Subatomic particle homesick blues

Ben Goldberg (clb), Joshua Redman (ts), Ron Miles (tp), Denin Hoff (cb), Chess Smith (dms), Scott Amendola (dm)

2008 Bag Production Records

Unfold Ordinary Mind

Nels Cline (g), Ellery Eskelin (ts), Rob Sudduth (ts), Ben Gildberg (clb, cl), Ches Smith (dms)

2012 BAG Production Records

Sortie simultanée dans les bacs de deux albums de Ben Goldberg enregistrés à 5 ans d’intervalle.

Belle occasion pour ceux qui ne connaissent pas encore le clarinettiste Ben Goldberg de découvrir sa musique et ses talents de compositeur. Ceux qui sont des habitués de la planète zornienne ont déjà eu l’occasion de l’entendre à ses côtés. Et avant même l’éclosion de Masada, Ben Goldberg s’inscrivait déjà dans cette tendance de la Radical Jewish Culture avec son New Klezmer Trio, il y a plus de 20 ans déjà.

Depuis, l’eau à coulé sous le pont de Brooklyn et Ben Goldberg poursuivant notamment son travail aux côtés de Myra Melford s’est détaché de cet aspect-là pour s’ouvrir à toutes les formes de jazz. Parfois même aux limites d’un rock un peu ésothérique.

Mais dans ces deux albums que nous présentons ici, ce que l’on découvre avant tout c’est sa manière de détourner sa passion pour la musique classique et pour les études de Bach et de venir ici s’appuyer sur un matériau focalisé sur le contrepoint.

Dans le premier album (« Subatomic particle homesick blues »), c’est au jazz straight façon Brass Band et New-Orleans qu’il applique ce modèle d’écriture en s’appuyant notamment sur le son superbe de Ron Miles ( Evolution, Possible). Mais comme Ben Goldberg est plutôt du genre à jouer le syncrétisme , ce jazz n’est pas si classique qu’il en a l’air et cette affaire-là tourne aussi à la musique plus funky comme Ethan Song dans laquelle Joshua Redman, abandonnant son staut de super star du jazz évolue, on le sait comme un poisson dans l’eau. Avec une pêche magnifique et une banane jusque-là Ben Goldberg propose, contrairement à ce que le titre de l’album pourrait faire croire, un album lumineux et parfaitement optimiste.

Certes avec ses couleurs matinées de rock plus lourd ou carrément de pop, sur « Unfold Ordinary Mind » la guitare de Nels Cline apporte dans ce second album sa part d’ombre et d’obscurité au paysage. Cline y prend alors le rôle de Ron Miles alors que la partie de sax occupée 5 ans auparavant par Joshua Redman est ici partagée par Ellery Eskellin et Rob Sudduth. Ben Goldberg y est un peu plus cantonné à un rôle de bassiste qu’il exerce à la clarinette basse essentiellement ( mais quel son , nom d’un petit bonhomme !). Plus éthéré sans être pour autant psychédélique, Ben Goldberg s’inscrit dans une mouvance alors plus moderne allant même parfois, avec un brin de second degré jusqu’au kitsch ( comme sur Xcpf) avant que le thème, à la base presque insipide n’évolue naturellement et ne se fonde dans des nappes plus électriques.

Dans les deux cas, soutenus admirablement par un Ches Smith transformé en caméléon, Ben Goldberg nous donne une leçon de musique et d’expression collective.

Dans son mouvement alerte et dans cette forme de langage interactif Ben Goldberg démontre de quoi le jazz d’aujourd’hui se nourrit.

Jean-marc Gelin

PUJ

On suit toujours avec plaisir aux DNJ le devenir des membres talentueux et fort sympathiques du collectif PJU (deux saxophonistes, deux guitaristes, un contrebassiste, un batteur).  Leur dernier opus, éponyme du nom du groupe, commence par un titre merveilleux, comme on les aime, ce « Moon Woman »  construit sur un crescendo vrillant à souhait, déstabilisant, composition du guitariste Romain Pilon qui met particulièrement en valeur les saxophones d’Olivier Zanot et David Prez, sur la batterie exacerbée de Karl Jannuska. Suivent deux compositions plus « calmes » de l’autre guitariste du groupe, Sandro Zerafa, qui prolongent cet effet d’ « inquiétante étrangeté » que l’on ressentait dès l’ouverture. La marque distinctive du PJU, ne réside-t-elle pas dans ce son toujours très pur, élégant, cette chaleur de son de timbres patinés, la complicité réelle qui s’entend du début à la fin de l’album ? Le tandem rythmiquede  Karl Jannuska et Yoni Zelnik, particulièrement créatif, propulse les souffleurs qui marient leurs impressions, belles effusions fécondantes, « drippings de son » sur un « Pollock » énergique (on n’en attendait pas moins pour un hommage au grand peintre de l’ « action painting » ). Un album qui sait être offensif dans ses contrastes dynamiques, ses foucades rythmiques comme dans ce « Stealth » enthousiasmant ; ou à l’envi, élégiaque, à moins que ce ne soit rêveur, dans l’entrelacs d’autres thèmes  comme « For F. Mompou », « PJU Blues », longuement fouillés, joués avec fluidité et délicatesse. Il y a du rêve, des couleurs souvent grisantes et aussi cette touche de mélancolie qui vous atteint très directement au coeur. Voilà pourquoi l’on aime ce collectif attachant aux voix aussi singulières qu’affirmées. Une certaine idée du jazz qui n’est pas pour nous déplaire… N’hésitez pas à  aller les écouter s’ils passent près de chez vous.

