A PLACE THAT HAS NO MEMORY OF YOU

Laurent DEHORS / Matthew BOURNE

EMOUVANCE/ ABSILONE

Sortie 5 mars 2021

Label – Emouvance – Compagnie Claude Tchamitchian

Tous Dehors – Compagnie Laurent Dehors (tous-dehors.com)

Un duo toujours surprenant que celui du pianiste Matthew Bourne et du poly-anchiste Laurent Dehors. On se souvient de leurs Chansons d’amour, déjà chez Emouvance, en 2012, qui nous prenait à revers, ne détournant pas précisément de belles mélodies trop connues (à l’exception de “La Vie en Rose”).

Dans ce CD au titre étrange, entretenant un certain mystère, jusqu'à la forme définitive, qui sonne bien au demeurant, on retrouve une prédilection pour des formes courtes, libres, ouvertes, ciselées, qui s’enchaînent sur près d’une heure. Les rêves ont une voix, et la musique se crée à chaque instant, travaillée,  composant avec la douce folie de l’un qui plaît toujours à la démesure de l’autre. Tous deux sur le fil, instables et touchants : leur proximité musicale les met en état d’éveil, les fait vibrer naturellement et ils utilisent le langage musical pour révéler un peu de leur vérité.

Matthew Bourne qui sait se mesurer au silence, se lancer dans des expérimentations, attise la curiosité et l’inspiration de son complice. Un thème “Outré” revient par trois fois, leitmotiv propice à l’improvisation du duo. Qualificatif qui convient bien à Laurent Dehors, volontiers excessif, qui passe souvent les bornes (prescrites par la raison) même si dans cet album, selon les notes de JP Ricard, il consent à nous livrer la part la plus sensible de lui même. Sans qu’il y ait une mélodie au sens strict, ces échappées ardentes, âpres, souvent mélancoliques qui exceptionnellement s'étirent sur près de 7 minutes dans  “Voix”, élaborent un vrai dialogue entre un piano sensible et une clarinette qui chante. Une sobriété de bon aloi, poétique et singulière. Dehors ne nous livre-t-il pas en effet sa part de l’ombre, masquée souvent par ses fantaisies, élucubrations gestuelles et instrumentales, quand il se jette dans la musique, essaie tous ses instruments, sort de la cornemuse un son aigre, persistant qui vrille volontiers les tympans. Il aime se pousser dans les aigus, travaille toujours sur les textures, les timbres, les accidents sonores, et en premier, ce matériau extraordinaire qu’est le souffle comme dans cette miniature précieuse, “Soliloquy”.

Matthew Bourne utilise les cordes du piano dans un “From nature to robots” très explicite avec cette sensation de pluie qui tombe comme des cordes ( pour une fois, le français l’emporte sur le nonsensique “It’s raining cats and dogs”). Mais dans “Je pense à toi”, très simplement, se retrouve une chanson d’amour avec un thème délicatement impressionniste rehaussé de touches légères et vives de clarinette. Bourne pourrait comme Dehors qui a écrit une “ A Short history of clarinette”, en faire de même avec son instrument, un piano intelligent qu’il révèlerait dans tous ses éclats, états.

On arrive, dans une sorte de vertige, à la fin du CD et au titre éponyme, toujours aussi obscur -mais d’ailleurs que veut dire la première plage “The eight veil” (celui de l’ambigüité?) d’après la Salomé de Wilde, ou d’une composition de Billy Strayhorn pour un Duke Ellington en grande formation? Ce qui sied à ce climat résolument minimaliste, équilibré néanmoins par des échos de jazz outrés.

Sophie Chambon

Joachim Kühn (piano Steinway), ‘Touch the Light’.
Salinas Studio, Ibiza (Espagne), août 2019-octobre 2020.
ACT - ACT 9766-2. (également disponible en vinyl, ACTLP 9766-1).
Sortie le 26 février.

Le piano solo est loin d’être une nouveauté pour Joachim Kühn. Sans remonter à sa prime jeunesse (il donna son premier concert à 6 ans dans des œuvres de Robert Schumann), son premier album sous ce format, produit en France, remonte à 1971 et plus récemment l’amateur de jazz aura remarqué deux prestations discographiques : ‘Free Ibiza’ (2011 chez OutNote Records) et ‘Melodic Ornette Coleman’ (2019 chez ACT).
Sur ce dernier label, le pianiste propose aujourd’hui un album uniquement consacré à des ballades.

Après un moment d’hésitation (« Peut-être quand j’aurai 90 ans !»), Joachim Kühn a accepté la suggestion du patron-fondateur d’ACT, son compatriote allemand Siggi Loch. Dès lors, il s’est mis au piano (un Steinway) dans sa maison d’Ibiza surplombant la mer où il réside depuis près de trente ans. « Je peux jouer et composer sept à huit heures par jour sans déranger les voisins », nous confiait-il en 2012 (in ‘Paroles de Jazz’, Editions Alter Ego).

Loin du bruit de la ville, il a ainsi enregistré une quarantaine de titres en quinze mois dont treize ont été retenus. Des pièces de courte durée (à peine 5 minutes pour la plus longue) qui forment une œuvre polymorphe, sorte de voyage rétrospectif dans la carrière d’un musicien actif sur la scène du jazz depuis un bon demi-siècle :

- Des hommages à Joe Zawinul (qui le distingua lors d’un concours à Prague en 1968), et à Gato Barbieri qui l’engagea pour la BO du ‘Dernier Tango à Paris’ (1972),

- des reprises de Mal Waldron (‘Warm Canto’) ou Bill Evans (‘Peace Piece’),

- Une excursion dans la pop (‘Purple Rain’ de Prince) ou les musiques du monde (Milton Nascimento et Bob Marley),

- Une reprise de Beethoven (Symphony No. 7, Allegretto)

... Et bien sûr des compositions personnelles dont ‘Touch the Light’, qui donne son nom au disque et évoque un coucher de soleil sur la Méditerranée des Baléares.

Pianiste fougueux dans sa période free jazz -aux côtés par exemple d’Aldo Romano, Archie Shepp ou encore Ornette Coleman- il n’a jamais trahi la fibre romantique de ses jeunes années à Leipzig. Il nous en donne ici une preuve incontestable faisant montre d’une sensibilité qui ne tombe jamais dans la sensiblerie. Une heure de grâce absolue.

Jean-Louis Lemarchand.

 
© Silvio Magaglio & X. (D.R.)

MARC COPLAND  PIANO SOLO

JOHN

Illusions Mirage / L’autre Distribution

www.illusionsmirage.com

www.illusionsmusic.fr

www.marccopland.com

You ‘re just sort of searching for this thing, and sometimes you get it and sometimes you don’t .

John Abercrombie

C’est à la détermination du producteur français Philippe Ghielmetti que l’on a assisté à l’émergence sur la scène de jazz hexagonale de Marc Copland pour le label Sketch, avec Poetic Motion en 2006. Se livrant jusqu’alors à l’exercice délicat et parfois ingrat d’accompagnateur, la relecture des standards en trio ou en quintet, Marc Copland réinvestissait alors l’art du piano solo qui était l’une des signatures du regretté label Sketch. Marc Copland devait prendre goût à l’exercice et renouvela l’expérience à de nombreuses reprises jusqu’à ce nouvel album so(m)brement intitulé John.

S’il est un terme qui vient immédiatement à l'esprit quand on évoque le pianiste new yorkais, c’est la fidélité. L’amitié comme équipage. Il est resté fidèle à ses engagements, à sa conception de la musique, aux valeurs que lui a transmises le guitariste, à Philippe Ghielmetti qui, avec Stéphane Oskeritzian ne sont pas les derniers à entretenir un lien fort. Puisque ce sont les producteurs de ce dernier album sorti sur [ ILLUSIONS] MIRAGE, enregistré à la Buissonne évidemment, sous la houlette de Gérard de Haro, autre partenaire, complice de longue date. Gageons que Marc Copland aura reconnu la qualité du ce merveilleux Steinway, lui qui est sensible à la façon dont l’instrument résonne à chaque fois!

