www.laboriejazz.fr

www.pascalschumacher.com

https://www.youtube.com/watch?v=0RDtAAhW3h8

Pascal Schumacher (vibraphone, compositions)

Pol Belardi (basse, contrebasse)

Franz von Chossy (piano, fender)

Jens Düppe (batterie)

Sylvain Rifflet (saxophone)

Verniri Pohjola (trompette)

Guests : Magic Malik (flûtes) et Aliénor Mancip (harpe)

Ce LTR album du vibraphoniste Pascal Schumacher ne signifie pas « Long term relationship » mais LEFT TOKYO RIGHT. D’une voix douce, dans le petit film promotionnel du label Laborie, il explique la genèse de cet album à 8, conçu après une résidence au Japon. En bon occidental, il a vite été fasciné par la dualité de la civilisation japonaise prise entre tradition et modernité. Ce qu’il exprime dans un travail sur les contrastes dans le titre éponyme « Left Tokyo Right » au juste milieu de l’album. « Left » représentant les quartiers modernes de Tokyo, ceux des néons et du J pop, alors que « Right » fait référence aux temples, aux femmes en kimono, aux joueurs de taiko. Vraiment séduit, le vibraphoniste a ensuite fait des séjours privés reliant Tokyo à Kyoto et Nagano dans une découverte plus approfondie de l’âme de ce pays.

Après cinq disques sous le nom du Pascal Schumacher quartet, il était temps de faire évoluer sa musique : aussi au quartet belge initial, composé du batteur de Cologne Jens Düppe et du pianiste allemand Franz Von Chossy, s’est rajouté le bassiste électrique luxembourgeois Paul Belardi. Voulant ouvrir encore davantage à d’autres influences, Pascal Schumacher a fait venir le trompettiste finnois Verneri Pohjola, emblématique pour lui d’un renouveau de l’instrument, un son feutré mais moderne ; ayant déjà travaillé en duo avec le saxophoniste français Sylvain Rifflet, il lui demanda son concours pour alimenter en tant que souffleur mais aussi « percussionniste » la machine à jazz qui se créait.

Enfin deux invités, le flûtiste Magic Malik indispensable pour donner cette coloration japonaise de la flûte shinobue sur « Lilia » par exemple et la harpiste Alienor Mancip dont l’introduction de «Sakura -San » nous immerge dans une pluie de fleurs de cerisiers.

Ainsi aux commandes d’un nouvel équipage, Pascal Schumacher mène à bien un projet ambitieux, dévoilant un arrière-pays attachant, qui ne cache en rien un authentique travail de recherche, de placement et de répartition des rôles. On sent bien cette volonté délibérée de bousculer certaines lois du genre et d’imposer doucement sa manière mélancolique, parfois contrariée d’un entrain rebondissant.

La plupart des compositions sont du vibraphoniste mais il réussit une version envoûtante du thème principal du film Furyo d’Oshima, « Merry Christmas, Mr.Lawrence » (titre original) où la star de la pop japonaise Ryuichi Sakamoto, non seulement composait la B.O et ce tube planétaire à l’époque (1983) tout en affrontant David Bowie à l’écran.

Left Tokyo Right nous fait entendre une musique amoureuse et sérieuse, énergiquement rythmée tout en étant lyrique. Un savoir-faire « maillochique » poétique qui culmine peut-être dans « wabi-sabi », ce concept japonais qui combine harmonie et désordre. Un rêve de musique, sinon de vie.

Sophie Chambon

Dave Rempis (alto/tenor/baritone saxophones)

Ingebrigt Haker Flaten (contrebasse)

Tim Daisy Frank Rosaly ( drums)

Label Aerophonic records

www.aerophonicrecords.com

www.davidrempis.com

En ce début d’été, canicule annoncée, voilà de quoi se rafraîchir la tête... Suivez mon conseil et posez-vous pour écouter des groupes qui décoiffent...

Comme ce quartet très actif sur la scène des musiques improvisées de la Cité des Vents, fondé par le saxophoniste David Rempis, il y a déjà onze ans, avec les batteurs Tim Daisy et Frank Rosaly et le contrebassiste norvégien Ingebrigt Häker Flaten,

On s’aperçoit très vite qu’avec ces quatre musiciens, les possibilités sont presqu’illimitées, puisqu’ils savent à merveille déconstruire les mélodies de base pour mieux les réarranger en de nouveaux motifs. Et que leur aptitude à l’improvisation peut les conduire à des développements substantiels.

Deux pièces très longues composent donc cet album Cash and Carry, enregistré live, le 31 août 2014 au Club de Chicago The Hungry Brain qui semble bien être leur repaire : de sensibilité différente, la première composition «Water Foul Run Amok» ne fait pas moins de 39’14, alors que la dernière «Better Than Butter» est beaucoup plus ramassée 15’29.

C’est à l’ampleur et à la fascination du chant, à l’expression libre que ce quartet se réfère. Sans relâche le saxophoniste attaque, poursuit l’échange, le reprend en passant au baryton par exemple, avec une énergie indéfectible.

Dans la première composition, l’affirmation franche et précise au ténor dure près de 9’, soutenue par le pilonnement des deux batteries chargées à bloc alors que la contrebasse, proche et palpitante, n’est pas en reste. Puis, étonnamment,survient un passage long et méditatif, d’une douceur inquiétante ; car le répit, on le comprend vite, est toujours provisoire. Vers la 23ème minute, la pulsation de la contrebasse re joint le cliquetis-claquettes des batteries, en des motifs complexes influencés par les rythmes africains. Très vite, le saxophone revient tel un sifflet moqueur pour s’entretenir, vers la 31ème minute, avec la basse, avec en fond des interventions nettement plus légères des batteurs.

Quand il passe au baryton, David Rempis semble plus apaisé, rigoureux dans le phrasé, s’étant soulagé ailleurs de torrents de musique incandescente.

Pour la deuxième pièce, qui passe presque trop vite en comparaison, c’est la contrebasse qui attaque sur le crépitement des percussions, alors que le baryton la joue plus blues (pas bluesy, attention !). Vous l’aurez compris, nous sommes au cœur d’un dispositif de « wide open free jazz » avec des fragments de mélodie et des changements de rythmes contrôlés, une vibrante démonstration sans vociférations, plutôt rageuse et rebelle, un flot qui ne manque ni de délicatesse ni de force. Ces quatre là se connaissent depuis longtemps et n’ont aucune difficulté à converser, improvisant de façon si complice, en un élan continu, dans un arrière-pays transgressif. C’est dans de drôles de voies que nous entraîne ces amis qui ont joué et jouent encore dans des contextes très différents (pas moins de quarante groupes pour les batteurs). Ainsi s’entend dans cette musique sans parole, un seul chant qui exprime souvent la colère mais promet aussi la (ré)conciliation. C’est une vérité de « la chose » qui n’est sans doute plus «nouvelle» mais qui continue à se modifier : un projet collectif cohérent, intègre, constamment sous tension, dans une réelle urgence du jeu. A écouter sans modération...

Sophie Chambon

“Something Close To Something”

Quartet d’André Jaume

Label Durance/ distributeur Orkhêstra International

www.label-durance.org

www.atelier-de-musiques-improvisées.org

Dès les premières notes, on se retrouve dans une ambiance familière, une énergie propre au jazz qui rayonne au sein du quartet du saxophoniste André Jaume. Il s’en donne à cœur joie, acompagné du guitariste Alain Soler, du fils de celui-ci, Anthony Soler à la batterie et de Pierre Fenichel à la contrebasse.

On découvre ensuite qu’il s’agit d’une histoire d’amitiés, d’une rencontre fondatrice en 1991 entre le saxophoniste et le guitariste après que celui-ci ait écouté Something, enregistré en 1990 à New York sur le label sudiste Celp (fondé par André Jaume) avec Bill Stewart, Joe McPhee, Anthony Cox, Clyde Criner.

L’année de la rencontre d’Alain Soler avec André Jaume, le guitariste ayant obtenu le premier prix de la classe d’ensemble Jazz de Marseille dirigée par Guy Longnon, crée l’Atelier de Musiques improvisées dans le 04 (Alpes de Haute Provence). S’ensuit la création du label Durance, à la production discographique régulière, à laquelle participe en complice éclairé, André Jaume.

