Lucien, Valsons.... C'est en ces termes d'un humour qu'il affectionne encore aujourd'hui que Martial Solal rendait hommage, en 1963, à Lucien Malson, sur la première plage du disque « Jazz à Gaveau » (en compagnie de Guy Pedersen et Daniel Humair) ; une petite valse sinueuse, vive et complexe, comme le fut toujours la pensée du dédicataire.

   Lucien Malson nous a quittés le 27 janvier 2017, et sa famille a choisi de ne rendre l'information publique qu'après son inhumation, début février. Difficile de tout dire en quelques lignes de cette figure majeure de la réflexion sur le jazz, et de sa diffusion dans notre pays. Je m'en tiendrai donc à mes souvenirs d'auditeur (adolescent j'écoutais Jazz dans la nuit sur Paris Inter) ; et de lecteur, avec les différentes éditions du Que Sais-je sur Les Maîtres du Jazz, Les Cahiers du Jazz de la première époque, de 1959 à 1971, L'Histoire du Jazz et de la musique Afro-Américaine dans sa première édition, en 1976, dans la collection 10/18, et les innombrables articles dans la presse (Jazz Hot, Jazz Magazine, Le Monde) ... Je repense au reproche amical qu'il me faisait d'abuser des points de suspension, qui plus est au nombre de trois, en quoi il voyait une sorte de signe maçonnique (très très éloigné de mes préoccupations je dois le dire !).

   Après mon parcours d'amateur, mon cheminement professionnel a souvent croisé celui de Lucien Malson : quand en 1982 René Koering, alors directeur de France Musique, m'a proposé de reprendre la chronique que faisait Lucien le samedi matin dans l'émission de Philippe Caloni, j'ignorais si mon prédécesseur quittait cette séquence de son plein gré (tout en poursuivant son émission hebdomadaire du lundi sur Musique, et Black and Blue le vendredi sur France Culture). J'étais un petit gars de province qui ne connaissait personne dans la jazzosphère parisienne, à l'exception (notable il est vrai), de Martial Solal et Barney Wilen (lequel m'avait recommandé à Philippe Carles qui m'avait ouvert les colonnes de Jazz Magazine). Malgré mon déboulé (involontaire) sur ses plates-bandes, Lucien me fit bon accueil, peut-être parce que ma prose récente dans la presse spécialisée lui avait paru acceptable, et probablement aussi parce qu'une licence de philosophie fut (comme pour lui) la première étape d'un parcours universitaire, demeuré dans mon cas plus que modeste quand le sien fut des plus brillants ; mais cela créait entre nous, me semble-t-il, une espèce de connivence tacite. Lorsqu'en 1994 il relança, aux Presses Universitaires de France, Les Cahiers du Jazz, Lucien m'invita au bureau éditorial. Je pus proposer des sujets, et de nouveaux collaborateurs, et Lucien m'invita à plusieurs reprises à traiter des thèmes sur lesquels nos points de vue étaient extrêmement divergents. Et ce en toute bienveillance.

   C'est aussi en 1994 que, lors de la réédition avec mise à jour, au éditions de Seuil, de L'Histoire du Jazz et de la musique Afro-Américaine , Philippe Carles me confia la mission, très diplomatique, d'en faire la recension pour Jazz Magazine. Je me collais donc à la relecture systématique, ligne à ligne, des deux versions, pour cerner les modifications, les repentirs, les ajustements. Et je reçus de Lucien un petit mot amical, mais légèrelent teinté d'ironie, où il notait que, comme de coutume, j'avais travaillé avec beaucoup de soin ... (Une fois de plus, pardon Lucien pour ces ponts de suspension !)

