David Linx (bc, compos), Gregory Privat (p), Chris Jennings (cb), Arnaud Dolmen (dms) + Manu Codjia (g), Marlon Moore (vc)

Attention : très grand album de jazz vocal pour cette rentrée !
Le chanteur bruxellois David Linx nous revient en ce début d'année avec un album majeur dans sa carrière pourtant déjà très riche et ponctuée d'une 30aine d'albums.
Initialement prévue pour le printemps sa sortie a été décalée en septembre pour des raisons liées au contexte actuel.
Ce n'etait pas le bon moment.
Et pourtant !
Cet album que David linx a quasiment conçu tout seul (paroles et musique ) est à la fois une oeuvre très personnelle et surtout une sorte d'hymne à la vie.
David Linx y reussit un tour de force avec l'incroyable énergie qu'on lui connaît. Ça vibre, comme une forme d'urgence à dire.
Chacun des thèmes porte en lui une mélodie magnifiquement bien écrite, au point que l'on y vient et revient sans cesse (cet album a tourné dans ma tête tout l'été ).
Mais il faut aller au delà. Il faut aller aux textes, aller aux mots pour comprendre ce qui se joue-là. Où il est question de beaucoup plus que d'un simple alignement de chansons.
A ecouter plutôt comme un manifeste parfois poétique (des textes sublimes) et parfois comme une forme d'engagement pour ceux qui savent lire entre les lignes.
Message d'amour et de liberté d'un monde que David Linx voit avec autant d'avidité que d'exaltation.
Une grande emotion parcourt l'album sur To the end of an idea dont la musique est ici signée Mario Laginha.
Rien à jeter. Chaque morceau reste en tête et le message s'imprime parce que David Linx y met, outre son énergie fougeuse, un part de son âme. Et le message est clair : skin in the game !
Les arrangements sont à l'encan et la formation qui l'accompagne porte la musique très haut. Comme on dit dans le milieu : ça joue terrible !
David Linx est aux chanteurs ce que l'Art total est aux acteurs. Un chanteur entier qui se livre et dont le chant traverse le(s) corps.

Bien plus qu'un album : un hymne.
Jean-Marc Gelin

MARC COPLAND DAVE LIEBMAN RANDY BRECKER DREW GRESS JOEY BARON

QUINT5T

LABEL INNERVOICE JAZZ 

SORTIE 18 SEPTEMBRE

http://innervoicejazz.com/produkt/quint5t/

https://www.jmp.fr/artistes/item/root/brecker-liebman-copland-quintet.html

Neuf titres dont une seule reprise d’un titre rare de Duke Elligton, enregistré en 1931 et une répartition assez égale de 2 compositions, soigneusement alternées pour quatre des musiciens de la formation. Seul le pianiste Marc Copland ne donne rien cette fois, lui qui est tout de même auteur de près de trente albums en leader!

L’alchimie entre les membres de cet “all star,” de ce quintet sans leader, est immédiatement palpable dès le “Mystery Song” inaugural de Duke Ellington, rajeuni en quelque sorte, si je peux me permettre cctte audace, avec une grande fidélité au thème. Ce qui est la moindre des choses avec pareilles mélodies. Mais nos compères, mélodistes hors pair, savent garder l’esprit, si ce n’est la lettre.

On nous intime ensuite de prendre le large, de nous envoler avec cet “Off bird” du saxophoniste Dave Liebman, drôle d’oiseau sautillant et plein d’esprit, qui s’élève en douceur, vers un point de vue aérien avant de s’accorder en duo avec son autre partenaire soufflant, jusqu’à une brusque et amusante pirouette finale.

Le temps est alors venu d’une première ballade de Drew Gress , ce “Figment” bien titré, tant elle est inventive, créative avec chacune des interventions de ces frères de son, au phrasé impeccable, au jeu jamais trop linéaire, qui savent se rejoindre dans un échange constructif. Comment ne pas suivre, ne pas être en phase, adhérer à une vraie couleur d’ensemble, un chant d’une évidence lumineuse, qui paraît simple?

Les interventions du trompettiste Randy Brecker, impérial, bouleversent, quand il étrangle les aigus, hoquète, éructe, bourdonne comme “a busy bee”. Alors que c’est le pianiste qui ferme, en douceur, à la façon d’une comptine, un peu mélancolique. Comme le poème de son ami Bill Zavatsky qui accompagne fidèlement chaque album de Marc Copland.

“Broken time” est double, avec une reprise en trio, très différente, plus apaisée que la version en quintet où la rythmique harcèle les soufflants, les pousse à se démultiplier, à vibrionner avec swing! Ils vont vite avec le vent, comme le vent, sans rencontrer d’obstacles, heureux hommes volants.

