Amina Alaoui : « Arco Iris » ***

ECM – 2011

Amina Alaoui (vc, daf), Saïfallah Ben Abderrazak (vl), Sofiane Negra (oud), José Luis Montón (gt flamenca), Eduardo Miranda (mandoline), Idriss Agnel (perc, gt élec)

Pour un cinquième disque sous son nom, la chanteuse d’origine marocaine Amina Alaoui nous revient avec « Arco Iris », entourée ici majoritairement par des instruments à cordes. Avec aussi le daf et quelques percussions orientales, ce divin enrobage instrumental nous transporte tout au long du disque au-delà des frontières musicales. La suavité de cette voix aux mille émotions voyage entre Andalousie, Portugal, Maghreb et Orient, au gré d’improvisations libres autour de thèmes traditionnels. Les langues et les cultures se mêlent entre elles au fil des œuvres, allant de l’arabe au portugais, en passant par l’espagnol. Il est possible aussi d’y trouver un certain parfum occidental de cadences harmoniques qui à l’écoute ne nous est pas inconnu, en témoigne l’introduction de Flor de nieve. L’équilibre entre toutes ces origines s’approche de la perfection par ce savant mélange entre les effluves sonores improvisés d’une guitare flamenca et le lyrisme d’un violon sauvage du désert. Que dire encore de l’ambiance d’un Fado venu de nulle part emplissant nos cœurs de mélancolie par le biais d’une mandoline aux cordes sensibles, dans Fado menor. Paradoxe de la lenteur du discours et de la chaleur intense de l’émotion. Quelques années après cette formidable collaboration avec Jon Balke et Jon Hassell dans « Siwan », enregistré sur ce même label ECM en 2008, Amina Alaoui nous offre à nouveau de belle manière l’occasion de voyager par la Musique.

Tristan Loriaut 

ECM – 2011

Mathias Eick (tp), Audun Erlien (bass), Andreas Ulvo (pno), Torstein Lofthus (dms), Tore Brunborg (sx ten), Gard Nilssen (dms), Morten Qvenild (key), Sidsel Walstad (harpe)

  Musicien reconnu de la décennie passée, artiste devenu incontournable sur le mythique label ECM, le trompettiste norvégien Mathias Eick nous offre un second disque sous le nom de « Skala ». En plus de son savoir-faire de trompettiste arrangeur et compositeur, on lui découvre ici des talents de guitariste, vibraphoniste ou encore contrebassiste. Teinté d’émotions aussi intenses que diverses, ce nouvel opus est habité par le côté Pop du Jazz actuel. Fraicheur et inventivité des compositions, science de l’économie dans l’improvisation, le son général de ce projet musical est maîtrisé à l’extrême, de façon à transmettre avec le plus de justesse possible un message clair et distinct. Mélancolies passagères (Skala), lyrisme des harmonies (Edinburgh), démesure de l’écho (Oslo)… tels sont quelques uns des ingrédients utilisés par le créateur d’origine nordique. A noter aussi le groove incommensurable d’une rythmique évoluant parfois sur une thématique Electro. L’ensemble du disque offre une ambiance langoureusement homogène, le timbre des instruments étant pour beaucoup dans cette succession de morceaux à ambiances quasi-identiques, pour ne pas dire monotone. Ce qui ne dénaturera pas la qualité et la quantité du travail accompli. Signalons au passage la robuste participation en tant que sideman du saxophoniste ténor Tore Brunborg qui distille magistralement ses phrases pendant le solo de Day After. Avec audace, nous pourrions entrevoir chez ce trompettiste une certaine filiation avec la carrière de musiciens comme Erik Truffaz ou bien encore Dave Douglas. Ce disque est fait de blanc, de gris et de pourpre, en accord parfait avec la nature. C’est dans Epilogue que prend fin ce voyage à travers des effluves sonores enchanteurs.

Tristan Loriaut 

Dreyfus 2011

Marcus Miller (b), Christian Scott (tp), Alex Han (as), Frederico Gonzales Pena (clav), Ronald Brun Jr (dm)

  On serait bien tenté de se dire que Miles Davis constitue aujourd’hui un filon inépuisable que d’aucuns auraient tendance à exploiter jusqu’à la corde en se gavant de rééditions multiples et variées et de commémoration en hommage divers. Sauf qu’il ne s’agit pas ici du nième album de Ron carter rendant hommage au trompettiste mais de la captation live d’un concert donné en décembre 2009 à Lyon pour revisiter « Tutu » l’œuvre majeure de Miles de 1986, par son principal protagoniste, Marcus Miller qui en fut à la fois le compositeur, l’arrangeur, le bassiste et le producteur. Et là, forcément on se dit que le garçon a bien le droit de se faire plaisir et de faire revivre ce répertoire en l’animant d’une autre flamme. En plus des compositions de l’album de 86, Marcus Miller y adjoint d’autres thèmes de Miles, plus un sentimental mood un peu plus incongru dans le contexte.

Et si on sent quand même l’affaire commerciale à plein nez, on ne peut pas s’empêcher de prendre un panard monstrueux à l’écoute de ce live au cours duquel tous les acteurs sans exception ont largement mouillé la chemise pour donner ce soir-là le meilleur d’eux mêmes. Marcus Miller était accompagné pour l’occasion d’une jeune garde et notamment de deux jeunes pousses remarquables. Christian Scott aussi frimeur que Miles, flamboyant, balançant des grooves terribles (Ecouter sa version de Tutu) fait un très honorable Miles alors que le saxophoniste Alex Han fait lui aussi très très bonne figure, propulsant une dynamique extrême et un sacré son qui l’impose certainement comme l’un des talents de demain à suivre.

Marcus Miller avec son côté « bass-hèro » que l'on retrouve constamment chez lui aligne des chorus de folie, funky en diable mais parfois un peu lassants, comme autant de moments de prouesses à la manière d'un chien savant. Mais on lui pardonne cette manie bien communicative de se faire plaisir et de se la donner à fond. Car dans cet exercice, Marcus Miller fait exploser le groove comme personne. Ce qu'il fait sur Tomaas ( entre autre) montre qu'il est bien aujourd'hui la référence absolue de la basse moderne, dont le lyrisme dispute au beat infernal. Insurpassable. N'en reste pas moins que certains de ses interminables chorus, qui se conçoivent en concert lorsque Marcus fait le show, auraient peut être gagné à être ici raccourcis au montage.

Aux claviers, signaler absolument un extraordinaire Fredrico Gonzalez Pena qui irradie la scène de ses nappes sonores.

Marcus Miller n’avait jamais donné Tutu en live avant ce concert Lyonnais. Il y met l’âme et la braise.Ne donne jamais dans l'économie. Dans cet écho au concert de Miles de 1991, Marcus Miller fait revivre cette flamme de manière intense et totalement probante. Le public lyonnais (le veinard) que l’on peut voir dans le DVD qui accompagne le CD, exulte et s'emballe, chaud bouillant à l’unisson.

Jean-Marc Gelin

Mario Canonge (p), Félipe Cabrera (cb), Obed Calvaire (dm), Linley Marthe (b), Chander Sardjoe (dm),

Avec ses airs un peu ronchon, limite grognon, Mario Canonge risque de nous en vouloir un peu. On va longer les murs et se faire tout petits minuscules. Songez, avec 6 mois de retard, au moment où le père noël s’apprête à vous balancer dans la cheminée tous les cadeaux dont vous avez toujours rêvé, juste à ce moment-là nous découvrons le dernier album du pianiste martiniquais comme une sorte d’ultime pépite dans cette fin d’année morose. Et que l’on ne vienne ici pas nous parler de crise, de déprime généralisée et. Ah que non !

Car ce que nous entendons ici, c’est tout le contraire, c’est l’opulence, c’est la profusion, c’est la délectation à foison d’un pianiste aussi génial qu’hors pair. Chez Mario Canonge le piano semble s’allumer d’un feu jusque là éteint. Son sujet l’inspire. Qu’il s’agisse des poèmes d’Edouard Glissant, des textes de Chamoiseau ou d’Aimé Césaire en l’occurrence.