Sophie Chambon    

Seventh tension records 2012

Elie Dalibert (as), Manuel Adnot (g), Arthur Narcy (dm)

Nous nous étions extasié il y a plus d’un an sur ce jeune groupe qui était alors sélectionné par Jazz Migration ( 2011) et venait de remporter un tremplin à Jazz à Vienne (link)

Pour son troisième album, ce jeune groupe se présente dans la même formation de trio sax, guitare, batterie. Mais alors qu’hier nous étions séduits par cette façon de fabriquer la musique ensemble et par son expressivité, allez savoir pourquoi, ici le charme n’opère plus comme avant.

Bien sûr il y a la performance orchestrale qui impressionne toujours autant. Comment ces jeunes garçons dans une formule aussi simple que le trio peuvent-ils donner autant d’intensité à leur musique, autant d’épaisseur orchestrale et de puissance à leur jeu, là où derrière la mélodie, (ici très anecdotique) une autre forme de musique s’exprime, symbiotique entre jazz-rock et pop. Chacun des trois musiciens est ici totalement impliqué dans un rôle bien défini. Elie Dalibert s’y montre, au sax, un improvisateur exceptionnel alors que Manuel Adnot ancre la musique vers une texture électrique et très rock parfois (trop) saturée et que de son côté Arthur Narcy déploie un énorme volume de jeu et de mise en reliefs sombres.

Cet album joue à la fois sur les ostinatos rythmiques qui créent la dramaturgie ( Girafe) à la limite même du heavy métal parfois (Dark Wizard) ou au contraire sur des moments très espacés, très étirés  jusqu’à l’extrême limite du minimalisme ( Nocturnum ou ce très beau Ambre qui clôture l’album ). Un peu comme ils le faisaient dans le précédent album.

Mais le problème c’est qu’entre ces deux procédés musicaux, le matériau compositionnel semble bien plus faible qu’il ne l’était dans « Pink Paradise ». L’alternative entre en mettre trop ou n’en mettre pas assez peine à émerger. Et ce n’est pas d’ailleurs le très pop Electric Lovequi parvient totalement à réconcilier ces extrêmes. Balaçant sur deux pieds, l'ossature de l'album se révèle à la longue sans grande surprise.

Mais il n’en reste pas moins qu’avec un groupe comme Sidony Box, les jeunes explorateurs du jazz visitent de nouvelles contrées avec un sens du son et de la musique qui peur surprendre et étonner ceux qui ne les connaissaient pas avant. Ceux-là se laisserons à tous les coups embarquer dans l'affaire.

Ce qui est en soi très remarquable.

Jean-Marc Gelin

Nous n’avons malheureusement pas reçu le DVD qui est censé accompagner le disque. Gageons qu’un lecteur avisé nous en fera amples commentaires.

  Chris Cheek (ts), Pierre Perchaud (g), Nicolas Moreaux (cb) + Sergio Krakowski, André Charlier

Gemini Records 2012

C'est avec beaucoup de courtoisie et de discrétion que Pierre Perchaud réalise son deuxième album. Loin d'une mise en valeur de lui-même c'est avant tout un écrin qu'il a décidé d'offrir au saxophoniste Chris Cheek. Sur des compositions de toute beauté signées du guitariste, écrites entre deux tournées avec l'ONJ ou au hasard des longs voyages entre deux concerts, Pierre Perchaud avoue avoir écrit spécifiquement en fonction du superbe saxophoniste ténor avec qui, depuis longtemps il rêvait d’enregistrer. Et le moins que l’on puisse dire c’est que celui-ci s’est totalement approprié la musique de Perchaud pour trouver dans les belles mélodies du guitariste matière à improviser avec des accents et un phrasé à la Stan Getz ( Le vieux piano et la lampe). Chris Cheek, saxophoniste incontournable du paysage New-Yorkais contemporain a un sens incroyable de la musicalité, le sens du soyeux, du velours qui enveloppe ces belles compositions Presque comme un chanteur de charme. Une façon de prendre son temps et de laisser s'écouler l'improvisation dans le prolongement naturel de la mélodie. C'est à la fois fort joli et très intimiste. Perchaud quant à lui passe de la guitare électrique à l'acoustique avec des inspirations parfois très folk (voire le très beau Montréal). Il a ce type d'élégance des guitaristes qui le rapproche de quelques uns de ses modèles comme notamment Jim Hall dont on le sens proche sur un standard comme No moon at all ( où l'on pense aussi à ce guitariste oublié, Oscar Moore qui joua notamment avec Nat King Cole).L’ensemble de l’album se déroule ainsi sur un mode soft d’une grande douceur où les trois membres du trio sont véritablement dans l’écoute d’une musique au charme irrésistible. Et c'est lorsque cette musique atteint ce degré de non –prétention, qu'elle se livre avec cette émouvante simplicité elle déploie alors tout son charme.

