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7 novembre 2020 6 07 /11 /novembre /2020 09:31
Jean Christophe CHOLET            AMNESIA  Improvisations, piano

 

Jean Christophe CHOLET AMNESIA

Improvisations, piano

Label Infingo /Distribué par l’Autre Distribution

 

www.jeanchristophecholet.com

Photo: bertrandgruyer.com

Pochette : Maud Biron traitpourtrait.org

 

https://www.youtube.com/watch?v=EK7-a7m9VGs

 

Quatorze petites pièces, évidentes et pourtant pas toujours faciles, créées pendant le premier confinement, cet étrange état d’isolement qui a brutalement plongé tous les artistes dans la sidération, condamnés tout d’abord au silence, puisque privés de se rencontrer, de répéter. Il restait donc à utiliser cette période singulière, extra-ordinaire, “profiter” de ce drôle de répit, repos, pour se lancer dans un voyage immobile autour de leur chambre.

Comme Jean Christophe Cholet est pianiste, la tâche était relativement plus aisée, l’instrument conférant liberté et autonomie, une force presqu’orchestrale.

Enregistré en juin dernier, chez lui dans le Loiret, pour la prise de son du moins, cet Amnesia était sa première tentative en solo, après une carrière conséquente dans d’autres formes, orchestre grand format (Diagonal) et divers trios dont le plus long dans le temps le Cholet-Hänzig-Papaux avec ses deux amis Suisses. 

Rien de révolutionnaire dans le parti-pris d'Amnesia, il ne s’agit pas de revisiter l’histoire de la musique, mais de livrer une exploration très personnelle, intime, une broderie délicate sur le temps, l’absence, le sort qui impose la “résignation” mais peut aussi favoriser l’inspiration. Comme une fenêtre ouverte sur son paysage intérieur, évoquant la photographie de la pochette, Fenêtre intérieure n°1 de Bertrand Gruyer : Une fenêtre est faite pour voir au dehors. A moins qu'elle ne décide d'arrêter la vue pour mieux nous laisser revenir en nous-même. Une réalisation sobre qui joue sur un dégradé de teintes, un halo poudré  reflétant une certaine spiritualité de la couleur.

Parfaite adéquation avec l’invitation du pianiste qui nous renvoie aux irisations, aux rutilances diverses de la musique française du XXème. Autant de signes, de passages qui ne répondent à aucune nostalgie puisqu’il y a volonté d’effacer le souvenir, conscient du moins, mais de laisser advenir échos, hommages fugitifs, brèves rencontres en différents climats harmoniques. Une sorte de récital, tout un art de petites pièces, libres, subtiles, aux motifs parfois répétés comme dans ce “Casse-tête”ou cet “Impatient” qui portent si bien leur titre, des improvisations colorées, fougueuses, larguant quelques amarres ou plus délicatement impressionnistes.

On se laisse volontiers entraîner par cette suite qui déferle, cet album vibrant, composé sur le vif, comme dans cet “Aimer se perdre” qui résume le programme, du moins l’état d’esprit du pianiste. Un tour de force -l’actualité rendant créatif, dans l’art d’accommoder et d’acclimater l’instrument à ses humeurs. Singulier pluriel, il n’a jamais mieux raisonné, ce piano.

D’ailleurs, après avoir sorti ces pièces inédites, Jean Christophe Cholet décida de les faire suivre de concerts, dès que possible. Ainsi, son Amnesia put être entendu au Memento à Auch, en octobre dernier. Avouez que cela ne pouvait tomber mieux!

Sophie CHAMBON

 

 

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2 novembre 2020 1 02 /11 /novembre /2020 21:52

Keith JARRETT, ‘Budapest Concert’. Béla Bartok Concert Hall. 3 juillet 2016. ECM/Universal. 2Cds .
A paraître en janvier 2021, 2 LPs.

