Une double parution qui vient rafraîchir nos esprits en cet août torpide : les deux premiers CD du nouvel ONJ élaboré sous la direction artistique de Frédéric Maurin.

D'abord un album enregistré 'sur le vif' au festival Jazzdor-Berlin en juin 2019, avec le programme « Dancing in your head(s) » autour de la musique d'Ornette Coleman et de sa galaxie (chronique par Sophie Chambon en suivant ce lien). Ce programme avait été créé pour l'inauguration de l'orchestre au festival Banlieues Bleues en avril 2019.

Et puis un album enregistré à Ludwigsburg au studio Bauer, lieu auquel Frédéric Maurin reste fidèle depuis l'aventure de Ping Machine. Il s'agit cette fois du programme «Rituels», qui avait été créé lors d'un concert 'Jazz sur le Vif' à la Maison de la Radio en novembre 2019.

ORCHESTRE NATIONAL de JAZZ «Rituels»

Ellinoa, Leïla Martial, Linda Oláh & Romain Dayez (voix), Catherine Delaunay (clarinette, cor de basset), Julien Soro (saxophone alto, clarinette), Fabien de Bellefontaine (saxophone ténor, clarinette, flûte), Susana Santos Silva (trompette), Christiane Bopp (trombone), Didier Havet (tuba, trombone basse), Stephan Caracci (vibraphone, marimba, glockenspiel, percussions), Rafaël Koerner (batterie), Bruno Ruder (piano), Elsa Moatti (violon), Guillaume Roy (alto), Juliette Serrad (violoncelle), Raphaël Schwab (contrebasse)

Frédéric Maurin (direction artistique, composition), Ellinoa, Sylvaine Hélary, Leïla Martial, Grégoire Letouvet (composition)

Ludwigsburg, Allemagne, 2-5 septembre 2019

ONJ Records 484444 / l'autre distribution (double CD)

Le projet est singulier à plus d'un titre : après avoir invité comme arrangeur principal, pour l'autre album, Fred Pallem, Fred Maurin invite cette fois trois compositrices et un compositeur, lequel était en lice quelques mois plus tôt, pour le dernier round de la sélection du nouveau directeur artistique de l'ONJ, face à lui : belle reconnaissance, et fair play éloquent. Et la composition de l'orchestre diffère de celle de l'autre programme : judicieuse manière de choisir les interprètes en fonction du répertoire proposé, ce qui n'altère nullement l'investissement de chacun et chacune dans le groupe.

Autour de textes issus de cultures anciennes, (et aussi de Llorca pour Sylvaine Hélary, et pour Leïla Martial un texte de son cru qui traverse le temps et les cultures), des musiques très singulières qui composent une sorte de fresque, en forme de puzzle, qui attise notre curiosité et nos sens :«....comme un rituel journalier, avec des chants de quatre moments de la journée» confiait Fred Maurin à Jazz Magazine (n° 715) au printemps 2019. La voix est ici au cœur même du sujet, la matière où s'élabore l'imaginaire musical.

Au début de la première pièce (Sylvaine Hélary), intitulée Le Monde Fleur, c'est un peu comme dans la pièce de Jean-Féry Rebel Les Éléments (1737), un passage du χάος au Κόσμος, du chaos au cosmos, du désordre originel au monde structuré. C'est un mouvement inexorable qui se déploie, porté par des solistes d'une expressivité folle (Bruno Ruder, Christiane Bopp, Julien Soro), et les voix, le texte, qui cultivent le mystère et les tensions sans quoi n'existerait pas d'Art véritable : admirable ! Et la magie continue d'opérer, de plage en plage : formidable palette de Leïla Martial, qui 'habite' littéralement la musique de son chant hétérodoxe et de ses improvisations sur le fil. Magie de Catherine Delaunay qui tutoie les cimes dans la composition de Grégoire Letouvet. Incroyable poésie presque lettriste de Leïla Martial, puissant lyrisme de la composition d'Ellinoa /Camille Durand, qui nous conduit vers un très beau dialogue de Stéphan Caracci avec l'orchestre et la rythmique.... Je n'en finirais pas de détailler tout ce qui, dans ce double disque, m'a littéralement emballé. En écoutant ces 2 CD, et les réécoutant encore en écrivant ces lignes, me vient un souvenir : dans les années 90 Lucien Malson m'avait commandé, pour les Cahiers du Jazz renaissant aux Presses Universitaires de France, un texte où je parlerais du jazz tel que je le voyais alors (et le vois toujours encore). Pour parler de cette musique qui m'a passionné, et continue de le faire après toute une vie d'amateur, j'avais titré le texte «Le Jazz, probablement....». Seule manière pour moi d'évoquer cette musique prospective qui jamais ne perd de vue son horizon lointain et fondateur. Bref, découvrez urgemment ce jazz contemporain qui déborde de vie autant que d'intelligence. D'ailleurs, que seraient la vie, et la musique, sans cette intelligence qui transforme la sensation en émotion....

