Distribution harmonia mundi / LABEL LA BUISSONNE

www.brunoruder.com 

www.labuissonne.com

Bruno Ruder n’en est pas à son coup d’essai. On peut même dire qu’il n’a pas perdu son temps, puisqu’il joue avec Riccardo Del Fra depuis son passage au CNSM, a été l‘un des fondateurs du trio Yes is a Pleasant Country , a tenu pendant trois ans le rôle du pianiste de Magma, continue l’expérience de Radiation 10 (réunion de musiciens affiliés au collectif Coax )...

Lisières est néanmoins le premier album solo du jeune pianiste, où il place fluidité de l’énergie, développement créatif, et improvisation dans ses priorités et son carnet de route.  Si le piano se prête plus facilement à l’exercice délicat du solo, Bruno Ruder avertit dans ses « liner notes » fort éclairantes, qu’il ne tenait pas à réaliser «la réduction pour piano» d’une musique orchestrale, en profitant du formidable instrument de la Buissonne.

Il nous révèle en une sorte de récital, tout son art des pièces vives, libres, subtiles, aux motifs répétés, servant de base à des improvisations colorées, tantôt fougueuses, tantôt  plus  impressionnistes. Chacune des compositions, plutôt longues, est une « étude » sérieusement menée, objet d’un développement qui illustre une « idée », tout en prenant son temps pour s’aventurer dans les recoins. Il écrit pour le piano et à travers lui, choisissant délibérément l’acoustique, sans avoir recours (et on l’en félicite) à la préparation du piano. Et pourtant, il s’intéresse et cela s’entend d’un bout à l’autre de l’album, à la texture du son, aux résonances et à leur traitement. Le travail sur les rythmiques est l’un des enjeux forts de sa recherche. Le résultat traduit une cohérence certaine dans cette suite qui ne cherche pas à modifier les genres, alterner les styles, mais dévoile l’élégance d’un piano mélodique et sombre.

On admire  le tour de force de ce voyage autour de la chambre, où technique et virtuosité restent au plaisir de l’imaginaire mis en lignes musicales. Voilà une exploration très personnelle qui réconcilie, si besoin était, avec la complexité des sons et des rythmes libres. On se laisse bien volontiers entraîner dans cette expérience des limites, aventure dans les marges, jamais facile, mais séduisante pour peu que l’on s’y abandonne.  Ce que l’on retient , c’est que, singulier pluriel, le piano de Bruno Ruder n’a jamais mieux résonné.

Sophie Chambon

Motema 2014

Si vous avez les pieds qui vous démangent en ce mitan de l’été caliente, n’hésitez pas un seul instant. Avec l’afro latin jazz orchestra du piansite et chef d’orchestre Arturo O’Farrill, vous allez être servi. C’est vrai, vous allez me dire, tout est dans le titre et a priori il devrait pas y avoir de surprise.

Et pourtant si les clichés de la musique cubaine, de la salsa sont bien présents avec tout plein de cuivres et de soufflants comme on aime, avec des musiciens qui jouent en faisant avec classe un petit pas à gauche un petit pas à droite sur un rythme de salsa que c’est pas possible de rester de marbre, il , le pianiste-arrangeur se montre néanmoins d’une passionnante inventivité. Certes ces gars-là envoient la sauce comme pas possible.

Mais autour du groove Arturo O' Farill apporte un soin extrême à la qualité de ses arrangements, invite des guest stars ( Vijay Iyer, Donald Harrisson, DJ Logic) varie les couleurs tout en gardant la trame latine. Rythmiquement c'est l'enfer comme sur ce Quarto de colores qui met la barre particulièrement haute pour parvenir à cette pâte homogène en alliant percussions et harpe. Il y a des moments forts comme cette Gnossienne 3écrite comme une suite et cette voix d'Antonio Lizana (magnifique et sublime sax alto !!!). Au carrefour de plusieurs musiques, Arturo O’Farrill sort la salsa de ses enfermements et donne dans le syncrétisme. Ajoute ici un slammeur ( DJ Logic), fait descendre son big band de latinos dans la cité du croissant un jour de mardi gras ( On the corner of maleca and Bourbon), installe des tourneries latines comme sur ce The mad hatter featuring Vijay Iyer totalement hypnotique.

Toujours sur le qui-vive, toujours inventif, Arturo O’ farrill se révèle un compositeur, arrangeur et chef d’orchestre de très haute volée et de grande classe. De la race des seigneurs, il vous emmène dans une sorte de narration intelligente, farandole  dansante aux carrefours de tout plein de musiques percussives. En conviant toutes ces influences dans un creuset magnifique, O’ Farrill bouscule les codes de sa propre latinité. C’est passionnant.

Jean-Marc Gelin 

Plus Loin Music 2014

Thomas Savy ( clb), Michael Felberbaum (g), Pierre de Bethmann (p, fder), Stephane Kerecki (cb), Karl Jannuska (dms)

Forcément Thomas Savy, grand amateur de rugby devant l’éternel a dû faire sien cet adage : "on ne change pas une équipe qui gagne".

Souvenez vous, il y a quelques années de cela, en 2006 nous nous étions enflammés pour la première édition d’Archipel dans ces colonnes mêmes (THOMAS SAVY: Archipel)

Le clarinettiste remet le couvert aujourd’hui avec la même équipe et surtout un nouvel archipel à découvrir. Un archipel aux couleurs bleutées des notes bleues du blues et d'un jazz aussi bleu que la jazz peut être bleu.

Digne héritier de Jimmy Giuffre parfois, d’Etic Dolphy d’autres fois, Thomas Savy donne le sentiment qu’avec une clarinette basse il parviendrait à jouer seul le son d’un orchestre tout entier. Il passe de la longue phrase mélodique glissante à l’apreté du blues avec une facilité confondante, alliant dans un même mouvement la saleté qui colle aux basques d’un jazz poisseux (Stones, Misterioso) aux élégantes ligne mélodiques ( Archipel, Father bear). C’est que Thomas Savy exprime la synthèse même de ce qu’il est : un musicien aussi classique que jazz. Ou aussi jazz que classique. C’est vous qui voyez. Lorsque l’énergie vient du plus profond  des poumons et du ventre et s’exprime dans des moments où la puissance de ce qui est dit se marie à sa légèreté des notes flottantes, Thomas Savy montre bien qu’il est vraiment l’un des très grands de l’instrument.

Sa complémentarité avec Michael Felberbaum est éclatante et chaque intervention de ce dernier est une sorte d’enluminure, comme le prolongement naturel du discours du clarinettiste, par d’autres moyens.

 L’album est tout simplement beau. Parfois touchant aussi comme sur ce Father Bear comes Home où l’on imagine quelle belle berceuse Thomas Savy doit jouer à ses enfants avant qu’ils ne s’endorment.  Archipel c’est aussi des climats entre chiens et loups qui s’installent parfois (Stones) Et puis il y a derrière Archipel un groupe tout entier qui interagit au quart de tour (écouter O’Mc Henry, thème composé par Karl Jannuska), totalement fusionnel.

Magnifique version aussi de Misterioso où les graves de la clarinette de Thomas Savy offrent une superbe lecture du thème de Monk qui ne dévoile entièrement et pudiquement qu’à la fin de ce long préliminaire.

Duke Ellington et Billy Strayhorn disait «  a drum is a woman ». Où l’on découvre ici qu’Archipel n’est pas un ensembe d’îles mais au contraire d ‘ « elles ». Avec cet album Thomas Savy donne à la clarinette basse des allure félines de femmes ensorcelantes, à la fois chanteuses et danseuses lascives, irrésistiblement sensuelles qui nous prennent sournoisement dans leurs filets.

Un acte d’amour en somme.

Jean-Marc Gelin

Greatest Songs

Label Cristal records/ harmonia mundi

http://www.cristalrecords.com/cristalrecords/fr/661 

C’est dans la collection OSD (Original Sound De Luxe) du label Cristal que nous suivons fidèlement depuis des années que paraissent les meilleures compilations de jazz. Le concept de «compilation » est d’ailleurs magnifié dans cette collection dont le catalogue est concocté avec amour et érudition par Claude Carrière, l’un des meilleurs spécialistes de cette musique. Lire les notes de pochette de chaque album est d’ailleurs un bonheur à chaque nouvelle parution : précises, érudites et engagées, elles constituent un témoignage précieux sur la mémoire de cette musique aimée.

Dans le numéro dont il est question ici, Claude Carrière s’attaque à l’une des plus grandes figures de la comédie musicale à Broadway, auteur de centaines de standards (paroles et musique !) que nous ne savons pas toujours lui attribuer.

 Cole Porter est incontestablement avec Irving Berlin, l’auteur le plus prolifique, des années vingt jusqu’à la fin des années cinquante. Jugez plutôt: “Love for Sale”, “Night and Day”, “Anything Goes”, “Begin the Beguine”, “Easy to love”, “My Heart Belongs to Daddy”, “Every Time We Say Goodbye”, “All of You”. Notons que toutes ces chansons sont souvent gravées dans les mémoires dans l’interprétation qui les rendit célèbres, à Hollywood. Prenez Marilyn pour « My Heart Belongs to Daddy » dans Let’s Make Love ou Fred Astaire pour « Night and Day » dans l’une de ses séquences les plus «glamour» avec Ginger Rogers dans The Gay Divorcee. Pour Claude Carrière, j’ai cru comprendre qu’une de ses « madeleines » est le « All of me » de Silk Stockings où Fred Astaire a pour partenaire cette fois, la belle Cyd Charisse (aux jambes interminables, d’ailleurs plus grande que lui).