La sortie d’un album en solo de Keith JARRETT –une vingtaine à ce jour- aura toujours constitué un événement depuis 1971, quand ECM  publia ‘Facing You’, début d’une collaboration exemplaire entre le producteur allemand Manfred Eicher et le pianiste américain.
L’arrivée dans les bacs des disquaires –ou plutôt sur les sites de vente en ligne- de Budapest Concert n’échappe pas à la règle d’autant plus qu’elle intervient dans un contexte personnel (passionnel même) particulier, concernant Keith Jarrett.

Dans un récent entretien avec le New York Times, la star de Köln Concert (1975) confie ses craintes sur son état de santé qui pourraient hypothéquer lourdement un retour sur scène. Victime de deux AVC en février et mai 2018, le pianiste, reclus dans sa maison du New Jersey, avoue que son côté gauche est encore “partiellement paralysé” et doute de retrouver suffisamment l’usage de sa main gauche pour jouer du piano.

L’enregistrement aujourd’hui disponible, réalisé le 3 juillet 2016, l’intégrale d’un concert donné dans la capitale hongroise constitue donc l’un des derniers témoignages en date de Keith Jarrett qui a célébré ses 75 ans le 8 mai dernier. La dernière prestation en public du musicien-phare d’ECM remonterait en effet à 2017 au Carnegie Hall. Certains pourraient dès lors être tentés de voir (ou plutôt d’entendre) dans le Budapest Concert un testament musical du pianiste.


https://ecm.lnk.to/BudapestConcert

 

Nous gardant de tout jugement définitif, nous pouvons humblement relever que Keith Jarrett nous propose ici une œuvre introspective où il se montre spécialement inspiré par l’atmosphère des lieux -une salle où il s’était déjà produit à quatre occasions- et ses souvenirs personnels, une de ses grand-mères était hongroise. Un moment de pure grâce de quelque 90 minutes.

 

Jean-Louis Lemarchand.

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2 novembre 2020 1 02 /11 /novembre /2020 14:33

Alexandra Grimal (saxophone soprano, voix, textes), Benjamin Lévy (électronique), Gilles Clément (textes)

Orléans, mai 2017

Ovni OVN 0003 / https://www.alexandragrimal.com/en/ovni

 

Irremplaçable et irréductible Alexandra Grimal ! Quand elle pourrait s'installer douillettement dans le confort que lui offriraient ses talents d'instrumentiste, de musicienne, de compositrice et d'improvisatrice, elle pousse chaque fois plus loin le bouchon de l'aventure, pour un autre saut dans le vide qui toujours apporte son plein d'émois esthétiques. C'est cette fois un double disque : premier volet, un suite de solos de saxophone soprano ; second volet, des textes d'elle et de Gilles Clément, dits dans sa voix (sans le recours au saxophone), voix traitée électroniquement par Benjamin Lévy.

Le CD 1, construit selon un idéogramme japonais qui désigne l'intervalle, l'espace, la durée et la distance, nous entraîne dans une succession d'aventures sonores et musicales plus que dépaysantes. Chacune des 9 séquences est un fragment de beauté singulière arraché au silence, silence qu'il exalte cependant. Et la neuvième séquence, en explorant les harmoniques, ouvre à nouveau les portes du silence. Quelque chose comme un 'matérialisme spirituel', où l'indiscutable matérialité du son serait inséparable de l'aventure spirituelle que constitue le création musicale.

Le CD 2 nous conduit dans un dédale de textes presque incantatoires autour de la nature, textes dits, parfois chantés, par Alexandra Grimal, dans une voix électroniquement traitée par Benjamin Lévy. Les textes d'Alexandra Grimal et du paysagiste Gilles Clément, parlés ou chantés, sont comme une ode à la beauté du monde végétal. Et la dernière plage, après une longue plongée (plus de 3 minutes) dans le silence, débouche sur une sorte de résolution vers l'aigu.

Singulier, inclassable, et d'une indiscutable et mystérieuse beauté.

