excellentissime compagnie, m'est un vrai bonheur. La trame (concept ? inspiration ?), c'est l'univers en expansion. Vaste sujet, qui excède largement les limites de la musique, encore que la création musicale, quand on y réfléchit, est en perpétuelle expansion, et l'on peine à lui dessiner quelque limite.... Les vertiges de la cosmologie nous entraînent très loin de la cosmogonie d'Hésiode, et des chimères pré-socratiques. Mais finalement, ce sont ces chimères qui nourrissent notre imaginaire, le télescope Hubble, et la cosmologie contemporaine, et prospective, repoussent si c'était encore possible l'horizon de notre imaginaire. Mais c'est la musique qui nous requiert. Au début, d'un unisson mystérieux va surgir un peu de ce monde que nous allons découvrir, improvisations (ténor, claviers) ponctuées de fractures et de riffs entêtants. Plus loin le baryton paraît mener la danse en sortant de sa tessiture de confort. Constamment la finesse des harmonisations s'insère dans le lancinement des rythmes et de l'ostinato. Mais cette marche ordonnée jamais n'entame l'expression, ni ce sentiment de liberté produit par une musique qui suit son chemin en fédérant les initiatives individuelles. Puis vient une débauche de rythmes et de riffs qui vont assurer la transition du mystère à l'effervescence. C'est construit, pensé comme un ensemble compositionnel, et pourtant l'on devine que chacun se sent libre dans cette totalité en mouvement. La conclusion est plutôt douce, comme une fenêtre ouverte vers la limite sans cesse repoussée d'un mode toujours à imaginer. Il reste maintenant à explorer musicalement le multivers, cette entité cosmique où de multiples univers se développeraient. Anaximandre versus Hésiode, en quelque sorte. Pour peu que, là aussi, l'expansion soit de mise, les arts qui s'inspirent de ce thème ont de beaux siècles d'avenir.... En attendant ce futur aléatoire, écoutez ce très très bon disque

Xavier Prévost

.

On aurait dû les écouter cette année au festival Jazzdor mais le confinement en a décidé autrement. Voici, au festival Jazzdor 2019, une préfiguration de la musique que l'on retrouve sur le disque