JJJJ FRANCOIS COUTURIER: “Nostalghia – Songs for Tarkovski”

ECM 2005

 François Couturier signe sous son nom un vibrant hommage aux sources d’inspiration et à la dimension spirituelle de son cinéaste préféré, Andreï Tarkovski (1932 – 1986), réalisateur de sept longs métrages (dont Andreï Roublev (1969), Solaris (1972), Stalker (1979), Nostalghia (1983) et Le sacrifice (1986)). Comme beaucoup, il écrit avoir eu une révélation à la découverte de son film, Andreï Roublev, cette grande épopée qui raconte la vie du célèbre moine - peintre russe d'icônes qui vécut au XVe siècle et qui évoque de manière douloureuse le rôle de l’art et de l’artiste. « Nostalghia – Song for  Tarkovski » est un disque – passion dans le lequel chaque morceau rend hommage aux territoires des films du cinéaste, à ses acteurs (Erland Josephson et Anatoli Solonitsyne qui a été découvert par Tarkovski et qui joue le rôle d’Andreï Roublev), à ses compositeurs de prédilection (Le Sacrifice et l’Éternel retour sont inspirés de " La Passion selon St Mathieu" de Jean-Sébastien Bach et Toliu du Stabat Mater de Pergolèse), à ses collaborateurs (son cameraman Sven Nykvist dans Crépusculaire, son scénariste Tonino Guerra dans Nostalghia, l’un de ses compositeurs favoris Eduard Artemiev dans Stalker). Un hommage  - réminiscence qui plonge dans l’univers du cinéaste où le rêve, la vision, les sensations, l’essence des choses l’emportent sur la vraisemblance et le matériel. La musique composée par François Couturier est merveilleusement inspirée et mélancolique. Le temps et la lenteur y jouent un rôle central. Chaque plage du disque est une ode radicale et poignante. Cette musique est religieuse au sens étymologique car elle relie le spirituel et le temporel, déserts et vie, sons et visages, jazz et cinéma, et surtout elle transcende, elle emporte au-delà, de même que les films de Tarkovski transcendent le cinéma. Ni classique, ni contemporaine, ni jazz, cette musique est ailleurs. Hypnotique, envoûtante, poétique, cette musique joue de l’espace et du temps, de l’ombre et des lumières. Elle dit la beauté, l’austérité, la solitude, la perte, la maladie, l’éloignement, l’espoir. Elle se confond avec le chant de la nature et n’est parfois plus que respiration. Elle est à la fois très écrite et très spontanée (difficile en effet de distinguer les parties improvisées). Les instruments (accordéon, saxophone soprano, violoncelle et piano) s’associent avec grâce et une absolue évidence. Très colorée, cette musique émeut profondément, elle atteint en nous des territoires rarement visités. Elle ne nous parle que de l’essentiel. « L’art doit être là pour rappeler à l’homme qu’il est un être spirituel, qu’il fait partie d’un esprit infiniment grand, auquel en fin de compte il retourne. » Tarkovski.

Régine Coqueran

JJJJ Domanchich, Avenel, Goubert : “ Dag”

 Cristal 2006

Sophia Domancich revient avec une belle actualité discographique. Et c'est peu dire qu'elle nous fait plaisir, car pour son retour, Dag est un coup réussi.La pianiste fait advenir avec ce nouveau groupe ce qui semblait oublié : un "classique" du piano-basse-batterie, qui reprend un chemin balisé en y découvrant des paysages originaux et des climats déroutants. Ce piano sensible, aventureux s'autorise une mélodie souterraine, obsédante par sa pulsion même ( « Pour vous ») , des répétitions qui débouchent sur une transe qui prend forme et sens. Sans doute faut-il savoir s’entourer. Dag, ce nom tranchant correspond à la rencontre de Sophia Domancich et Simon Goubert avec Jean-Jacques Avenel. Trois musiciens que l'on ne présente plus, qui ont travaillé ensemble aux Sept Lézards, avec le flûtiste Michel Edelin et le saxophoniste Steve Potts. La famille du jazz s'agrandit d'un trio qui devrait faire date.

 Une triangulaire, mais gagnante cette fois, un équilibre parfait qui se repère dès  la pochette, puisque chacun des musiciens a apporté trois compositions au groupe. Sans révolutionner l'art du trio, ils créent ce qu'on n'a pas souvent l'occasion d'entendre. Cet album se déguste délicatement, le piano de Sophia fait retour à Monk parfois ( « Pourquoi pas? » , « Soliloques » ), grande figure solitaire qui sut  se trouver de merveilleux partenaires. L'intériorité mélancolique de la musique de Sophia Domancich demeure mais elle a trouvé des couleurs et même des élans nouveaux ( « Rêve de singe ») avec le drumming fort et subtil de Simon Goubert ( «Somewhere we were »), et le boisé ferme de Jean-Jacques Avenel, qui nous prévient déjà, par un solo, d'une «Eclaircie» avant ce «Canoë»,  final de l'album, surprenant,  plus léger, comme si le complice de Steve Lacy révélait une sérénité inconnue.

  Sophie Chambon

JJJJazz Hip Trio : « Douces Pluies »

Nocturne 2006

Le Jazz Hip trio, né au début des années soixante, de la rencontre de deux personnalités hors norme, le contrebassiste marseillais Roger Luccioni et le pianiste toulonnais JB Eisinger, témoigne d’une exceptionnelle aventure humaine et musicale. C’est une histoire d’amitié indéfectible entre deux musiciens « amateurs » chevronnés, étudiants  dans le civil, futurs spécialistes de la santé, professeurs de la Faculté de Médecine. Ils vécurent cette double vie pendant une dizaine d’années, constituant une section rythmique de choc qui joua sur la Côte , dans les festivals et en clubs, avec des pointures américaines comme Art Blakey et ses Jazz Messengers,  Dizzy Gillespie, Wes Montgomery, Jon Hendricks. Le Jazz Hip trio compta bientôt comme batteur Daniel Humair avec des invités plus ou moins réguliers, des solistes prestigieux comme Chet Baker, Didier Lockwood, Sonny Stitt, Lee Konitz, Dexter Gordon, et surtout Barney Wilen, qui devait devenir un de leurs partenaires privilégiés .

Le label sudiste varois Celp  a ressorti  récemment deux albums, l’un du Jazz Hip Trio, l’autre en quartet avec Barney Wilen,  tous deux en live et à Chateauvallon. Ce «Barney Wilen et le Jazz Hip Trio», intitulé « Le jardin aux sentiers qui bifurquent » (un titre magnifique de Borgès)  est un témoignage précieux, souvent oublié de la discographie officielle du saxophoniste.

Comment ces deux hommes ont-ils réussi  à concilier cette double vie de musicien et de médecin ? Phénomène incompréhensible  actuellement où la  spécialisation est valorisée, mais peut-être cela explique-t-il le relatif désintérêt de la profession pour ces « dilettantes », sudistes, au parcours dispersé et quelque peu rebelle ?

Cette présentation n’est pas inutile pour révéler la suite de cette histoire à rebondissements  avec dès 1957, la création d’une revue Jazz Hip, farfelue, non académique et d’un régionalisme impertinent, aventure qui devait durer dix ans.  JB Eisinger, le pianiste du groupe, atteint d’une maladie invalidante, préféra s’éloigner de la scène en 1989. Son complice Roger Luccioni n’abandonna pas la partie pour autant et reforma un nouveau groupe, après d’assez longues recherches, en intégrant le pianiste Henri Florens et le batteur Jean Pierre Arnaud, tous deux attachés à leur sud natal.

Cet album sorti chez Nocturne est un retour dans la production discographique du Jazz Hip Trio, et aussi le signe d’une continuité réelle d’esprit et de forme. Les compositions sont souvent de JB Eisinger, certaines anciennes comme « Tableau de Daniel Humair», ou Starlight starbright », gravées en 68 sur les deux premiers disques du trio, d’autres très récentes  comme ce «  Douces pluies »qui donne son nom à l’album, ou «L’automne est arrivé». Dans le même temps, comme s’il reprenait goût à la vie, le pianiste s’est remis à composer. Anticipant  un prochain retour en scène, il s’est attelé à la création d’un Cd auto-produit, sur le  label  Plein Sud, enregistré chez lui, de façon artisanale, en re-recording, fort justement intitulé « Virtual Trio ». Il faudrait donc écouter les deux albums en parallèle, car ils sont bien plus que complémentaires. Ils continuent, prolongent, renforcent cette histoire étonnante de musique et de complicité, qui court sur une vie. La qualité d’interprétation du trio irrigue d’un sang neuf  les compositions de JB Eisinger qui révèlent une compréhension fine et intimement vécue du jazz. L’improvisation est parfois  limitée au profit de l’exposition de thèmes d’un lyrisme souvent mélancolique. « L’automne est arrivé » s’inspire d’un texte de Mimi Perrin, l’amie de toujours, clin d’œil à Early Autumn dans la version des Double Six. Pendant les années soixante, JB Eisinger se référait volontiers à la musique classique ou contemporaine (« Shéhérajazz, CelloBritten »,) il aima aussi rendre hommage à ceux qui l’ont toujours inspiré comme Johnny Griffin (« Little Giant Steps »).

La vivacité inspirée de Henri Florens, qui apporte « Thème n°1 », encouragée par une section rythmique chaleureuse- Roger Luccioni signe deux belles compositions « Hyperespace » et « Rue du Chemin Vert »-  renforce l’élan et la vigueur de ce jazz  que l’on écoutait autrefois dans des caves ou  en club, dans le bruit des couverts et des conversations, derrière un écran de fumée, pour dissiper son ennui ou masquer ses fêlures. Un certain état d’esprit et tout un art de vivre.

Sophie Chambon

JJJJ THELONIOUS MONK: « classic Qartet »

Candid 2006