Xavier Prévost

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1 novembre 2020 7 01 /11 /novembre /2020 18:16

Michel Benita (contrebasse, ordinateur), Matthieu Michel (bugle), Jozef Dumoulin (piano électrique, électronique), Philippe Garcia (batterie, électronique)

Pernes-les-Fontaines, mars 2019

ECM 2663 / Universal

 

Beaucoup de compositions du contrebassiste, et aussi un thème en collaboration avec Matthieu Michel, un autre élaboré par le groupe, et des emprunts à Kristen Noguès, Antonio Carlos Jobim et Jules Styne, autant d'ingrédients d'apparence hétérogène pour un album totalement cohérent, entre mélancolie, mystères mélodiques et sonorités rêveuses. L'obsession de Michel Benita pour l'extrême qualité du son, et au-delà pour ce que le son porte de sens, y est pour beaucoup. Avec au centre l'extraordinaire expressivité de Matthieu Michel, son absolue pertinence dans le choix des notes et des accents.... Ajoutez à cela le considérable talent de Jozef Dumoulin pour choisir dans la palette de son Fender Rhodes et de ses effets les sons qui vont envelopper les mélodies dans un atour singulier, la finesse des accents de Philippe 'Pipon' Garcia, et le soins jaloux apporté par le contrebassiste à chaque son, chaque ligne, chaque nuance, tout en propulsant la phrase, le thème, le disque même jusqu'à son idéal, et vous aurez un aperçu de ce que peut être, dans ce registre si particulier, une idée de la perfection. Avec peut-être un point culminant, l'acmé de l'émoi et de la musicalité autour d'Inutil Paisagem de Tom Jobim.

Xavier Prévost

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L'élaboration de la musique sur Vimeo

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31 octobre 2020 6 31 /10 /octobre /2020 12:11

1,2,3,4! Philippe Milanta, Thomas Bramerie, Leon Parker, Lukmil Perez.
enregistré par Julien Bassères au Studio de Meudon, (juillet 2020).
Camille Productions - MS072020CD.
Sortie le 7 novembre 2020.
www.camille-productions.com

 

Cela fait plus de quarante ans que Philippe Milanta remet sans cesse sur le métier son art de nous raconter des histoires, en trio ou au piano d’un Big Band (celui du Duke Orchestra de Laurent Mignard), aux côtés d’un Guy Lafitte, d’un Gérard Badini ou d’un Glenn Ferris, et de tant d’autres, de Buster Cooper à Teddy Edwards, ou encore de Barney Kessel à Lew Tabackin, André Villéger... Quarante ans que tel un diamant longtemps et amoureusement poli, sa musique brille de toutes les facettes dont il veut bien nous dévoiler les nuances.

 

Nous avions souligné et apprécié les qualités de ses trois derniers disques*.
Dans ce nouvel album, il continue à surprendre et à captiver l’attention à chaque instant, alternant compositions originales et standards dans un crescendo continu, du solo au trio, du duo au quartet, avec Thomas Bramerie (contrebasse), Leon Parker et Lukmil Perez (batteries), trois complices qui participent du gratin des musiciens que l’on peut admirer sur les scènes du pays, du moins quand la triste conjoncture actuelle nous le permet.

Il faut entrer dans ce phonogramme comme dans un château Renaissance ou une maison d’architecte, où la part belle serait laissée au trio, (pas moins de huit titres dont deux standards, ‘Cotton Tail’ de Duke Ellington et ‘Hackensack’ de Thelonious Monk), qui occuperait le salon et les pièces principales, mais où, de couloirs en escaliers dérobés, on pourrait accéder à de surprenantes alcôves réservées aux pièces en piano solo (quatre occurrences), ou aux duos, piano-contrebasse (‘Palaqwa’) et piano-batterie (‘Tolana’)…avec un petit béguin particulier pour les unissons contrebasse-piano et la belle osmose atteinte par les quatre musiciens sur la seule pièce jouée tout en finesse en quartet, la ballade  ‘Manomena’.

Une clef, dévoilée par le pianiste pour comprendre l’origine d’une partie des titres de son album : « les travaux du linguiste Merritt Ruhlen sur sa recherche d’une langue originelle commune à tous les êtres humains m’ont fortement impressionné. Certains mots qu’il dégage de ses recherches (Aq’wa = eau, Buka = coude, Mano = homme, Mena = penser, Pal = deux, Aja = mère), m’ont inspiré pour quatre compositions : Aqwabuca, Manomena, Palaqwa, Menaaja ».

