Ambrose Akinmusire (trompette, piano électrique, composition, textes), Sam Harris (piano, synthétiseur), Harish Raghavan (contrebasse), Justin Brown (batterie) + Genevieve Artadi (voix, texte), Jesus Diaz (percussion, voix)

Brooklyn, date non précisée

Blue Note 00602508926198 / Universal (CD et vinyle)

D'une certain manière, c'est un disque de mélancolie autant que de combat (mais un combat qui n'étoufferait pas la musique). De retour dans sa ville d'Oakland après de longues années passée à New York et à Los Angeles, il prend conscience des changements survenus, alors que la population afro-américaine a été majoritairement remplacée par des habitants à la situation matérielle plus confortable, et qui semblent tout ignorer du passé et de la culture de cette ville. De cette conscience des mutations intervenues, le trompettiste-compositeur va tirer, pour exprimer l'âpreté de chaque calloused moment, une suite de paysages musicaux, aussi expressifs que sophistiqués, sans que jamais l'évidence artistique ne soit altérée par une quelconque bouffissure. Bref c'est du (très) Grand Art, une œuvre cohérente où se disent une sourde colère métamorphosée en allégorie de combat, et une analyse fine d'une réalité 'socio-culturalo-poétique' transformée en pure émotion musicale. Dès la première plage, après une courte phrase de trompette, il nous embarque dans un monde de tensions complexes et d'éclats effervescents, lesquels vont se résoudre en un chant yoruba dans la voix de Jesus Diaz. On est littéralement happé par l'urgence du propos, et la cohérence des formes, sans que jamais l'abstraction n'efface la chair et le sang qui composent, autant que le corps du musicien, le cœur de la musique. De plage en plage la perspective se déploie, l'émotion va croissant, sans défaut d'inspiration, d'expression ou de densité formelle. Au fil du disque sont évoquées des figures prépondérantes dans la mémoire du musicien (Roy Hargrove, Roscoe Mitchell....), et le temps d'un titre Ambrose Akinmusire s'installe au piano électrique (sur cet instrument il nous offrira aussi une plage conclusive en solo) pour dialoguer avec la voix et le texte de Genevieve Atardi. À aucun moment l'intensité ne sera démentie, et la musicien nous conduira, émerveillés, au terme de ce que j'appellerai, en pesant le poids de ce mot, un Chef-d'Œuvre.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube

EMMA  Paul JARRET Quartet

NEUKLANG

Paul JARRET (g), Eleonore BILLY (Nickelharpa),  Etienne RENARD (cb), Hannah TOLF (voix et percussions)

www.neuklangrecords.de

www.bauerstudios.de

Voilà un album pour le moins singulier dans le paysage du jazz hexagonal, encore qu’européen serait plus exact, puisque le projet du guitariste franco-suédois Paul JARRET est sorti, le 19 juin dernier, sur le label allemand NEUKLANG.

C’est un voyage qui part de Suède, le pays de Pelle le Conquérant (film de Bille August palmé à Cannes en 1987), où un père et son fils, poussés par la faim et le chômage débarquaient au Danemark.

Sauf que cette fois, les migrants dont l’arrière grand-mère du guitariste, Emma Jonasson, allaient bien plus loin, traversant l’océan jusqu’en Amérique.

Si on sait que l’Amérique fut peuplée de vagues de diverses nationalités tout au long du XIXème siècle, on ignore en général l’importance de l’immigration suédoise dans le Midwest, correspondant à un cinquième de la population, soit 1,3 million de personnes. C’est un hommage sincère à tous ces immigrants courageux qui risquèrent leur vie, ne sachant rien de la terrible épreuve qui les attendait : ces paysans qui n’avaient jamais vu la mer, partaient, des images de la terre promise en tête, prêts à tout pour fuir la misère! 

