Jean Baptiste Berger tenor sax & glockenspiel

Sebastien Leibundguth guitar & loop

Jerôme Klein drums

www.jeanbaptisteberger.com

Une de mes découvertes  de cet été fut le groupe Cadillac Palace, un trio sans piano (saxophone, batterie, guitare), parfaitement équilatéral. Ce qui sous entend une écoute attentive, une interaction pertinente, un sens du rythme à trois.  De plus, l’objet CD est plaisant : une jolie pochette d’un jaune subtil au graphisme délicat du graphiste rémois GMTW, qui renvoie au théâtre baroque du Cadillac Palace à Chicago, idéal pour découvrir des spectacles de Broadway...

La musique ?

Les six titres explosifs autant que mélancoliques, enregistrés en analogique représentent « ce que l’on pourrait avoir sur scène et non l’inverse, un peu comme on devait enregistrer dans les années soixante » confie le saxophoniste JB Berger.   

L’ambiance très particulière qu’installe la guitare électrique nous replace dans une esthétique rock assumée et c’est très bien ainsi… Envolée (o)rageuse dans « Fighting with D ». Les influences sont clairement à voir du côté des « guitar heros »  de Van Halen à notre Marc Ducret national. Les compositions, amples et généreuses sont toutes de la plume du saxophoniste marnais Jean Baptiste Berger qui a une double  formation classique et jazz, point commun avec le batteur luxembourgeois.

La rencontre lors de la participation au projet européen Jazzplayeurope en 2012 a cristallisé la formation du trio et scellé le début d’une belle aventure commune, réunissant « la complexité du jazz à l’efficacité de la musique actuelle ».

 « Jimmy fais moi bien »  est l’un des morceaux préférés mais à dire vrai, tout est accrocheur dans cette musique, dans le bon sens du terme : une musique de sang mêlée, mélodique, énergique, précise. Une heureuse fusion, oserai-je écrire, si le terme n’était pas trop connoté pour cette heureuse alliance, cet assemblage réussi que l’on retrouve dans le bien nommé « La somme des différences», une ballade langoureuse et subtile comme on les aime où la guitare cristalline s’ajointe au phrasé délicat du saxophone. C’est le final qui s’achève dans un souffle et aussi le titre de cet album qui résume la philosophie du projet musical des trois complices.

Sophie Chambon

Together Together!

Abalone productions

www.abaloneproductions.com 

Voila un duo saxophone/batterie réduit à l’essentiel, une formation plutôt rare qui donna lieu dans le passé à de magnifiques associations que le saxophoniste Daniel Erdmann et le batteur Christophe Marguet prolongent à leur manière aujourd’hui. Car ces magnifiques musiciens ne perdent jamais leurs repères.
Une surprise malgré tout de découvrir ce jeu tendu, d’une extrême nervosité, dégraissé à l’extrême, dès le premier titre qui annonce la couleur : «One Rythm, One Melody». On suit la porosité de ce dialogue qui favorise une inversion très complémentaire de leurs fonctions respectives. Ce sont les règles classiques de l’ «interplay» magnifiées dans l’intelligence de leur jeu.

Plus que de l’aridité, c’est la « simple » exposition de l’harmonie qui sous-tend le discours du saxophoniste. Et même là, sans velouté, Daniel Erdmann s’en sort avec grâce, avec des qualités expressives, de la puissance, conservant sa séduction.[1] Caresse des balais sur les peaux, roulement des baguettes de tambour, souple rebond, moins de vigueur et de rage cette fois dans le jeu de Christophe Marguet. Mais cela fonctionne mieux avec les volutes sèches envoyées par le ténor comme dans ce titre «Hommage(s)» où le final vous saisit à la gorge. Chacun apporte son énergie et sa vision singulière, mais leurs deux univers s’accordent à merveille, arrivent à se fondre dans de belles et courtes improvisations  «Together,Together !», «I Siguia ».