 

Un jalon certainement important sur la trajectoire d’un artiste de premier plan.

 

Francis Capeau.

 

*For Duke And Paul (CD en duo avec André Villéger, 2015, Camille Productions)

 

*Strictly Strayhorn (CD en trio avec André Villéger et Thomas Bramerie, 2016, Camille Productions).

 

*Wash (CD en piano solo, 2018, Camille Productions).


©photo Carlotta Forsberg, Zoe Forget, Julien Bassères et Patrick Martineau

 

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26 octobre 2020 1 26 /10 /octobre /2020 09:05

Ella Fitzgerald (chant), Paul Smith (piano), Wilfred Middlebrooks (contrebasse), Stan Levey (batterie).
25 mars 1962, Sportpalast, Berlin. Verve/Universal

 

Ella n’aime qu’une seule chose, chanter” confiait un jour Norman Granz. Le producteur parlait d’expert, lui qui avait pris sous son aile la « First Lady of Jazz » en 1956.
Cette année-là fut enregistré ce qui devint l'un des plus grands succès (en termes de ventes) d’Ella Fitzgerald (1917-1996), ‘ELLA IN BERLIN’. Un concert qui passera à la postérité par une version survoltée de Mack The Knife.

 

Six ans après, la chanteuse retrouve l’ex et future capitale allemande au cours d’une tournée européenne du JATP de Norman Granz dont la première partie était assurée (excusez du peu) par la formation menée par le tandem Roy Eldridge - Coleman Hawkins.


Les bandes de ce concert berlinois sortent aujourd’hui, retrouvées dans les archives du producteur décédé en 2001. Le répertoire comprend les airs fondamentaux du tour de chant d’Ella des années 60 (Mack The Knife, Mr.Paganini, Summertime) mais aussi un tube de Ray Charles (Hallelujah, I Love Him So) donné ce soir-là par deux fois et une délicieuse composition de Cole Porter « C’est magnifique ». Accompagnée seulement d’un trio, Ella plane, séduit, swingue, maîtresse de sa voix, légère, joyeuse. Un régal tout simplement servi par une artiste qui se montrait généreuse sur scène et à la ville. « Avec Ella c’était tout le temps la première class, témoignait le batteur Stan Levey, cité dans le livret. Vous étiez payé 52 semaines mais vous travailliez, disons, 30 à 35 par an ».


Jean-Louis Lemarchand

 

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25 octobre 2020 7 25 /10 /octobre /2020 07:42
Cherchez la femme : Portrait de Géraldine en altiste.

Cherchez la femme : Portrait de Géraldine en altiste.

 

Le jazz fut longtemps masculin par essence et la femme, souvent fatale comme dans les romans et films noirs. Elle se devait d’être glamour en tous les cas, surtout si elle était chanteuse...Heureusement, les choses évoluent et les femmes du jazz sont musiciennes avant tout!

Quatrième album en leader, ce Cooking, sorti il y a juste un an, dans le monde d'avant… en octobre 2019, a valu à Géraldine Laurent aux Victoires du JAZZ le titre de meilleur album de l’année et à Paul Lay, celui de meilleur instrumentiste. Ce qui méritait un rembobinage et un retour à cette période heureuse et irréelle, de l’automne dernier… Cela valait bien que, faisant jouer ma mémoire -Géraldine étant l’une des musiciennes que j'ai suivies avec une certaine continuité, je lui tire le portrait, à l’occasion de la retransmission de la soirée des Victoires.

