Motema 2015

Joey Alaxander (p), Larry Grenadier ( cb), Ulysses Owens Jr., Russell Hall (cb), Sammy Miller (dms), Alphonso Horne (tp)

On voudrait en chroniquant cet album du pianiste balinais Joey Alexander, évacuer une bonne fois pour toute la question de son âge et toutes les notions d’enfant prodige qui vont avec. Car, disons le tout de suite la claque est d’autant plus grande à l’écoute de cet album que l’on apprend que ce jeune garçon n’est qu’un enfant de 12 ans à peine déjà doté au bout de ses doigts touts les ingrédients du génie en herbe. Né à Bali en 2003 le jeune pianiste qui dès l’âge de 6 ans pouvait rejouer des thèmes de Monk juste entendu dans la discothèque de papa, est en effet une vraie révélation.

On voudrait évacuer cette question de l’âge, se dire qu’il n’est pas l’exception, que d’autres à l’instar d’une Jacques Thollot en firent tout autant et que Keith Jarrett avait déjà donné son premier concert 5 ans avant cet âge là. Comme quoi finalement, le génie, c’est d’un banal !

N’empêche, on aimerait faire abstraction de toutes ces contingences pour aller droit à l’essentiel et vous dire que l’on est quand même restés abasourdis devant cet album assez époustouflant. Mais ne vous méprenez pas. On a pas affaire ici à ce genre de virtuoses, comme ces jeunes pianistes japonais(es) qui font sans cesse et à tout bout de champ état d’une brillante et clinquante maestria qui en fout plein la vue à chacune des phrases ( je pense à Hiromi par exemple). Ici, autre chose. Le jeune garçon, à qui l’on pourra reprocher parfois d’en mettre un peu trop, fait surtout montre non seulement d’une maîtrise exceptionnelle mais surtout d’un sens hors norme de l’improvisation où les idées harmoniques semblent jaillir à chaque phrase. Il faut entendre les détours avec lesquels il aborde les standards à l’image de cette introduction de Giant Step, déjà un modèle du genre. Car non content de maîtriser parfaitement son sujet, Joey Alexander le survole littéralement. Tout y est : la gravité lorsqu’il la faut ( Over the rainbow), la légèreté d’un Michel Petrucianni ( It might as well be spring), le sens du groove et du placement ( superbe impro sur Ma Blues au harmonies détonantes), le sens de développements aussi ou encore, justement le ménagement de ces espaces sensibles que l’on croyait pourtant réservé aux plus anciens, à ceux qui ont déjà tout dit. Tout est étonnant chez ce jeune garçon capable de surprendre constamment en émaillant son discours de mille pépites inattendues. Il déroule parfois comme Art Tatum puis l’instant d’après se fait prolixe comme Oscar Peterson mais sans jamais pourtant donner l’idée de plagier ses aînés.

Et c’est là que survient le malaise et que l’on revient à la question de départ : comment est il possible si jeune et donner l’impression d’avoir autant vécu musicalement.

Mais après tout peu importe le flacon et peu importe l’âge du capitaine dont finalement on se fout comme de l’an quarante (que d’ailleurs il n’a pas connu), le temps ne faisant décidemment rien à l’affaire, reste juste le plaisir entier et immense de cet album absolument jouissif de bout en bout et , par ailleurs assez magistral.

Jean-Marc Gelin

ORCHESTRE NATIONAL DE JAZZ OLIVIER BENOIT

Europa BERLIN

ONJAZZ records/ l’autre distribution

Sortie nationale le 27 avril

www.onjazz.org

Voilà l’ONJ reparti pour son tour des capitales européennes : après l’hommage à Paris, l’onzetet découvre Berlin. Le choix était évident tant la ville est unique dans son évolution et activité artistiques. Une évocation très personnelle où l’on sent, dès les photos du livret réalisées par le chef lui-même, une vision empreinte de ce recyclage urbain, où la nature boisée disparaît dans les friches industrielles, le no man’s land de conglomérats, gravats et sables. Un Berlin étranger plus qu’étrange, encore marqué de l’histoire tumultueuse et violente du XXè siècle, attentif à un présent omniprésent. Plus que jamais dédié à l’architecture et à l’accumulation/destruction des différentes strates historiques. Ce n’est vraiment pas un itinéraire touristique auquel nous sommes conviés même si le travail de mémoire est constant. Ou alors un tourisme de mémoire qui ne cesse de jouer à cache-cache avec les vestiges, de surexposer des fragments, obsédé par cette réunification autour d’un mur mythique, aujourd’hui démantelé.

D’ailleurs, les titres des compositions (Effacement des traces, Persistance de l’oubli, Métonymie, Oblitération) sont emblématiques du projet d’Olivier Benoît qui se recommande de Berlin, l’effacement des traces, livre de Sonia Combe, Thierry Dufrene et Régine Robin.

On retrouve les points forts du premier volet sur PARIS, ramassés sur un seul CD cette fois. On est saisi d’un bout à l’autre, du faussement doux « Effacement des traces » au vrillant «Détournement» final, par ces compositions toujours denses, alliant l’acier de crescendos puissants à la légèreté d’une chorégraphie aérienne. Un concentré d’énergie pur jus où de jeunes talents résolument actuels dans leurs recherches musicales sont entourés d’aînés confirmés et experts (divine section rythmique). Fruit d’une sélection rigoureuse qui se voulait impartiale, la formation est à mi-chemin entre le big band cuivré et le combo élargi : les instrumentistes jouent parfaitement leur rôle, tour à tour en pleine lumière mais pleinement collectifs dans des tutti orchestraux de belle facture.

C’est une vision éclatée du jazz d’aujourd’hui, où se côtoient rock alternatif, électro, avant-garde, rythmes d’une « asphalt jungle » en mutation, qui correspond à l’ordre séculaire que l’on a plus ou moins déconstruit dans la ville. Le Cd est fait de plusieurs suites qui se suivent, s’emboîtent en un klaxonnement presqu’ ininterrompu jusqu’à un achèvement, jamais épuisé. Une succession de morceaux autonomes avec des respirations brèves, qui favorisent l’improvisation, ou servent de tremplin à des développements plus larges. Dans une urgence convulsive («Métonymie»), les saxophones s’en donnent à cœur joie sur le tempo échevelé d’Eric Echampard et on se demande quand s’arrêtera cette cavalcade. Un grinçant et martelant « Révolution» ? « Réécriture» où violon et claviers s’ajointent sur des accents sourds de batterie, avant le pilonnement des cuivres et vents ?

Bouillon de culture avec toujours la touche avant-gardiste,qui faisait déjà sa force dans les années trente, Berlin continue à surprendre, à mener la danse avec un ONJ exultant dans le paysage musical contemporain.

Sophie Chambon

LEM 2015

https://fr-fr.facebook.com/GhostRhythms

Il y a peu de chance que vous connaissiez Ghost Rythms. Ce jeune groupe bourré de talent n'est pas forcément ( en tous cas pas encore) dans les radars du jazz hexagonal. Mais de vous à moi, il y a fort à parier qu'il sera bientôt l'un de ses acteurs incontournables. Car en effet ce jeune groupe et ses deux principaux compositeurs ( Xavier Gelard et Camille Petit) cumule les prix de compositions dans tous les tremplins où il passe ( dont notamment La Defense en 2012).

Il faut dire que Ghost Rythm a définitivement beaucoup d'idées et beaucoup de moyens pour les exprimer.

