Dave LIEBMAN / Richie BEIRACH, "EMPATHY". Avec Dave Liebman (saxophones ténor, soprano, flute), Richie Beirach (piano) et en invités : Jack DeJohnette (batterie), Florian Van Volxem (synthétiseur), Léo Henrichs (gong, timbales).
Coffret de 5 cds.
Enregistrements de 2016 à 2020. Jazzline/Socadisc.
Parution le 27 août 2021.

Entre Dave Liebman et Richie Beirach, c’est une vieille histoire. Une complicité née voici un demi-siècle à New York dont la première manifestation fut le groupe ‘’Lookout Farm’’, et qui s’épanouit un peu plus tard dans ‘’Quest’’. En tête à tête, ou côte à côte, Dave, le saxophoniste-flutiste et Richie, le pianiste, nous avaient donné pas moins de quatre disques en duo, ‘Double Edge’, ‘The Duo Live’, ‘Omerta’ et en 2011, ‘Unspoken (Out There/Out Note).

Ces dernières années, l’empathie, pour reprendre le titre du coffret, s’est encore consolidée entre ces deux contemporains (Liebman, né en 1946, Beirach, 1947). « Quand nous avons entamé notre séance en duo, en 2018, rien n’était programmé, nous avons simplement joué et vu ce qui allait arriver », confie Richie Beirach dans le livret.

Entretien

Tout est dit sur leur connivence. Le coffret permet d’en juger : cinq albums enregistrés entre 2016 et 2020 dont trois qui donnent à entendre les comparses dans différentes configurations (duo, trio avec Jack DeJohnette, ou quartet avec synthétiseur et percussions) et deux en solo intégral.  Nous tenons là une œuvre magistrale, témoignage d’une sensibilité, d’une authenticité tutoyant les sommets. Une forme suprême de l’improvisation qui constitue l’essence même du jazz.

Jean-Louis Lemarchand.

TRANSATLANTIC ROOTS

Bruno ANGELINI (compositions, piano, claviers, électronique) / Fabrice MARTINEZ (trompette, bugle, électronique) / Eric ECHAMPARD (batterie)

Label VISION FUGITIVE

www.visionfugitive.fr

Sortie du CD le 20 Août 2021

Concert à l’Ermitage le 8 octobre

Teaser Transatlantic roots – YouTube

Avec cette nouvelle création, le pianiste Bruno Angelini revient à ses premières influences musicales, déroulant la spirale de ses souvenirs. Ce répertoire à thèmes célèbre l’Amérique qu’il aime et certaines figures iconiques de cinéastes, écrivains, musiciens, danseurs qui se passent le relais dans l’histoire de l’album, chacune pouvant inciter à se remémorer les autres. Voilà le vrai terrain de jeu, l’espace de cinéma du pianiste (souvenez-vous en 2013 de son Move is) sans qu’il s’agisse d’illustration des photos du livret toujours soigné (c’est la signature du label, avec les couvertures peintes d’Emmanuel Guibert). Quarante pages de photos qui, mieux qu’un long texte introductif, résument les singularités, les partis pris, les champs d’action de militants engagés pour la liberté, le respect des droits civiques et plus récemment l’écologie. Ils forment la mosaïque superbe d’une Amérique digne d’admiration.

L'écriture musicale de Bruno Angelini, inscrite dans la tradition écrite occidentale, puise donc aussi dans l’improvisation et le jazz, sur son piano augmenté d’ effets électroniques et de claviers additionnels. Attiré par les deux cultures, les deux continents, le pianiste confesse avoir des  “racines aquatiques”, jolie formule et il se livre volontiers à condition que l’on sache écouter.

Bruno Angelini a formé un trio lyrique de tisseurs de sons et d’alliages, pour amateurs d’élans du coeur et de ces brisures. Le terrain d’entente n’était pas difficile à trouver avec ses deux complices. Le pianiste cherche souvent des façons légères de formuler sa mélancolie, dans des compositions en clair obscur, impressions d’un drame imminent. Il est alors aidé par le son étouffé, étranglé de Fabrice Martinez dont la trompette et le bugle ne soufflent que de la mélodie, s’appuyant sur les plages harmoniques du pianiste, ses ostinatos, et le doux drumming, précis, attentif et toujours stimulant d’Eric Echampard.