Brochure "Jazz à l'ORTF", 1970. Collection Archives écrites et Musée de Radio France 

   Et en 1997, au moment où Lucien quittait de son plein gré France Musique et France Culture pour une retraite plus que méritée, je devenais quant à moi le responsable du Bureau du jazz de Radio France, à la suite d'André Francis qui avait pris cette fonction en 1975 (après en avoir été durant des années l'élément suractif). Je n'oubliais pas alors que cette structure avait été créée au sein de la RTF, en 1961, par Lucien Malson, qui l'avait dirigée jusqu'à la fin de 1974, au moment où l'ORTF allait céder place à Radio France et aux autres sociétés de l'audio-visuel public.

   Bref dans ce microcosme du jazz où j'ai passé la plus grande part de ma vie professionnelle, Lucien Malson fut un jalon majeur, après avoir été un repère dans ma vie d'amateur. Et c'est avec beaucoup d'émotion que j'ai appris sa disparition : l'un de nos derniers contacts téléphoniques remontait à décembre 2011. Je voulais le convier au studio 105 de Radio France à un concert d'hommage à son grand ami André Hodeir. Il ne sortait alors de chez lui que pour faire quelques pas Avenue de Wagram, où il résidait, et il avait décliné, à regret.

   Merci Lucien, merci pour tout : ton esprit vif et caustique, ton exigence intellectuelle et ton humour pince-sans rire. Nous sommes nombreux à nous sentir un peu seuls, depuis que tu as pris congé...

Xavier Prévost

PAPANOSH  : «  A chicken in a bottle »
Yellowbird - L’Autre Distribution 2017
Sébastien Palis (orgue B3, Wurlitzer, p, Vc), Jérémie Piazza (dms), Quentin Ghomari (tp), Raphaël Quenehen (as, ts, sopranino, vc)

On se souvient encore du magnifique album qui précédait celui-ci  ( « Oh yeah Ho ») et qui rendait hommage à Mingus. On s'en régale encore les écoutilles. Du pur bonheur.
Et bien l'on peut vous dire que deux ans après, Papanosh, ce jeune groupe tout droit venu de Rouen.... bande encore !
La flamme est toujours là. L'énergie collective encore plus présente que jamais, encore plus flamboyante dans une sorte de cocktail inventif et (ré)créatif.
C'est superbement écrit. C'est joué terrible.Mazette : ça pétille, ça remue de la queue comme un chien fou, ça groove et ça roule le tempo (Hermanos) sur une tournerie obsédante que n'aurait pas renié Mulatu Astakte. Dans ce grand creuset on trouve de tout : une inspiration très Ornette colemanienne sur 160 pm  faite de rupture et de collages, des virées Ellingtoniennes ou un funk très « Shiffrinien » (Moquette) et toujours l’ombre tutélaire d’un Mingus omniprésent.
On l’a dit ça joue à haut niveau sans jamais se la raconter. Le plaisir est évidemment communicatif. Les solistes sont étincelants. La musique nous laisse toujours en éveil et ouvre des tiroirs, toujours en ruptures, accélère puis ralentit, passe à autre chose et revient au thème sur des nappes électriques tramées par l’orgue B3 de Sébastien Pallis dans les pas d’un Larry Golding.
On pense aussi à l’Art Ensemble of Chicago par ce cotée un peu potache et renverser de tables.
En bref on est fans-fous de Papanosh qui depuis plus de dix ans nous fait vibrer par son intelligence maligne et ses talents virevoltants.
A consommer avec excès !
Jean-Marc Gelin