 On peut être comme moi sensible à l’ émotion, au retour des anciens, à qui les musiciens actuels doivent tant. Quand ils reprennent « Fleur africaine » et «Lush life», compositions de ces formidables écrivains de musique que furent Duke Ellington et son alter ego Billy Strayhorn, ils ne sauraient mieux choisir pour signifier leur attachement à cette musique, à l’Afrique, terre matricielle du jazz. Ces versions ne sont pas simples reprises « arrangées » : en gardant la perfection mélodique du thème, elles tracent des chemins autres, autrement vifs qui inscrivent leur empreinte dans une mémoire musicale collective, sans se refuser le plaisir d’allers-retours, croisements et divagations raisonnées.

Un album vivement recommandé, vous l’aurez compris !

Sophie Chambon

Jerry Leonide (p), Gino Chantoiseau (cb), Jhonny Joseph (dms), Sylvain Gontard (t), Vincent Lê Quang (ss), Woz Kaly (vc), Benjamin Petit (as), Linley Marthe (b), Fred Grenade (b), Christophe Chretien (perc), Fannie Klein (bkgd vc)

ACT 2014

Si ce jeune pianiste mauricien est encore inconnu sous nos hexagonales contrées, rassurez vous, cela ne va pas durer. En tous cas il ne l’est pas de l'autre côté des Alpes où il a commencé à se tailler une solide réputation en arrivant 3ème au concours international de piano solo à Montreux en 2011 puis en remportant ce même concours en 2013. Sans compter la ribambelle de trophées accumulés ces derniers temps.

Il faut dire que Jerry Leonide est certainement un surdoué. Et ce premier album suffit en lui-même à le démontrer très largement.  Mais pas un surdoué du genre à en faire des tonnes. Tout au contraire.

Dans cet album Jerry Léonide mêle plusieurs influences entre Caraïbes, Afrique, Océan indien. De chaloupements en biguines joyeuses et charmantes (Mauritius) où le

pianiste se fait gracile et alerte, il effleure le clavier avec force de swing. On en serait presque à se lever et à y danser dessus. Jerry Leonide c'est un son assez chaleureux et fondamental. Même fondu dans le son du groupe, Leonide s'impose. On ne l'entend pas, on l'écoute. Assez impressionnant dans son aisance à l'improvisation sur un thème comme Dodo baba il affirme toujours une forte présence. On retrouve chez lui la patte de l'école cubaine, de celle des grands pianistes qui déroulent la clavier avec grâce et avec une formidable aisance rythmique.

Mais Jerry Leonide signe aussi une belle cohésion de groupe qui sonne terrible. Sylvain Gontard à la trompette y apparaît en très très grande forme ( Independance day part 2, morceau presque en live sans véritable coda qui tourne entre le trompettiste et le saxophoniste Vincent Lë Quang visiblement hyper impliqué dans ce premier album du pianiste).

Jerry Leonide est un chat agile, remarquablement à l'aise dans les changements de tempo pour aller vers un pure swing jazz bop sur Paul et Virgine où là encore il affiche toute son autorité de maître du trio.

Mais pour un pianiste qui s'est fait connaître pour son travail en solo il affirme ici surtout un sens du collectif et un vrai son de groupe ample, riche et accessoirement superbement enregistré par Julien Basseres au Studio de Meudon. Il faut entendre le groupe dans son ensemble sur un des morceaux les plus puissant de l'album, Strong relationship qui monte en puissance porté à la fois par cette rythmique mais aussi par deux magnifiques solistes dans un moment de fusion très "soulful". Sublime.

Hésitant parfois entre les mélodies charmantes et les progressions harmoniques puissantes, Jerry Leonide affirme dans ce premier album une réelle identité. De pianiste mais aussi de leader d'un groupe puissant dont émerge à la fois les trois solistes et une rythmique impressionnante.

A découvrir absolument sur scène.