La sélection de Claude Carrière permet également aux amoureux du jazz vocal de retrouver des versions d’anthologie avec la fine fleur des jazzmen de l’époque où interviennent Carmen McRae, Julie London, Ella Fitzgerald, Peggy Lee, Billie Holiday, Anita O’Day, et pour les  «male singers» l’inoxydable Mel Torme, (« Get Out of Town ») ou Ray Charles sans oublier Louis Armstrong dans « Just One of These Things ».

 Vous l’aurez compris, cet album qui comporte 21 titres balaie la grande époque où jazz et comédie musicale étaient intimement liés, de 1934 « Miss Otis Regrets » avec Ethel Waters  et l’orchestre de Tommy Dorsey (la seule chanson de Cole Porter qu’elle ait enregistrée, un portrait de la journaliste-commère Elsa Maxwell) à 1962 avec le « Love for Sale » de Shirley Horn.

 Pour les plus anciens, voilà de quoi réveiller la nostalgie et donner une furieuse envie de réécouter ces merveilles. Avec cet opus, vous aurez de quoi cerner les fulgurances coleportiennes et vous en saurez plus qu’avec une longue biographie. Cet hommage est aussi hautement recommandé pour les plus jeunes qui découvriront ainsi d’où viennent certains airs populaires...

Sophie Chambon

En rappel, voir aussi le magnifique hommage, très actuel cette fois :

http://www.lesdnj.com/article-maria-laura-baccarini-furrow---a-cole-porter-tribute-98296140.html

Archiball 2014

Paul Abirached (g), Alain Jean-Marie (p)

Le label Archiball créé par Archie Shepp s'ouvre aujourd'hui à des nouveaux talents avec " Rainbow collection". Pour inaugurer  cette collection, Shepp nous propose d’aller chercher des choses un peu inattendues, jeunes talents ou moins jeunes mais qui ont pu attirer son attention comme ce deuxième album de ce duo guitare/piano composé du jeune Paul Abirached et du “moins” jeune et indispensable Alain Jean-Marie. On comprend lorsque l’on connaît l’élégance du saxophoniste qu’il ait pu être séduit par la grande classe de ce duo.

Car pour ce qui nous concerne c’est un véritable “Coup de coeur” que nous avons eu pour ce duo qui sort totalement des sentiers battus en la matière. Même si le guitariste revendique son admiration pour la musique de Jim Hall ( cela s'entend vraiment ) on est quand même loin de la référence qui revient toujours concernant les duos guitare/piano, celle de Jim  Hall et de Bill Evans. Car ici les deux musiciens ont une personnalité forte et très différente. La musique est toute autre. Au gré de cet album d’une rare finesse, les deux musiciens explorent ensemble des terrtoires très différents à la frontière du jazz, du blues et même parfois de la folk-country. Les deux musiciens délaissent parfois la trame mélodique pour se transformer en dénicheur, en chercheurs d'or à savoir l'harmonie parfaite, l'espace idéal et la respiration. Tous les deux sont là comme des dénicheurs visant à la fois à sa compléter mais aussi parfois à se distancier l'un l'autre, à se tourner le dos puis à se faire face à nouveau. Les deux musiciens atteignent alors des sommets et les chaleurs harmoniques du guitariste trouvent écho dans le phrasé et le sens mélodique d’Alain Jean-Marie.

Tout cela avec le sens de l'éhange et de la discussion .

il  y a dans cette musique beaucoup d'écoute ( bien sûr) mais aussi beaucoup de finesses et de d'intelligence du propos musical. Comme la compréhension de chacun vers l’autre. Beaucoup de douceur et d’émotion aussi dans leurs échanges, à l'image de ce Down Antigua qui flotte avec légèreté dans l'air des harmonies d'AJ et de PA. Les deux musiciens s'emparent d'un répertoire qui va de Paul Motian à Joe Lovano en passant par Wayne Shorter et jusqu'à un Don't Expliain de Billie Holiday qui vient conclure cet album.

C’est un disque bleu qui vous enveloppe dans ses vapeurs suaves et qui révèle une douce poésie. Ce disque à côté duquel on pourrait passer si l’on ne vous alertait, tourne en boucle depuis plusieurs semaines sur ma platine et, je ne sais pas pourquoi, me rend

indiciblement heureux. Il m'est devenu totalement indispensable. En ce sens cette rencontre entre le guitariste et le pianiste est d’une immense humanité. De celle qui rend le monde un peu meilleur.

Jean-Marc Gelin