Xavier Prévost

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l'ONJ jouera le programme «Rituel(s)» le 2 octobre pour la rentrée des Grands Formats aux Passerelles de Pontault-Combault (Seine-et-Marne), le 28 octobre à Paris au Studio de l'Ermitage, et le 31 janvier à la Philharmonie de Paris

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Un avant-ouïr sur Youtube 

Réécoutez le concert de création de « Rituels » sur le site de France Musique 

https://www.francemusique.fr/emissions/jazz-ete/jazz-sur-le-vif-l-orchestre-national-de-jazz-rituels-2-2-84991

DANCING IN YOUR HEAD(S)

ORCHESTRE NATIONAL DE JAZZ

www.onj.org

https://www.onj.org/programme/dancing-in-your-heads/

Album enregistré live au Festival JAZZDOR de BERLIN LE è JUIN 2019

Sortie nationale le 20 Août 2020

Deux albums complémentaires aux couvertures de couleur verte et orange sortent en cette fin d’été de pandémie, sous la direction artistique de Frédéric MAURIN avec un sacré orchestre de 15 membres et un invité de choix, le saxophoniste alto Tim BERNE. Un premier projet est dédié à la musique de ce musicien extra-ordinaire qu’était ORNETTE COLEMAN, décalé, moderne presque malgré lui, faute d’être de son temps. L’autre à un programme original de compositions collectives pour orchestre et 4 voix, un rituel quotidien de voix dont la création eut lieu à Perpignan, lors du Jazzèbre d’octobre dernier.

Le guitariste Fred Maurin dispose d’ une belle équipe, celle qu’il s’est choisi de l’Orchestre National pour écrire une nouvelle musique, complexe toujours mais différente de sa Ping machine qu’il a dû se résoudre à abandonner pour ce mandat et cette nouvelle mission. Il a néanmoins gardé certains compagnons de route, le noyau dur de sa rutilante machine pour se consacrer à cette nouvelle aventure toujours “grand format”. 

Cet album Dancing in your head(s) est un hommage personnel à cet étonnant chef de troupe sans véritable disciple, intégrant à des compositions du saxophoniste texan, issues de l’album éponyme de 1973, un pot pourri de titres datant de sa période électrique, et enfin de deux thèmes composés par Eric Dolphy et Julius Hemphill. On retraverse ainsi en touches légères, un peu de la longue histoire de ce musicien qui a vécu, joué, évolué  dans une période faste de l’histoire du jazz. Un projet électrique et électrisant comme cette formation, avec les arrangements frais, brillants, inventifs d’un maître en la matière, Fred Pallem, fou de funk, de musiques vintage qu’il sait moderniser, soul master au plus près de la Black music, le chef de l’insolent Sacre du Tympan.

Il dispose d’un collectif puissamment cuivré qui sonne avec une vitalité réjouissante: 2 sax alto, 2 sax ténor, un sax baryton, 2 trompettes, 1 cor, 2 trombones dont un basse, 2 guitares électriques, une guitare basse, et la section rythmique d’acier qui va de pair avec un tel ensemble! Car le rythme ne faiblit jamais avec ces hommes et femmes à pied d’oeuvre sur ce champ de  manoeuvres!