Le guitariste a réuni autour de lui des musiciens experts à rendre l’intensité de cette musique qui s’apparente à un collectage musical de chansons “trad”, de complaintes folk, avec une tendance marquée pour une musique répétitive (“The Crossing”) voire minimaliste. C’est que Paul Jarret a écrit lui même les six compositions, amplement développées qui forment un ensemble d’une continuité conceptuelle intéressante, depuis le lancinant prélude “Sjutton Är” avec de belles variations d’intensité,  et le chant qui s’achève en gouttes qui drippent, la traversée, l’arrivée sur le nouveau continent, les espoirs d’une vie facile (“Kanon”) vite détrompés, de terribles désillusions, l'envers du “rêve américain”. Au point qu’Emma réussira à repartir en Suède, en 1910, où elle fondera une famille.

La révélation de cet album est la chanteuse-compositrice Hannah Tolf, basée à Göteborg, une performeuse qui stratosphérise, joue fort habilement des percussions pour s’accompagner. Dans sa voix de sirène, Hannah Tolf a des accents plus proches de l’Islandaise Björk que de la toujours très aimée Monika Zetterlund (avec Bill Evans, dans Waltz for Debby). Sur “Amerikavisan”, au mitan de l’album, sa voix résonne avec une belle fraîcheur pour conter le chant des émigrants.

L’autre singularité de la musique de Paul Jarret est la constitution d’un quartet de chambre  insolite où se fondent magnifiquement les timbres des divers instruments dont un très original, traditionnel suédois, à cordes frottées de la région d’Uppland, la Nyckelharpa, un hybride de clavier et de violon à quatre cordes. Le son que l’on entend fait penser à celui d’une vièle à roue. Fort de ce sentiment de grande authenticité d’une musique populaire, on saisit parfaitement l’intérêt de cette recherche musicologique pour  des chants s’inspirant de récits comme La Saga des Emigrants de Vilhelm Moberg, décrivant l’état physique et psychologique après trois mois d’une traversée épouvantable. Ou encore la chanson sur ce pain de seigle, noir, dur à la dent, le dernier pain cuit dans un four du pays natal ( “Svart Bröd”).

Ce projet décidément incomparable est un chant d’amour du guitariste à ses ascendants courageux et à leur périple fou. La musique suit leurs sentiments, leurs émotions : parfois âpre, avec des motifs répétitifs (un bourdon jouant son rôle de note continue), des accents qui vrillent le coeur, entrecoupés de silences qui ont toute leur place. Une sacrée découverte!

Sophie Chambon

RIVAGES

Jean Louis MATINIER (acc), Kevin SEDDIKI (g)

ECM/Sortie 29 Mai 2020

Voilà un album étonnant, épuré (qualité ECM) et réconfortant qui nous entraîne dans un voyage immobile, dans le temps autant que dans l’espace, une rêverie chambrée ouverte sur le monde, un folklore jamais partisan, plutôt imaginaire. Un univers poétique créé par un duo de musiciens singuliers pour ne pas dire atypiques qui ne se connaissent peut être pas depuis longtemps, mais se sont rencontrés pour aborder les mystérieux rivages du monde.

Un répertoire étrangement varié qui garde une belle cohérence, puisque ces onze petites pièces de guitare et accordéon, si elles font la part belle à leurs compositions et improvisations, intègrent parfaitement “Les berceaux” de Gabriel Fauré, un traditionnel “Greensleeves” qui n’est autre que le vibrant “Amsterdam” de Brel, nettoyé de toute scorie et leur version instrumentale, retouchée avec sensibilité, sans pathos de “la Chanson d’Hélène” du grand Philippe Sarde ( le thème culte du film Les Choses de la vie de Claude Sautet).

Une démonstration classieuse de sobriété, mettant ainsi en avant la souplesse d’une musique, qui n’est jamais mieux servie que quand elle est jouée avec douceur. Sans guitar hero ni accordéoniste star et pourtant quelle finesse!

C’est un bonheur que de découvrir avec ce musicien hors pair qu’est Kevin Seddiki (entre classique, musiques du monde et jazz), les variations d’une limpide clarté d’une guitare caressée, frottée, pincée qui résonne délicatement. Quant au jeu de Jean Louis Matinier, il a la fluidité et l’éclat du chant, la vitalité du cri.

Chacun a de l’espace pour faire vivre sa partie, interchangeant habilement les rôles selon les titres, à l’aise dans le lyrisme teinté de mélancolie des mélodies, ou assurant la rythmique qui change habilement de tempo.