FLASHBACK 

C’était en 2006, un festival à Arles, au Mejan, consacré à la voix et aux femmes du jazz. Géraldine Laurent était déjà là : plutôt que de la faire jouer dans son Time out trio originel chez Dreyfus records avec Laurent Bataille et Yoni Zelnik, le programmateur Jean-Paul Ricard avait choisi de nous la faire découvrir autrement, en trio toujours, mais sans piano, avec Hélène Labarrière et Eric Groleau. Ce qui a également contribué au démarrage de la carrière de la saxophoniste est l'obtention du plus grand prix de l'Académie du Jazz, le Prix Django Reinhardt, en 2008, ex aequo avec Mederic Collignon.
 

Géraldine Laurent peut aussi bien faire danser le public de la Huchette que le désaltérer à la source fraîche de maîtres incontournables, les Sonny Rollins, Wayne Shorter dont elle a depuis toujours, écouté, relevé des chorus et "piqué"des plans, en toute humilité.

Comme dans un bon équilibre culinaire, on y reviendra, cela a son importance, bien qu’ ancrée au départ dans la tradition du be bop, elle est toujours en recherche, jouant "actuel" sur des bases classiques. On se souvient de son Around Gigi (2010) dédié à un autre altiste, hard bop formé au classique, Gigi Grice, de sa participation au Mico Nissim sextet avec, sorti en 2011 chez Cristal records avec Ornette/Dolphy/Tribute/Consequences.
Certains ont le cerveau branché XIXème, sont fous de cinéma d’avant-guerre, Géraldine Laurent affectionne le jazz des années quarante à soixante qu'elle connaît très bien. C’est une travailleuse acharnée qui ne peut se lancer dans l’improvisation chère aux jazzmen que parce qu' elle s'appuie sur une technique parfaitement maîtrisée.


Elle est revenue au Méjan, forte de son Grand Prix de l’Académie du Jazz 2015 avec une belle équipe, un nouveau quartet, At work où le jeune et fougueux pianiste Paul Lay (autre coup de coeur de Jean-Paul Ricard qui fut l’un des premiers à le programmer à l’AJMI avignonnais) tord le côté classique de cette musique, inspirée des boppers et suiveurs. Un son droit à l' alto, des graves moelleux, une belle musicalité, une musique généreuse au sein d’une création continue, effervescente, qui coule sans effort en dépit d’une structure rigoureuse. Géraldine ne fait pas de longs discours en public, elle est là pour jouer, intensément et laisser interagir ses partenaires, d’autant plus librement quand elle est leader. Le groupe ne s’en prive pas car elle sait recentrer l’énergie des garçons autour d’elle. Plus que par un timbre ou un son vraiment particuliers, elle se distingue par le rythme qu’elle imprime à son discours, la façon d’articuler son propos, de le marquer de son empreinte.

Puis, ce fut un véritable coup de coeur avec ce Visitation de Cyril Achard, en 2016, au Petit Duc d’Aix en Provence et au Mucem marseillais dans le cadre de Jazz des Cinq Continents. Amoureux du son de Géraldine, de sa façon de phraser, de son énergie radicale, le guitariste aixois a eu l’idée de lui proposer une collaboration autour de leurs deux instruments: elle jouait déjà régulièrement avec des guitaristes dans son trio sans contrebasse Looking for Charlie, avec Manu Codjia ou avec Nelson Veras, dans cette veine acoustique. Avec ce duo, c’était encore une façon d’aller droit au coeur de l’échange, comme dans une conversation: les notes en pluie serrée et persistante filent le long des doigts du guitariste, les accords s’enchaînent, les brisures rythmiques composent un chant grave, une mélodie heurtée ou au contraire d’une délicatesse extrême quand la saxophoniste mâchonne, susurre dans le bec et l’anche. C’est que chacun joue et prend en charge, à son tour, la partie rythmique, soulageant l’autre de cette tension continue.

En  août dernier, écoutant le Jazz Club d’Yvan Amar, lors de la semaine d’ hommage à Charlie Parker, né le 29 août 1920, la voilà souveraine, animant la soirée au Sunside, avec l’autre grand altiste, Pierrick Pedron, dans le bien nommé “Bird vs Bird”. On ne pouvait mieux choisir car tous deux sont des solistes généreux, puissants, soucieux de mélodie et de rythme, qui aventurent leur alto dans le chant du désir plutôt que dans l‘aveu de la plainte.

