Artiste adoubé, récent lauréat In honorem de l’Académie Charles Cros (1), Fred Hersch a fait salle pleine au Sunside les 21 et 22 novembre (avec John Hébert, basse et Eric McPherson batterie). Des fans de toujours et des jeunes côtoyaient de nombreux pianistes (Manuel Rocheman, Stephan Oliva, Marc Benham, Fred Nardin…). A la fin d’une tournée européenne de trois semaines, le pianiste-compositeur s’est confié sur l’une de ses idoles, Thelonious Monk, la jeune génération, son état d’esprit et la musique française. Une rencontre qui éclaire sur une personnalité rare, musicien engagé sur scène et dans la société avec son combat, depuis trois décennies, au sein de la communauté gay dans la lutte contre le SIDA. Un  engagement sur tous les fronts que Fred Hersch développe dans sa récente autobiographie « Good Things Happen Slowly. A Life in Out of Jazz » . Crown Archetype-Penguin Random House.2017.
 

Les DNJ: Vous avez consacré un album (The French Collection : Jazz Impressions of French Classics. Angel/EMI.1989) à des compositeurs tels que Ravel, Debussy, Satie, Fauré. Quelle était votre motivation ?
Fred Hersch : Ravel a tellement écrit de musique pour piano. Et c’est drôle parce que j’ai cru comprendre qu’il n’était pas un grand pianiste et en fait il comprenait le piano aussi bien que Debussy. Pour moi, c’était en réalité un défi à relever que de m’attaquer à ces compositeurs. A l’époque, au milieu des années 80, c’était la grande mode de ce qu’ils appelaient le cross over dans l’industrie du disque. Aussi m’a-t-on demandé d’écrire des arrangements sur de la musique classique française. C’était un défi d’intégrer de l’improvisation dans ces arrangements et de réaliser une symbiose. Visiblement c’était réussi car on m’a demandé par la suite de réaliser le même exercice avec de la musique classique russe.
 “Interpréter Monk, pas l’imiter”

DNJ: Cette année, nous célébrons le 100 ème anniversaire de la naissance de Thelonious Monk, auquel vous avez dédié un disque (Fred Hersch Plays Monk. Nonesuch.1997) Comment peut-on aborder la musique de Monk ?

FH : Si vous voulez jouer la musique de Monk, vous devez l’interpréter, pas chercher à l’imiter. Si vous cherchez à l’imiter, c’est totalement vain car nous avons tous ses enregistrements et tout ce qu’il a composé-moins de 80 titres- tient dans un petit livre d’à peine 100 pages. Chacune de ses compositions a son propre monde. C’est un vrai défi de jouer sa musique. Je termine toujours mes concerts par un morceau de Monk, c’est une sorte de signature de mon programme. Même si son toucher et le mien sont très différents, je pense que j’honore ses compositions, en faisant passer sa musique par mon filtre personnel. J’aime Monk, je l’ai toujours aimé.

DNJ: En tant que professeur, quels conseils donneriez-vous à un jeune pianiste de jazz ?

FH : La musique, c’est le son et le rythme. Vous devez d’abord établir une relation avec l’instrument, c’est la première chose. La deuxième c’est de travailler réellement sur votre rythme. Et après, il y a l’interprétation et comment se servir du piano et communiquer avec les autres musiciens. Il y a un autre conseil que j’aime à donner : si vous voulez jouer du jazz, vous devez écouter beaucoup de jazz. De nombreux jeunes fréquentent les écoles de jazz et n’écoutent pas vraiment du jazz, ne plongent pas dans l’histoire de cette musique. Peut-être regardent-ils un peu.Youtube mais ils ne vont pas dans les clubs. Le jazz est un langage et vous devez le connaître, le pratiquer. Vous devez acquérir l’accent du jazz. Quand j’étais jeune, je passais mon temps dans les clubs à chercher des engagements, à jouer. Honnêtement, je ne sais pas si beaucoup de ces jeunes qui suivent des programmes de jazz dans les écoles aiment vraiment le jazz. L’objectif pour la plupart de ces jeunes c’est de jouer leur propre musique. A mon époque, vous appreniez un grand nombre de morceaux. Maintenant, cela change. Les jeunes musiciens dans leur majorité souhaitent devenir des compositeurs plutôt que des interprètes.