Un bien beau parcours, peu balisé, jouant sur les couleurs, les timbres qui suppose l’engagement d’une écoute attentive et complice, un soutien solide et indéfectible quand l’autre s’échappe.

Sophie Chambon

PUPPET DANCE CLOVER TRIO

Green Nose production

https://clovertrio.com/

https://clovertrio.com/teaser-puppet-dance/

https://www.concertlive.fr/concert/clover-trio-a-paris-20-a-partir-du-2020-11-17-3 

La séduction est quasi-immédiate dès que s’ouvre le deuxième album du CLOVER TRIO créé en 2018, après un remarqué Harvest. Huit titres qui traduisent la philosophie de la société de production GREEN NOSE, structure dont le propos est de joindre des pratiques artistiques au-delà du temps et de l’espace. Un titre insolite que ce "green nose" pour évoquer poétiquement “le nez poudré au thé macha”, référence à l’ami japonais co-fondateur. Quant aux styles de musiques, il est indéfinissable après écoute attentive, flirtant entre jazz, rock, pop et blues, avec cette sonorité immédiatement reconnaissable de l'orgue.  Des ritournelles entêtantes où règnent le cliquetis sec et précis des baguettes, les friselis de la guitare électrifiée et la lame de fond de l’orgue qui parfois, emporté à son tour par la rythmique fougueuse, brode des ornements raffinés. Dans cet interplay efficace, les rôles s’intervertissent, comme les rythmes qui se bousculent et se transforment pour le plus grand plaisir de l’auditeur!

Un son précis que dominent l’orgue de Damien Argentieri et la guitare électrique de Sébastien Lanson (fondateur de la société de production). Non que le troisième larron, le batteur Benoist Raffin soit à part: son drive énergique avec un sens chorégraphique du geste, installe, dès “Gil’s mood”, un climat irrésistiblement entraînant. La “Puppet dance” éponyme, choisie pertinemment comme teaser, reflète l’attention particulière du trio aux sons, aux timbres répartis en équilibre, sur le fil, comme le début de la composition qui renvoie au rythme instable, bancal des marionnettes. Avant de s’emballer dans une vraie danse et de changer encore de rythme. Chacun donne la pleine mesure de son talent, dans une clarté d’articulation, de phrasé, sur un répertoire peaufiné par des perfectionnistes du trait!

Avec une confondante aisance, le trio navigue d’atmosphères feutrées à d’autres plus éclatantes, parfois au sein de la même composition: le délicieux et délicat “Clover’s flight” commence comme une balade cinématographique, le trio s’envole sur une partition également distribuée, nous incitant à la concentration pour ne pas dérégler notre pas.  Car tout invite à la danse, qui ne va pas sans une légère transe, sans développements échevelés cependant: le trio tient la mesure, l’équipage file adroitement, sans jamais faiblir, ni se livrer à des errances trop décalées.

La musique, sans prétention, coule sans le moindre effort en apparence. Ces huit pièces, pas faciles pour autant, ne durent que 40’, le format idéal pour écouter d’une traite, sans modération: la juste durée nécessaire mais suffisante pour atteindre la planète groove! Si la nostalgie existe, elle arrive à mesure que défilent les titres, en liberté, pleinement assumée !

Sophie Chambon

L'envie de faire un tir groupé, pour de multiples raisons : ces trois disques sont arrivés à mes oreilles dans la brume d'un monde confiné, puis ont paru pendant les premières étapes du déconfinement ; et aussi parce que chacun illustre une manière différente de penser le jazz aujourd'hui ; et enfin parce que les trois accueillent le batteur Thomas Delor, rejoint sur deux des trois CD par le guitariste Simon Martineau

THOMAS DELOR «Silence the 13th»

Simon Martineau (guitare), Georges Correia (contrebasse), Thomas Delor (batterie)

Udine (Italie), 4-5 septembre 2019

(Fresh Sound FSNT 592 / Socadisc)