Fidèle à son ami de quarante ans, le guitariste John Abercrombie qu’il n’a jamais vraiment quitté depuis leur première rencontre dans le groupe du batteur Chico Hamilton quand Marc jouait du sax. Du début des seventies jusqu’au dernier quartet du guitariste en 2016, un long et fécond compagnonnage en jazz, avec un “interplay” qui trahit et traduit une écoute attentive, un niveau exceptionnel d’improvisation et de concentration.

Ce piano solo est une sorte de “tombeau”, d’un genre particulier puisqu’il s’agit de réinventer neuf compositions du guitariste depuis l’avant-gardiste “Timeless” (premier album éponyme ECM en 1974) jusqu’à “Flip Side” du dernier quartet.

Le piano se prête plus facilement peut être à l’exercice du solo mais avec l’envergure de Marc Copland, le risque est très mesuré. Comme à chaque nouvelle aventure en solo, il place l’expression, la fluidité, le développement créatif et l’improvisation dans son carnet de route. Il prend son temps au fil des morceaux, amplement développés : de ballades rêveuses “Sad Song” ( joué par le quartet de John avec le violoniste Mark Feldman), en valses tristes(“Avenue”, “School”), brisures rythmiques, glissements mélodiques en nerveuses oppositions, son phrasé volontiers flottant déroule des accents intimistes, en traduisant la fragilité de l’instant recomposé. Les notes en pluie, le martèlement audacieux du clavier composent un chant grave et précis; par ses harmoniques et son chromatisme, cette musique distille le plus souvent une mélancolie liée à un art poétique élégiaque. Marc Copland renvoie aux délicates impressions, au ressenti mémoriel. On pourra réentendre des thèmes choisis avec une attention particulière d’autant plus difficiles que ces pièces furent composés pour des duos ou des formations étoffées : ainsi d’“Isla” pour le duo avec le guitariste Ralph Towner ou de “Remember Hymn” où brillait Michael Brecker.

Cette musique pour John dresse en même temps un portrait du pianiste. Ce qui confère à cette suite de pièces une continuité assez remarquable, toute en retenue et émotion jusqu’ à la mise en danger du “Vertigo” final apparu sur 39 Steps (quelle science du titre!), hommage à Hitchcock, maître du suspense, exactement comme dans cette composition de 39 mesures, où Copland harmonise ses propres déséquilibres. Il faudra réécouter cette musique du coeur avec la plus grande vigilance pour en saisir les finesses, pour se laisser prendre par cette tendre insistance.

Sophie Chambon

NOTHING BUT LOVE «The Music of FRANK LOWE»

Kelley Hurt (voix), Chad Fowler (saxophones ténor & soprano), Christopher Parker (piano), Bernard Santacruz (contrebasse), Anders Griffen (batterie & trompette)

invité sur une plage : Bobby Lavell (saxophone ténor)