Ces précisions ne sont pas inutiles pour comprendre que ce disque actuel est construit comme un miroir inversé ( par exemple, le premier thème « 278 » s’appelait « 872 »), une sorte de mise en abyme autour des compositions du premier SMTHG, transformées en autant de « plagiats-prétextes jubilatoires », en déconstruisant rythmes, trames harmoniques, mélodies originelles. On est bien au cœur du dispositif du jazz, dans l’échange, le partage sans œillères, l’amour de la variation qui peut conduire à des translations sans fin. Douces modulations, irisations tendres, puissance plus instinctive du rock, voilà des transformations audacieuses réussies, un répertoire abordé différemment, rafraîchi en quelque sorte. Un album très agréable à découvrir, concocté par un formidable musicien, passeur incomparable, nourri de cette tradition jazz. Il a su s’entourer d’amis talentueux qui font résonner l’ensemble avec une belle homogénéité, puisque tous arpentent les mêmes rivages, à la recherche d’un horizon partagé.

Du jazz comme on l’aime, sans esbroufe, qui groove élégamment, un album-mémoire du passé obsédant et toujours exaltant de cette musique.

Sophie Chambon

DVD Stories FREDERIC COUDERC

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sax ....sans jamais oser le demander

Un voyage musical dans le monde de Monsieur Adolphe Sax ...

Sortie du DVD 1er juin 2015

Gaya music production /distribution Soca Disc

Stephane Coens : réalisation DVD

Frédéric Couderc (saxophones) et Patrick Cabon (piano)

Concert le 12 juillet à Strasbourg pendant Sax Open à 11h0 studio 400 de la Cité de la musique et de la danse

http://www.francemusique.fr/personne/frederic-couderc

Après une introduction volontairement langoureuse et voluptueuse sur le tango d’Astor Piazzola « Oblivion », Frédéric Couderc entreprend, avec son délicieux accent méridional, de raconter l’histoire des saxophones et de leur génial inventeur, Adolphe Sax né à Dinant, Belgique en 1914. Virtuose de la clarinette, instrument de perce cylindrique, il voulut augmenter son volume pour jouer dans les fanfares de rue : il eut l’idée de joindre un bec de clarinette basse sur un ophicléide (instrument de perce conique, à embouchure et à clé ...qui n’existe plus de nos jours). Le premier saxophone était né, le saxophone basse en ut.... dont Frédéric couderc nous donne une illustration immédiate avec « Indiana ». Dès le début, le saxophone a sa forme définitive, avec ce son moelleux que l’on entend dans le « tube » de Gabriel Fauré, la suave mélodie d’ «Après un rêve ». Fred Couderc la reprendra d’ailleurs en conclusion du DVD avec rien moins que six instruments différents comme le soprano, le c melody, l’alto droit, le taragot...

Accompagné au piano par Patrick Cabon, entouré de ses 25 saxophones, dont certains sont rares, voire inédits, il évoque la grande famille des instruments inventés par Adolphe Sax : sax horns, sax tromba, sax tuba et saxophones en si bémol et mi bémol. Ainsi, dans le quatuor de saxophones, on retrouve le soprano en Si b, l’alto en Mi b, le ténor en Si b et le baryton en Mi b ; mais existent aussi le sopranino, plus petit mais très aigu en Mi b, le basse en Si b et le contrebasse en Mi b.

Un petit jeu à présent pour vous apprendre à reconnaître les sonorités : le saxophone alto est présent dans les solos romantiques de la musique classique comme dans « Le vieux château » des Tableaux d’une exposition de Moussorgski. Il est proche de la sonorité du cor anglais, qui peut être également remplacé par le mezzo soprano en fa, dans le largo de la Symphonie du Nouveau Monde de Dvorak.

Il existe aussi des transcriptions pour le sax baryton sur la Suite n°1 de Bach écrite pour le violoncelle.

Pour qui s’intéresse aux instruments et en particulier au saxophone si emblématique du jazz, voilà un récit initiatique, truculent et illustré d’extraits superbes empruntés aux différents styles musicaux. Car si, à ses débuts, le saxophone est utilisé dans la musique de fanfare pour sa puissance, Adolphe Sax le fit connaître à Berlioz qui écrivit la première pièce pour l’instrument. Bientôt d’autres compositeurs illustres s’y intéressèrent Bizet, Debussy, Stravinsky, Gershwin. De la musique classique au jazz, le saxophone peut jouer tous les répertoires, aussi bien une valse de Gus Viseur que du rock, du funk, de la variété, de la world music. Rien ne lui est interdit comme dans ce « JK Groove » de Fred Couderc lui-même. Mais revenons au jazz qui est la musique de prédilection de cet instrument. En 1939, Coleman Hawkins joue « Body and Soul » avec un vibrato exacerbé qui ressemble à la voix humaine. Sidney Bechet, le père du saxophone soprano, d’une sonorité plus timbrée car il est plus légèrement conique excelle dans «Struttin’ With Some Barbecue ». Le saxophone est LA voix du jazz. Ecoutez donc ce « Sophisticated Lady » de Duke Ellington au baryton, plus rocailleux, ou encore ce « Creole Love Call » qu’interprète Fred Couderc avec plusieurs saxophones en même temps, à la façon de Roland Kirk, l’un de ses maîtres dans «The Inflated Tear ».

Voilà un DVD bien conçu, pédagogique et ludique, qui nous conduit sur les terres musicales défrichées par les saxophones. Frédéric Couderc est le guide rêvé pour cette exploration de toutes les facettes d’un instrument qu’il connaît sur le bout des clés et des anches, la preuve avec ce « Vocalise » de Rachmaninoff au saxophone ténor en ut, droit de forme comme l’alto droit, le « stritch » de Kirk. Ce type là est un fou de son instrument, un passionné collectionneur, je l’avais bien senti, à l’écoute de son album Coudophonie, déjà chroniqué aux DNJ : http://www.lesdnj.com/article-frederic-couderc-coudophonie-88716313.html

Car Fred Couderc aime tellement cet instrument qu’il a conçu un prototype, le coudophone ....

Donc, si vous avez encore des questions sur le saxophone, après la vision de ce DVD, un conseil ... consultez.

NB : Le bonus est plus technique : il y est question de mécanique, de matériel : on y apprend comment se fabriquent les instruments chez Julius KEILWERTH et en particulier, l’élaboration des anches chez le spécialiste VANDOREN (cannes de roseau cultivées dans le sud est).

Sophie Chambon

Yuval Amihai (g), Damien Varaillon (cb), Gautier Garrigue (dms)

Yuval Amihai est certainement un inconnu pour la plupart d’entre vous. Mais pas pour le microcosme du jazz Parisien où il commence, petit à petit à se faire un nom. Remarqué il y a deux ans lors du tremplin de Saint Germain, ce jeune guitariste israélien vivant à Paris ne se démarque pas d’une ligne artistique qu’il assume jusqu’au bout. On se souvient de cette édition du tremplin où, selectionné pour revenir en final le lendemain, le garçon avait été le seul à avoir consacré sa nuit entière à écrire un tout nouveau morceau pour venir nous le présenter. Chapeau l’artiste !

Yuval sera donc pour beaucoup la découverte d'un guitariste d’une rare élégance. Un de ceux qui, à l’instar d’un Fréderic Loiseau de ce côté-ci de l’hexagone, a la mélodie chantante au bout des doigts et de ses six cordes. Ce n’est pas pour rien qu’il se lance, sans crainte et avec un amour débordant à la rencontre de grands standards comme Skylark, Lover man ou encore My romance dont il magnifie chaque fois les superbes mélodies.

Yuval Amihai est le guitariste de l’apparente simplicité et surtout de la sensibilité et de l'élégance. Il fait ainsi chanter sa guitare, allant chercher dans ses impros des détours harmoniques assez subtils. Car il est zen Yuval, totalement et magnifiquement zen ! Il a même des accents de bluesman à la Scofield dans Forrest forgive them qui sonne très US. en tous cas une composition absolument magnifique. On pense bien sûr à cette grâce du temps retrouvé que l’on entendait chez Jim hall dont il doit certainement assumer une part de filiation. Ce temps qu’il laisse au temps, sans précipitation aucune.

Le trio qu’il a réuni témoigne d’une très grande écoute où chacun joue dans le plus doux du mezzo. Où le velours des notes de Yuval repose sur un lit de satin d’un drumming souple et d’une contrebasse moelleuse.

Totalement délicieux !

On souhaite à Yuval que son chemin de Tel Aviv à Paris se poursuive comme celui de son déjà illustre aîné, Yaron Herman.

Jean-Marc Gelin