Pa vraiment du free jazz, (en référence à l’album conceptuel de Coleman qui fit date dans l’histoire du jazz en 1960) mais un projet exubérant, pour une musique librement décomplexée qui groove, spontanée et organique, que l’on avale d’un trait à grandes rasades! La musique ne cesse d’advenir au sein de happenings décoiffants, en un discours fluide et néanmoins fragmenté à partir d’une sinueuse ligne mélodique.

Dès l’introduction, nous sommes dans le bain avec ce “Feet music” des plus explicites qui vous met en jambes irrésistiblement comme le “Dancing fool” de ce "singing fool" de Frank Zappa qui remonterait, dans une forme certes  décalée,  à  la tradition de la musique populaire  américaine jusqu’au "42^nd street" de Busby Berkeley et de Lloyd Bacon. Hypothèse posée mais qui répond à une certaine logique, car on ne fait pas que danser dans sa tête avec cet orchestre!  Un peu moins explosif, intrigant même, suit un “Jump street” toujours bondissant avec des écarts inattendus.

Au mitan de l’album, composé avec finesse, alternant subtilement tempi et climats, sans perdre jamais la cohérence du montage, le morceau de bravoure de Dolphy, empreint d’une spiritualité  immédiate, “Something Sweet, Something Tender” est dévoilé par l’attaque du tromboniste Daniel Zimmermann suivie de la trompette incisive de Susana Santos Silva.

On attendait au tournant l’orchestre avec sa version (une de plus) de l’éternel “Lonely woman”, l’une des plus belles mélodies du jazz et sans aucun doute, la composition la plus célèbre d’Ornette! Ça commence sur un tempo volontairement étiré, pour répondre, reprendre cette musique créée dans le blues; puis la formidable machine de l’ONJ s’emballe, tout en prenant son temps pour une longue variation comparée à la durée du thème originel! Une compréhension du standard dans sa mélancolie profonde, poignante.

Tim Berne intervient sur 3 titres dont l’étonnant “Kathleen Gray” composition de Pat Metheny et Ornette Coleman, en hommage à une personnalité remarquable, écrivain, artiste pluridisciplinaire qui a produit le documentaire de Shirley Clark (The Connection, 1971) sur Ornette: made in America (1985).

Le final poétique démarre en douceur (les baguettes imprimant un léger beat) vite détrompé par une cavalcade en fanfare qui traite par dessus la jambe, un thème dénommé "symphonique", jusqu’au murmure déclinant en souffle, soupir de retour au silence qui referme l’album!

Cette musique de l'ONJ a pris ses marques assez vite, rencontrant l’adhésion d’un collectif qui a (un peu) tourné, avec des musiciens qui se connaissent, certains reconstituant les pivots de l’ancienne Ping Machine. L’équipage mené avec une efficacité fougueuse parvient à insuffler lyrisme et sensibilité, donne une touche actuelle à cette série de thèmes si bien construits qu’il n’est vraiment pas nécessaire de chercher à (trop) les détraquer. Un certain désordre, juste apparent, est ainsi mis en scène, suite d’emballements, d’échappées libres, embardées suivies de moments plus tendrement rêveurs. Un vif plaisir d’écoute en tous les cas. Fortement conseillé, cet album, voilà notre prescription de rentrée.

Sophie Chambon

Dee Dee Bridgewater (voix), Cecil Bridgewater (trompette), Ron Bridgewater (saxophone ténor, percussions), Roland Hanna (piano, piano électrique), George Mraz (contrebasse), Motohiko Hino (batterie, percussions)

Tokyo, 12-14 mars 1974

Mr. Bongo MRBCD 216 & MRBLP 216 / Bertus

Le premier disque de Dee Dee, une chanteuse que le public des festivals français (et les auditeurs de l'ORTF) avaient découverte en 1973, lors du festival de Châteauvallon, au sein du big band de Thad Jones-Mel Lewis. Ce premier opus est un disque de jazz autant que de soul music . Il commence avec une très libre escapade sur Afro Blue qui dit assez le cousinage des deux langages, après un prélude qui respire l'Afrique. Du blues aussi, avec un medley qui associe Everyday I Have The Blues et Stormy Monday Blues : Dee Dee enflammée par la musique comme jamais ! Et une très belle valse de Bobby Hutcherson (retour au 6/8 qui nous transportait sur Afro Blue). Et plein d'autres très belles choses. Bref c'est la réédition d'un disque qui fut surtout disponible en import japonais, et qui est désormais à partager largement, comme l'album de référence qu'il est devenu : on se précipite !