Le thème de Randy Brecker qu’ils jouent souvent en quintet, “There’s a Mingus aMonk us”, réveille des effluves d’un jazz aimé, exalté et exaltant, étrange fusion entre le neuf et l’ancien, en échos légers, néanmoins perceptibles qui imprègnent la mélodie, donnent de la couleur, posent une atmosphère, donnant des fredons inoubliables.

Cet album au titre sans fioriture, QUINT5T, à la pochette précisionniste même, au sens du peintre Demuth illustrant William Carlos Williams à la manière de “I saw the figure 5 in gold” suit un montage cohérent avec des pièces aux cadences changeantes, trame d’un ensemble plus que résistant dans lequel on s’immerge très vite, dans une durée rafraîchissante et légère. 

Un jazz enjoué, qui a du corps, de la saveur et qui, dans la ballade finale, “Pocketful of change” est propice aussi à la rêverie avec un piano exquisément perlé. Comment rêver de plus beau final? 

Cette “Dream team”, belle équipe et machine rutilante, invite justement à entrer dans la danse du jeu, quel qu’il soit, à suivre une inspiration vagabonde, un cheminement buissonnier, à moins que ce ne soit l’inverse. Qu’importe, on les suit les yeux fermés, en progressant sans crainte, tout en remontant le courant du temps qui s’étire comme les ailes d’un curieux volatile. Rassérénant!

Sophie Chambon

HUMAIR BLASER KÄNZIG  1291

OUTHERE MUSIC/OUT NOTES RECORDS

On a toujours autant de plaisir à écouter le tromboniste Samuel Blaser, à le retrouver dans une autre configuration, cette fois un "jeune" trio des plus singuliers, avec une rythmique sensationnelle composée de Daniel Humair à la batterie et du contrebassiste Heiri Känzig.

Trois musiciens suisses dans 1291? Un titre qui n’évoquera pas grand chose aux Français, pas toujours à jour avec leur propre histoire et géographie. Alors celles des voisins....

Ce que l’on apprend, avec cet album, sorti sur le label Out There, c’est que la création de la vénérable Confédération helvétique, remonte à 1291.

C'est un salut enjoué, humoristique à la mère “patrie” des trois comparses, qui, sans reprendre les clichés attendus de Guillaume Tell, des chalets fleuris ou du chocolat, évitent au contraire les idées reçues, même si un chant  des alpages, remontant au folklore du XVIIIème, “Guggisberglied”, fait résonner les cors de montagnes et entendre les feuilles tomber! Le dernier titre est tout de même, “Cantique suisse”, l'hymne national, antienne chère à leur coeur. Il le fallait bien tout de même, vu que très symboliquement, nos “trois petits Suisses” polyglottes sont nés dans des cantons différents : le maître des baguettes, Daniel à Genève, Samuel à la Chaux de Fonds (comme Le Corbusier) et Heiri à Zürich (il maîtrise donc le “schwizerdutsch”, clin d’oeil suprême aux voisins teutons qui ne comprennent pas grand chose à ce dialecte grasseyant et plutôt rapide).

L’expression collective est intense, essentielle, dans ce trio “osmotique” à la formule instrumentale originale (trombone/contrebasse/batterie) avec une rythmique jamais surpuissante, qui soutient, sous tend et propulse le soliste. Mais qui peut aussi ronronner tout autant que le trombone, comme si les trois permutaient leurs places. Un exemple? Ce “7even”, où l’emballement progressif du batteur est soutenu par le chant du trombone, dans une grande fluidité.

Les quatorze petites pièces, courtes et virtuoses car concentrées pour faire ressortir les mélodies de ces traditionnels, reprises blues, ou originaux qui composent ce 1291, enregistrées en février dernier, au Centre Culturel Suisse à Paris, glissent dans l’oreille et la musique s’avale facilement à grandes goulées.

Samuel Blaser peut tout obtenir de son instrument, du growl le plus attendu aux stridences atonales elles aussi espérées. Il a une qualité rare, un son moelleux, pas forcément caressant. Il conserve ainsi une touche personnelle, travaillant au mieux sa tonalité, son timbre. Une envergure de soliste qui maîtrise le sens de la construction et du motif avec une énergie tranquille, que ce soit dans du Machaut ou du Ducret! S’il y a bien un grégorien, un duo contrebasse/trombone, “Grégorien à St Guillaume de Neufchâtel”, l’inspiration dominante vient du blues dont le trio arrive à restituer l’esprit, par une écriture “arrangée” qui sonne actuelle en faisant réécouter autrement ces gemmes de temps historiques. On part de l’“Original Dixieland One Step”, le préjazz blanc de 1917 pour arriver à Ory’s Creole trombone”, jusqu’à l’antépénultième composition commune, une synthèse “ Ory’s Original Creole Dixieland Trombone One step”. Le tromboniste retrouve les émois des fanfares, l’exubérance des premiers “Marching bands” néo orléanais qui plurent tellement à “Little Louis” (Armstrong) qui entendit un jour son maître, le roi du cornet King OLIVER. Pour Samuel Blaser, s’il doit laisser ses traces dans les pas d’un père, il s’est choisi Kid Ory. 

Les trois comparses tordent le cadre de la tradition, tout en revenant pour le tromboniste aux origines jazz de l’instrument comme dans le titre inaugural où il joue charnu, gouleyant; il baille même de plaisir sur ce Dixie du premier orchestre blanc. Plus loin, il escaladera la gamme avec un plaisir renouvellé, véloce et profond aussi, toujours prêt à descendre dans les graves.

Du blues encore, avec sourdines dans le formidable “Belafonte”, dédié au chanteur et acteur, vrai héros et héraut de la lutte pour les droits civiques qui n’hésita pas à compromettre sa carrière, à qui Spike Lee rend hommage dans son dernier BlacKkKlansman.

Du blues  dans “Where did you sleep last night?”, “High Society” de Cole Porter (thème popularisé par le musical puis le film éponymes, grand succès des années cinquante), dans ce “Bass Song”, le très beau thème, le plus long de l’album, dû au contrebassiste qui soigne ses complices!

Dans une étonnante reprise, très courte (2’ et des poussières) des célébrissimes “Oignons” du soprano Bechet, Daniel Humair qui s’y connaît en matières et en fourneaux, se mêle des oignons, mitonne son propre plat d'oignons, pas confits en chutney mais délicieusement frits et juste blonds! Il nous réserve un dernier plaisir en créant la pochette colorée, graphique, lui qui aime peindre autant que jouer des peaux et des fûts! D’ailleurs, “Jim Dine”, une de ses compositions -où le trio joue à plein, rend hommage à cet artiste inclassable, qu’il apprécie dans son grand éclectisme,  peintre, sculpteur, compositeur, qui créa ( entre autres) des “Hard hearts” rouges.

Intense, intelligemment construite, tournée à la fois vers les formes libres et un amour authentique des origines, ce 1291 procure une véritable “Jazz Envy”, une attirance forte pour ce jazz “en vie”, d’autant plus essentiel en ces temps volontiers déprimants. 

Cette musique élastique, à la plasticité brillante d'un trio partageant gourmandise et sensualité, est “crunchy” à souhait (rappel de l’incontournable "madeleine", du chocolat de l’enfance, Crunch?).

Sophie Chambon

Elles/Ils jouent dans l'instant la musique du futur immédiat. Leur aventure musicale me fait penser au propos prêté par Julio Cortázar à Charlie Parker : «ce solo, je l'ai déjà joué demain». Quand le geste est lancé, l'impossible est déjà possible, hic et nunc.

JOËLLE LÉANDRE, MYRA MELFORD, LAUREN NEWTON «Stormy Whispers»

Joëlle Léandre (contrebasse), Myra Melford (piano), Lauren Newton (voix)

Varsovie, 27 octobre 2018

FSR Records FSR11-2020 / http://fsrecords.net/catalogue/stormy-whispers/

Un concert au festival Ad Libitum. Trois partenaires dont les improvisations se sont croisées maintes fois. La cohésion s'installe à la première note, d'un seul geste musical qui nous saisit, et ne nous lâche plus jusqu'au terme du voyage, quelque 44 minutes plus tard. Les musiciennes semblent avoir lâché prise dès le premier instant, et ce qu'elles ne tentent plus de saisir dans le dicible est précisément ce qui nous parle, ce qui nous prend et nous captive. Magie ? Sorcellerie même ? On se souvient des «Diaboliques», Joëlle Léandre avec Irene Schweitzer et Maggie Nichols : même audace, même apparente folie qui nous dit, en fait, le sens que nous devinions sans jamais oser l'imaginer. Grand Art, vraiment !

JUBILEUM QUARTET «a uiš»

Joëlle Léandre (contrebasse), Evan Parker (saxophone ténor), Agustí Fernandez (piano), Zlatko Kaučič (batterie, objets)

Czerkno (Slovénie), 18 mai 2018

Not Two Records MW 1005-2 / https://www.nottwo.com/mw1005

Ce disque, enregistré dans un festival slovène, est le fruit d'un concert marquant les 40 ans de carrière du batteur, figure marquante de la musique improvisée en Slovénie. En rassemblant cette brochette de solistes flamboyants, il a joué la carte de l'effervescence. Le titre, en slovène, semble dire 'on y va', et ils/elle y vont 'bille en tête'. Les propositions musicales se croisent, se stimulent, s'interpellent, voire se donnent un instant le loisir d'une joute. Cela dure 45 minutes, et nous laisse groggy ; groggy et heureux. Et le public du festival dit par sa réaction le bonheur qu'il a eu d'être le témoin d'un tel emportement.

