HAROLD MABERN : «  Mabern plays Mabern »
Smoke Sessions 2020

Harold Mabern (p), Vincent Herring (as), Eric Alexander (ts), Steve Davis ( tb), John Webber (cb), John Farnsworth (dms)

On ne va pas vous mentir, la révolution du jazz ne figure pas au rang des prétentions de cet album du regretté pianiste Harold Mabern, disparu en septembre 2019.
Enregistré en live au Smoke (à New-York) en 2018 alors que le pianiste allait sur ses 82 ans (excusez du peu !) cet album regorge de cette énergie des jazzmen de Big Apple qui ne cessent d’entretenir la flamme du hard bop avec autant d’amour que de passion. Harold Mabern n’est d’ailleurs pas le dernier à souffler sur les braises entouré qu’il est de vieux briscards qui répondent toujours présents à l’appel comme Vincent Herring à l’alto puissant, Eric Alexander ( superlatif comme sur cette envolée exceptionnelle sur The Lyrical Cole-man composée par Mabern en hommage à George Coleman dont il fut compagnon de route) ou encore Steve Davis au trombone bien râpeux.
Le vieux pianiste était toujours prêt à en découdre  ( écouter son drive sur Mr Johnson), sans mollir. Lui qui a à peu près tout connu ( Stanley Turrentine, Hank Mobley, Clark Terry, Art Farmer et tant d’autres) assure le tempo avec une rare jeunesse et lance ses bandidos sur la voix d’un jazz hard et funky au plaisir communicatif. Eric Alexander à 52 ans et en compagnon de jeu de longue date du vieux pianiste, balance un énorme gros son rollinsien capable de faire trembler les murs du Smoke.
N’allez pas chercher midi à quatorze heure. Il suffit juste d’ouvrir ses oreilles en grand et d’écouter ceux pour qui il y a une tradition et une impérieuse nécessité dans le jazz : maintenir la flamme du groove et que jamais elle ne s’éteigne.
Harold Mabern a passé la main. La génération suivante l’a reprise au vol et n’est franchement pas prête de lâcher l’affaire.
Jean-Marc Gelin

François Raulin (piano, mbira, composition), François Corneloup (saxophones soprano & baryton), Ramon Lopez (batterie, percussions)

Pernes-les-Fontaines, 17-18 octobre 2018

Label La Forge FOR 12/1 / Inouïe distribution

Divine surprise que de voir advenir, sur disque, la musique d'un concert-récit créé en 2015 au festival Détours de Babel de Grenoble, et auquel j'avais eu le plaisir d'assister l'année suivante au festival D'Jazz de Nevers (compte-rendu sur le DNJ ici, et sur le site de Jazz Magazine là). Le concert-récit s'intitulait Reste, je m'en vais, et accueillait la présence, et le charisme, d'Anne Alvaro. La musique y cohabitait avec des textes issus d'un livre intitulé Ishi : Testament du dernier Indien sauvage d'Amérique du Nord (Plon, Terres Humaines, 1968), écrit par Theodora Kroeber à partir des témoignages recueillis par son mari, l'anthropologue Alfred Louis Kroeber. Ce récit est celui d'Ishi, l'ultime survivant de la tribu amérindienne Yana. La musique du groupe a été puissamment inspirée par ce récit, et elle se livre seule, sans le texte, avec une intensité remarquable. Les thèmes ont été majoritairement composés par François Raulin, à l'exception d'un traditionnel amérindien sur lequel le trio vient se greffer, et d'une improvisation collective très ouverte qui conclut le CD. Musique qui est à la fois très élaborée, et totalement ouverte au lyrisme des improvisateurs. En écoutant la plage intitulée Traque en rouge et noir, on se rappelle le goût de François Raulin pour la musique de Lennie Tristano. Un goût de franc-tireur qui n'est pas incompatible avec le désir de faire musique autour de la figure emblématique d'Ishi.

Et au fil des plages on se souvient de la présence de François Corneloup dans le disque « Dakota Mab » (2015) signé Henri Texier, qui évoque aussi ces indiens d'Amérique du Nord. Ainsi que le penchant de Ramon Lopez pour les musiques engagées dont le message n'étouffe pas la musicalité. Ce disque est une expérience d'écoute remarquable, un voyage dans l'imaginaire et l'ailleurs fondé sur le souvenir du dernier survivant d'une monde perdu. Très très beau.