Un exemple parfait, ce“Mal’s Flowers” dans un hommage qui n’est plus déguisé à ce maître du silence (“All alone, “Left Alone” ) qui a connu des duos d’accord parfait, de Billie Holiday à Jeanne Lee. Il n’oublie pas que Mal Waldron a écrit, entre autre, “Flower is a lovesome thing” dans un de ses nombreux albums, souvent en duo avec Steve Lacy. Bruno Angelini retrouve alors ces motifs obsédants, la réitération des notes, ces insistances qui colorent sombrement l’accompagnement. On n’en finirait pas de s’extasier sur les raffinements et autres nuances de la palette de Fabrice Martinez. Il ne nous rappelle personne en particulier et c’est ce qui le rend précieux. Impressionnante est son imagination, son aisance, sur tempo rapide où il maintient une articulation du phrasé. Pianiste et trompettiste se partagent le jaillissement mélodique, le discours de l’un soutenant, voire prolongeant le propos de l’autre.

Le pianiste ne quitte jamais la mélodie mais s’autorise des écarts, des fulgurances, surtout quand il s’agit de la violence de la ségrégation auquel répond alors le déluge de la batterie. On retrouve alors la force de frappe d’Echampard, pilonnant le terrain et réveillant dans nos mémoires les terribles images de lances à incendie et des chiens policiers envoyés contre les manifestants luttant pour les Droits civiques. Sensations physiques, rage plus ou moins rentrée, dans un espace d’improvisation modale avec cet autre thème, “Peaceful warrior”: autre jaillissement de la batterie sur Sitting Bull, le Sioux,” du peuple amérindien, hélas décimé. Ainsi ce sont les ambiances, les couleurs de ces scènes que se représente Angelini dans son film imaginaire, son cinéma intérieur où il bat la campagne, les espaces de la wilderness américaine.

Le cadre posé, l’intention définie par le compositeur leader, ses deux complices se lancent dans une improvisation précise, brossant une fresque collective, un portrait vibrant de l’Amérique, et de ses contradictions, de ses losers magnifiques à ses forces vives, positives, énergiques. Ainsi en est-il des mouvements contestataires qui ont toujours irrigué la contre-culture, la “civil disobedience”, la littérature sociale de Jack London, les musiciens qui ont innové comme John Cage. Et totalement actuel, un coup de chapeau sur “A Butterfly can save a tree”, à l’activiste Julia Butterfly Hill, luttant pour la protection des séquoïas. Bruno Angelini pense alors à la dégradation du climat : sur un ostinato au piano se développe le chant du bugle doux et plaintif, déchirant qui se brise, marquant l’anéantissement programmé. Empreint de gravité, ce voyage aux habiles transitions, n’empêche pas la cohésion du parcours d'un trio qui montre une belle vitalité.

Sophie Chambon

Enrico Pieranunzi (piano, célesta)

Ludwigsburg, octobre 2012

CamJazz CAMJ 7955-2 / l'autre distribution

Initialement prévu pour une publication en février 2020, ce disque enregistré en 2012 arrive enfin jusqu'à nos oreilles toujours attentives aux pérégrinations musicales du Maestro transalpin. Cette fois, c'est une libre déambulation en solo, au piano (et un peu au célesta), un libre parcours musical suscité par les impressions, les émotions et les fulgurances produites par la peinture dans l'esprit et l'action du pianiste qui regarde le cadre, la forme. On n'est manifestement pas dans une simple démarche de correspondances telles qu'envisagées par Baudelaire. Ni dans l'optique de la synesthésie qui associerait les couleurs des œuvres à une transposition musicale. On semble ici se trouver en présence d'une libre (très libre) expression. Le lancer de couleurs de Jackson Pollock, après des escapades très escarpées, va déboucher sur un blues d'un absolu dépouillement, et d'un feeling étourdissant. Gustav Klimt sera gratifié de jaillissements post-romantiques. Edward Hopper n'échappera pas à ses figures obsessionnelles, avec résolution dans une sorte de blues hétérodoxe fourmillant de tensions harmoniques. Pablo Picasso et Paul Klee suggéreront au pianiste une sorte d'éloge du discontinu, tandis que Mark Rothko fera emprunter à Enrico Pieranunzi des sinuosités sans terme identifiable. Des variations chromatiques pour Henri Matisse et un boogie woogie futuriste pour Piet Mondrian complètent le tableau général, où s'inscrivent en prime quelques variations personnelles du pianiste en bleu, noir, gris, vert, jaune et rouge. Mais j'insiste, pas de correspondances oniriques ou synesthésiques, rien que la liberté d'un musicien qui m'a entraîné dans son univers, guidé par le fil de ses sensations. Et se laisser guider par cette liberté en action fut un réel bonheur.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube 