Xavier Prévost

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Un avant-ouir sur Youtube

Aruán Ortiz (piano, voix), Andrew Cyrille (batterie), Mauricio Herrera (percussions, voix)

New York, 24-25 mai 2019

Intakt CD 339 / Orkhêstra

Un nouveau disque du pianiste cubain de Brooklyn, et encore une surprise : un monde musical totalement transversalisé, où les polyrythmies africaines croisent les rythmes caribéens, et où la poésie (celle du pianiste, et aussi celle d'un chant populaire cubain) fait écho à l'univers pianistique écartelé, voire éclaté, de Cecil Taylor. La science polyrythmique d'Andrew Cyrille n'y est pas pour peu, et elle est magnifiée par la liberté d'Aruán Ortiz, et la pertinence rythmique de Mauricio Herrera. C'est un perpétuel dialogue entre le discontinu (une vision fragmentée du temps musical héritée du free jazz) et l'irrépressible mouvement des percussions. Chaque plage est comme une porte ouverte sur un monde singulier habité par les multiples fractures du temps. Tout commentaire serait superflu, car en deçà de ce que l'on peut percevoir. À DÉCOUVRIR D'URGENCE !!!

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Bandcamp

https://aruanortiz.bandcamp.com/album/inside-rhythmic-falls

Ambrose Akinmusire (trompette, piano électrique, composition, textes), Sam Harris (piano, synthétiseur), Harish Raghavan (contrebasse), Justin Brown (batterie) + Genevieve Artadi (voix, texte), Jesus Diaz (percussion, voix)

Brooklyn, date non précisée

Blue Note 00602508926198 / Universal (CD et vinyle)

D'une certain manière, c'est un disque de mélancolie autant que de combat (mais un combat qui n'étoufferait pas la musique). De retour dans sa ville d'Oakland après de longues années passée à New York et à Los Angeles, il prend conscience des changements survenus, alors que la population afro-américaine a été majoritairement remplacée par des habitants à la situation matérielle plus confortable, et qui semblent tout ignorer du passé et de la culture de cette ville. De cette conscience des mutations intervenues, le trompettiste-compositeur va tirer, pour exprimer l'âpreté de chaque calloused moment, une suite de paysages musicaux, aussi expressifs que sophistiqués, sans que jamais l'évidence artistique ne soit altérée par une quelconque bouffissure. Bref c'est du (très) Grand Art, une œuvre cohérente où se disent une sourde colère métamorphosée en allégorie de combat, et une analyse fine d'une réalité 'socio-culturalo-poétique' transformée en pure émotion musicale. Dès la première plage, après une courte phrase de trompette, il nous embarque dans un monde de tensions complexes et d'éclats effervescents, lesquels vont se résoudre en un chant yoruba dans la voix de Jesus Diaz. On est littéralement happé par l'urgence du propos, et la cohérence des formes, sans que jamais l'abstraction n'efface la chair et le sang qui composent, autant que le corps du musicien, le cœur de la musique. De plage en plage la perspective se déploie, l'émotion va croissant, sans défaut d'inspiration, d'expression ou de densité formelle. Au fil du disque sont évoquées des figures prépondérantes dans la mémoire du musicien (Roy Hargrove, Roscoe Mitchell....), et le temps d'un titre Ambrose Akinmusire s'installe au piano électrique (sur cet instrument il nous offrira aussi une plage conclusive en solo) pour dialoguer avec la voix et le texte de Genevieve Atardi. À aucun moment l'intensité ne sera démentie, et la musicien nous conduira, émerveillés, au terme de ce que j'appellerai, en pesant le poids de ce mot, un Chef-d'Œuvre.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube