Serge Lazarevitch (guitare), Ben Sluijs (saxophone alto, flûte alto), Teun Verbruggen (batterie, électronique)

Anderlecht (Belgique) 2018

Rat Records CD-RAT 046 / www.ratrecords.biz

Après «Free Three», publié voici un peu plus de 4 ans (Igloo Records IGL 266), avec Nicolas Thys à la contrebasse, voici «Still Three, Still Free», où la basse cède la place au saxophone de Ben Sluijs. Parce qu'il y a au répertoire une composition de Paul Motian, et aussi à cause de l'instrumentation, de la couleur de certaines plages, on est tenté de penser au trio qui associait Paul Motian, Bill Frisell et Joe Lovano. Mais cela dit assez peu de ce disque singulier, même si l'on se souvient que, voici plusieurs décennies, Serge Lazarevitch succéda à Frisell dans le groupe du saxophoniste belge Steve Houben. Il l'avait croisé aux USA, durant ses études au Berklee College de Boston, et son début de carrière là-bas, quand il avait étudié avec Mick Goodrick, enseignant majeur à Boston pour tous les guitaristes. Et ce trio ? Le batteur est né l'année même où le guitariste commençait ses études de jazz à Boston, et le saxophoniste appartient à la génération médiane entre ses deux partenaires. Le titre de cet opus collectif annonce la couleur : encore et toujours libre(s). Libres d'aborder des territoires différents, libres de s'offrir en ouverture une ballade sinueuse (je pense à Motian, déjà....) au titre faussement connoté (Georgy On My Mind). Puis de bifurquer vers une impro collective pleine de fougue, avant une méditation nimbée de mystère, et un plongeon très personnel dans la déconstruction d'un thème de Monk (Evidence). Liberté d'improviser sur ce matériau segmenté qui se recompose dans le solo de sax, tandis que guitare et batterie fragmentent : jouissif ! Puis c'est un thème d'Ornette, lyrique et distendu avant de devenir anguleux (mais moins que dans la version princeps). Une autre courte impro collective, puis du lyrisme à l'état pur, et le thème de Motian, Drum Music , ou comment faire chanter la batterie sans fracas sur des méandres mélodiques qui nous emportent. On aura aussi le timbre troublant de la flûte alto pour un voyage oriental, avant la plage conclusive sur Les Baricades Misterieuses (orthographe dix-huitième siècle garantie) de François Couperin. Bref un très beau voyage de musicalité, de jeu collectif et de liberté. Grande réussite.

Xavier Prévost

Mélissa Acchiardi (vibraphone), Christophe Gauvert (contrebasse), Clément Gibert (clarinette, clarinette basse, saxophone alto), Guillaume Grenard (trompette, bugle, flûte), Christian Rollet (batterie)

Label ARFI AM 069 / l'autre distribution & www.lesallumesdujazz.com/

Autour de Christian Rollet, membre de l'ARFI 'canal historique', une nouvelle génération rassemblée par le saxophoniste-clarinettiste Clément Gibert (fils d'un autre membre historique, aujourd'hui disparu, Alain Gibert). Tous ensemble pour revisiter, à leur façon, ce monument que fut, et demeure, «Out to Lunch !», célébrissime album d'Eric Dolphy, et l'ultime si l'on s'en tient aux publications anthumes (enfin pas vraiment, car Dolphy est mort à Berlin en juin 1964, et le disque a paru sous étiquette Blue Note deux mois plus tard. Mais cela le distingue des toutes les bandes qui ont été exhumées ensuite).

 Mélissa Acchiardi ©Philippe Malet

Comme le disque inspirateur, celui-ci commence par Hat and Beard, dans une version relativement proche dans sa structure (c'est Mélissa Acchiardi qui ouvre la séquence), et dans le traitement, de la version princeps. Cette relative fidélité sera ensuite abandonnée, et c'est tant mieux, car l'essence du projet est précisément d'aller vers l'infidélité, comme le laisse entendre le titre de l'album. J'ai d'ailleurs le souvenir que, un an exactement avant la sortie de ce disque, le 13 novembre 2019 au festival D'Jazz de Nevers, le groupe avait donné en ouverture une version assez fidèle à l'original, pour offrir en rappel une autre version du même thème, bien différente. On ne saurait mieux résumer l'essence de cette aventure musicale. Le présent disque bouleverse ensuite l'ordonnancement de l'opus inspirateur, puisqu'il aborde en plage 2 Gazzelloni, hommage à un célèbre flûtiste italien (interprète de la Sequenza per flauta solo de Luciano Berio), troisième et dernière plage de la face A du 33 tours originel de Dolphy. Heureuse distorsion qui livre le présent disque à sa revendication légitime de singularité. Ici c'est la batterie de Christian Rollet qui ouvre une danse de liberté.

 Christophe Gauvert & Christian Rollet ©Philippe Malet

La flûte est jouée par le trompettiste-bugliste Guillaume Grenard (pas plus flûtiste chevronné que ne l'était Dolphy, lequel n'était pas un virtuose à la Severino Gazzelloni, mais là n'est pas la question), et elle fait son entrée soutenue par la clarinette, avec laquelle ensuite elle dialogue très librement. On est exactement dans l'esprit de liberté légèrement transgressive du disque de Dolphy : prendre son essor, et ne surtout pas jouer les épigones.

 Guillaume Grenard & Clément Gibert ©Philippe Malet

Puis on en vient à ce qui était le titre 2 de l'album originel, avec encore une fois un traitement très différent. Cette liberté même est le plus bel hommage que l'on puisse rendre à Dolphy, dynamiteur dont la carrière fut hélas trop courte, mais qui en son temps bouleversa le langage du jazz au moins autant que Coltrane, mais dans une voie singulière. Je ne vais pas détailler toutes les plages. Sachez simplement que les trois suivantes sont des originaux (deux de la plume de Clément Gibert, un de Guillaume Grenard), qui sont à la hauteur de l'enjeu : celui de la liberté et de la créativité. Et pour conclure on revient au répertoire du disque : Out to Lunch et Straight Up and Down, avec notamment, dans des climats et des tempi différents, de belles stimulations de la contrebasse de Christian Gauvert pour installer l'intensité du discours. Bref c'est un très beau disque, dans l'esprit du projet comme dans son accomplissement. Et cela redonne sens à l'idée d'hommage, trop souvent galvaudée par excès de servilité.

Xavier Prévost

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Des infos

http://pointbreak.fr/arfi-dolphy/

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Des avant-ouïr sur Youtube

KATHRINE WINDFELD ORCHESTRA

ORCA

Label Stunt Records

www.windfeldmusic.dk

Une histoire d’eaux, de mers et d’océans, de peuples sous marins … Nous sommes en Scandinavie avec le très grand orchestre à la tête duquel règne la sirène Kathrine Windfeld.

Celle qui est née dans l’archipel danois de South Funen, dans la ville portuaire de Svendborg, est fascinée par l'effet aquatique. Avec ce troisième album, la jeune compositrice, pianiste et révélation danoise, a conçu toute une histoire autour de l’orque marine, ce “charmant” animal, pourtant redoutable prédateur des baleines, (ne la surnomme t-on pas d’ailleurs “killer whale” en anglais ?).

8 compositions plutôt longues dont la plupart évoquent la forme de l’eau, l’eau dans tous ses états et l’univers mystérieux des fonds sous marins. Celles qui ne sont pas inspirées par l’élément marin, renvoient tout de même à la nature “Harvest”, notable par une belle intervention de la pianiste.

Une symphonie écologique qui adopte l’idiome jazz dans lequel les Scandinaves sont à l’aise, tant ils sont ancrés dans l’histoire de cette musique.

Une formation cuivrée et musclée de 16 instrumentistes majoritairement suédois et danois, avec l’exception notable d’un Hongrois, le saxophoniste ténor Gabor Bolla : place aux vents (quatre trompettes, 4 trombones, 6 saxophones dont un baryton et 3 ténor) et une section rythmique puissante dotée d’une guitare. Les compositions permettent aux instrumentistes de magnifier les échanges, de jouer des unissons, variant et multipliant les effets de timbres et de couleurs sans oublier de se livrer à des solos remarqués. Une structure impeccable, équilibrée dans l’écriture, qui raconte ces histoires quotidiennes comme ce “ Ferry” qui rythme les traversées incessantes qui marquent la vie nordique, énergique et rude au bord d’une mer qui n’a rien à voir avec la mare nostrum.

Bref, un opus symphonique, exotique, c’est à dire dépaysant par le thème déroulé avec une belle continuité qui en fait un vrai concept album, la maestria avec laquelle cette musicienne dirige son groupe, les grands formats étant rares de nos jours.  Soulignons enfin le talent des interprètes au style vif, dans un courant mainstream qui parvient à installer des reflets et climats impressionnistes.

Sophie Chambon

Sylvain Rifflet (saxophone ténor), Jon Irabagon (saxophones mezzo-soprano & sopranino), Sébastien Boisseau (contrebasse), Jim Black (batterie)

Budapest, 22-24 janvier 2020

BMC Records BMC CD 296 / Socadisc

J'écris ces lignes au moment même où, à Quimper au Théâtre de Cornouaille, on aurait dû écouter ce groupe. Le confinement en a décidé autrement mais je conserve, très vif, le souvenir du concert du 3 avril 2019 au festival Banlieues Bleues. Ce disque, enregistré quelques mois plus tard, fait revivre ce projet un peu fou : dire, en musique et avec la musique, les combats, la rébellion de ceux et celles qui s'insurgent contre la tyrannie, l'injustice, l'inégalité, le préjugé, la violence (qu'elle soit faite aux humains ou au climat). On commence avec l'hyper lyrique discours de Malraux pour accueillir l'arrivée des cendres de Jean Moulin au Panthéon. Un extrait seulement du discours, dans lequel la musique s'insinue, épousant parfois le phrasé de l'orateur, rappelant que musique et prosodie sont liées par une sorte de complicité originelle. Puis c'est un traditionnel irlandais, Factory Girl, musique de lutte arrangée par Sébastien Boisseau, avant une marche forcée de la rythmique et des sax sur une intervention de Greta Thunberg à la COP24, en 2018 à Katowice. Ensuite c'est encore une musique de combat sur un texte d'Emma Gonzales, militante pour le contrôle des armes à feu aux USA. Et l'on bifurque vers un texte féministe d'Olympe de Gouges dit par Jeanne Added, dont l'électronique traite la voix, tandis que la musique emporte ce discours de libération avec une tranquille assurance. Sur la voix de Paul Robeson, chanteur de gospel mais aussi militant communiste, et l'un des héros du combat contre la ségrégation raciale, la musique à nouveau épouse les contours de la parole avant de s'émanciper avec audace, et de revenir au commentaire, très libre, du texte. Et la conclusion, strictement musicale, sur une composition commune des deux saxophonistes, sera comme une ultime expression de la liberté combative. Belle réussite que cette aventure musicale et militante que n'étouffe pas le propos, car la musique parle, constamment.

Xavier Prévost

THE MUSIC OF BILL EVANS : INTERPLAY 

DIEGO IMBERT/ ALAIN-JEAN MARIE

produit par TREBIM music / L’autre Distribution

SORTIE DU CD le 13 Novembre

CONCERT DE LANCEMENT AU BAL BLOMET, le 3 décembre 2020 dans le cadre des Jeudis de Jazz Magazine

https://www.fip.fr/jazz/diego-imbert-et-alain-jean-marie-celebrent-bill-evans-18444

Commencer par le titre “Interplay” qui magnifie le jouage, l’échange, la circulation de la musique quand il s’agit de rendre hommage à Bill Evans est de bon augure. Même si c’est le seul titre conservé du CD éponyme de 1962. C’est que dans l’immense répertoire de Bill Evans, il a fallu faire un choix, “cornélien”, on s’en doute.

On peut faire confiance à Alain Jean-Marie et Diego Imbert, deux musiciens humbles mais tellement talentueux. S’attaquer à l’icône absolue pour un pianiste, évoquer les grands de l’instrument qui ont accompagné Bill Evans en renouvelant l’art du trio, Scott La Faro, Marc Johnson et surtout Eddie Gomez que rencontra le jeune Diego Imbert, lors de célèbres stages de Capbreton au début des années 2000. C’est d’ailleurs à l’initiative de Diego Imbert que nous devons ce projet avec le pianiste guadeloupéen, connu pour sa maestria be bop et ses “Beguine Reflections”.

Un duo piano-contrebasse, quoi de plus simple, même si Bill Evans renouvela la forme du trio ( piano/basse/batterie). Ajoutons qu’Eddie Gomez et Bill Evans vécurent un compagnonnage musical de plus de dix ans et osèrent cette expérimentation dont témoignent deux albums en 1974 Intuition et Montreux III en 1975.

15 petites pièces dont 4 ne sont pas du maître, composent donc ce bouquet offrande, effluves d’un jazz aimé, un brin nostalgique mais audacieux dans son agencement, sans aucune volonté démonstrative ni recherche de virtuosité : le résultat d’une juste durée, nécessaire mais suffisante nous fait atteindre la planète EVANS! La chanson du tandem Burt Baccarach/Hal David “Alfie” pour le film éponyme de 1966 de Lewis Gilbert, qui fit de Michael Caine une icône absolue des sixties, avec une B.O entièrement jazz de Sonny Rollins, n’est pas choisie au hasard, car cette composition dont s’empara Bill Evans, pour la mettre à son répertoire, donna lieu à de multiples interprétations comme par exemple celle, avec Eddie Gomez et Marty Morell en 1968, au Village Gate.

La mélodie existe déjà avec les compositions de Bill Evans, il ne faut pas la démolir ni la déstructurer de trop, mais la jouer comme on le ressent. Reste à s'arranger avec l’harmonie qui structure le corps du morceau. Le timide ou réservé pianiste imprime une vigueur peu commune, une ardente fièvre à des compositions aussi connues.  Intime et lyrique dans son déroulé, solaire oui, et ce n’est pas faire de contresens puisque la musique de Bill Evans peut aussi vous chavirer de bonheur, car elle touche body and soul ! Ce ne sera donc pas tout à fait un remède à la nostalgie mais à la mélancolie. 

Des reprises particulièrement réussies, brillantes, prétextes à invention et à une jouissive communication! Si ce “Turn out the stars” des plus énergiques swingue réellement, ça danse sur “Very early” avec un piano clair, dégagé, heureux. Et sur le merveilleux “Waltz for Debby”, pianiste et contrebassiste dansent véritablement, l’un contre l’autre, épousent vraiment les contours de cette mélodie avec chaleur. On attend les passages obligés mais dans l’oeuvre immense du pianiste compositeur, tout ne l'est-il pas? “Nardis”, “Blue in Green” et “Waltz for Debby”, sans compter le déchirant “We will meet again” que le solo de Diego Imbert renouvelle totalement.

Quand on aime passionnément Bill Evans, on ne peut qu’être touché par cet Interplay sobrement intitulé, ce véritable “labour of love” qui, quarante ans après la disparition d'un musicien génial, constitue une forme renouvelée de tombeau avec tout le respect et le talent de Diego Imbert et Alain Jean-Marie. Merci à eux!

NB: Notons enfin les nécessaires notes de pochette de l’ami Pascal Anquetil, toujours aussi pertinentes

Sophie Chambon