Brooklyn, juin 2019

Mahakala Music MAHA-07 / https://mahakalamusic.com/

https://musicoffranklowe.bandcamp.com/album/nothing-but-love

La premier écho est un disque reçu récemment de Bernard Santacruz. Le contrebassiste était en 2019 à New York pour le Vision Festival, et le batteur Anders Griffen lui propose d'enregistrer les compositions de Frank Lowe avec des musiciens qui, comme lui, ont côtoyé le saxophoniste disparu en 2003. Bernard Santacruz a fait plusieurs disques, et beaucoup de concerts, avec Frank Lowe. C'est donc une sorte d'hommage collectif par des proches de l'artiste. Le nom du groupe, Nothing But Love, est un clin d'œil à Frank Lowe qui a composé le thème Nothing But Love au titre en forme d'auto-calembour, une composition qu'il a enregistrée sous son nom, et aussi avec le quintette de Billy Bang. Le groupe est au rendez-vous de l'extrême lyrisme qui caractérisait le dédicataire. On est au cœur même de cette effervescence qui vit le jour à l'orée des années 60, et qui se prolonge avec une mélange d'audace et de ferveur, d'intensité et de recueillement. La voix de la chanteuse Kelley Hurt se fond dans les lignes du saxophone avant de s'évader. Chad Fowler prend son essor sur une pulsation irrépressible, et l'on est dès la première plage dans le plus vif du sujet. Le free jazz n'est pas rejoué, il est vécu comme au premier jour. Les compositions sont empruntées à une longue histoire : In Trane's Name, que Frank Lowe avait gravé dans son premier disque en 1973, renaît avec le concours de l'invité, Bobby Javell. On aborde aussi des thèmes du début des années 80, et de plus récents. À chaque fois c'est l'occasion de ranimer le feu sacré d'une musique que certains auraient bien aimé mettre sous le boisseau. On ressent aussi la poésie surgie des mirages anciens (la trompette jouée par le batteur). Avec, comme à la grande époque, des unissons flottants : jouissif, de bout en bout.

BERNARD SANTACRUZ-MICHAEL ZERANG «Cardinal Point»

Bernard Santacruz (contrebasse), Michael Zerang (batterie)

Pernes-les-Fontaines, 14 octobre 2019

fsrecords FSR 27-2020 / https://fsrecords.net/catalogue/cardinal-point/

Nous retrouvons Bernard Santacruz pour un autre disque dont la genèse n'est pas étrangère au disque précédent : en 2001, le contrebassiste joue au festival Banlieues Bleues en duo avec Frank Lowe, en première partie du 'Peter Brötzmann Chicago Tentet' dans lequel joue.... Michael Zerang. Ils sympathisent, et après de multiples collaborations dans divers groupes, sur scène et sur disque, ils se retrouvent en studio pour ce duo. Quatre compositions-improvisations conjointes, plus un thème du batteur et deux du bassiste, constituent la matière du CD.

Dès la première plage, c'est une démarche conjointe, ouverte par une séquence rythmique qui offre à chacun le territoire d'une expression, autant individuelle que duale. Et c'est dès l'abord une aventure partagée, entre risque et plaisir. Suit un thème de contrebasse, récurrent et soutenu par des frottements de percussions qui enflamment le lyrisme, sans éclats, mais avec force. Vient alors la batterie, seule, dans une pétition de singularité. Pour la quatrième plage, on retrouve le dialogue : propositions/ponctuations/échanges et autres miracles de l'expressivité. Puis c'est un thème de Bernard Santacruz, sobrement commenté par Michael Zerang. Et pour conclure une version en duo de White Horses, thème que le contrebassiste avait enregistré en solo pour son disque «Lenox Avenue», après une version en trio, avec Jeff Parker et Michael Zerang, en 2001. Sans vous lasser d'intentions descriptives, je voulais simplement souligner la force d'un duo fondé sur l'équilibre, ou plutôt une forme d'équité qui permet, à deux seulement, de composer un beau paysage d'expression collective.

SOUCHAL-NICK-LAZRO-CAPPOZZO «Neigen»

Nicolas Souchal (trompette, bugle), Michael Nick (violons), Daunik Lazro (saxophones ténor & baryton), Jean-Luc Cappozzo (trompette, bugle, objets sonores)

