Kind of Blue 2011

Samuel Blaser (tb), Russ Lossing (p), Thomas Morgan (cb), Paul Motian (dm)

Il y a des albums dont on pourrait parler comme de véritables ouvrages.  Ou comme des études presque littéraires. De ces albums qui portent véritablement en eux un vrai propos. C'est exactement le cas de cet album fourmillant d'intelligence que le tromboniste suisse consacre pour une grande partie a la relecture de pièces de Monteverdi. A une approche jazz de la musique de la renaissance et baroque.

Samuel Blaser qui vit entre New-york et Berlin, deux haut lieux de création s'il en est livre en effet une passionnante exploration personnelle de cette musique, matériau précieux et base de digressions abstraites, de libres improvisations à partir d'un support sur la base mélodique au plus proche de l'original et qui évoque bien sur les arias de celui qui fut l'inventeur de l'Opéra.

Samuel Blaser qui s'apprête a publier tout prochainement un album en compagnie de Marc Ducret et de Gerald Cleaver, est un musicien rare. Pas seulement l'instrumentiste exceptionnel qui libère le trombone de tous ses carcans pour lui donner ici une expressivité sublimée, mais aussi un musicien qui propose, un musicien qui invente, qui crée et qui donne vie à ce qu'il crée. Un musicien en mouvement en quelque sorte.  Maitre en animation, en "renaissance" en quelque sorte, au sens littéral de redonner vie à ce qui n'est plus. Travail d'orfèvre aussi.

De cette musique-là on entend bien la respiration intérieure. Elle ouvre des espaces d'improvisations très libres autour de ce que l'on pourrait appeler des variations. L'esprit "free" (au pied de la lettre) peut s'y retrouver quant à la liberté que les musiciens s'y accordent. Liberté formidablement encadrée par les talents d'arrangeurs de Samuel Blaser. C'est bien là l'esprit de ce mouvement historique (La Renaissance) : la liberté de création encadrée dans des canons académiques et formels.

A ses côtés, Paul Motian est ici le coloriste de l'ensemble, au pinceau fin et subtil. Ses effleurements de peau donnent le frisson. Quant à l'entente avec le pianiste helvétique Russ Lossing, elle éclate ici, là où chacun propose sa propre lecture, sans que l'on sache vraiment si l'on est dans le domaine de l'improvisation ou de l'écrit.

Et il faut absolument venir et revenir sans cesse à cet album qui recèle de vraies merveilles cachées.  Découvrir le jeu fascinant de Samuel Blaser dont le discours captive et fascine. Aucun développement linéaire mais des reliefs et des sons, des sons râpeux au grain épais, des glissandos plaintifs, des growls qui arrachent des bouts de terre et de ciel,  des évocations comme des récitatifs magnifiquement incarnés. Y revenir toujours. Et découvrir ces digressions sur Frescobaldi ou encore sur cet émouvant Ritornello de Monteverdi. Il y a cette approche de la musique où celle-ci est si expressive qu'elle semble presque nous parler et discourir avec nous.

Et dans cet album aux milles contours l'émotion qui effleure toujours avec légèreté pour ceux qui y prêterons l'oreille.

Grand disque

Jean-marc Gelin 

www.bigfourquartet.com

2011

Julien Soro (as, ts), Stephan Caracci (vb), Fabien Debellefontaine (tuba), Rafaël Koerner (dm)

Deuxième album du très remarquable et très remarqué Big Four quartet. Remarquable assurément autant par la somme des talents qu’il agrège que par l’instrumentum très original qu’il réunit. En effet en associant un vibraphone et un tuba en lieu et place d’un couple piano-batterie, Julien Soro, pierre angulaire de ce projet contribue à la création d’une matière sonore originale.

Alors c'est mutin. C'est le lieu où l'énergie et la puissance deviennent ludiques. Dans leur musique l'influence d'un Tim Berne d’un Steve Coleman ou d’un Henri Threadgill. Celle d'une musique aux confins du jazz, du rock et de la musique contemporaine (même si ce raccourci réducteur n’aurait en soi rien de très original), se jouant des métriques et des grilles harmoniques.