DNJ: Diriez-vous alors qu’un pianiste de 50 ans ou plus joue beaucoup mieux qu’un jeune de 25 ans ?

FH : :Je ne sais pas (rires). J’ai entendu de très jeunes pianistes qui sont très étonnants. Il existe de très grands talents dans la jeune génération. Mais il y aussi le facteur chance. Je connais quelques musiciens très talentueux qui ne font pas de belles carrières ….et des musiciens pas si brillants qui ont fait de très belles carrières.
“Je suis beaucoup plus relax”

DNJ: Vous avez été gravement malade (ndlr: séro-positif depuis 30 ans, Fred Hersch, atteint d’une pneumonie, était resté plusieurs semaines dans le coma en 2008). Cette épreuve a –t-elle changé votre vie d’artiste ?

FH: Après ma maladie, je ne pouvais plus rien faire, ni manger, ni marcher, ni parler. Je ne savais pas absolument pas si je pourrais, et à quel niveau, retrouver mes capacités antérieures. Quand vous traversez ces expériences et dans mon cas quand vous avez été sur le point de mourir par deux fois, cela vous change. C’est difficile à dire exactement mais je peux vous assurer que je me sens mieux maintenant qu’avant ces épreuves. Je suis beaucoup plus relax mais j’ai dix ans de plus (sourires). J’ai 62 ans. Je n’ai plus rien à prouver à qui que ce soit. Je fais seulement ce que je fais. Je vois des pianistes qui font des choses que je ne sais pas faire et je dis simplement bravo. Je ne me sens pas dans une attitude de compétition. Je pense que j’ai un public, j’ai pas mal d’énergie, un merveilleux groupe depuis maintenant 8-9 ans. Oui, assurément, c’est tout bon pour moi.

DNJ: Vous ne pensez pas un moment vous arrêter de jouer et vivre en ermite comme Thelonious Monk ?

FH : Je ne vis pas comme un ermite. Je mène une vie normale, je dîne avec des amis, j’’écoute de la musique, ou pas, je regarde de temps en temps la télévision. Je ne me sens pas obligé de jouer chaque jour du piano. Je joue en me basant sur mon expérience. Si je suis dans de bonnes dispositions sur le plan physique et émotionnel, c’est parfait. En rentrant à New York, je prendrai quelques jours « off » et nous enregistrerons un nouveau disque avec John Hébert et Eric McPherson.

DNJ: Si vous deviez partir sur une île déserte quels disques de jazz prendriez-vous ?

FH :Je ne sais pas, des albums de Joni Mitchell, Sonny Rollins, Miles. Et puis du Bach

DNJ :… et parmi vos propres albums ?

FH : Mon meilleur album est toujours le dernier. (pause). Et le prochain (rires)

Propos recueillis par Jean-Louis Lemarchand
On se rapportera à la récente chronique de Xavier Prévost sur le dernier album, en solo de Fred Hersch, Open Book (Palmetto).

Claude Carrière

The extravagant Mister Gillespie

Coffret de 3 cds Cristal records

Vol 1 Small groups/ vol 2 Big bands/ vol3 Latin Dizzy

Voilà une formidable compilation/anthologie due à ce cher Claude Carrière qui a animé certaines des plus intéressantes émissions de radio consacrées au jazz de 1975 à 2008, de la formidable série « Tout Duke » au Jazz Club avec Jean Delmas. Sans compter ses chroniques dans les grands journaux de jazz, son activité actuelle de Président de l’Association La Maison du Duke, Président d’honneur de l’Académie du Jazz, membre de l’Académie Charles Cros.

Il est l’initiateur, l’auteur des séries thématiques de OSD, toujours sur le label Cristal records qui déclinent le jazz selon diverses thématiques : les saisons, le calendrier des mois, les instruments…

Le voilà qui s’attelle à une grande injustice, réparer le (relatif) oubli dans lequel est tombé John Birks « Dizzy » Gillespie. En cette année 2017 finissante qui a célébré le centenaire de grands artistes de la musique ou du cinéma (JP Melville, Danielle Darrieux), on a fêté en grande pompe, la vocaliste Ella Fitzgerald, le pianiste Thelonius Sphere Monk et quelque peu négligé le trompettiste-compositeur-chef d’orchestre, créateur du be bop aux côtés du formidable Charlie Parker.

