Sylvain Cathala (saxophone ténor, compositions), Olivier Laisney (trompette), Benjamin Moussay (piano), Frédéric Chiffoleau (contrebasse), Maxime Zampieri (batterie)

Les Lilas, 4 décembre 2020

Le Triton TRI-21564 / l'autre distribution

Un disque enregistré au Triton à l'issue d'une résidence de création, lors d'un concert sans public, peu de temps avant la fin du second confinement de l'année 2020. France Musique avait enregistré ce concert pour une diffusion dans l'émission 'Jazz Club' du 12 décembre. Le disque restitue l'essentiel de ce concert, non dans la prise de son en 'direct 2 pistes' réalisée par la radio, mais dans un enregistrement multipiste de l'équipe du Triton, mixé quelques semaines plus tard.

Comme toujours, Sylvain Cathala fait valoir la singularité de sa démarche. Jazzman accompli, il développe une ambition formelle, nourrie des libertés conquises par le jazz depuis une quarantaine d'années, des libertés qui concernent autant la combinaison des rythmes que les lignes mélodiques distendues ou les harmonies en tension presque permanente. Il en résulte une musique qui est à la fois intensément vivante, à fleur de peau, et pourtant toujours inscrite dans la perspective d'une forme élaborée, en mutation constante. Dès la première plage la ligne de saxophone s'énonce sur un mode qui mêle mélancolie et pulsation, chant et sinuosité. La trompette se joint à ces phrases qui essaiment en de multiples bifurcations, arbitrées par le surgissement d'un solo de piano. Le langage se joue de la tonalité sans toutefois la récuser. C'est tendu, expressif, riche d'invention. Ce sera ainsi de bout en bout : un jazz vivant qui ne se contente pas de s'écouter vivre, mais qui chaque fois s'offre l'ambition de franchir la balustrade du possible. Et tous les membres du quintette sont engagés dans ce qui devient une sorte de création collective. À écouter, et déguster, avec l'attention qui s'impose. Y revenir permet de dévoiler encore un nouvel horizon : l'assurance que l'on est bien en présence d'une œuvre, au plein sens du terme.

Xavier Prévost

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Lien de réécoute du Jazz Club du 12 décembre 2020 sur France Musique

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/jazz-club/sylvain-cathala-au-triton-4853350

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La vidéo du concert sur le site du Triton (accès payant, 2 €)

https://vod.letriton.com/trit-on-air-les-replays/04122020-20h30.html

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Un extrait de 6 minutes sur Youtube 

HEALING ORCHESTRA FREE JAZZ FOR THE PEOPLE

Paul WACRENIER : direction et composition, piano, vibraphone

Invité Sylvain Kassap : Clarinette et Clarinette basse

Fanny MENEGOZ : flûtes

Sarah Colomb : violon

Xavier BORNENS et Leo JEANNET: trompettes,

Arnaud SACASE sax alto, Jon VICUNA: sax baryton, Jean-François PETITJEAN: sax ténor

Victor Aubert /Blaise Chevalier: contrebasse,

Mauro BASILIO: violoncelle,

Benoist RAFFIN: batterie, Sven CLERX: percussions

Prise de son, mixage, mastering : Ananda Cherer

On est dans le vif du sujet, le vif d’un jazz jeune et vigoureux avec le Healing Orchestra qui, sur le label LFDS, sort un double album dont la genèse a été quelque peu perturbée par la pandémie. Le projet de cet ensemble depuis sa création est de donner à entendre des formes diverses du  free jazz, musique libre, organique : The Fraternity Suite ( sur le CD2 ) composée de trois parties Fraternity, A rare but pleasant feeling, Blooming in Tough days fut enregistrée en live en janvier 2020 lors du Festival SONS D’HIVER, au Théâtre Jacques Carat de Cachan, deux partenaires essentiels de l’enregistrement. Des jours difficiles allaient arriver, puisque les autres compositions ont été captées sans public au Petit Faucheux de Tours, autre soutien précieux, en octobre 2020. Une histoire mouvementée pour ce double album, enfin sorti le 1er février 2022.

Il faut écouter sans a priori cette musique de Paul Wacrenius, pianiste, percussionniste (qui s’est aussi intéressé à la bombarde bretonne, à la Kalimba, M’bira de la tradition Shona, Likembe des musiques urbaines congolaises et Guembri), compositeur, à la direction de cet orchestre Grands Formats de 13 musiciens épatants.

Free Jazz for the people s’adresse à tous, réjouissant, flamboyant, baroque au sens d’irrégulier, en équilibre instable; l’orchestre déconstruit, exacerbe jusqu’au débordement, faisant craquer les coutures, mais aura aussi un effet apaisant, si ce n’est curatif, sur les plages douces, dans cette ballade dédiée à Mal Waldron, “Spirit of Mal”, où le collectif accompagne de façon totalement improvisée.

Une acalmie provisoire également après le déluge du premier morceau “Article 35 de l’an 1”, tout un programme en soi, un manifeste de lutte révolutionnaire, puisqu’il s’agit d’une référence à la constitution, jamais appliquée de l’an 1, soit 1793.

Une esthétique parfaitement définie et coordonnée dès la pochette dont on apprécie les vibrations colorées, le graphisme dense, joyeux de Maïda Chavak. A l’intérieur, la palette explosive et lumineuse, graffitée de citations de William Parker (Revolution is a life-time process...We live, breath, think and walk in the rhythm of this vision…) entoure les notes toujours excellentes d’ Alexandre Pierrepont qui prolonge et développe les mots de William Parker.

La beauté de la forme est démesurée et elle coule à flot. 

Ces mots lourds de sens engagent un programme structurant, radical et pourtant simple. La forme vient après, seulement vecteur de cette vision. La connection est faite,  pont entre l’AACM et Paris et le leader Paul Wacrenier fait partie de la deuxième génération de The Bridge, entreprise de longue haleine, réconciliatrice des musiciens de free américains et européens. Une aventure initiée par Pierrepont, réflexive et réversible, une succession de voyages aller-retour, de traversées de l’Atlantique avec des équipages différents pour chaque sens! C'est une démarche unificatrice pour une musique qui suit les recommandations, jamais édictées en précepte, prônant débordement, ensauvagement.

Les musiciens s’exécutent, dirigeant par exemple notre attention vers ce “Confluences”, qu’il faut écouter toute affaire cessante, la pièce la plus folle : tous se jettent dans la bataille du son, se jouant de la structure qu’ils respectent pourtant dans une succession de solis vifs et de merveilleux unissons de tous les pupitres comme dans un vrai big band.

La rythmique ( batterie, percussions, vibraphone du leader qui abandonne aussi son piano) est souple et soutenue, en tension permanente; les cuivres musclés, les trois sax sonnent comme un seul homme et les deux trompettes strient la matière sonore, sans oublier les cordes, les flûtes et le chant de Fanny Menegoz.

La mise en scène virevoltante et inspirée souligne un dérèglement réglé justement car dans cet engagement collectif, sans direction établie, cet élan très impulsif, les arrangements sont de la troupe. Et pourtant ça ne part pas dans tous les sens. Dans ce champ passionnément complexe, l’interprétation fièvreuse obéit à des choix tranchés, le jeu paraît débridé alors que l’ensemble très soudé permet à chacun de se retrouver et de vivre pleinement sa partie au sein du groupe. Le son jaillit dans tous ses états et éclats dans des textures rugueuses, mais soyeuses grâce aux cordes ou aux flûtes.

 Virevoltant dans la rigueur, cette musique ardente dans ses commencements est à savourer aussi dans une introspection plus douce ( “Pouvoir du dedans”), exaltée par les solos du vétéran qui garde intacte la flamme, le clarinettiste Sylvain Kassap, suivi des solos respectifs de Blaise Chevallier à la contrebasse, Mauro Basilio au violoncelle, et Sarah Colomb au violon. Voilà magnifiée une science subtile des couleurs et de leurs nuances, des rencontres de timbres insolites qui fusionnent bien.

