Guillaume Belhomme

Le jazz en 150 figures

360 pages, Editions du Layeur

39,90€

J’aime beaucoup les anthologies et celle-ci ne fait pas exception à la règle, qui traite du jazz en 150 figures portraiturées, de King Oliver (né en 1885) à Martin Kuchen (né en 1966) ou encore 750 chroniques de disques. Pour chaque période, chaque style, un texte introductif, toujours bien écrit, donne un juste aperçu de la période et de l’insertion du musicien dans l’époque. Rien ne vaut l’angle chronologique pour aborder une musique aussi riche et savante que le jazz, qui ne s’est pas vraiment développée en ligne droite. Mais l’intérêt généalogique et les rapprochements stylistiques ne relèvent pas du seul désir de tracer une cartographie de cette musique, d’en montrer une certaine « continuité » : l’auteur assumant parfaitement sa subjectivité, n’écarte pas les dimensions proprement émotionnelles, esthétiques du jeu ou et de la personnalité de ces artistes.

Si vous désirez vous constituer une discothèque de base, voilà réunis avec cette anthologie de Guillaume Belhomme les principaux enregistrements des musiciens sélectionnés, les historiques et les autres jugés tout aussi passionnants, voire indispensables pour l’auteur, qui anime Le son du grisli, soutient et dirige les éditions Lenka lente. Il continue son travail « historique », commencé aux éditions du Mot et du reste, nous faisant toujours partager ses coups de cœur, autrement dit, ses choix personnels dans chaque discographie. Il n’est pas important, semble-t-il, d’infirmer ou non ses propositions, de « chipoter » sur l’absence de tel ou tel incontournable : laissons-nous prendre par cette vision d’un jazz pluriel, une approche plutôt complète après tout, reflétant aussi des musiques d’aujourd’hui . S’il évoque les grandes figures, Guillaume Belhomme s’intéresse aussi aux moins célèbres, les défricheurs pas toujours reconnus, il dresse une superbe galerie de portraits qu’éclairent les photographies et reproductions de pochettes de vinyls ou CDs : des double pages soit deux portraits pour certains musiciens (Konitz, Portal, Shepp, Braxton, D.S Ware, Peter BrÖtzmann, Misha Mengelberg…). Le choix des photos et photographes est original, on y retrouve très souvent Luciano Rossetti, photographe italien ami du guitariste Garrison Fewell (De l’esprit dans la musique créative , Lenka lente, 2016 ) et du New Yorkais Peter Gannushkin.

Ce sera toujours un plaisir de se plonger, au hasard (ou non) dans la lecture de ces pages, de se laisser porter, de remarquer alors des similitudes, des idées de classement, puisque l’amateur de jazz a une âme de collectionneur, d’obsessionnel…

C’est finalement à une réflexion d’ensemble que ce bel objet nous invite : penser aux formes toujours renouvelées, puisque le jazz s’est nourri de tous les apports générationnels et montre des contours toujours changeants. Evitant de figer le jazz dans une aventure, même singulière, Guillaume Belhomme replace ses figures dans l’évolution de cette musique, en soulignant leur personnalité, les caractéristiques de jeu, l’essence de leur art

Erudit mais jamais pédant, facile à lire, voilà un beau travail de recherche mis en valeur par le « montage » des Editions du Layeur . Vivement recommandé pour animer la partie jazz de votre bibliothèque, faisons-lui une place aux côtés, par exemple, du Dictionnaire du Jazz (Bouquins), des portraits de Pascal Anquetil (Tana éditions) ou encore des livres des éditions Lenka Lente, Parenthèses, Outre Mesure, du Mot et du Reste...

Sophie Chambon

Le saxophoniste-compositeur-romancier publie simultanément un CD en quartette intitulé « Unklar » et un 'roman et musique' de 164 pages, couverture recto-verso incluse, car tout est imprimé, y compris des inter-pages uniformément encrées de noir. Un roman titré De la violence dans les détails, dans lequel une alvéole découpée à l'emporte-pièce reçoit une minuscule clé USB contenant un fichier de 43 minutes de musique (également séquencées en fichiers séparés, dans un ordre différrent, d'environ 36 minutes), musique jouée par 16 musiciens, du solo au tentet au fil des plages. Et la clé comporte évidemment le texte du roman en format numérique. On se rappelle, concernant Nicolas Stephan, le sextette 'Le bruit du [sign]', avec Jeanne Added, Sébastien Brun, Théo Girard, Julien Rousseau & Jullien Omé : haut lieu de singularité créative. Nicolas Stephan poursuit sa route d'exigence talentueuse avec ces nouvelles œuvres.

Nicolas Stephan « Unklar »

Nicolas Stephan (saxophone ténor, composition), Fanny Ménégoz (flûtes), Antonin Rayon (orgue, synthétiseur basse), Benoit Joblot (batterie).

Vallée de l'Ouanne, décembre 2016

Discobole Records SD030317 / www.sophieaime.com

Les intervalles sont distendus, les tonalités flottantes, et c'est peut-être pour cela que la sensation d'un lyrisme entêtant submerge. La qualité de l'écriture n'est pas seule en cause : les considérables ressources des solistes-improvisateurs/trices étoffe la densité musicale de l'objet, comme il est de tradition dans cette musique que l'on appelle le jazz (au sens large) où le collectif contrebat l'idée d'une œuvre qui serait l'exclusif apanage du compositeur-leader (lequel assume assurément l'émergence et la pérennité du projet). Un beau parcours s'ouvre à l'écoute, entre écriture contemporaine, pulsation et liberté du jazz (et d'autres musiques pas moins libres !). Une vraie réussite.

Unklar sur Vimeo

https://vimeo.com/205685409

Nicolas Stephan : De la Violence dans les détails, Roman et musique

Un livre objet de 164 pages, contenant une clé USB avec une musique qui « sans être la musique de l'histoire […] développe une autre vision des thèmes du roman ». 

@Jean Thevenoux

Il était tout sourire dimanche à 21.45 Herbie Hancock. Le ciel de Segré était orné d’un arc en ciel et les mille deux cent spectateurs en avaient vu de toutes les couleurs pendant 90 minutes. Au sortir du chapiteau bondé, chauffé à blanc, le pianiste oubliait ses 77 printemps, prenait le temps d’un selfie et trottinait. Le bus partirait dans la nuit pour Stuttgart où le pianiste-compositeur donnait ce lundi un nouveau concert à 19 h.
Il était attendu, le jazzman de légende. Sa première sortie française de l’été à la Seine Musicale de Boulogne le 29 juin, avait laissé une impression partagée, en raison d’une sonorisation envahissante. Herbie avait au  Saveurs Jazz Festival de Segré (Maine-et-Loire) retrouvé son état de grâce. Il a privilégié le piano acoustique sans pour autant négliger les envolées électriques (et maîtrisées au niveau sonore). Aux anges, mon voisin, le guitariste Pierre Durand, qui avait assuré, inspiré, la première partie, confiait son admiration pour la capacité de l’artiste à perpétuellement se renouveler.
La formation a été remaniée ces derniers temps avec l’arrivée du saxophoniste ténor Terrace Martin, très actif dans l’univers du rap, qui rejoint des compagnons habituels du pianiste, James Genus (saxophone ténor), Vinnie Colauiuta (batterie) et Lionel Loueke (guitare). Sur la scène, ce 9 juillet, ils étaient tout à l’écoute du boss et le groupe tournait comme une limousine bien rodée, prenant un plaisir manifeste à reprendre deux tubes planétaires du maestro, Cantaloupe Island (1964) et Actual Proof (1974).
« Le public français a toujours soutenu ma musique dans toutes ses facettes », nous déclarait en octobre 2010 Herbie Hancock au moment où il recevait les insignes de commandeur des Arts et Lettres des mains du Premier ministre. Le jugement est toujours d’actualité sept ans plus tard.
Jean-Louis Lemarchand

Herbie Hancock sera en concert ce mois de juillet à Vienne (12), Nice (17), Marseille (28) et Marciac (29).