S’il n’est pas de mois où l’on évoque sur les couvertures de magazines, la figure légendaire de Miles Davis, quand ce n’est pas un biopic assez maladroit, il n’est jamais question du génial Gillespie qui connut une belle longévité (à vingt ans, il jouait à Paris dans l’orchestre de Teddy Hill), et ne se fit pas remarquer par les excès hélas fréquents à l’époque dans le monde du jazz.  En somme une vie et carrière plutôt exemplaires. Un musicien hyperdoué qui n’hésitait jamais à faire le pitre sur scène pour continuer à avancer,caché, et lutter à sa façon pour le combat des Civil Rights.

Il est donc particulièrement agréable de célébrer cette belle initiative de la part de l’un des spécialistes du jazz. Ce coffret à prix doux présente ainsi 3 CDS qui retracent une créativité jamais en berne, une virtuosité et une joie de vivre au service d’une musique aimée et parfois problématique.  Le premier CD part donc des débuts du bop à la création de petits groupes. Diz et Bird en quelques séances en 1945 vont changer la face du jazz.  Ce sont les 5 premiers titres du CD1, Dizzy jouera encore épisodiquement avec Parker en 1950 et jusqu’en 1953, puis fondera seul des petites formations avec Stan Getz, Sonny Stitt, Sonny Rollins, John Coltrane dès 1949.

Celui qui fut la terreur des trompettistes avec sa drôle de trompette coudée dont il arriva à sortir les sons les plus fous en soufflant de ses joues gonflées comme celles d’un crapaud, entretint aussi des grands orchestres où il prit ses solos d’anthologie (c’est le second CD), tout ne se révélant un formidable arrangeur avec Tadd Dameron et Gil Fuller. On retrouvera aussi à la fin du Cd des plages avec Duke Ellington ET Lalo Schiffrin (« Gillespiana »)

Diz est enfin reconnu comme le pionnier du latin jazz, le jazz « afro cubain » avec ses formations accueillant le génial Chano Pozo aux percussions congas dès 1947. « Tin Tin Deo », « Manteca », « Algo Bueno »…

Ce coffret, on le voit est une excellente opportunité de redécouvrir ce musicien extraordinaire, extravagant et essentiel dans l’histoire du jazz que l’on aurait tort de négliger aujourd’hui. Oubli un peu réparé  grâce au travail de Claude Carrière.

Dizzy qu’on l’aime. 

Sophie Chambon  

Le jazz vocal perd un de ses hérauts (et héros) avec la disparition à 96 ans le 22 novembre à New York de Jon Hendricks. Dans les années 50, le chanteur avait commencé à « vocaliser » les parties instrumentales de jazzmen et sur la suggestion de Dave Lambert, écrit des paroles sur des titres de Count Basie. L’album «  Sing a Song of Basie » (1957) enregistré par le trio (LHR)formé avec Annie Ross s’installe rapidement en tête des ventes. La formation évolue avec le remplacement d’Annie Ross (malade) par Yolanda Bavan en 1962 (LHB) et se dissout après la mort dans un accident de la circulation de Dave Lambert en 1966.
Jon Hendricks, qui avait abandonné le h de son état-civil à ses débuts sur scène, va dès lors poursuivre une carrière brillante de soliste et constituera dans les années 80 un groupe, Hendricks & Company qui comprendra, son épouse, Judith et ses filles, Aria et Michele. Son style vocal et sa présence sur scène lui valent l’admiration de Bobby McFerrin, Al Jarreau, Kurt Elling, du groupe Manhattan Transfer.
Sa fille Michele, résidant en France, l’invitera pour une séance d’enregistrement en 1998, qui sera publié en 2016 par le label Cristal Records (Claude Carrière qualifie de « brûlante et maboule » l’improvisation du père et de sa fille sur How High The Moon)  et vaudra à la chanteuse le prix du jazz vocal de l’Académie du Jazz cette même année. Jon Hendricks, qui avait débarqué avec les troupes US sur les plages de Normandie en juin 1944, était chevalier de la Légion d’honneur, décoration remise le 6 juin 2004.
Jean-Louis Lemarchand

ISABELLE OLIVIER : «  In between »
Enja 2017
Isabelle Olivier (hp), Julie Koidin (fl),  Hugo Proy (cl), Raphaël Olivier (g), Fraser Campbell (sx), Thomas Olivier (p), Devin Gray, Ernie Adams, Dré Pallmaerts (dms)