Xavier Prévost

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Un avant ouïr sur le site de La Forge CIR (Compositeurs Improvisateurs Réunis)

https://www.laforgecir.com/play-list/

Un écho sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=OuxAoGWFBNM&feature=youtu.be

   Le trio avec Anne Alvaro au festival D'Jazz de Nevers en novembre 2016

Tim Berne(saxophone alto), Marc Ducret(guitares), Matt Mitchell (piano, piano bastringue, synthétiseurs), Oscar Noriega (clarinette basse, clarinette), Chess Smith (batterie, vibraphone, glockenspiel, tambour haïtien, gongs)

Rhinebeck (État de New York), 29 mai 2019

Intakt CD 340 / Orkhêstra

Premier réflexe légèrement cocardier : plaisir de voir arriver dans ce groupe (qui, sauf erreur, possède déjà 5 autres CD à son actif) le très unique Marc Ducret, complice de Tim berne dans quelques autres groupes (Caos Totale, Big Satan, Science Fiction, Bloodcount) et leurs CD. Et puis, dès la première plage, cette formidable sensation d'entrer dans un univers de maîtrise libertaire. Je m'explique. On commence par un thème que l'on pourrait qualifier de librement sériel (mais d'essence lyrique, comme cela s'entend chez Bartók). Et progressivement la musique se développe par prises progressives de libertés (surveillées, mais pas que....) par tous les musiciens. Ce qui nous épate dès l'abord, c'est la réactivité, l'interactivité, la qualité du dialogue entre tous les acteurs de cette folie créative. Ça fuse, ça jaillit, ça court-circuite, et pourtant le projet esthétique est patent, et de surcroît accompli. Tim Berne mène la danse, tant par ses propositions que par ses échappées, mais pas de bavardage, pas de complaisance, simplement de l'ardeur à dessiner un horizon musical ambitieux autant qu'inouï. Et la fête continue : échappée chambriste contemporaine soudain revigorée par le lancinement d'un motif de saxophone qui emporte ensuite tout le groupe, avant de s'ouvrir aux commentaires très libres de chacun. Comme une idée, désormais accomplie, mais sans ostentation de maîtrise, d'une liberté paroxystique. Cette magie opère de bout en bout, sur un répertoire imaginé par Tim Berne, augmenté d'une composition de Julius Hemphill, Dear Friend, inédite au disque me semble-t-il, et originellement conçue pour un trio ; merveille de pure musicalité recueillie. Et aussi l'assistance de David Torn sur l'ultime plage, solo de sax avec paysage électronique. Une absolue réussite d'une aventure musicale toujours en mouvement, jamais en panne de créativité. Ici la pensée musicale, la sensualité du son et l'émotion sont en parfaite symbiose. Admirable !

Xavier Prévost

HAPPY HOURS

Christophe MARGUET QUARTET

Label Mélodie en sous sol /L’autre Distribution

Happy hours, ce sont les heures joyeuses, de détente, de retrouvailles entre amis après le travail. Pour le formidable quartet du batteur Christophe MARGUET, cela va  beaucoup plus loin. Une certaine idée de l’existence, de ce qui nous (a) rend(u) heureux et qui nous donne à espérer. Il conduit un équipage qui tient la route et en douze pièces construites avec cohérence, donne, dans une saine liberté de création, une musique généreuse, expansionniste, d’autant plus remarquable que personne dans son collectif ne prend le pouvoir. Mais chacune des interventions des quatre complices sonne juste. Ça joue l'unisson, en diverses combinaisons, dans une écoute mutuelle : la musique respire, évolue continûment dans l’échange, création très travaillée de chaque instant.

Le quartet évolue sur des terres musicales connues et communes, avec des références fortes sur lesquelles ces musiciens ont construit l’édifice musical. S’il y a belle lurette qu’ils ont brisé les codes, ils restent dans l’idiome jazz cependant, de part l’instrumentation (piano, batterie, contrebasse, trompette et bugle) et la trame des compositions du batteur leader.

La réussite est collective : une rythmique éblouissante avec un Marguet précis, attentif, détonant, surprenant toujours par cette douce violence qui le caractérise, celle de l’engagement. Soutenu par la contrebassiste Hélène Labarrière dont il apprécie depuis longtemps la personnalité affirmée, il a vérifié avec plaisir que le seul nouveau venu, le pianiste Julien Touéry, savait s’intégrer dans le groupe. Quant au trompettiste/bugliste Yoann Loustalot, il est sur tous les fronts et, s’il nous propulse très haut, il a le désir de jouer avec et dans l’orchestre.