Pierre Perchaud sera au Duc des Lombards vendredi 25. Il serait vraiment dommage de manquer ce très bel instant de grâce

Jean-Marc Gelin

Mosaic records

ll y en a des qui devraient être béatifiés. Des qui ont leur place directe au paradis. Tenez pas plus tard que mardi soir, l'Académie du jazz décernait à juste titre ses décorations à Jordi Pujol , patron de Fresh Sound pour le formidable travail de réédition qu'il effectue depuis 30 ans. Et bien moi je dis que Michael Cuscuna, chief editor de Mosaic devrait bien lui aussi se trouver sa place dans le jardin d'Eden des jazzmen. Car voilà des années que cet inlassable chercheur d'or et de raretés nous offre, et de la meilleure des façons qui soit, de sublimes rééditions agrémentées d'inédits épatants. On se souvient notamment du récent coffret Ahmad Jamal paru en 2010.  Aujourd'hui c'est avec Charles Mingus et ses Workshop de 1964-1965 qu'il nous régale encore. Avec un matériau incroyable de 7 Cd’s (dont les deux derniers totalement inédits) et autant d’heures d'écoute de 5 concerts enregistrés entre avril 64 et mai 65. Certaines pièces sont connues mais d'autres jamais éditées ont été exhumées par Sue Mingus la veuve hypra-active et gardienne du temple de son génie de défunt mari.

Le résultat est absolument remarquable.

En 1964, Mingus est au sommet de sa gloire.Toujours en effervescence, toujours prompt à faire émerger les meilleurs combos de la scène américaine, le contrebassiste-compositeur a déjà gravé des chefs d'oeuvre comme Pithécanthropus Erectus, Blue Roots, Mingus Ah Um, The Black Saint and the sinner lady, Mingus ! etc…… En 1964 Charles Mingus poursuit son travail avec des petites formations allant du quintet au sextet et travaille et répète inlassablement, remettant sans cesse l’œuvre sur l’ouvrage. C’est de cette période que date la série de concerts qui sont ici réédités. Les deux premiers cd’s reprennent les enregistrements live à Town Hall ( 4 avril 1964). 5 des 12 morceaux présentés étaient jusque là inédits. Suit le concert de Concertgebouw à Amsterdam 6 jours plus tard. La formation ce des concerts y était mythique. Elle regroupait Johny Coles, Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jackie Byard et l’éternel Dannie Richmond. Avec le concert de Town Hall qui ouvre cette série, on atteint déjà des sommets. Il suffirait pour s’en convaincre d’écouter cette pièce magistrale de 27mn (Praying with Eric) qui donne l’occasion à Eric Dolphy d’écrire l’un de ses plus magnifiques chorus.

Avec la mort du saxophiniste-clarinettiste deux mois plus tard c’est une autre formation qui se produit à Monterrey le 18 et le 20 septembre 1964 puis Minneapolis le 13 mai 1965. En Californie Lonnie Hillyer prend la trompette, Charles Mc Pherson l’alto et John Handy le ténor. Jacki Byard et Dannie Richmond restant fidèles au poste. Là encore , cette réédition nous donne l’occasion d’entendre plusieurs rareté dont un «  Copa City Titty », jusque là jamais entendu.

Les hommages de Mingus «  à sa façon » se multiplient : à Ellington ( Sophiticated lady,  Duke Ellington Meddley), au ragtime et aux grands pianistes ( ATFW pour Art Tatum et Fats Waller) ou encore à Bird ( Parkeriana). Mingus puise bien sûr dans le blues, source d’inspiration première mais aussi dans le jazz New-Orleans qu’il ne rejette pas ( When the Saints go marching in) ou même au mainstream qu’il joue avec bien sûr un clin d’œil un poil ironique ( Cocktails for two). Et ces célèbres ateliers de Mingus aboutissent à un véritable feu d’artifice d’inventivité rageuse, de solistes héroïques, de musique engagée et de créativité qu’il nous est donné d’entendre. Et surtout la concrétisation du génie compositionnel du contrebassiste. Pour preuve de cette créativité collective, ce célèbre Fable of Faubus qui à Town Hall faisait 11’’06 alors que 6 jours plus tard le même thème fait l’objet d’une véritable suite de + de 30mn.

Pour aboutir à réunir ces inédits il a fallu un véritable travail de fourmi qui a été effectué en collaboration avec la veuve de Mingus, avec une partie du matériau trouvé à la Librairie du Congrès ou encore avec d’autres pièces dénichées  dans l’obscure collection du festival de Monterey et conservées par le label de Clint Eastwood. Le livret qui accompagne la musique est lui aussi remarquable tant pour ses liners notes signées Sue Mingus et Brian Priestly que par les photos magnifiques qui les accompagnent.

Autant dire que ce travail de réédition exceptionnel devrait valoir à Michael Cuscuna au minimum sa place au Paradis.  

Quant à Mingus ne vous inquiétez pas pour lui, il l’y attend depuis belle lurette.

Jean-Marc Gelin