Luzillé (Indre-et-Loire), 30 janvier-2 février 2020

ayler records AYLCD-162 / Orkhêstra

http://www.ayler.com/cappozzo-lazro-nick-souchal-neigen.html

https://ayler-records.bandcamp.com/album/neigen

Ce troisième écho nous permet de retrouver quatre orfèvres de l'improvisation radicale, celle où «un coup de dés jamais n'abolira le hasard», où tout est cependant concertation, connivence, communauté. Un son, une note, un appel lancés à l'entour, et l'improvisation prend vie, et la musique avec elle. Du 'je ne sais quoi' et du 'presque rien' vont surgir des horizons, des objets sonores, des univers, avec évidemment les sensations et les émotions qui les accompagnent. Les improvisateurs cheminent de proposition en perception, d'écoute en expression, et nous avec eux, pas à pas. Petits pas ? Grands pas ? C'est selon l'instant, et surtout selon notre faculté à écouter au-delà d'entendre, à imaginer plutôt que subir. Comme le livre s'écrit dans le cheminement du lecteur, la musique improvisée s'invente encore dans l'oreille qui la reçoit. Une expérience pour ceux qui jouent, partagée, ou transformée en une autre expérience pour ceux qui l'écoutent. Il suffit pour cela de s'immerger. D'écouter. D'écouter vraiment.

Xavier Prévost

LALO SCHIFRIN FOR MANDOLIN

Sonata del Sur –Fantaisie & Works of Nicolas Mazmanian

Sortie le 1er février 2021 LABEL LA MAISON BLEUE/SOCADISC

Vincent Beer-Demander (mandoline), Nicolas Mazmanian (piano), Gregory Daltin (accordéon)

compagnievbd.org

Compositions : Lalo SCHIFRIN

Sonata del Sur for mandolin & piano (2017) – 22’35, dedicated to Vincent Beer-Demander

Fantaisie pour mandoline & accordéon (2019) – 11’16, dedicated to Vincent Beer-Demander & Grégory Daltin

Compositions : Nicolas MAZMANIAN

Variations on a theme of Lalo Schifrin for mandolin & piano (2018) – 12’25 Dedicated to Lalo Schifrin

Fantaisie concertante « L.A » for mandolin & piano (2016) – 14’31 Dedicated to Vincent Beer-Demander

Présentation et interview de Lalo Schifrin

Vincent Beer Demander fait souffler un air de nouveauté sur le répertoire de la mandoline, instrument baroque du XVIIème, “a petite soeur de la guitare” à la tessiture du violon ( du sol grave au la suraigu). Les sonorités, le style évoluent. La rencontre avec Vladimir Cosma qui a pu composer une symphonie, une fugue, une chanson, un thème jazz, lui a ouvert de nouvelles perspectives et il a sollicité alors cet autre compositeur de musiques de films, tout autant éclectique, Lalo Schifrin. D’une brève rencontre à Paris en 2016, est né le projet d’un Concerto pour mandoline. Schifrin s’est pris au jeu: d’une grande curiosité, il n’a jamais écarté aucun instrument, et a utilisé, parfois en les isolant ou en les mettant en valeur la flûte dans The Fox, le basson dans The Kid of Cincinnati, ou encore le cymbalum dans Le Village des Damnés. Alors pourquoi pas la mandoline, même si ce qui l’intéresse est la forme du concerto, son organicité. De retour à Los Angeles, Lalo Schifrin compose le «Concierto Del Sur» pour mandoline et orchestre, créé l’année suivante au Festival de Chaillol en France puis à Washington et dans le Maryland aux États Unis.

Vincent Beer Demander fait alors entrer dans le mouvement son collègue enseignant pianiste du conservatoire Nicolas MAZMANIAN ( l’un des derniers élèves de Pierre Barbizet), et lui fait rencontrer à U.C.L.A, Schifrin lors de la création pour le Concierto del Sur. Il s’ensuivra 2 deux pièces inspirées de Lalo Schifrin dont

Variations on a theme of Lalo Schifrin for mandolin & piano (2018) – 12’25 Dedicated to Lalo Schifrin qui débutent le CD.