Big Four tourne beaucoup autour du son de l’incroyable saxophoniste leader, Julien Soro dont la simple puissance évocatrice du jeu dynamite tout. Depuis plusieurs années déjà on a repéré Julien Soro comme l'un des plus talentueux de sa génération. Après avoir littéralement porté son groupe Gaïa sur plusieurs tremplin de jazz, puis être passé dans le quatuor des saxophones aux côtés de Chautemps, Jeanneau et Jean-Charles Richard, Julien Soro s'impose aujourd’hui avec Big Four comme l'un des saxophonistes de référence en France. La puissance et surtout la densité de son discours sonne comme un fleuve irrépressible, massif, avec cette épaisseur qui donne du poids au discours. Entendre par exemple son introduction sur Bientôt l'heure ou Svp pris d'assaut par Julien Soro alors que la rythmique rivalise de dynamisme insufflé.

Mais ce sont 4 « sons unis » et il y a des associations dans ce groupe. Le tuba ( qui remplace la basse traditionnelle) et la batterie. Le sax et les nappes souples du vibra de Stephan Caracci (vibraphoniste que l'on entend entre autre chez Raphaël Imbert) et qui imprime magnifiquement sa science de l'harmonie, son sens de l'accompagnement et des sonorités presque électriques et parfois lunaires. Et toujours cette belle empathie du groupe comme sur la Septième parole où l’on est impressionnés par le soin partagé à façonner l’ouvrage. C’est un peu comme si l’on voyait sous nos yeux une mécanique interactive se mettre en branle comme sur cet Automne a trois temps où l'on visualise presque les rouages et engrenage d'un collectif qui "tourne" ensemble. Et il y a le sens du détail et du compagnonnage. Pas étonnant que presque tous les membres de ce quartet se retrouvent tous dans le Ping Machine de Fred Maurin, autre belle et formidable mécanique.

Les compositions, toutes signées de Julien Soro et révèlent une écriture de grande qualité formelle. Sans trop forcément rechercher les espaces, Soro parvient à créer une musique exigeante qui laisse place au jeu collectif et remplace les contre-chants par des mécanismes de questions-réponses cachés derrière le soliste. Remarquablement efficaces ces compositions nous bousculent parfois et nous sortent de toute tentation d’easy listening. Cet album se découvre pour ceux qui en feront l’effort.

Mais, revers de la médaille, ces compositions manquent parfois de direction claire. Ainsi par exemple cette relance sur Nos Sons Unis alors que l’on aurait peut être souhaité une coda plus « attendue » ou encore une prise alternative de Boule de neige qui aurait pu aussi être évitée.

Reste la force de cette musique passionnante et créative en diable et la puissance de son leader qui passe et emporte, comme dans cet Automne à trois tempsoù le jeu passionné de Soro s’impose comme l’un des moments forts de cet album.

Jean-Marc Gelin

Big Four Quartet sera en concert au Parc Floral dimanche 3 juillet

La sortie officielle de l’album est prévue pour le 8 septembre au Sunset à Paris

Label Cristal records/ Harmonia mundi

Voilà un disque éminemment réjouissant qu’il convient de déguster simplement : un jazz classique, lisible, et bien vivant  dès la pochette où les cuivres s’offrent à nous, resplendissant en un bouquet final … à Nice, reine de la Côte d’Azur, l’une des capitales historiques du jazz . Ainsi se présente le NJO (Nice Jazz Orchestra), orchestre rutilant créé en 2008 par des enfants du pays, à l’initiative du saxophoniste Pierre Bertrand, du contrebassiste Christian Pachiaudi et du batteur Alain Asplanato, avec les meilleurs solistes de la région.

Dans cet album sorti sur le label Cristal, le Nice Jazz Orchestra, composé de 17 musiciens, fait son festival justement. A sa tête, l’un des spécialistes de la direction d’orchestre, un as de l’arrangement, un maître de la composition, Pierre Bertrand. Ce sudiste n’en est pas à son coup d‘essai puisqu’il a créé avec son compère, le Toulonnais d’adoption Nicolas Folmer, cet autre grand format, le Paris Jazz Big Band. Il invite d’ailleurs ce dernier ainsi que le clarinettiste mentonnais Stéphane Chausse, l’accordéoniste Frédéric Viale, les chanteurs du Sashird Lao ..