Jean-Louis Lemarchand
En 1947, Pierre Henry appelait dans un texte-manifeste, à « penser à une musique nouvelle ». Disparu le 5 juillet à la veille de ses 90 ans, le « pape » de la musique électroacoustique laisse une œuvre immense, dont la Musique pour le temps présent (avec Maurice Béjart) qui lui assura en 1967 un succès planétaire grâce à un air, Psyché Rock. Admiré par les compositeurs de musique électronique, dont Jean-Michel Jarre, Pierre Henry avait aussi fait une incursion sur la planète jazz en collaborant en 2001 avec le trompettiste Erik Truffaz. Le pianiste Laurent de Wilde analyse dans Les fous du son (Grasset.2016) l’apport de Pierre Henry, qui au même titre que Pierre Schaeffer « pense que la matière sonore peut et doit servir d’alphabet aux nouvelles compositions non plus sous forme de notes mais de sons. Autrement dit, le bruit d’une locomotive ou d’un couteau qui tombe est une expérience sensorielle qui peut, lorsqu’elle est mise en forme, exprimer des émotions aussi intimes qu’un instrument de musique traditionnel »/
Infatigable, sa dernière œuvre a été publiée en 2016 (Continuo ou vision du futur), Pierre Henry composait depuis 1971 dans une petite maison du quartier populaire parisien de Picpus, où chaque pièce était dédiée à la musique. Un pavillon qui semble hélas aujourd’hui promis à la démolition. C’est là qu’il avait donné au cours de l’été 2009 vingt quatre concerts «  à la maison ». Présent à l’un de ces évènements, j’avais rédigé un compte-rendu qui est reproduit ci-après dans son intégralité.
Pierre Henry donne chez lui « Dieu à la maison »
Chaque soir, à l’heure de l’apéritif, Pierre Henry reçoit chez lui. Le « pape » de la musique électroacoustique présente à quelques privilégiés-une petite quarantaine-sa dernière œuvre dans sa maison parisienne du quartier Picpus. Assurément l’un des évènements de l’opération Paris quartier d’été à laquelle le musicien participe pour la sixième fois.
Installé derrière sa console d’ordinateur, le compositeur de « Variations pour une porte et un soupir » propose « Dieu à la maison », nouvelle version de son poème sonore d’après le texte de Victor Hugo sorti en 1977. Un voyage musical au royaume de l’électronique qui donne toute sa vigueur à cette œuvre posthume publiée en 1891, au thème métaphysique : Dieu existe-t-il ?
Dans cette aventure, Pierre Henry, 81 ans, est accompagné par le comédien Jean-Paul Farré, auteur-interprète de « 20 ans de pianos forcés », qui fait vivre ce texte souvent sombre et parfois sarcastique, dont une terrible charge contre les prêtres.
Une heure durant, le spectateur est l’invité personnel du maître de la musique concrète, reçu dans l’une des petites pièces de  cette maison du 12 ème arrondissement, véritable antre de création où voisinent archives musicales et compositions personnelles faites de bandes magnétiques, bobines de fer, touches de piano…
Ainsi, en écoutant les nappes sonores transmises par les enceintes disposées de la cave au grenier, l’amateur a- t-il tout loisir de mesurer l’ampleur et la diversité de l’œuvre de Pierre Henry découvert en 1949 avec sa « Symphonie pour un homme seul ».
La version originale de Dieu (1977) figure dans un coffret Philips de 5 CD « Mix Pierre Henry 04.0 ».
Jean-Louis Lemarchand
 

À côté de très nombreuses nouveautés et rééditions, les compagnies phonographiques de toutes envergures exhument des inédits de concerts comme s'il en pleuvait : ces derniers mois, Oscar Peterson à l'Olympia de Paris entre 1957 & 1962 (un coffret de 3 CD, 34 plages -dont 3 déjà publiées-), Bill Evans en 1976 dans le Wisconsin, avec Eddie Gomez et Eliot Zigmund, et l'un des derniers concerts du quartet historique de Dave Brubeck, avec Paul Desmond, en 1967 à Scheveningen, aux Pays-Bas.

Oscar Peterson «The Oscar Peterson Trio 1957-1962, Live in Paris»

Oscar Peterson (piano), Ray Brown (contrebasse), Ed Thigpen (batterie), & Herb Ellis (guitare) à la place d'Ed Thigpen sur les quatre premières plages du CD1.

Paris, Olympia, 5 mai 1957, 30 avril 1958, 21 mars 1960, 28 février 1961, 16 & 17 mars 1962.

Frémeaux & Associés FA 5674 / Socadisc 

Honorable exhumation, mais qui laisse à penser que ces plages enregistrées par Europe N° 1 sont celles qui avaient été écartées (oubliées, ou égarées peut-être?) en 1993 pour le coffret «Oscar Peterson, Paris Jazz Concert, Europe 1» publié en 1993 par Tréma, et qui rassemblait des enregistrements de 1957 à 1969 (Olympia, Théâtre des Champs Élysées, Pleyel) proposés au public parisien par Daniel Filipacchi et Franck Ténot avec la complicité de Norman Granz. À l'époque 6 CD, avec un livret qui reprenait un texte de Jacques Réda pour son livre L'improviste, et offrait une analyse musicale très éclairante (et de surcroît très bien écrite !) de Laurent de Wilde. Il y eut aussi une édition partielle en 2000, toujours chez Trema. Si vous ne possédez ni l'une ni l'autre de ces éditions, alors vous pouvez vous laisser tenter. Si vous avez la chance de posséder le coffret de 6 CD, et même s'il y a cette fois 31 plages inédites, vous pouvez vous abstenir : ni la qualité, indiscutable, de la musique recueillie, et le traitement du son -pourtant bien réalisé-, ni le commentaire -succinct- du livret, ne justifient cette extension de votre impossible intégrale. Par exemple la version de On Green Dolphin Street de 1962, dans le coffret qui paraît ces temps-ci, avec intro rhapsodisée comme celle de 1961 dans le coffret Trema de 1993, ne supplante pas la dernière citée, pourtant handicapée par une sonorité de hall de gare. Enfin, c'est vous qui voyez....

Dave Brubeck Quartet «Live at the Kurhaus 1967»

Dave Brubeck (piano), Paul Desmond (saxophone alto) Eugene Wright (contrebasse), Joe Morello (batterie).

Scheveningen, Hôtel Kurhaus, 24 octobre 1967

Fondamenta-Lost Recordings FON-1704025 / Sony 

De cette ultime tournée européenne du fameux quartette avant sa dispersion, il existe un disque Columbia enregistré 20 jours plus tard Salle Pleyel («The Last Time I Saw Paris», Columbia). Son programme comporte quatre thèmes également joués sur cet inédit, tout comme le programme du concert d'Antibes Juan-les-Pins, en juillet, publié quant à lui sous un label italien qui profitait des lacunes de la législation quant aux droits des artistes. Belle édition, très beau rendu sonore, le disque vaut surtout pour les magnifiques solos de Paul Desmond. Par exemple dans la dernière plage, sur Someday My Prince Will Come, où le saxophoniste nous raconte une histoire dans laquelle chaque étape de la structure harmonique est l'occasion d'une nouvelle exploration, une histoire fort différente de celle du disque «Dave Digs Disney» de 1957, alors que dans son solo Brubeck redonde avant de s'amuser avec le thème de Sing Sing Sing dans un épisode 'à la Erroll Garner' (comme il l'avait fait dans la version de 1957....). On peut se laisser faire aussi à cause de Blues For Joe, inauguré trois mois plus tôt à Juan-les-Pins, et qui met en valeur ce batteur à la palette diablement variée, et colorée.

Bill Evans «On A Monday Evening»

Bill Evans (piano), Eddie Gomez (contrebasse), Eliot Zigmund (batterie)

Madison, Union Theater, University of Wisconsin, 15 novembre 1976

Concord FAN00095 / Universal (existe en CD, vinyle, et téléchargement)

Infos sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=wP9l6WTEJlI

Extrait sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=BE_9Q7ozyQY

Une interview du pianiste réalisée quelques heures plus tôt par Larry Goldberg et James Farber pour la radio locale WORT

https://www.youtube.com/watch?v=fKtwcBpVL4k

Six plages sur les huit sont des thèmes qui avaient également été enregistrés 10 jours plus tôt lors d'un concert à Paris, à la Maison de la Radio (publiées sur un album Fantasy et intitulé, comme plusieurs autres enregistrés au cours d'autres tournées «The Paris Concert»). Et des thèmes souvent joués au concert, et enregistrés, par ce Maître ès-dialogue(s). La musique circule ardemment entre les musiciens, en particulier dans les échanges avec Eddie Gomez. Le son du piano est acceptable (mais l'instrument ''zingue'' un peu) ; la contrebasse est bien captée ; et la batterie est manifestement moins bien servie. Mais cela reste un très beau disque, et peut-être le plus réussi du trio qui se trouve à ce moment-là au mitan de sa de collaboration (1975-1977). À écouter sans modération jusqu'à la parution d'un prochain inédit, avec une nouvelle occurrence de l'éphémère trio de l'été 1968, avec Eddie Gomez et Jack DeJohnette.

Xavier Prévost