Jean-Marc GELIN

ONJazz records/ L’Autre distribution

www.onj.org

Le premier opus de l’ONJ d’Olivier Benoît[i] ? Un double CD avec des bonus tracks, une suite parisienne en 6 parties, soit plus de deux heures de musique. Aucune note de pochette[ii] mais un montage de superbes photos de Benjamin Trancart, censées représenter Paris de nuit, la place de la Concorde, les rives de la Seine et une statuaire qui évoque  une fontaine de place royale...

Le propos de cet Europa Jazz Paris est de présenter en un « work in progress » nomade, sur les quatre ans du mandat du compositeur Olivier Benoît, une série de portraits de villes. Quoi de plus naturel que de commencer par  Paris, la ville-lumière,  le lieu moderne de l’expérience poétique, artistique? Relier la musique à la découverte actuelle de la ville, voilà une extraordinaire matière à une succession de tableaux inspirés par « l’effervescence artistique et la diversité d’invention de la scène musicale », les réalisations architecturales passées et présentes, l’urbanisme contemporain. Il est vrai que le sens de la respiration et de la circulation, les flux générés par l’activité humaine sont essentiels dans la compréhension du tissu urbain. On retrouve d’ailleurs cette conception urbanistique dans la musique, échanges et autres interactions entre tous les musiciens. C’est à une vision actuelle, moderne que nous sommes confrontés avec ce nouvel  orchestre intergénérationnel, composé de 11 musiciens dont Bruno Chevillon (également conseiller artistique) et Eric Echampard, entourés de jeunes musiciens.

 Voilà une version différente certes de l’ONJ précédent de Daniel Yvinek, mais toujours  animée d’un authentique « esprit » jazz européen. Une sorte de cohérence, de continuité qui installe plus confortablement encore le principe d’un orchestre national de Jazz. Un attelage coloré et composite, emmené à un rythme soutenu par la paire rythmique superlative qu’il n’est  plus nécessaire de présenter, un alliage de toutes les musiques actuelles avec cet éternel mélange d’écriture et d’improvisation.

On retraverse en tous sens les artères de la capitale, ville heureuse, où, à la différence d’une Métropolis bipolaire,  tout paraît aérien, léger dans cet ensemble aux tonalités majeures, ensoleillées. Les partenaires mélodiques comme harmoniques  se dévoilent : envolées lyriques, exubérantes de la trompette de Fabrice Martinez, salut piaffant du trombone de Fidel Fourneyron, interventions maîtrisées de Théo Ceccaldi au violon et alto, claviers aux multiples effets de l’expérimentateur Paul Brousseau et « piano étendu » subtilement amené par la fidèle Sophie Agnel.

 Olivier Benoît mène finement le jeu, très discret à la guitare, mais on ressent qu’une certaine jubilation a dû le diriger, électrisant  à son tour ses partenaires. Il situe ce projet complexe, pharaonique, au croisement de nombreuses influences sans abuser des collages, accélérations et déséquilibres permanents usuels dans ce genre d’entreprise, avec cependant assez de contrastes pour que chaque musicien intervienne avant de laisser à d’autres l’espace de la respiration créative.

Cette vision urbaine n’a rien à voir avec le prélude urbain minéral de West Side Story ou les tableaux picturaux de Vincente Minnelli / George Gershwin dans Un Américain à Paris. Point de cartes postales touristiques non plus, mais cette musique projette dans l’univers passionnant d’Olivier Benoît et devient la B.O d’un film à l’énergie phénoménale, sous-tendue par l’expression exaltée mais jamais hystérique des soufflants. Citons au passage ceux non mentionnés auparavant, à savoir Jean Dousteyssier (cl), Alexandra Grimal (ts, ss) et Hugues Mayot (as). Une heureuse complémentarité de styles (avec une prédominance rock cependant ) confère à l’album son relief singulier où les musiciens savent  tisser un langage musical commun qui soutient l’ensemble.

Ce décloisonnement bienvenu est bien l’une des plus belles réussites de cet album électrisant. La musique tient en haleine jusqu’au final. La toute dernière pièce, le dernier bonus du double Cd que vous n’entendrez pas forcément sur scène, formerait d’ailleurs un final exemplaire à ces tableaux parisiens.