TOC & The Compulsive Brass Band

www.circum-disc.com

Quatre titres en près de 52’ : le programme est clair dès le nom du groupe, qui annonce la couleur, non pas la lumière bleuâtre des paysages septentrionaux mais le sépia délavé du souvenir. Car les Nordistes extrêmes du trio TOC (non pas « troubles obsessionnels compulsifs ») mais T pour Jérémy TERNOY (piano), O pour Peter Orins ( batteur), C Ivan Cruz ( guitare) s’adjoignent un ensemble de cuivres passablement déjantés (Compulsive Brass Band du collectif Muzzix). Pour qui connaît l’esthétique du collectif de Lille que je n’ai jamais pu entendre en live, moi qui suis fixée à Marseille (bien malgré moi) « comme une arapède au rocher », comme on dit ici, peuchère! Rien de surprenant, puisque tous les disques de ce label prolifique sont différents, tentent des voyages sidérants et extrêmes avec un sentiment d’étrangeté, une inquiétante et agréable familiarité, si on aime cette musique planante ( pas vraiment au sens des années 70 cependant) . Un magma de sons, de nappes bruitistes, électroniques, le pilon régulier et lancinant de la batterie…. Et cette fois les quatre soufflants cuivrés qui, sans arrondir vraiment les angles, apportent leurs timbres originaux, chaleureux  et complémentaires en diable. (Maxime Morel au tuba et trombone, Christian Pruvost à la trompette et deux sax Sakina Abdou à l’alto et soprano avec Jean Baptiste Rubin au bariton et ténor). Quelle équipe de choc ! Pas étonnant que ça clashe, gronde, crisse, klaxonne et éclate sur le morceau inaugural le moins long, 8mn tout de même, pour nous mettre en oreille: « Air bump » pour absorber les chocs sonores plus ou moins mineurs . Et il est vrai que ce n’est ni étourdissant ni inaudible. Comme amorti, le nom est bien trouvé. Le morceau s’achève et l’on se demande quand et si cela va devenir plus mélodieux. Encore qu’il y ait une réelle beauté à ces textures urbaines pleines de matière, sonorités industrielles, du genre « friches » (on connaît dans le Nord), un peu désolées mais jamais tristes. Car l’énergie est tout de même le maître-mot de ces musiques actuelles, prenantes.

La Nouvelle Orléans dans tout ça ? Un parfum dans les titres comme ce « Stomp out from Jelly » très joli, cet oxymoron entre le battement du «stomp » et la mollesse de la « jelly ». Non, il s’agit de Jelly Roll Morton , l’un des pères fondateurs du genre… qui n’était pas vraiment mou. Mais il faut quand même chercher loin : dans les marais sordides comme « Dans la brume électrique » de Tavernier où ressortent les cadavres des confédérés car cette terre sudiste est gorgée d’histoires, de morts et de charniers comme dans le Nord et l’Est de la France, tiens tiens….

Non, pas de énième « tribute », où l’on s’empare souvent des anciens sans les revisiter vraiment sans la traversée et les apports constitutifs de l’histoire du jazz. Pas de rag par exemple pour K (Kid Ory le tromboniste de Storyville), pas de rappel de Satchmo et de Billie « Do you know what it means to leave New Orleans ? ». Et pourtant, on ressent cette moiteur un peu étouffante, assourdie, on est anesthésié avec le lent  et inexorable crescendo du troisième titre «No Rag for Kid» qui s’éteint dans un souffle.

Comme à chaque fois avec Circum, je me laisse prendre et pars à la découverte d’images et de senteurs, créoles avec le dernier titre, le seul qui évoque (à ses débuts du moins) le Sud louisianais, puis en toute fin un "dirge",  chant funèbre. Heureusement car cette musique aujourd'hui est souvent perçue de genre (un peu trop touristique) du «Carré Français». C'est au contraire une musique narrative actuelle avec des mots d’hier, en échos étouffés, incertains que nous renvoie la mémoire. A l’image de la pochette brunâtre, tellement délavée qu’elle en devient presque illisible sur un graphisme "vintage" de Peter Orins. Culotté mais intelligent et insolite. Ah le NORD !