De quoi créer une multicolor feeling fanfare qui tire le big band vers un marching band sur des thèmes chantants comme la « Grande parade boogaloo », hommage au premier festival de jazz de Nice.

L’album s’ouvre par un délicat « My funny Valentine » en hommage au regretté François Chassagnite, trompettiste du NJO (ce fut son dernier solo), mort le 8 avril dernier. Le répertoire est composé de standards comme ce « Caravan » où s’illustre au soprano un Jean Marc Baccarini survolté. Personne dans la formation ne rechigne à jouer des standards, les musiciens du NJO, « guests » inclus. Ces standards sont peut-être à dépoussiérer (encore que…) mais surtout à reconquérir, selon la formule de Jean Pierre Como. En liberté, comme ce «Night in Tunisia» qui méritait, cette année plus que jamais,  un vibrant hommage de l’autre rive de la Méditerranée. 

Ces thèmes, au cœur de la musique jazz, d’où partent tant d’autres directions actuelles, sont en perpétuel devenir. Certains ont été rendus célèbres par Nougaro que Pierre Bertrand accompagna en concerts, arrangeant en 2000 pour le Palais des Congrès « Work Song » de Nat Adderley et « The Cat » du pianiste Lalo Schiffrin.

Mais on retrouve aussi des compositions plus personnelles de Pierre Bertrand ou des pianistes Jean Pierre Como (l’un des fondateurs de Sixun), du délicieux Zool Fleischer (« Air comme René »), ou encore de Lalo Zanelli ( musicien argentin de Gotan project). « Paris chaviré » est un thème de Julien Lourau, période Groove gang, qui est transformé en rap slammé aux accents du percussionniste Minino Garay et de Sashird Lao. Difficile ici de citer tous les instrumentistes qui jouent vraiment collectif, servant d’écrin aux envolées toujours appréciées des solistes Stéphane Chausse, Frédéric d’Oelnitz au piano, Fred Luzignant au trombone, Amaury Filliard à la guitare. Quant à Pierre Bertrand, sur deux de ses compositions inspirées de folklores du monde, il prend un solo de flûte aux accents flamenco sur «Haut de Cagnes» et joue à la klezmer, au soprano, en hommage à Jochen Kreuzer sur « For JK ».

Tout un festival de couleurs et de timbres rendus par cette formation méditerranéenne, lyrique et tendre, puissante et effervescente qui se présente dans tout son éclat.

Un album roboratif à conseiller en ouverture de l’été qui sera « caliente » !

PJU Records 2011

Sandro Zerafa (g), Laurent Coq (p), Yoni Zelnik (cb), Karl Jannuska (dm)

On a encore en tête le premier album du guitariste qu’il signait avec son White Russian Quintet et que nous avions chroniqué ici même il y a trois ans ( http://www.lesdnj.com/article-24668956.html). Nous avions alors remarqué la très grande qualité d’écriture du guitariste maltais. Et c’est sans surprise que, dans ce nouvel album en quartet l’on se laisse prendre par ses belles compositions où la finesse de l’écriture le dispute à l’élégance de jeu du guitariste.

Evitant avec autant de tact que de « savoir-jouer », tout effet virtuose, Sandro Zerafa est un  gentleman du jazz. Rien d’étonnant d’ailleurs à ce que son camarade de jeu soit Laurent Coq. Tous les deux se répondent à merveille. Les eux se sont évidemment trouvés. Et rien d’étonnant non plus qu’il s’inscrive dans cet écrin de velours que constitue la rythmique Zelnik/Jannuska. Et l’on s’attardera d’ailleurs sur le drive du batteur canadien qui donne ici relief et frémissement à cette musique. Jannuska qui se situe un peu entre le point de croix et l’orfèvrerie, tout en ornements et en petites fioritures, dans cet art de pousser la pulse avec discrétion. On se délecte donc de ce jouage des 4.