Des chroniques récentes sur les DNJ ont souligné ses récentes collaborations avec Andy Emler dans son chaleureux No solo, où il se mettait résolument au service des autres et de leurs imaginaires. Et dans ce Fragments  construit à partir des réminiscences émues de rock progressif d’Yves Rousseau, ce sont les soufflants qui se sont appropriés cet univers singulier pour le transposer, le faire dériver dans leur langage instrumental respectif. Géraldine s’avère ainsi une partenaire indispensable, démontrant la vitalité de son engagement et sa versatilité au meilleur sens,  anglo-saxon du terme!

 

Dans son dernier opus COOKING, sorti en octobre dernier sur le label GAZEBO, adoubée par Laurent de Wilde qui la produit depuis At Work, elle nous invite à passer à table, après avoir mijoté un dîner succulent en quartet, à la tête de sa petite brigade du tempo. Loin des métaphores culinaires évidemment attendues, cet album survitaminé et épicé façon Espelette, si l’on en juge par la pochette, revisite l’histoire d’une musique aimée ; on cherche d’entrée quel standard elle peut bien reprendre avant de comprendre qu’elle joue ses propres compositions sans copier le plus américain des styles, même si le jazz vient de là-bas . Intemporellement moderne, cette musique ardente et tendre garde certaines résonances aujourd’hui, toujours porteuse de sens et de vertus formelles.

Sans avoir l’authenticité de ceux qui ont incarné le jazz en vivant le moment de cette irruption, les artistes comme Géraldine Laurent impriment autrement l’urgence de ce qui advient hic et nunc ! La saxophoniste a de la fougue et de l’expressivité à revendre, une vraie signature, aussi serait-il inexact de ne voir en elle qu’une représentante, même éclairée, d’un courant qui a fait ses preuves. Ne serait-il pas possible de trouver au contraire, une unité dans le jazz, au delà de la diversité même des styles?

Cette musique avance sans nostalgie aucune, et certains musiciens fidèlement, entretiennent l’héritage, le patrimoine collectif, sans figer pour autant l’évocation du passé et honnir l'avant-garde.

 A chaque concert, avec la même matière, sur le même substrat, le quartet propose autre chose, et Géraldine aime retrouver en ses camarades de jeu, le plaisir de l'échange et de la stimulation.

En filant la métaphore, on pourrait ajouter que l’on respire le fumet, les effluves de cette matière sonore, très organique, entre complices choisis, pour leur connaissance précise de ce répertoire, de ce langage commun qui n’empêche pas de belles échappées, des épanchements du pianiste, à l’aise sur toute l’étendue du clavier.  La rythmique est aux petits oignons (clin d’oeil au Because of Bechet du batteur Aldo Romano qui avait parrainé la jeune musicienne en début de carrière, en conseillant au label Dreyfus de signer son premier  album en 2008) avec le fidèle Yoni Zelnik qui connaît Géraldine  depuis plus de 20 ans, tout de même, sérieusement accroché au mât de sa contrebasse et Donald Kontomanou, élégant et véloce derrière ses ustensiles, marmites et casseroles, véritable batterie de cuisine.

A tel point que le seul standard choisi ne dépare pas le reste des compositions. Revu à leur façon, développant d’autres variations, sans déformer ce You and the night and the music, le retouchant avec fougue et sensibilité. Ou comment faire retrouver dès l’exposition du thème, la saveur initiale du morceau, puis nous emmener assez loin pour nous désorienter avant de retrouver la mélodie, le fredon.

 En suivant son programme rigoureusement mis au point, ce ressassement assumé donne du sens à cette toile tramée et tissée continûment. Si les premiers titres, particulièrement vifs, se détachent, le rythme s’amenuise dans les ballades “Boardwalk”, “Day off” (cette mélancolique errance n'arrive-t-elle pas les jours de relâche? ), imprimant un climat crépusculaire : voilà une bande-son parfaitement adaptée à un film noir, une errance urbaine sur des pavés luisants de pluie.

Il semble facile le chemin qui rend cette musique mélodieuse, lui donne l’éclat et la fluidité du chant, tente la voie d’un lyrisme discret, jamais trop expansif. Ce sont des compositions courtes qui ne brodent pas à l’infini, vont au coeur de la matière sonore comme ce pétaradant “Next”, ou cet “Early bass master” en hommage au grand chef de troupe et mélodiste Henri Texier. Ça joue vraiment et ça swingue avec un pianiste superlatif, Paul Lay qui joue comme Géraldine, adepte d’une déconstruction intelligemment assumée: un son très recherché et vigoureux, de l’audace dans les rythmes volontairement fragmentés. Même si on se retrouve en terra non incognita, le voyage réservera quelques surprises. Une musique à la fois libre et enracinée dans la tradition du jazz, un sax volubile, imaginatif dans son propos et tendre… La musique touche car dans sa complexité heureuse, elle reste très immédiate. Avec Geraldine Laurent, le courant passe, il suffit d’être en phase!

 

Sophie Chambon

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21 octobre 2020 3 21 /10 /octobre /2020 07:54

Claude Tissendier (saxophone soprano), Esaie Cid (saxophone alto), Olivier Defays & Philippe Chagne (saxophones ténors), Éric Levrard (saxophone baryton), Gilles Réa (guitare), Jean-Pierre Rebillard (contrebasse), Alain Chaudron (batterie)

Ivry-sur-Seine, 19 & 20 janvier 2020

http://www.claudetissendier.com

 

Le retour du saxophoniste alto-clarinettiste en saxophoniste soprano. Après «Saxomania», et les rencontres avec Benny Carter, Phil Woods, Teddy Edwards et quelques autres, Claude Tissendier nous offre une entreprise singulière : des compositions des grandes figures du jazz des années 50-60 (Oliver Nelson, Miles Davis, Horace Silver), et des standards de la fin des années 40 magnifiés par la décennie suivante (Early Autumn, On Green Dolphin Street) : le tout traité dans un style qui est plutôt celui des décennies antérieures. Avec en prime le conclusif After You've Gone, historique standard adulé par le middle jazz. Et le choix est des plus concluants. Instrumentation singulière et beaux arrangements, c'est frais, vif et pertinent, avec des solistes qui sont des compagnons de route de cette esthétique, et qui manifestement se régalent. Et cela m'a réjoui autant que le firent naguère les trublions de l'Anachronic Jazz Band en passant à la moulinette 'vieux style' les standards du bop. Joli clin d'œil à la passion intemporelle du jazz, et réjouissant pied de nez aux amateurs de cloisons stylistiques étanches : BRAVO !

Xavier Prévost

 

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19 octobre 2020 1 19 /10 /octobre /2020 11:33

SIMON MOULLIER

SPIRIT SONG

Outside in Music

Sortie le 9 octobre 2020

https://music.youtube.com/watch?v=kjn5t0BbXMk&list=RDAMVMkjn5t0BbXMk

 

C’est le premier album plutôt éthéré d’un jeune vibraphoniste français diplômé de Berklee College of Music puis de l’Institut Thelonius Monk, qui a choisi de s’installer à New York. Comme un premier film, il est intéressant de voir ainsi se lancer un artiste, adoubé par ailleurs par Herbie Hancock et Quincy Jones !

L’une de ses originalités est de jouer des percussions classiques mais aussi africaines, du balafon (xylophone d’Afrique occidentale percuté avec des baguettes et non avec des maillets, dont le son est amplifié par des calebasses disposées en dessous), du vibraphone et des synthés . Les différents timbres qui ainsi s’entrelacent, assurent une texture sonore particulière sur l’hypnotique et intrigant “Acceptance” ou sur “Wind Chaser” ( vibraphone et synthés). Ce qui donne une assez belle idée du paysage musical imaginaire du vibraphoniste, soucieux d’explorer et de tirer parti de sa palette d' instruments  conférant à sa musique une qualité mélodique, harmonique, percussive évidemment, résonnante en un mot!