Accrocheur, pugnace, tendre aussi, cet orchestre gravit des pentes abruptes, expérimentales qui ne déplairont pas aux non initiés. Si cet album mérite l’écoute, entonnons une fois encore le slogan ajmien

Le meilleur moyen d’écouter du jazz c’est d’en voir! 

 Voici donc indiquées les dates des futurs concerts, près de chez vous peut-être, car ces performances méritent d’être suivies en live où l’on saisit pleinement la teneur poétique, la maîtrise à un tel niveau d’intensité et de justesse de ces formes ouvertes, suffisamment libres pour qu’on les reprenne et retravaille, qui se démultiplient, construisent en déconstruisant, soufflent et apaisent aussi. Tous ces musiciens portent ce style à son acme, à la suite des grands qui ont montré la voie, le Liberation Orchestra, le supersonique et vrombissant Sun RA, et Charles Mingus dans ses workshops impulsifs, en recherche d’un certain désordre mis en scène avec soin.

Une musique addictive, catharsis à coeur et ciel ouvert qui fonctionne sur une durée, justement adaptée. Plus que réjouissant!

Sophie Chambon

4 Mars 2022 Le Petit Faucheux, Tours (37)

29 Mars 2022 au Studio de l'Ermitage, Paris 

26, 27 & 28 mai 22 résidence-concert à La Fraternelle, Saint-Claude (39)

Sébastien Texier (saxophone alto), Gautier Garrigue (batterie), Henri Texier (contrebasse)

Les Lilas, 27 février 2021

Label Bleu LBLC 6743 / l'autre distribution

Un nouvel exemple des musiques nées du confinement : au printemps 2020, le contrebassiste a pris l'habitude de jouer régulièrement avec son fils Sébastien, confiné comme lui, et qui réside dans le même village de l'Essonne. Et le répertoire s'est naturellement tissé, entre des standards du jazz et d'anciennes compositions. À l'orée du troisième confinement, ils se sont retrouvés sur la scène du Triton pour un concert sans public, et avec le renfort du batteur Gautier Garrigue, partenaire régulier depuis plus de 5 ans. Un concert diffusé en direct sur France Musique dans l'émission 'Jazz Club' d'Yvan Amar, concert prolongé d'une enregistrement pour Label Bleu. Le répertoire, et le disque, sont à l'image des libertés que donne cette formule du trio : plaisir des standards, joués dans la richesse de leur évidence mélodique (Round About Midnight, Besame Mucho) ou abordés 'à la hussarde' en entrant directement dans l'improvisation et la paraphrase, en esquivant l'exposé du thème. Sur What Is This Thing Called Love, Sébastien Texier pratique cet exercice de voltige, cher au regretté Lee Konitz, et qui consiste, dès la première mesure, à se jeter dans l'inconnu avec pour seul filet la trame harmonique. Avec un thème du batteur, un autre du saxophoniste, et deux anciennes compositions du contrebassiste, c'est un programme qui fait vibrer l'essence même de cette formule instrumentale : clarté des lignes, liberté d'une interaction rendue plus grande encore par un effectif intime, avec un espace privilégié pour l'expressivité et le lyrisme. Le nouveau thème composé par Henri Texier, Bacri's Mood, est une évocation du comédien Jean-Pierre Bacri, mort quelques semaines avant l'enregistrement du disque. Comme une touche supplémentaire de cette belle mélancolie qui traverse quelques plages du disque, et nous va droit au cœur.

Xavier Prévost

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Le trio jouera le 9 février à Auxerre (au Silex), le 12 à Paris (Théâtre de l'Athénée) et le 25 à Tours (Petit Faucheux)

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Un avant-ouïr sur Youtube

Sur le site du Triton, une entrevue du contrebassiste avec Stéphane Olivier

Bill Charlap (piano), Peter Washington (contrebasse), Kenny Washington (batterie).
Studio Sear Sound, New-York. 24-25 mai 2021.
Blue Note/Universal.

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Un quart de siècle! Le pianiste Bill Charlap joue en trio avec Peter Washington, contrebassiste et Kenny Washington, batterie, depuis 1997. Et même s’il n’existe aucun lien de parenté entre Peter, californien, et Kenny, new-yorkais, ces trois là s’entendent et s’écoutent comme « larrons en foire ».

Avec le temps, ils sont parvenus à un état de grâce fait de lyrisme, de sensibilité, cet art de dire tant avec si peu. Leur dernier album s’intitule « Street of Dreams », une composition de Victor Young datant de 1932.

Les autres titres enregistrés fleurent bon aussi le répertoire classique du jazz et des musiques improvisées, relevant ainsi de l’univers de Duke Ellington (Day Dream, œuvre co-signée avec Billy Strayhorn, et The Duke, hommage de Dave Brubeck) ou de Michel Legrand (What Are You Doing The Rest of Your Life, de la bande originale de The Happy Ending en 1969).

Tout effet est banni dans cet enregistrement soigné par un ingénieur du son de référence (James Farber), on se laisse emporter au fil des notes. Que demander de plus ?

Jean-Louis Lemarchand.

BENOIT MOREAU TRIO REVE PARTY

Sortie 21 janvier 2022

Inouïe Distribution

Benoît Moreau guitare/compositions  Olivier Pinto contrebasse Raphaël Sonntag batterie

Issus du Conservatoire National à Rayonnement Régional Pierre Barbizet de la cité phocéenne, les musiciens du trio du guitariste Benoît Moreau, connus de la scène Marseillaise, sont les acteurs d’un premier album prometteur Rêve Party.

On est vite frappé par l’homogénéité du son, l’équilibre constant des voix, le souci d’un chant mélodieux, dans ce triangle équilatéral parfait (guitare,contrebasse, batterie ) dès le “Stellar” originel qui prend jusqu’au crescendo final. Tout semble couler de source sous les doigts du guitariste qui sait doser les effets de réverb et de saturation, ne jouant jamais d’éclats trop tranchants ni de riffs torturés fréquents avec l’électrique.

Benoît Moreau installe avec cette suite de huit morceaux qui évoluent sans se perdre comme dans cet “Encore” qui débute pop pour virer à un rock plus énergique, ou flottant comme dans la ballade étrange, suspendue “Aurinko”. “Day Fever” est contre toute attente plutôt raisonnable, alors que le titre qui sonne résolument jazz est ce “Blues boppers” dansant de façon plus endiablée.

Si le guitariste est un passionné et virtuose du skate, il semble loin des acrobates-joueurs un peu trop impulsifs. Peut-être compulsif dans l’utilisation de tout un jeu de figures dans l’espace sonore ( l’équivalent des “tricks”du skate), il exploite les silences, occupant l’espace sonore avec des variations subtiles d’intensité.

La musique de ce Rêve Party a un style certain, une  qualité introspective traversée d’un souffle original. C'est une épure accrocheuse par la clarté des plans et des traits, les articulations soigneusement amenées, la fluidité et sophistication du phrasé.

Ce disque d’une juste durée, cohérent dans l’enchaînement des titres, creuse une veine souvent instrospective, jamais froide, ni sentimentale, distillant un climat onirique, aux effets souvent hypnotiques. La rythmique n’y est pas étrangère : jamais dans l’énergie brute, elle suit, soutient, relance en parfait accord. La pulse est tenue vigoureusement mais avec finesse tout du long, le tempo se nourrit d’un groove moelleux, délicieusement triste parfois (“5321”), la contrebasse sinue souterrainement sans précipitation avec une intensité palpable, magnétisante.

Doté d’une musicalité certaine jouant de l' alliage heureux des timbres, cette première réalisation est une réussite. L’album se referme avec une douceur et une grâce qui détourne astucieusement le titre “She says I talk too much about my music”.

Sophie Chambon