JEAN-MARC FOUSSAT – EVAN PARKER – DAUNIK LAZRO «Café OTO»

CD 1 «Inventing Chimaeras»

Jean-Marc Foussat (synthétiseur, voix)

CD 2 «Présent Manifeste»

Jean-Marc Foussat (synthétiseur, voix), Daunik Lazro (saxophones ténor et baryton), Evan Parker (saxophone soprano)

Londres, 22 janvier 2020

Fou Records FR-CD 38-39 / https://www.fourecords.com/oto.htm

Enregistrés le même soir, un solo, puis le trio. La performance solo de Jean-Marc Foussat est une sorte de manifeste de singularité dans une champ historiquement chargé et connoté, celui de la création électronique sonore. Paysages pour l'oreille, ou plutôt pour les oreilles, car si le panoramique n'est pas sollicité de manière inconsidérée, l'espace est bien là. Déambulation, fracture parfois, onirisme ou pure sensation, le spectre est large, et mérite assurément une immersion dans l'écoute.

Pourtant c'est le trio qui va mobiliser pleinement ma curiosité passionnée d'auditeur. Les sens et le sens, sensualité et signification, vont se télescoper pour dessiner un paysage évolutif qui se déploie, offrir des voies d'interprétation.... qui vont se renverser ensuite en quelque mystère. La force de la musique est dans ce dialogue à demi-mots, sons allusifs ou propositions plus explicites. Embarqué, transporté, je vogue dans ce dialogue/trilogue, partagé entre sensation hypnotique et furieux désir d'en découdre avec le sens. Jouissif, assurément. Et le talent de sorcier sonore de Jean-Marc Foussat qui a mixé cette aventure dont il était aussi l'acteur sur scène n'y est pas pour peu. Belle réussite.

Xavier Prévost

Andy Emler (piano et compositions), Naïssam Jalal (flute et voix), Aïda Nosrat (voix), Rhoda Scott (voix), Thomas de Pourquery (voix), Phil Reptil (sound design), Ballaké Sissoko (kora), Aminata « Nakou » Drame (voix), Claude Tchamitchian (basse), Géraldine Laurent (saxophone alto), Hervé Fontaine (voix) et Nguyên Lê (guitare électrique). enregistré au Studio La Buissonne et au Studio Sextan à La Fonderie, Malakoff (entre février 2019 et janvier 2020).
La Buissonne / PIAS / ECM Records. Août 2020 .

No solo.
Andy Emler s’explique.
Alors que tant de pianistes un jour ou une nuit se lancent dans cet exercice sans filet, il n’a jamais ressenti cette impérieuse envie en quarante ans de métier. « Je ne m’entraîne pas huit heures par jour, les exercices ont tendance à m’ennuyer et je ne prends jamais de solos dans les groupes ».
Voilà qui est dit. Reste que le fondateur du MegaOctet n’a rien d’un sectaire. On relève dans son abondante discographie un album en solo (For Better Times, 2008) et il se produira en solitaire le 7 novembre prochain à Argences en Aubrac (Aveyron).

Le disque ici chroniqué débute d’ailleurs par deux compositions en solo dont un bien nommé Warm Up. Cet exercice d’échauffement passé, nous entrons dans le vif de l’œuvre. Evoquons tout d’abord sa genèse. Fin 2018, devant annuler un concert en grande formation, Andy Emler s’installe au studio La Buissonne à Pernes-les-Fontaines (Vaucluse) devant un grand Steinway. Et là il enregistre des pièces pour piano et solistes.

La liste de ses comparses de jeu est dans sa tête. La diversité y règne. Qu’on en juge : des jazz(wo)men à temps complet (Géraldine Laurent, Rhoda Scott, Claude Tchamitchian, Thomas de Pourquery), des musiciens du monde (Nguyên Lê, Ballaké Sissoko), des voix venues d’ailleurs (l’iranienne Aïda Nosrat, la malienne Nakou Drame). Andy Emler a écrit une partie pour chacun de ses invités et a dirigé la séance finale dans un studio francilien. Son seul mot d’ordre : soyez zen et jouez peu de notes. En duo et quelquefois en trio, les musiciens s’expriment avec sérénité, laissant le temps s’écouler sans jamais lasser.  Très présentes, les voix (y compris celle de l’organiste Rhoda Sott qui délaisse ici son « buffet ») sont autant d’instruments, toujours en nuances.

Voici une œuvre riche qui interpelle, manifeste d’un compositeur sans œillères.  A écouter sans modération.

Jean-Louis Lemarchand.

©photo Christophe Charpenel