Sophie Chambon

Milan Music. Enregistrements de 1986 à 2015

On ne fera pas l’injure aux lecteurs des DNJ en leur présentant Richard Galliano. L’accordéoniste méridional est devenu une figure majeure de la scène musicale depuis près de trois décennies.  Sa renommée tient à son talent d’instrumentiste allié à des qualités rythmique et mélodique mis au service d’un répertoire sans frontières. Ces différentes facettes peuvent être appréciées à leur juste valeur dans une compilation réalisée par les disques Milan portant sur près de trente ans de travail avec la maison dirigée par Emmanuel Chambredon.  Un parcours qui s’entame en 1986 avec  celui qui inspira Galliano en lui conseillant de « dépoussiérer » l’accordéon, à l’instar de ce qu’il fit avec le bandonéon, l’argentin Astor Piazzolla. Au fil des plages, on retrouve l’accordéoniste dans toutes ses configurations (petite formation, grand orchestre) et sous tous les cieux (Europe, Etats-Unis, Amérique Latine), échangeant aussi bien avec un collègue brésilien (Dominguinhos) qu’avec des tenants purs et durs du jazz (Charlie Haden, Gonzalo Rubalcaba). Les titres qui ont assuré son succès populaire sont évidemment présents, Libertango, Oblivion, Tango pour  Claude (Nougaro) côtoyant des œuvres plus rarement entendues comme cet Opale Concerto  et ces chansons d’Edith Piaf (La foule, L’hymne à l’amour et –cela va de soi- L’accordéoniste) magnifiées en duo avec le guitariste Sylvain Luc.  Voilà un coffret de deux albums qui remplit parfaitement sa mission en proposant un artiste aux multiples talents, jamais à court d’idées ni d’aventures musicales.
Jean-Louis Lemarchand

Mario Stantchev & Lionel Martin

JAZZ BEFORE JAZZ

Autour de la musique de Louis Moreau Gottschalk
Label CRISTAL RECORDS

Mario Stantchev (piano), Lionel Martin (saxophones)

Le pianiste bulgare Mario Stantchev et le saxophoniste Lionel Martin, découvert avec le batteur Bruno Tocanne dans le magnifique trio Résistances,ont sorti en mars dernier une pépite intitulée Jazz before Jazz. Un jazz actuel, très vif qui se nourrit des musiques du monde. L’album rend hommage à l’un des pionniers de cette musique, Louis Moreau Gottschalk qui ne savait pas encore qu’elle deviendrait le jazz, la « musique savante » du XXème siècle. Si le duo fait œuvre de pédagogie, devient musicologue, il insiste aussi sur la qualité onirique de cette musique, qui révèle des racines probables du jazz, « des racines rêvées ». Un duo exaltant, énergique et pourtant tendre, qui revisite avec la traversée du XXème cette musique d’avant les origines.

Qui était donc ce pianiste virtuose admiré de Chopin, séducteur impénitent, artiste nomade, né à la Nouvelle Orléans en 1829 ? Le premier à avoir intégré à la technique savante occidentale les rythmes et harmonies de la Caraïbe, les musiques créole, ibérique, latino-américaine et… le chant des esclaves dans des compositions aux titres explicites «Bamboula», «Danse de nègres», « Le banjo », « Danse des Gibaros », « Souvenir de la Havane ». Il sut s’approprier avec élégance des éléments de chaque culture.

On n’en finira donc jamais de s’interroger sur le jazz, ses origines et ses développements et variations, cross over… Bernstein avait sûrement connaissance de ce pianiste, lui qui se passionna pour les « danzons » et mêla adroitement dans West Side Story symphonique, jazz, musique américaine sur les traces d’Aaron Copland.

Soulignons enfin que l’on est sensible -et c’est assez rare pour le noter, à la qualité de l’objet CD avec de véritables notes de pochette (Jean Noël Régnier et Daniele Stantcheva) où les compositeurs expliquent leur démarche d’arrangeurs à partir des travaux de Gottschalk. Car tous les titres sont des compositions de Gottschalk sauf le premier thème « Pour Louis Moreau » de Mario Stantchev. La pochette au graphisme de Valentine Dupont est exquise, s’inspirant à la fois des masques et de «l’art nègre», très en vogue à la naissance du jazz et des papiers découpés-collages d’ Henri Matisse, qui eut un grand succès avec une série intitulée Jazz en 1947.

Sophie Chambon