Certains des titres sont des hommages à des musiciens qui ont compté dans la vie de Christophe Marguet. Ainsi “Happy Hours” est une référence à Don Cherry, à sa joie de vivre et de jouer, avec ce sens de la fête africaine et des percussions. A cette influence, Marguet rajoute sa touche, glissant ici quelque chose de plus urbain. “Haute fidélité“ est un hommage au batteur, le maître Paul Motian qu’il écoute depuis l’adolescence. Christophe Marguet voit comme “un tunnel qui se développe, quelque chose de gris”. Sur cette base, les quatre travaillent sur les matières de son, les mélanges de timbres, tous ces alliages qu’ils font évoluer ... Yoan Loustalot est saisissant, proche de la voix humaine, frémissant, nerveux, toujours lyrique. Il s’élève au dessus de la rythmique même quand elle s’emballe, pouvant varier ses phrasés, pointus, explosifs, ou plus sensuels. Souffle, précision, sensibilité, que lui manque-t-il? Il peut aussi stratosphériser sans jamais s’alanguir, devenir sombre et rêveur. Ou vrombir tel un bourdon énervé sur ce “Happy Hours” éponyme qui est tout sauf serein. Titre immédiatement suivi par un “Trop tard?”  grave, dédié au photographe brésilien Sébastien Salgado dans le documentaire de Wim Wenders sur Le sel de la terre.

On le voit, HAPPY HOURS est un nouveau projet qui s’intègre dans la démarche de “résistance poétique” et politique du batteur comme dans le thème “C.C.H” où avec entrain et une énergie qui ne veut pas sombrer dans le désespoir, il est question du camping de cet humaniste paysan dont le champ est surnommé le Camping Cedric Herrou.

La découverte de cet album réserve quelques surprises, mais il n’y a qu’ à suivre le mouvement. Christophe Marguet vit pleinement dans son temps, tout en étant sensible à la beauté cachée des choses, attentif à garder le droit fil de la tradition et à mettre ses pas dans les pas de ses pères.

Sophie Chambon

B.O. du documentaire Birth of The Cool, de Stanley Nelson (visible sur Netflix). Legacy/Columbia/Sony. Disponible en CD et en LP (2 volumes).

Quoi de neuf ? Miles Davis naturellement. En cette époque de confinement, redécouvrir Miles reste un bonheur sans prix.  Passer en revue la carrière musicale du trompettiste en quatorze titres, c’est possible avec la sélection opérée pour la bande son du documentaire « Birth of The Cool » tourné par le réalisateur Stanley Nelson, spécialiste de l’histoire afro-américaine (Cinq Emmy Awards) et disponible dès maintenant sur Netflix (près de deux heures de musique et de témoignages, démarrant avec Miles faisant du shadow-boxing sur un ring).

Ne vous méprenez pas ! Nous n’avons pas affaire à l’album enregistré par Miles en 1949-50 et publié sous ce titre, ‘Birth of The Cool’, en 1957 par le label Capitol sur un vinyle 30 cm, version enrichie d’un premier 25 cm sorti en 1954 dans la collection Classics in Jazz. Pour l’anecdote, Miles n’aurait guère apprécié ce titre alors qu’il était en pleine phase hard-bop.

Le travail opéré par Columbia-Sony mérite l’attention même si les morceaux choisis sont bien (archi) connus des amateurs, à l’exception d’un inédit, « Hail to The Real Chief », œuvre co-signée par Miles et Lenny White.
  Voilà un florilège de chefs d’œuvre gravés en quatre décennies débutant par ‘Donna Lee’ (1947) avec Charlie Parker, Bud Powell, Tommy Potter et Max Roach. Les autres titres sont du même tonneau, ‘Moon Dreams’ (tiré de Birth of The Cool), le ‘So What’ de Kind of Blue (Coltrane, Evans…), ‘The Pan Piper’ de Sketches of Spain (le big band de Gil Evans), ‘Footprints’, l’œuvre de et avec Wayne Shorter, ‘Tutu’ (1986) de et avec Marcus Miller, pour n’en citer que quelques-uns.

Supplément appréciable à cette encyclopédie sonore en condensé, des commentaires brefs qui s’intercalent, assurés entre autres par Jimmy Cobb (dernier survivant de l’album Kind of Blue), Wayne Shorter, Gil Evans, Carlos Santana, sans oublier Vincent Bessières qui fut commissaire d’une notable exposition consacrée à Miles (We Want Miles) à la Cité de la Musique en 2009-2010.

Un cadeau chaudement recommandé à tous les amateurs de musique et pas seulement de la « note bleue », pour mesurer la diversité du génie du Picasso du jazz.

Jean-Louis Lemarchand.