Le texte du livret annonce la couleur : «Le noir est une couleur. L'absence de couleur est noire. L'absence de couleur est donc une couleur». Ce raisonnement renvoie au premier titre, Syllogism, et justifie la suite du texte «Le silence ne pourrait-il donc pas être considéré comme un son, voire comme une treizième note ?». Ce qui conduit à la deuxième plage, Silence the 13^th , qui donne à l'album son titre. La passion logique habite le batteur, qui abandonna l'enseignement des mathématiques pour se consacrer exclusivement à la musique. D'une structure instrumentale élémentaire (guitare, basse, batterie), va jaillir une grande diversité de musiques, toutes habitées par le souci de mettre en scène la batterie, sans fracas, dans des esthétiques différentes. Dans chaque plage s'épanouit ainsi la singularité de chaque composition et de chaque membre du trio. Un solo de batterie, plaisamment baptisé Peaux pourries , nous rappelle, si nécessaire, que les tambours sont des conteurs ; et il s'enchaîne avec My Little Suede Shoes de Charlie Parker, qui prolonge le récit en trio. Bref de plage en plage, notre attention est captée, notre curiosité attisée, et nous sommes séduits par cette musique dans laquelle l'élaboration n'étouffe nullement le plaisir. Une vraie réussite.

GABRIEL MIDON «Imaginary Stories»

Ellinoa (chant), Pierre Bernier (saxophone ténor), Simon Martineau (guitare), Édouard Monnin (piano), Baptiste Castets, Thomas Delor (batterie), Gabriel Midon (contrebasse, composition), Antoine Delprat, Anne Darrieu (violons), Maria Zaharia (alto), Louise Leverd (violoncelle)

Alfortville 24-25 juin 2019, Maisons-Alfort 29 juin 2019

Soprane Records SP 102 / Absilone

La démarche de Gabriel Midon est toute différente : au lieu de s'imposer une nomenclature modeste (le trio guitare-basse-batterie), il opte pour un large effectif, qui se fractionne selon la plage et le projet musical de chaque séquence. Le contrebassiste commence avec la quatuor à cordes dans une espèce de spirale musicale, laquelle conduit vers une sorte de valse avec voix dont le texte nous égare délicieusement dans un monde où philosophie et poésie parleraient d'une seule voix. Puis la basse soliloque avant d'engager avec la percussion puis tout l'orchestre dans une joute joyeuse. Et il en va ainsi de plage en plage, dans des styles différents, avec une constante exigence musicale, qui culmine peut-être dans la densité fragmentée de Poursuite N° 4. Et le chemin se poursuit jusqu'à l'ultime séquence où la voix renoue le fil du récit poétique : le tout constitue plus qu'une suite ou un concept : une œuvre cohérente qui accomplit pleinement son ambition esthétique.

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Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=4jkNcuVD7AE

PIERRE MARCUS «Following the right way»

Baptiste Herbin (saxophones alto & soprano), Irving Acao (saxophone ténor), Simon Chivallon (piano), Pierre Marcus (contrebasse & compositions), Thomas Delor (batterie).

Invités : Renaud Gensane (trompette), Alexis Valet (vibraphone), Jeremy Hinnekens (piano), Aleksandar Dzhigov (gaïda)

Meudon, février 2020

Jazz Family JF 064 /Socadisc

Avec Pierre Marcus, nous revenons aux fondamentaux du jazz, avec le triomphe de la pulsation, et le respect d'une histoire amoureusement convoquée (Monk, Mingus, Oscar Pettiford). Mais aussi ouverture et clôture en rythmes balkaniques, et autres saluts aux musiques d'ailleurs. Sans oublier un évocation amicale du regretté François Chassagnite, trompettiste qui fut le professeur de jazz du leader au Conservatoire de Nice, et aussi pour le contrebassiste un ami. Comme François fut aussi pour moi un véritable ami, j'avoue sans honte avoir été particulièrement touché par cette plage. Faiblesse avouée, je crois, est à demi pardonnée. Mais ce sentiment personnel n'altère nullement mon jugement : j'aime ce disque parce qu'il sait être vivant, avec de très bons solistes, dans la tradition comme dans les pas de côté.

Xavier Prévost

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Pierre Marcus sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=gLvVM7HqwgE