Les Variations sont un hommage d’un compositeur à un autre, à l’image de celles de Beethoven pour Diabelli. Ou celles de Brahms pour Paganini. La musique créée retraverse la vie du compositeur argentin Lalo Schifrin à travers le choix d’un thème qui fit sa renommée, celui de la série Mission : impossible. De manière plus ou moins évidente, le thème va revenir dans les 7 parties de cette composition. Ce qui paraît intéressant dans la démarche de Nicolas Mazmanian est d’avoir amené toutes ses variations vers le thème et non l’inverse qui est appliqué d’ordinaire.“Argentina” pose le cadre, le tango emblématique des origines, “Nostalgia” évoque directement le thème, mais pas à la manière d’une poursuite comme dans la série : la mandoline, d’une délicatesse extrême étire le temps, l’instant seul compte. Puis, on retrouve les trois premières notes dans un “Preludio” inpiré de Bach piano arpégé; “Cancion” ouvre plus gaiement avant “la vida coloreada” aux rythmes sud américaines tout en effets percussifs. “Armonizacion” s’inspire des couleurs et modes du maître Messiaen. Et la conclusion est sans appel : le thème que tous connaissent et aiment, y compris les plus jeunes, aujourd’hui encore, celui de la série, sortie en 1967!

La Sonata del Sur, for mandolin and piano ( 2017) de plus de 22 minutes, en 3 mouvements, remaniée par Lalo Schifrin à partir de son Concerto créé en 2017 est le morceau de bravoure du CD, bien plus qu’une réduction piano de l’orchestre, une oeuvre de musique de chambre, écrin aux performances des deux instrumentistes. On est très vite perdus dans un mouvement fluctuant sans cesse, des métamorphoses qui s’enchaînent, ne ménageant aucun répit aux spectateurs et plus encore aux instrumentistes. Comme dans une oeuvre classique, trois mouvements se succèdent : une Fantasia joyeuse, Balada, sur un tempo plus lent, a l’atmosphère d’une sérénade donnée sur une gondole glissant mystérieusement sur le Gran Canal. Des ruptures de ton, des passages très brefs d’une mandoline endiablée. Le dernier mouvement Fuego est en correspondance avec son titre, une musique solaire du sud, que ce soit Marseille et la Méditerranée ou L.A et la Californie, plus rapide et excitant, souligné plus par les aspects dynamiques et percussifs que par des dissonances.

Jeux de miroir, de doubles entre mandoline et piano, deux voix, plusieurs lignes mélodiques qui ne se jouent pas souvent en même temps, qui montrent toutes les possibilités de la mandoline, d’une grande palette expressive. On joue sur une corde, ou sur les doubles, usant du trémolo tenu ; on pousse les notes au plectre entre pouce et index, on peut aussi faire entrer en résonance tout l’instrument pour produire le son de la table d’harmonie au dos de l’instrument.

On entend ensuite la Fantaisie Concertante L .A for mandolin et piano, la première composition écrite pour Vincent Beer Demander par Nicolas Mazmanian.

Une forme libre qui fait se succéder le motifs, cousus et recousus, pour solistes. C’est un exercice de style en hommage au mandoliniste à son énergie indomitable et son humour avec trois mouvements : un prélude à la manière de musique ancienne, avec des trémolos vifs; un “humoreske” appuyé et saccadé marche rock pour finir par une “Rêverie” plus “classique mais d’une énergie fluide.

Le CD se termine avec une dernière pièce de Lalo Schifrin très originale et qui porte pourtant sa griffe, la Fantaisie pour mandoline et accordéon de 2019 qui met en en valeur l’alliage des timbres de la mandoline et de l’accordéon; on retient particulièrement un chorus d’accordéon sur fond d’ostinato de mandoline, mais aussi les qualités percussives des deux instruments.
 

Ce CD est une double découverte : un instrument, la mandoline dans un contexte insolite, et des instrumentistes classiques, jeunes et passionnés des musiques de Lalo Schifrin. Tout le monde a entendu en effet ses musiques de séries ou de films, mais les amateurs de jazz le connaissent évidemment pour son parcours jazz qui a commencé avec Dizzy Gillespie.
 

Sophie CHAMBON