Enrico Pieranunzi jouera en, duo avec Diego Imbert, les 26 & 27 août 2021 à Paris au Sunside, puis en trio le 28 août au festival 'Jazz en Sol Mineur' à Hussigny-Godbrange (Meurthe-et-Moselle)

Enrico Pieranunzi (piano), Thomas Fonnesbæk (contrebasse)

Copenhague, juillet 2020

Stunt Records STUCD20132 / UVM distribution

Me revient en mémoire ma première chronique d'un disque d'Enrico Pieranunzi, dans un magazine spécialisé : c'était vers 1985, «New Lands», en trio. Et j'avais alors (lourdement ? ) insisté sur la référence à l'univers de Bill Evans. Effectivement le pianiste italien voue un culte à Bill Evans, auquel il a consacré un formidable livre, traduit en français par Danièle Robert (Bill Evans, Portrait de l'artiste au piano, éd. Rouge profond, collection Birdland, 2014). Et il a souvent joué, et enregistré, avec Marc Johnson, ultime bassiste de Bill. Pourtant, pour l'avoir écouté dans des dizaines de ses disques, et sur scène, en solo, duo, trio.... j'ai souvent constaté qu'Enrico Pieranunzi avait son propre univers. Mais cette fois la référence est explicite : le choix de deux thèmes de son illustre prédécesseur, et de nombreuses allusions (non seulement dans les titres-Bill and Bach , qui évolue du phrasé jazz au contrepoint baroque– mais aussi par le style, l'atmosphère, le phrasé, le choix des trames harmoniques), signent l'hommage. Et au détour d'une plage, on se rappelle qu'à la fin des années cinquante, Bill Evans était un admirateur de Lennie Tristano. Enrico Pieranunzi avait déjà publié un duo avec Thomas Fonnesbæk, enregistré en club en 2017 (et chroniqué ici). À la faveur de nouveaux concerts au Danemark ils sont entrés en studio pour enregistrer ce chant d'amour au Grand Bill. Le contrebassiste dialogue avec le pianiste, dans un esprit qui rappelle l'univers de référence, et tout cela est d'une grande beauté : on succombe, sans résistance aucune....

Xavier Prévost

Éric Plandé (saxophones ténor & soprano), Hasse Poulsen (guitare, mandoline, effets), Claude Tchamitchian (contrebasse)

Guyancourt (Yvelines), 6 & 7 février 2019

Leo Records CD LR 917 / Orkhêstra

Une rencontre entre trois francs-tireurs, adeptes de l'impro sans filet (3 plages), des compositions empreintes de liberté (cinq du saxophoniste, une du guitariste et une du contrebassiste), et pour compléter (la clé inspiratrice ?) un thème de Paul Motian, merveille de déambulation mélancolique (Folk Song for Rosie, gravé en 1979 par le batteur avec Jean-François Jenny-Clark et Charles Brackeen). Entre langage du jazz contemporain (mais relié à l'histoire), tentation sérielle et affirmation d'une absolue liberté, comme une leçon de choses sur l'état du jazz d'aujourd'hui, sans fards ni œillères, mais pas sans mémoire. Ce n'est pas l'un de ces disques d'impro totale avec pour seule consigne «rendez-vous à la coda» (excusez la caricature !) mais une œuvre collective et libre, conçue comme une forme d'ensemble intégrant les improvisations et les compositions. Hyper expressivité du saxophoniste, rondeur, grondements telluriques et finesse revendiquée du contrebassiste, et mobilité inspirée du guitariste-mandoliniste dans tous les univers : tout cela a conquis (voire comblé) l'auditeur que je suis. Merci les gars !

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube