Bee Jazz Records / Abeille Musique Distribution - 2011

Majid Bekkas (guembri, oud, gt, vc), Ablaye Cissoko (kora, vc), Khalid Kouhen (perc, vc)

Pas si loin du Jazz et de sa consistance si particulière, « Mabrouk » est le dernier disque en date de l’artiste Majid Bekkas. Il est accompagné cette fois encore de belle manière par deux autres magiciens du son en la personne de Ablaye Cissoko à la kora, dit « le griot rouge », et de Khalid Kouhen aux percussions, l’ami de longue date. Le musicien marocain utilise son instrument de prédilection, le guembri, comme porte-voix pour transmettre toute la poésie qui l’habite. Cette poésie est d’ailleurs mélangée aux douces sonorités de la kora, parfois aux aquatiques résonnances de tablas, pas si musicalement étrangères (dansMabrouk), ainsi qu’au lyrisme gnawa de l’oud (dans Masmoudi). Dans son entièreté, l’album nous fait ressentir d’agréables sensations de voyage au-delà des frontières culturelles de chacun de ses participants. Le répertoire qui y figure est fondé sur une savante alternance entre compositions de Majid Bekkas et thèmes traditionnels. Il faut signaler aussi la présence d’un autre jeu de l’alternance avec à la fois des chansons interprétées par le compositeur lui-même, la réplique étant souvent donné par des chœurs, et à la fois une succession d’improvisations mettant en scène chaque instrument. Ce magnifique opus nous laisse imaginer une réunification musicale entre le nord et le sud du Sahara, en témoigne la volonté du griot sénégalais Ablaye Cissoko à faire sonner son instrument de façon maghrébine comme par exemple dans Bala Moussa. Il est possible aussi de succomber au plaisir d’entendre la gracieuseté d’une guitare acoustique au son clair et rayonnant, accompagnant la voix de Majid Bekkas sur les paroles de Touré Kounda de Salya. Ce voyage onirique africain touchant à sa fin, l’album se clôture par un Hommage aux ancêtres rempli d’émotion, où résonne par un talent immense la voix de la transmission des traditions de cet artiste marocain incontournable.

Tristan Loriaut

Le Chant du Monde 2011 ( dist. Harmonia Mundi)

Remi Sciuto (sax, kyb, voc), Antonin Leymarie (dm), Antonin Rayon (kyb), Fred Pallem (g ; b), Nicolas Mathuriau (perc), Bioris Boulbil (synthés)

Certes on entre bien dans cet album un peu comme on entrerait dans un  opera-pop-rock un peu fantasque. Avec une couleur parfois 70's derrière laquelle on imagine que va débouler un Roger Daltrey. Il y a de l'humour là dedans à l'instar de ce titre ( " rêve et fantasme d'une chaussure ordinaire"), des évocations, des tableaux et des mouvements ( tant mieux s'agissant d'une chaussure). C'est baroque et parfois même un peu "pompier".  On déambule, on semble sortir d'un magasin clinquant, on effleure la peau.

L'empreinte de Zappa est forte et l’on imagine l'album mis en image par un Tim Burton ou porté sur les planches par  un chorégraphe déjanté tant la dimension scénique est évidente et demande plus que de la musique ( de la vidéo ! de l’éclairage d’une boule à facette ! des acteurs colorés !). Car si le soin extrême porté aux compositions et aux arrangements est évident et donne à penser la pièce dans sa globalité plutôt qu'au travers de chaque titre, il n'en reste pas moins que cela manque un peu de jeu. Chroniquer cet album sur un site dédié au jazz fait peu de sens. L’improvisation et le swing ne sont pas de la partie ( normal s’agissant d’un groupe dont le nom est Antigroove syndicate) et les musiciens servent l'oeuvre (ambitieuse) en oubliant un peu de se servir eux-mêmes.

Reste le plaisir de cet onirique voyage, cette déambulation fantasque que l’on suit avec amusement et dont le charme ne manque pas de séduire.

Jean-Marc Gelin

ACT 2011

Nguyên Lê: guitars, computer, fretless electric guitar (3), prepared Vietnamese Cai Luong acoustic guitar (8), baby 12-string acoustic guitar (14); Illya Amar: vibraphone (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10-13, 15), marimba (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10, 12, 13, 15), electronics (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10, 13, 15); Linley Marthe: electric bass (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10, 12, 13, 15), vocals (12); Stéphane Galland: drums (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10, 13, 15); Youn Sun Nah: lead vocal (1, 10); Ousman Danedjo: vocals (1, 2, 7, 15), lead vocals (5); Gou Gan: erhu (1); Stéphane Edouard: percussion (1, 4, 9, 12, 15); David Linx: lead vocal (2, 9), vocals (7, 15); Himiko Paganotti: vocals (2, 5, 15), lead vocal (7, 12); Prabhu Edouard: vocals (2), percussion (2), tablas (10), Indian vocals (10); Dhafer Youssef: vocals (3, 4); Karim Ziad: percussion (5), karkabus (10, 12), drums (12); Hamid El Kasri: gumbri (5); Keyvan Chemirani: zarb (7); David Binney: alto saxophone (9); Julia Sarr: vocals (7, 15), lead vocals (11).

Au départ c’est presque une vieille histoire d’adolescent. Des souvenirs de jeune ado qui écoutait jusqu’à plus soif les tubes de l’époque et faisait tourner sur sa platine (vynile !) ses standards à lui. Et sur cette platine tournait du Stevie Wonder, du Led Zep, du Janis Joplin, du Bob Marley. Des tubes « gros comme ça », des chansons que tout le monde a dans la tête. Des trucs qui sentent un peu le shit dans la piaule d'étudiant et des « délires graves » et ça a le relent de tout ce qui nous a fait préférer le rock aux cours de maths et je me rappelle et je m'en souviens. Au départ donc, ça part comme ça.

À l’arrivée, cela donne un disque absolument énorme où le guitariste réinvente absolument tout. Se réapproprie sans trahir. Transforme sans travestir. Redonne une nouvelle vie à ces tubes interplanétaires que Nguyen Lê refaçonne avec génie. Tout prend une couleur nouvelle. Le I wish de Stevie Wonderpar exemple, est totalement réinventé par David Linx qui déjante et en porte quelque chose de profondément tripal. Tripal, c’est exactement le mot de cet album qui va chercher dans cette sauvagerie du rock et de la pop quelque chose de RADICAL.  Whole Lotta Love de Led Zep ( les paroles raffinèes en gros c’est « je vais te la mettre profond ») transcendé par Youn Sun Nah dans une totale acculturation de la chanson.. Et que dire de ce beau Mercedes Benz de Janis Joplin porté par la voix sublime de Himiko Paganotti ! 

Après s’être attaqué au répertoire de Jimi Hendrix ( « Purple »), Nguyen Lê ( en home studio, excusez !!) retrouve la bande de ses fidèles comparses (Stephane Galland à la batterie, Linley Marthe à la basse et Illya Amar au vibraphone et stephane Edoaurd aux percus) et remet tout dans un ordre ( ou plutôt un désordre) qui lui tient à cœur. Il y a bien sûr ces racines vietnamiennes que Nguyen Lê ne renie pas et que, au contraire il utilise avec une pointe de génie en recourant parfois à la guitare vietnamienne ( sur quelques petites heureuses incises en guise d’introductions). Mais, nous le disions, ces tubes sont interplanétaires et donc quelque part universels. Il y a donc aussi de l’Afrique dans cet album ( Pastime Paradisepar exemple avec Ousman Danedjo) et du blues qui se moque des frontières. Il y a parfois quelques sucreries sauf qu'après tout, il n'y a pas de mal à se faire du bien. Et surtout Il y a tout au long de l’album la guitare de Nguyen Lê, parfois guitare héro parfois au contraire nuançant les couleurs. On entend chez lui Hendrix (référence suprême) mais aussi Steve Vai ou parfois même Clapton. Nguyen Lê a cette capacité de transformer son instrument avec une science de l’improvisation exceptionnelle capable d’imprimer la marque de tous les thèmes entre Europe, Afrique, Orient et occident. Ecouter par exemple comment avec subtilité il s’empare de Mercedes Benz de Janis Joplin pour l’amener petit à petit à un rock qui racle, qui graille, qui transcende le tout. Sur Black Dogil ne cherche pas à dénaturer et reste au contraire au plus près du sujet d’origine en l’explosant littéralement en vol avec son complice de longue date Dhafer Youssef qui sort le thème d’une transe magique et là encore tripale. Deux saxophonistes américains s’invitent sur cet album et non des moindres : David Binney sur More Over et Chris Speed à la clarinette turque.

Et il y a au final ce prodigieux travail d'arrangement. Entendez par là cette écriture - réécriture dont Nguyen Lê fait montre tour au long de l'album avec en toile de fond une direction artistique de haute volée. Avec ces thèmes connus , reconnus et redécouvert, le résultat est purement et simplement jubilatoire.

Jean-marc Gelin

W.E.R.F 090

Collectif du lion

On peut vraiment faire confiance à nos amis belges pour les trouvailles d’humour loufoque et surréaliste. En voilà bien un nouvel exemple avec cet album superbe du Rêve d’ Eléphant Orchestra. Sur un « improbable territoire », nos amis d’outre quiévrain ont une manière originale d’aborder le quotidien dans toute son « étrangeté ». Une perception du réel troublante rejoint un sérieux difficile à maintenir, d’où ce sens affiché de l’auto-dérision qui se manifeste dès la pochette et le titre de ce dernier opus d’un groupe marrant et sérieux à la fois. Pourquoi pas un scampi ? en effet avec ce détective très « Herlock Sholmien » en couverture.

L’équipe est mixte et musicalement du moins, le lion flamand s’entend avec le coq gaulois, comme on le voit au dos de la pochette : ce groupe est donc co-produit par le Collectif du Lion de Liège, la structure de Werf basée à Bruges, vitrine du jazz flamand et la Communauté française de Belgique. Certains de nos musiciens français comme Sébastien Boisseau ou Laurent Dehors aiment à traverser la frontière.Les deux Français du groupe débordant d’énergie sont ici le guitariste Benoît Eils et le trompettiste Alain Vankenhove.

La musique, avec de telles formations mixtes, n’a que faire des divisions linguistiques et politiques. Et l’on aime ça. Vraiment !

Tous les styles existent dans ce petit pays, ouvert sur les métissages, l’apport des cultures exogènes.

Rêve d’Eléphant Orchestra en est un exemple signifiant avec un son singulier, un « archestra » qui marie toutes ces influences, à la frontière du jazz, du rock, du traditionnel : un vocabulaire et une grammaire communs avec cependant une expression poétique singulière, au delà même de l’improvisation. Une créativité débordante anime les auteurs de ces musiques, le tromboniste tubiste Michel Massot, le flûtiste Pierre Bernard.

Le rythme étant essentiel, deux autres batteurs percussionnistes rejoignent un des leaders d’origine Michel Debrulle, Etienne Plumer et Stephan Pougin (au bodhran, derbouka, congas).

Après Racines du Ciel en 2001 et Lobster Caravan en 2004, cet album nous entraîne sur le terrain d’une fanfare électrisée qui aimerait sons et rythmes exotiques. Un peu à la Kusturica, à la différence près qu’ils ne sont que sept. Tout cette petite bande se libère, et même s’il ne s’agit pas d’un big band -pas de section- en exploitant une formidable palette de couleurs et de timbres pour faire sonner la musique. Car la mélodie est une donnée essentielle: avec Rêve d’Elephant, ça chante tout le temps, et le son de la formation est toujours cohérent, souligné par un arrangement orchestral intelligent. Ainsi, la version du morceau de Jacopo da Bologneest proprement ébouriffée et séduisante.

Voilà aussi tout un répertoire de formes qui prennent sens, au sein de compositions où chacun sait faire entendre sa voix, unique au sein du collectif :  ostinatos au trombone, riffs nostalgiques de guitares (« Loxodonde»), motifs qui s’annoncent, prennent le temps de s’installer jusqu’à la douce transe (« Dromadaire », « Mon éléphant »), contrepoints aux connotations baroques parfois, unissons des soufflants en introduction aux envolées cuivrées ou flûtées...

On aime cette musique vigoureuse et tendre, non exempte d’exigence, qui sait aussi émouvoir avec une narration propice à la mélancolie, à l’expression douce amère d’un tempérament nordique.

One Heure Onze 2011

Antonin Hoang (as), Ben Wendel (ts), Laurent Coq (p), Tigran Hamsyan (p), Michel Valeanu (g), Matteo Bortone (cb), Simon Tailleu (cb), Guilhem Flouzat (dm)

 Dans ce premier album signé par le jeune batteur exilé depuis 2009 à New-York on sent immédiatement la marque de ces batteurs-compositeurs dont Guilhem Flouzat revendique d'ailleurs les influences : celles notamment de Brian Blade et de John Hollenbeck.C'est avec l'appui du "grand frère", autre ex-exilè, Laurent Coq, ici maître dans la direction artistique du projet que Guilhem Flouzat, pour son premier album livre ses propres compositions. Et l'on est frappé par la très grande qualité de l'écriture à laquelle le jeune batteur a visiblement porté un soin extrême. 2 saxs ici pour jouer des  tramages subtils (comme Laurent Coq les affectionne) avec un superbe Ben Wendel au ténor et le jeune et remarquable Antonin Hoang, tout jeune alto et déjà pilier notable de l'ONJ de Daniel Yninek. L'entente entre ces deux saxophonistes est frappante dans la complémentarité de deux styles, dans deux sons assumés de manière radicalement différente mais aussi dans une science exacte de partage de l'espace. Et l'on entend distinctement ici un jazz très trendy d'Outre Atlantique, où il est avant tout question d'élégances harmoniques. On pense à d'autres écoles des clubs New-yorkais ou Berlinois (même combat) : celle de Rosenwinkell ou encore celle de Fly. C'est léger et très fin (ça pète aussi dans la soie un petit peu). Tigran Hamasyan vient rajouter sur 2 titres toute la percussivitè de son jeu et ses  propres tropismes un peu plus éloignés de Manhattan.

Au final, sur ces superbes compositions, l'osmose opère dans un esprit très peaceful, dans une sorte de communion des musiciens. Très zen en somme. Et l'on retiendra l'émergence d'un jeune musicien dont il va falloir retenir le nom. Son coup d'essai est en effet un coup de maître.

Jean-marc Gelin