Album après album, la harpiste Isabelle Olivier ne cesse d’écrire des pages d’une incroyable beauté. Serait- ce la complicité familiale ( elle est ici entourée pour la première fois de ses deux fils) qui fait que cet album exhale l’amour et les émotions belles ? Allez savoir, mais il y a quelque chose ici qui est de l’ordre du bonheur à l’état pur, à l’état brut et qui pour peu vous tirerait des larmes de bien-être.
Il est ici question de paysages et de communion avec la nature. Avec les gens aussi. Quelque chose de presque chamanique règne sur cette belle berceuse péruvienne (Péruvian Lullaby) ou sur cette référence aux peuples indiens (Potawatomi) ou encore sur cette magnifique ouverture sur un paysage majestueux et simplement beau ( Lisière)? Ecoutez comme l’on se sent bien en entendant cette Fête de la musique qui danse une danse africaine. L’ allégresse est aussi communicative sur Comment ça va ou la harpe dialogue avec la clarinette. Discrètement la pluie et les bruits des enfants peuplent aussi cet album pour ceux qui sauront les entendre comme autant d’hommages à la vie.
Les lignes mélodiques souples d’Isabelle Olivier dansent sur le tapis de velours que lui fait la clarinette d’Hugo Proy ou sur les harmoniques de Raphaël Olivier qui semblent tout droit venues du pays de Ralph Towner.  Et puis voilà, il y a de la musique jouée par tous avec osmose et écoute mutuelle et surtout avec des sentiments d’une grande douceur.
Et tout au long de cet album, ce qui impressionne ce sont les immenses talents de compositrice de la harpiste. On imagine ce que donnerait entre ses mains un large big band avec lequel on entrevoit un travail qui la rapprocherait immanquablement d’une Maria Schneider, elle aussi compositrice des grands espaces !
Isabelle Olivier est elle « in beetween » ? Entre la vallée de Chevreuse et Chicago entre lesquels elle partage son domicile ? Entre nature verte et paysages urbains ?   Entre jazz et classique ? Entre continents ? Entre des deux fils ?
La seule chose que nous savons vraiment c’est que son amour de la beauté occupe la place centrale de sa musique.
Elle est ici omniprésente.
Jean-Marc Gelin

Ahmad Jamal le magicien
Palais des Congrès. Paris. 14 novembre.

Ahmad Jamal, piano, Manolo Badrena, percussions, Herlin Riley, batterie, James Cammack, batterie et Abd Al Malik et Mina Agossi, voix

Ahmad le magicien a encore frappé. Le maître de Pittsburgh a séduit le public de Paris… avec Marseille. A quelques encablures du Parc des Princes, ce 14 novembre, le pianiste a déroulé avec aisance et fougue le répertoire de son dernier album (Marseille. Jazz Village-Pias. Juin 2017) consacré à la cité phocéenne. Apportant la preuve qu’il avait conservé à 87 ans les qualités d’architecte des sons qui avaient assuré sa renommée dès 1958 avec Poinciana (At the Pershing.Argo). Devant son Steinway, Ahmad Jamal cultive l’art de ménager ses effets et joue avec le public. Il n’a pas son pareil pour alterner les passages minimalistes et les grandes envolées, le ruissellement de la pluie et les grondements de tonnerre. Une exploration musicale pour laquelle il peut compter sur la complicité aussi souriante qu’efficace de trois compères de longue-plus de deux décennies- Manolo Badrena (percussions), Herlin Riley (batterie) et James Cammack (basse). Même les invités d’un soir, les vocalistes Abd Al Malik et Mina Agossi, se plient à la discipline du pianiste qui voue une admiration pour Napoléon. On ne peut que le constater à l’issue de ce concert parisien, où la vedette est revenue à Autumn Leaves, version désormais classique et toujours originale de la chanson de Prévert et Kosma, :Ahmad Jamal entretient une relation bien particulière avec la France. Dans les années 90, les producteurs Jean-François Deiber et Francis Dreyfus, avaient contribué à relancer sa carrière. Aujourd’hui, c’est le label Jazz Village qui permet au maître des 88 notes d’exprimer toute sa créativité juvénile.
Jean-Louis Lemarchand