Si vous n’avez pas l’occasion de voir ce programme en live, sachez que la musique écoutée est admirablement mise en valeur par le travail de l‘ingénieur son Boris Darley et mérite de remplir son rôle d’exposition de nouveaux talents, représentants de cette musique aimée.  Saluons en tous les cas, le démarrage de ce nouvel  ONJ.

Sophie Chambon

Jazz Village 2014

Xavier Desandre Navarre (perc, dms), Stéphane Guillaume ( sax, fl, clb), Stéphane Kerecki (cb), Bruno Rousselet (cb), Emil Spanyi (p), + Alan « Allonymous » Conway (vc) sur « Gil », Vincent Peirani ( acc) sur Andaluciana

Xavier Desandre Navarre est devenu un musicien incontournable de la scène hexagonale et d’ailleurs. De ceux que tout le monde s’arrache tant ses talents de polyrythmicien raffiné et subtil sont recherchés qu’il s’agisse de lui comme batteur mais surtout de lui comme admirable percussionniste. La richesse de ce qu’il exprime est infinie dans sa recherche des sons, des placements et des influences venues du monde entier.

C’est justement ces effluves et ces parfums envoûtants venus d’Afrique ou d’Asie que Xavier Desandre Navarre marie fort subtilement au blues et au groove. Une ouverture assez classique portée par un gros son de Stéphane Guillaume laisse place au pianiste Emile Spanyi comme toujours éblouissant. Ce pianiste-là, on le reconnaît immédiatement tant il développe un style propre, percussif mais pas trop, lyrique mais pas trop, avec toujours un sens inné du swing et une vraie délicatesse au bout des doigts, économe des phrases inutiles. C’est d’ailleurs dans le morceau suivant qu’il nous offre un magnifique moment de flottement éthéré en trio sur Mango Flower.

Si le morceau d’après est un peu moins intéressant sur le plan compositionnel, Sodeska donne en tous cas l'occasion d'entendre un groove tout en nuance où Desandre Navarre apporte  milles et un sons aux ostinatos de contrebasse. XDN fait mouche quand il installe ensuite un climat un peu roots et jungle, limite chamanique comme ce Ganwondo Airang venue d’un traditionnel coréen où le saxophone de Stéphane Guillaume se fait sinueux comme un serpent avançant tout en lacis subtils et lents à la fois. Où alors dans Follow my backlight envoûtant, où la clarinette basse et la polyrythmie de XDN nous guident dans cette épaisse moiteur d'une jungle profonde. Un hommage parlé-chanté aux deux Gil ( Evans avec qui il a joué et Scott Heron avec qui il aurait aimé jouer) prend la suite avec ce même tempo d'un blues traînant et poisseux.

Au gré de l'album on est frappés par l’étendue des sons déployés par Xavier Desandre Navarre véritable caméléon-sorcier vaudou - magicien des peaux et des résonances.

Un moment de swing doux s'installe avec Stéphane Guuillaume (admirable) à la flûte sur

(Promesse). Mais c'est un morceau presque bâclé, en tous cas bien trop court ( coït interrompu) que l'on aurait aimé voir se déployer bien plus longuement tant la magie du groupe y fonctionne à merveille sous les enluminures d’un Spanyi très inspiré, ou encore dans ce magnifique morceau (toujours à la flûte sur Let it like this) encore une fois à la limite de l'ensorcellement.

Car avec In Pulse c'est bien de cela dont il s'agit. D'une voluptueuse sorcellerie.

Xavier Desandre y fait des merveilles, apportant à la musique une pulsation

Vitale. A entendre le blues se marier aux polyrythmies proches de la musique aka ou des gamelans d’Asie on se dit que Xavier Desandre Navarre avec la sérénité des sages parvient à rendre le monde plus proche. Et la pulse vitale qu’il instille sous la peau de ses tambours porte en elle cette force universelle qui fait vibrer le monde.

Jean-Marc Gelin

Prochains concerts :

- 19/09 au Sunside à Paris

- 27/09 à Cerny