Prenez ce matériau de base, faîte appel à l’intelligence de son écriture et ce que vous trouverez ici c’est ici un de ces grands (immense) pianistes de jazz capable de vous emporter bien loin. Une présence qui irradie. Mario Canonge c’est la puissance d’un jeu très percussif alliée à une technique exceptionnelle ( ah cette sacrée main gauche capable de vous jouer des contre temps et de marteler des rythmes syncopés !). Avec toujours cet équilibre délicat entre le discret chaloupement et le swing « dur ». J’enrage de le voir mis dans certaines cases comme celle du «  jazz carribéen ». Foutaises. Bien sûr les racines sont présentes mais en filigrane plus ou moins visibles selon les thèmes. Mario Canonge ne renie rien. La créolité de la biguine au Gwo Ka. Noel filao est l’illustration la plus criante d’une créolité qui avance dans le temps, réinventée. Où l’on perçoit la qualité du travail d’arrangement du pianiste aussi à l’aise ici qu’un poisson de toutes les couleurs dans une eau bleue turquoise. Travail qui fait passer le thème par tous les reliefs possible, jamais linéaire et toujours brillant.

On jubile et en plus c’est de saison ! Et Mario Canonge de nous expliquer clairement que tout est aussi une question du son, de maîtriser ce fichu son qui pourrait se diluer dans le groove si on se laissait aller mais qui chez lui n’en est au contraire que l’expression de la force vive. Mario Canonge vient aussi du jazz et il faut absolument entendre ce très beau morceau, «  A fleur de terre » où la pianiste s’inscrit dans la lignée des grands pianistes de trio jazz actuel. Dans une forme jazz plus classique, Room 150 y affirme un swing à la classe suprême, où Canonge et Michel Zenino au sax se partagent les harmonies avec luxe de raffinement. Il y a là sous les doigts de Mario Canonge l’esprit de Bill Evans à fleur de peau.

Mais cet album va de surprises en surprises. Il y a de tout, dans un syncrétisme étonnant. Toujours nous laisse à l’affût. Manie même parfois une petite dose d’humour comme sur ce Ska du Scalp  (pour moi pas forcément le meilleur des morceaux). Va même jusqu’à embrasser la musique traditionnelle arménienne dans un geste qui trace un pont entre les cultures. Car finalement ce doit être un peu cela le jazz. Ce qui jette un pont entre des cultures où domine ce sens du rythme et du swing. Il faut être un très grand musicien pour en faire une démonstration si cohérente. Mario Canonge de toute évidence se range dans cette catégorie.

Jean-Marc Gelin

PS : que l’on me permette ici de rappeler toute l’affection que l’on porte au travail que Mario Canonge fait régulièrement avec Viviane Ginapé, cette magnifique chanteuse que nous ne saurions que vous encourager à aller voir lorsqu’elle se produit près de chez vous.

Tzadik 2011

 Cyro Batista (perc), Kenny Wollesen (vib)

Peter Evans (t), David Taylor (btb), Marcus Rojas (tuba)

   Dans sa série des files cards compositions, John Zorn poursuit ici avec deux petits enregistrements enregistrés en en juillet 2010 sous sa direction. Deux petites pièces réunies : l’une « Vision of Dionysus » (26’33) en duo avec Cyro Baptista et Kenny Wollense et l’autre, « Cerberus » (10’34) en trio avec trompette, tuba et trombone basse.

2 ensembles de fiches pour dépeindre le grotesque dans son acception zornienne et sur l’agencement du compositeur New Yorkais. Derrière les cris et les rugissements, le prolifique compositeur crée une sorte de férie champêtre faite d’animaux, de chèvres et de moutons s’ébattant dans le pré, dans la pure vision mythologique du Satyre. Zorn comme à son habitude endosse le rôle d’un réalisateur de cinéma, créateur d’installations sonores provoquant comme à son habitude les sens et les émotions de l’auditeur comme dans cette dernière séquence de Visions of Dyonisus où tous les sont sollicités dans la caverne du satyre.

Ce bestiaire sied bien à John Zorn qui navigue comme toujours entre enfer et féérie.

Les fouets qui claquent y sont presque délicieux. C’est totalement pervers et pour tout dire un peu jouissf.

A (ne pas) mettre en toutes les mains.

Jean-Marc Gelin

Ps : comme toujours les illustrations et le livret signés des dessins d’Austin Osman Spare illustrateur et magicien ( 1886-1956)  en font un objet superbe.