Pourtant cette musique souple et raffinée donne parfois le sentiment de l’être un peu trop. A tourner autour des mélodies avec quelques manières, les musiciens donnent parfois le sentiment de jouer un peu entre eux. Et la subtilité de leurs échanges ne se livre qu’à la condition de l’écouter et de l’entendre.

Ceux qui auront cette écoute-là entendrons chez Sandro Zerafa cette façon de jouer avec grâce qui nous rappelle un peu Tal Farlow. Ce sens du jeu qui semble si facile. Comme coulant de source.

Car cette poésie urbaine, c’est bien de cela dont il s’agit : une sorte de source régénérante.

Jean-marc Gelin

ECM 2011

Craig Taborn (p)

C'est toujours l'exercice le plus compliqué pour un pianiste que celui de l'exposition en solo pour celui qui est aujourd'hui l'un des plus recherché pour ses talents de sideman. Mais là, Taborn est tout seul, totalement exposé dans sa musique et ses talents d'improvisateurs. Et dans cet exercice-là, il doit avant tout composer avec ce studio de Lugano et ce son ECM. Son ample avec un effet cathédrale où les résonances et le tournoiement des harmonies est important dans la construction même des espaces improvisés.

L'exercice est comme souvent chez le label ( lorsqu'il ne s'agit pas Jarrett.... quoi que....) terriblement introspectif et crépusculaire. La marque ECM, l'esthétique à laquelle le label de Manfred Eicher nous a habitué. On sent la direction artistique de l’allemand. Le pianiste alterne les pièces très espacées comme sur the Voice says so où les intervalles laissent penser à des musiques expérimentales comme celles de Brian Eno, avec des pièces très serrées et denses ( comme sur le titre éponyme Avenging Angel).

Mais cet exercice aussi brillant soit il ne convainc pas toujours. Très concertant (il est curieux d'ailleurs de voir que Craig Taborn a été programmé à Paris dans une salle comme le Sunside alors qu'un tel programme aurait pu justifier Pleyel p.ex), l'ensemble n'embarque jamais réellement son auditeur. Trop introspectif et parfois trop cérébral, il renvoie une image, non pas glacée mais néanmoins parfois une peu figeante. Mais, parfois, Craig Taborn dessine comme des poèmes furtifs, des sortes de haïku minimalistes qui ont la légèreté du vent (True Life near). Parfois au contraire c'est le flot d'une improvisation (à la Jarrett justement) qui s'exprime dans une liberté sauvage ( Gift horse/over the water ou encore Spirit hard Knock) sur des ostinatos de la main gauche dont il explique dans le dernier numéro de Jazzmagazine sa conception. Craig Taborn utilise alors tout le registre du grave du piano dans ses moindres recoins.  Au détour de cette déambulation surgissent parfois des paysages magnifiques, à fleur de peau comme de simples cartes postales tirées d'un mémorial intime (Forgetful).  Il y a  dans cet exercice solitaire la recherche d'une véritable esthétique.

L'exercice a déjà été entendu du côté de chez Manfred Eicher. On peut tout aussi bien s'y ennuyer avec élégance et retenue. S'assoupir un peu mais avec beaucoup de chic. Le jazz joué ainsi en piano solo à tout pour plaire aux thuriféraire de ce jazz aristocratique que côtoierait avec tenue un Alexandre Tharaud au théâtre des Champs Elysées. Car ce jazz-là doit moins à Monk qu'à une certaine école classique. Mais avec cet album Craig Taborn semble surtout accomplir le rite initiatique destiné à le faire entrer dans la loge des grands pianistes sérieux, de ceux qui comme le "maître" de Pensylvanie ou comme François Couturier peuvent s'offrir le luxe de pénétrer dans le studio d'enregistrement de Lugano et accéder ainsi  à 41 ans au statut supposé d'immortel du label.  Espérons juste que cela ne soit pas digne d'un enterrement de première classe et que le pianiste continuera sa voie aux côtés de Chris Potter ou de Dave Binney. Avec cette façon si clase qu’il a de poser le swing.

Jean-Marc Gelin