Après un album remarquable marqué par l'influence de Steve Coleman, le groupe parisien revient aujourd'hui avec un double CD axé autour du film d'Alfred Hitchcock, Vertigo ( ou " Sueurs froides"). Xavier Gelard explique qu'il a été un jour marqué par la légende selon laquelle "The dark side of the moon" l'album des Pink Floyd, pouvait s'entendre comme la bande son du film de Victor Fleming, "Le Magicien D'Oz".

Ici l'album se conçoit aussi comme celle de Vertigo.

C'est dire les qualités expressives de ce projet qui nous embarque en parfaite synchronisation avec les moments forts de ce film dont il faut redécouvrir les qualités hypnotiques ( à l'instar du regard incroyablement fascinant de Jame Stewart !).

L'exercice de Ghost Rythms et de ses deux remarquables compositeurs est ici d'autant plus périlleux qu'il leur fallait s'extraire de la musique inoubliable de Bernard Hermann. Pour ce faire, Gosth Rythms est allé puiser dans le creuset de ses influences modernes. On pense beaucoup à Guillaume Perret, on pense à Ping Machine ou encore au grand ensemble de John Hollenbeck.

L'écriture terriblement efficace et porteuse d'émotions fortes est envisagée comme des traveling ou comme des cadrages de sons et d'image. Il fallait pour réussir ce challenge, une réalisation et une direction de groupe impeccables avec une vraie dimension orchestrale ainsi qu'une place laissée à chacun des musiciens qui le compose (que chacun des solistes porte à merveille).

Et c'est par le biais de l'écriture et de l'engagement total qu'il parviennent alors à nous emmener à l’intérieur de l'écran.

Il y a parfois dans cette musique une dimension kaléidoscopique, comme l'agencement d'un rouage fascinant. La musique y est en mouvement, s'y fait organique, comme la danse de micro- cellules qui s'agencent entre elles.

L'orchestre s'entend alors comme un véritable choeur.

Du début jusqu'à la fin de l'album , on reste captivés par ces moments, ces images suggérées, ces passages de l'effroi à l'émotion dramatique, par la course effrénée rythmée par un groove fort et par ses belles montées paroxystiques.

En fait jamais ce double album ne nous lâche.

Vous ne connaissiez pas Ghost Rythms ?

Vous aviez radicalement tort mais il n'est jamais trop tard. Laissez vous embarquer !

Jean-Marc Gelin

Impulse 2015

NDR : Attention cet album ne ressemble pas à grand chose de ce que vous avez pu entendre jusqu’à présent.

Snarky Puppy ( litt. : « le chiot narquois ») est un collectif créé en 2004 par le bassiste américain Michael League. Véritable OVNI dans le paysage sage du jazz, le groupe de Brooklyn est un ensemble musical indépendant qui se joue des codes et des frontières, des instrumentums autant que des barrières stylistiques. Ce groupe d’artistes indépendants à géométrie variable, ne cesse album après album de fasciner par son art de se jouer des sons du jazz et de la funk avec un sens de l’écriture particulièrement exigeant et pourtant assez jubilatoire. Elu plusieurs fois meilleur groupe de l’année ( en 2008,2009 et 2010) le groupe de Michael League ne cesse de surprendre son monde qui aimerait bien le ranger dans une case, oui mais fichtre, dans laquelle ?

Le nouvel album, enregistré en live avec le célèbre Metropol Orkest ( aujourd’hui dirigé par Jules Buckley) est dédié à la forêt ( d’où son titre , Sylva) , que Michael League décrit comme « un endroit à la fois innocent, effrayant, inspirant, impénétrable, fragile, stoïque, révélateur, un abri, un labyrinthe, un temple, une tombe, un sanctuaire, un parlement, un prison ». De quoi inspirer l’écriture très créatrice du bassiste qui, effectivement donne un certaine dimension protéiforme à son projet soutenu parfois par les cordes de l’orchestre néérlandais. Objet curieux, cet album évolue entre jazz funky, fanfare, popo et classique et instaure parfois des climats très forts à l'image de ce Curtain très émouvant certainement la pièce maîtresse de l'album avec une ouverture à cordes très Malherienne avant que des tambours plus lourds et plus rock n'envahissent l'espace. Les morceaux à tiroirs évoluent alors dans le temps et l’espace musical saisissant au vol de constants revirements de systèmes. 2 claviers ( l’orgue de Cory Henry, assez génial ici et le fender de Justin Stanton) se partagent un groove aussi fort que subtil s’appuyant juste lorsque la dramaturgie l’impose, sur un tapis de corde qui ne vient pas casser le groove mais au contraire le porter autrement.

C’est que la musique de Snarky y est conçue de manière symphonique comme une sorte d’opéra rock ( Gretel) où la masse orchestrale du Métropole prend toute son ampleur. Lorsque l’on entend une composition comme Sintra qui s’appuie sur l’écrin

des arrangements pour cordes on pense à la liberté que pouvait avoir un Charlie Haden lorsqu’il racontait avec Carla Bley et son Liberation Music Orchestra une musique à grande ampleur narrative.

En fait toutes les références des grandes écritures du jazz et de la pop avec un grand zest de classique se mêlent ici et les références se bousculent alors pour un musicien qui démontre ici l’étendue et la richesse d’une culture musicale foisonnantes

Pour ceux qui n’étaient pas au concert de Snarky Puppy le 7 mai Paris o le 8 à Coutances, il est urgent de se procurer cet album comme le témoignage éclatant d’une musique en mouvement.

Fascinant

Jean-Marc Gelin

CASSANDRA WILSON : « Coming forth by day »

Sony Music 2015

Mettons un peu de côté la célébration un tantinet ridicule du centenaire de la naissance de Billie Holiday pour ne retenir avant tout et surtout que l’hommage très personnel d’une grande dame du jazz à une autre. Si Billie Holiday est évidemment la référence suprême de toutes celles à qui elle a donné un jour la vocation de chanter le jazz, Cassandra Wilson assume cet hommage avec une vision très personnelle et quasiment intime de cet héritage.

Mais Cassandra elle, vient du Delta, et porte en elle un autre blues, d’autres moiteurs. Clles du Mississsipi d’aujourd’hui où les bleutés des guitares électriques ont remplacé le velours des ténors lesteriens.

Produit par Nick Launay ( producteur connu notamment pour son travail avec Nick Cave), « Coming forth by day » est un album aux couleurs parfois très sombres porté par la voix magnifique et profonde d’une Cassandra Wilson qui magnifie ici une autre façon de chanter le blues de Billie. Jamais la chanteuse du Mississipi ne cède au plagiat ni à la tentation de la reprise. Son job ici c’est de redonner à Billie Holiday sa place dans la modernité. Billie devient électrique et brumeuse, proche ( comme elle le dit dans les colonnes de jazzmagazine) du rock alternatif dont Cassandra Wilson dit qu’elle y aurait certainement trouvé son univers aujourd’hui.

Et si Cassandra s’égare parfois dans quelques reprises un peu incongrues comme celle de You go to my head ( malgré de superbes arrangements et une coda très hollywoodienne) , sa version simplissime de The way you lok tonight touche au cœur et celle de I’ll be seeing you est quasiment hypnotique et lunaire. Mais il y a un souffle unique et épique dans cet album. Mélancolique ans être triste, parfois débordant d'amour et pourquoi pas de joie, il remet les choses à leur place bien au delà des clichés sur Billie.

Il y a dans cet album une vraie signature de Cassandra qui ne nous fait pas douter un seul instant de son authenticité. Son hommage à Billie Holiday touche au cœur. « Coming forth by day » est une référence au livre des morts des anciens de l’Egypte antique ( Livre pour sortir au jour). Mais mieux qu’un hommage, c’est une façon d’accompagner Billie ailleurs, là où elle se trouve. C’est-à-dire justement ici et maintenant.

Jean-marc Gelin