Il n’est pas tout seul sauf sur le dernier titre formidable “Bala” en solo de balafon et sur l’envoûtant “Prophecy” (vibraphone et synthé). Il a su s’entourer d’une équipe discrètement brillante: deux saxophonistes newyorkais Dayna Stephens et Morgan Guerin et deux pianistes, le français Simon Chivallon et Isaac Wilson qui alternent selon les séances (l’album est composé d’enregistrements choisis sur deux sessions en 2017 et en 2020 ) alors que la rythmique reste la même Luca Allemano ( contrebasse) et Jongkuk Kim (batterie) dans leur impact et drive subtils. La musique garde toute sa cohérence, car elle avance dans une seule direction, avec une fluidité remarquable, une qualité atmosphérique certaine, planante même sur la plupart des thèmes, portés comme en apesanteur. La seule composition qui ne soit pas du leader, le standard de Gene Paul “I’ll remember April” est réchauffée délicatement, construite sur des impressions fugaces. Les thèmes choisis, particulièrement mélodiques, induisent ce type de musique qui danse avec les éléments, cette “chanson de l’esprit” qu’évoque le titre, résultat de rencontres , de voyages dans le monde, propices aux aventures et découvertes musicales. Plus encore que de dépouillement, on est séduit par une élégance sensuelle comme dans ce “Kenyaland”, une ballade en quartet, sans saxophone où le piano sait se faire entendre.

La réussite de ce premier opus réside sans doute dans la maîtrise de cette formation qui a su se couler dans l’univers rêvé du leader comme si le temps était suspendu. Prometteur!

 

 

Sophie Chambon

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18 octobre 2020 7 18 /10 /octobre /2020 21:26

Sylvie Courvoisier (piano, compositions), Drew Gress (contrebasse), Kenny Wollesen (batterie, wollesonics -percussions artisanales-)

Mount Vermont (New York), 20 décembre 2019

Intakt CD 351/2020 / Orkhêstra

 

Troisième disque de ce trio après «Double Windsor» (2014, Tzadik) et D'Agala (2017, Intakt). Et toujours cette énergie farouche, et cette créativité débordante qui conjugue compositions (raffinées) et improvisations (audacieuses), langage du jazz (assumé) et de la musique contemporaine (sublimée). C'est une aventure musicale qui se déroule, étape après étape, au fil des plages, dans une folle interaction entre les membres du trio, mélange de précision et d'audace que l'on devine transgressive. Un fois encore, la pianiste-compositrice-improvisatrice dédie chaque titre à des personnes qu'elle admire (Claude Thornhill), et qui comptent dans sa vie personnelle (sa maman, ses chats, son frère....) et/ou musicale (Mark Feldman, John Zorn, et les partenaires de ce trio). Ces dédicaces ne sont pas anodines : elles enracinent le propos dans la vie, nous rappelant que les artistes, quelle que soit l'ambition esthétique, ne sont pas coupé(e)s du monde. Requiem d'un songe, dédié à Claude Thornhill, est à ce titre éloquent : manière de confronter le tempo lent et méditatif du passé au langage d'aujourd'hui. Galore, dédié au batteur-percussionniste Kenny Wollesen, met en évidence le cheminement rythmique qui, d'unisson en écarts, construit une forme.

Et le conclusif Highway 1 nous entraîne dans une songe abstrait, futuriste et mystérieux qui résume peut-être le projet d'ensemble : découvrir, surprendre, oser, sans perdre de vue l'horizon rétrospectif que nous offre le passé. Magistral ! Toutes les plages possèdent leur singularité, et pourtant l'ensemble reflète l'absolue cohérence du projet. Bref de l'art, et même du Grand Art.

Xavier Prévost

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Sylvie Courvoisier est en tournée européenne : seule date française le 21 octobre au Lieu Unique de Nantes (entrée libre sur réservation)

http://festival-variations.fr/sylvie-courvoisier-le-lieu-unique/

Puis à Lausanne, Zurich, Berne & Genève.

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Un avant-ouïr sur Vimeo

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