REMI CHARMASSON/ALAIN SOLER

“Mr. A.J.”

LABEL DURANCE-ABSILONE

www.label-durance.com

SORTIE CD 15 NOVEMBRE 2019

Voilà un album hommage particulièrement émouvant, de deux musiciens sudistes, ancrés dans leur département et région), Rémi Charmasson ( Gard) et Alain Soler ( Alpes de Haute Provence)  qui ont profité des enseignements d’un grand saxophoniste voyageur, plus toujours reconnu à sa juste valeur aujourdhui, André JAUME ( marseillais d'origine). Il fut l’une des figures emblématiques du jazz d’avant-garde des années soixante dix, original dans le meilleur sens du terme. Discret mais tenace, avançant selon son esthétique,“jouant sa musique et celle des autres à sa sauce”, comme le remarque avec pertinence Alain Soler, le saxophoniste a ouvert la voie aux plus jeunes, en faisant des pas de côté décisifs”. D’ailleurs, les deux musiciens de l’album, excellents guitaristes, ont aussi beaucoup voyagé, l’ont accompagné dans de nombreuses tournées et enregistrements dans le monde entier. (Chine, Vietnam, Afrique, Amérique…) et ont retenu ses leçons.

Le répertoire reprend des thèmes de Jaume comme “Beguin”, “Heavy’s”, “Marratxi”, souvent sortis sur le label CELP, quatre thèmes du dieu Django ( guitare oblige et on ne s’en plaindra pas), une composition du musicien préféré d’André Jaume, Jimmy Giuffre “River Chant” qu’il a accompagné et suivi de près, dans ses années free...et dont il sait évoquer la mémoire avec passion ; une reprise du “Girl” des Beatles. On le voit, un répertoire fait de choix décidés selon des convictions, des goûts réels, un éclectisme de bon aloi. Car ces compositions ont un potentiel immense, plein de nuances, se révélant un excellent terrain de jeu pour ces orfèvres de la six cordes, pincées, frottées, brossées…qui ont aussi proposé des compositions de leur cru. La première et forte sensation à l’écoute de cette musique qui s’écoute d’un trait, déroulant un groove envoûtant, persistant, est l’absolue cohérence du chant intérieur, épuré, essentiel qui anime le duo. En fait, si André Jaume est un soufflant polyinstrumentiste doué, il n’était pas question de transposer pour guitaristes même si les amoureux de l’instrument seront comblés. C’est un disque complet, pour musiciens selon l’expression consacrée mais aussi, plus simplement pour ceux qui aiment la musique, toutes les “bonnes” musiques du jazz à la pop et au rock. 

Cet hommage démontre avec brio que la passion du jazz se prête à toutes les fantaisies, se moque des frontières de styles, d’instruments, car on apprend et partage tant d’aventures sonores avec des “frères de son”. Et assurément, Rémi Charmasson et Alain Soler le sont. Ce portrait recomposé n’est ni complaisant ni nostalgique. André Jaume qui s’est retiré en Corse et va fêter en 2020, ses quatre vingt ans, sera fier de l’élégance, l’énergie, la joie profonde et l’intelligence de ce duo parfaitement accordé, libre et audacieux.

Pas besoin de plus grands discours : "let’s play the music"….ou encore mieux "let’s face the music and danse".

Sophie Chambon

(à l’occasion de la sortie du coffret ‘Nat King Cole « Incomparable »’ réalisé par Claude Carrière pour Cristal Records*)

Star éternelle du Louvre, Mona Lisa, œuvre de Léonard de Vinci (1452-1519), n’a pas seulement inspiré Marcel Duchamp qui l’affubla, en 1919, d’une moustache pour une toile baptisée L.H.O.O.Q. –titre dérisoire bien dans l’esprit du dadaïsme - longtemps propriété du Parti Communiste Français. La florentine au sourire étrange donna naissance, trente ans plus tard, à une chanson qui contribua largement au succès populaire de Nat « King » Cole, né cette même année 1919 (le 17 mars).  

La genèse de ce titre Mona Lisa mérite d’être contée. Un metteur en scène d’Hollywood, Mitchell Leisen, avait passé commande en 1949 à un tandem déjà bien connu, Jay Livingstone (compositeur) et Ray Evans (auteur) d’un air devant illustrer une séquence d’un film d’espionnage située en Italie. Admiratrice du tableau de Léonard de Vinci, l’épouse de Ray Evans aurait, dit-on, soufflé l’idée d’évoquer cette jeune femme au sourire mystérieux («est-ce une manière de tenter un amoureux ou une façon de cacher un cœur brisé» dit notamment le texte**).  
Dans le film de la Paramount, sorti en 1950 sous le titre ‘Captain Carey, USA’, avec Alan Ladd dans le rôle principal, la composition est jouée par le grand orchestre du trompettiste Charlie Spivak, la partie chantée étant assurée par Tommy Lynn. Le tandem Livingstone-Evans devait être fier de leur œuvre commune puisqu’ils la confièrent à Nat « King » Cole, pianiste et chanteur de haut vol adulé dans le milieu musical, et pas seulement du jazz, avec un trio au format inhabituel (guitare et basse). Une confiance guère partagée -au début- par le chanteur : le titre ne figure que sur la face B -la moins noble- du 78 tours enregistré le 11 mars 1950 à Los Angeles, qui propose en face A The Greatest Inventor. La maison de disques, Capitol, n’a pas perdu son temps : le film est sorti sur les écrans à peine trois semaines auparavant.

Réticent puis charmé

Le charme de Mona Lisa va une nouvelle fois opérer. Une fois le disque pressé, les deux compères font le tour des stations de radio -une vingtaine- pour en assurer la promotion. Le succès ne tarda pas saluant ce mariage entre la voix de velours de Nathaniel Cole et l’arrangement d’un jeune prometteur, Nelson Riddle, pour le grand orchestre de Les Baxter. Dans les bacs dès le mois de mai, Mona Lisa demeurera en tête des ventes pendant huit semaines, selon le classement du magazine Billboard.

La vogue ne se démentira pas, ‘Mona Lisa’ décrochant l’Oscar 1950 de la meilleure chanson pour un film, le deuxième, pour le duo Livingstone-Evans (après ‘Buttons and Bows’ en 1948), qui en décrochera un troisième en 1955 avec ‘Que Sera, Sera’, chantée par Doris Day dans 'L’homme qui en savait trop' d’Alfred Hitchcock.

Dès lors, Mona Lisa gagne une place de choix dans le répertoire vocal de Nat King Cole, géant à double titre (185 cm sous la toise) aux côtés de Nature Boy, enregistré en 1947, Unforgettable (1951), Blue Gardenia (1953) ou encore Quizas, Quizas, Quizas (1958).

En 1992, Mona Lisa entrera au Grammy Hall of Fame, récompense suprême et posthume pour Nat King Cole, disparu le 15 février 1965 à 45 ans. Le titre reste également comme l’une des réussites les plus populaires du tandem Livingstone-Evans dont 26 chansons dépassèrent le cap du million de ventes au cours d’une carrière de plus de soixante ans (Livingstone décéda en 2001 et Evans en 2007). Quant à la famille Cole, elle restera fidèle à Mona Lisa, son frère Freddy et sa fille Natalie ne manquant jamais de chanter « cet énigmatique sourire ».

Mona Lisa et les autres chansons citées sont proposées dans leur première version en studio dans un coffret de trois cd ‘Nat King Cole « Incomparable »’ réalisé par Claude Carrière* ... Une sélection de 60 titres donnant à entendre Nat King Cole comme chanteur accompagné d’orchestres divers, à la tête de son trio et enfin uniquement comme instrumentiste.

Jean-Louis Lemarchand.

* ‘Nat King Cole « Incomparable »’, coffret composé par Claude Carrière. Sortie le 15 novembre 2019. Cristal Records - CR 301-02-03.

**Do you smile to tempt a lover, mona lisa? or is this your way to hide a broken heart?

©photo William P. Gottlieb

Leïla Olivesi (piano, composition), Chloé Cailleton (voix), Quentin Ghomari (trompette, bugle), Baptiste Herbin (saxophone alto, flûte), Adrien Sanchez (saxophone ténor), Jean-Charles Richard (saxophone baryton), Glenn Ferris (trombone), Manu Codjia (guitare), Yoni Zelnik (contrebasse), Donald Kontomanou (batterie)

Meudon, 2-4 janvier 2019

ACEL & Attention Fragile AC5LSA387 / l'autre distribution

Le disque commence avec Satin Doll, dans un arrangement très renouvelé, et par la voix de Chloé Cailleton, qui dose avec une grande pertinence la fragilité et l'assurance. Ce début n'est évidemment pas un hasard. Leïla Olivesi adore la musique d'Ellington et Strayhorn, à laquelle d'ailleurs elle a consacré quelques belles conférences, en compagnie de Claude Carrière, dans le cadre de la Maison du Duke. Et c'est plus qu'un hasard sans doute si Carrière signe le texte du livret, qui éclaire très bien la singularité de cette musique. Le reste du disque est composé par la pianiste, et l'on n'est pas surpris de constater que cet univers est habitée de sinuosités mélodico-harmoniques qui évoquent un peu la musique de Strayhorn, tout en œuvrant pleinement dans le langage d'aujourd'hui. D'ailleurs je soupçonne Leïla Olivesi d'avoir, plus encore que pour le Duke, une passion secrète pour Sweet Pea, comme l'appelaient ses amis musiciens. C'est brillamment composé, avec un indéniable sens de la forme, et pensé en relation exacte avec les personnalités des musiciens sollicités : belle brochette de grands solistes, que l'on sent motivés par la qualité de l'écriture, et qui s'ébattent aussi avec une grande liberté dans les improvisations. Au centre du répertoire une suite qui fait écho aux eaux turquoises de la Mer d'Andaman, au large de la Thaïlande de la Malaisie. Une partition que l'on avait découverte voici plus d'un an en club, et en quintette, et qui dans l'orchestration étendue tient ses promesses. Dans une courte plage en solo, la pianiste fait revivre l'esprit des méditations ellingtoniennes, avant que le disque ne bifurque vers l'Afrique et ses déserts. En cours de route on avait croisé un bel hommage à la grande musicienne qu'était Geri Allen, et en coda du CD une mélancolie qui remue en moi le souvenir de Goodbye Pork Pie Hat. Bref c'est une vraie belle œuvre d'artiste, que l'on sent méditée de longtemps, et qui s'épanouit dans l'effervescence du partage musical et de l'improvisation. Grande réussite, dont on espère qu'elle viendra jusqu'aux oreilles, parfois un peu distraites, ou paresseuses, des notabilités festivalières....

Xavier Prévost

.

Le groupe au grand complet jouera le 6 novembre 2019 à Paris, au Studio de l'Ermitage

MARC COPLAND TRIO

AND I LOVE HER

[Illusions]Mirage/CD IM4004 / L’Autre Distribution

Sortie le 18 octobre

www.marccopland.com

Un trio superlatif que celui du pianiste Marc Copland : au milieu de leurs propres compositions, dont une extraordinaire impro collective, “Mitzi&Johnny”, ils glissent quelques standards fameux, de l’“Afro Blue” inaugural, suivi du “Cantaloupe Island” d’Herbie Hancock, à “And I love her” des Beatles jusqu'au Cole Porter final “You do something to me”. Cet album saisissant nous entraîne de climats percussifs en rêveries éveillées dans un jazz éternel, intemporel que font entendre ces trois musiciens exceptionnels qui n’ont plus grand chose à prouver. Ils ont eu tout le temps d’approfondir leur pratique et ainsi d’acquérir une maîtrise exceptionnelle. Si les trois aimaient à jouer ensemble dans le quartet de John Abercrombie, Marc Copland et Drew Gress partagent des scènes depuis plus longtemps encore, la fin des seventies. “We feel each other even if we don’t see each other” avoue le pianiste.

Tous trois semblent avoir le même plaisir à se retrouver et à partager dans une complicité exigeante. Ils se promènent avec aisance dans le répertoire, incluant leur propres musiques qui, à aucun moment ne déparent la cohésion de l’ensemble. Ils ont une relation particulière avec ces morceaux, les reprenant dans une discipline de tous les instants, une habitude de vie qui fait que l’inspiration peut advenir très vite. Ils racontent par exemple qu’ils se sont échauffés presque naturellement en entrant dans le studio sur “Afroblue” de Mongo Santamaria et c’est ainsi que l’album a commencé.

Par ses harmoniques et son chromatisme, on retrouve instantanément le pianiste, son art poétique élaboré avec Gary Peacock par exemple ou dans le quartet de John Abercrombie (très émouvante valse jamais enregistrée devenue “Love Letter”, en hommage au guitariste disparu en 2017). S’il est particulièrement inspiré sur les tempos lents, les ballades, c’est avec l’interaction dynamisante de la rythmique qu’il change la donne, parvenant à dominer une mélancolie prégnante. Aucune autre rythmique actuelle ne saurait mieux le soutenir en douceur ou le revitaliser sur les rythmes plus vif. Sur “Day and Night” du pianiste, la plus longue composition du Cd, le solo du contrebassiste est prodigieux avant que n’éclate le drumming audacieux, solaire de Joey Baron. Le pianiste souligne l’habileté du batteur à lancer un “groove” qui va leur ouvrir la voie.

C’est avec “sense and sensibility” comme disent les Anglo-saxons, que Marc Copland traduit la circulation du sens poétique. L’émotion est vite présente, car on entend dans les échos délicatement irisés du pianiste que le jazz retraverse, toute cette musique aimée qu’il n’a cessé de reprendre. Toutes ses interprétations sont à inscrire dans cette tentative inépuisable qu’il soit en groupe ou en solo. C’est le Français Philippe Ghielmetti qui parvint à lui faire quitter ce poste fidèle d’accompagnateur pour l’aventure du solo, dès le début des années 2000 avec un Poetic Motion mémorable.

Qu’importe le format, c’est ce ressassement travaillé qui lui permet de donner sens à cette toile qu’il tisse et trame continûment. S’il en est qui ne cherchent pas, pensant avoir déjà trouvé, d’autres se laissent conduire dans des errances créatrices… Marc Copland est de ceux là.

Sophie Chambon

Christophe Laborde (saxophone soprano), Emmanuel Bex (orgue), Louis Moutin (batterie)

Meudon, 16-17 juillet 2018

VLF Productions LAC/1909 / l'autre distribution 5702ADC

Le trop rare Christophe Laborde, saxophoniste de haut vol qui fait un retour en belle compagnie. Emmanuel Bex et Louis Moutin ont ce goût de l'urgence et de l'effervescence qui s'épanouit dès la première plage en une course insensée, qui nous laisse hors d'haleine quand eux sont encore sur la crête des vagues qui déferlent, mais sans être jamais déstabilisés. N'allez pas croire pour autant que tout se joue dans le cursif et la rupture d'équilibre. Tout paraît se dérouler dans le pur plaisir de l'interaction, du rebond et de la relance. Bref c'est du jazz au plein sens du terme : la maîtrise n'étouffe jamais le bonheur du jeu, et l'on se laisse aller, de plage en plage, au tempo le plus vif comme à la ballade la plus retenue, à l'expressivité la plus intime. Deep Soul In Loneliness est aussi déchirant de mélancolie que le Ne me quitte pas de Brel, dont il épouse le phrasé. Dans le tempo d'enfer comme dans le largo, chacun s'immerge au cœur de la musique, Deep Soul n'est pas un vain mot, et il y a là-dedans autant d'âme que de chair, d'humanité entière et indivisible. Bref ce disque m'a touché, tant par sa très belle facture musicale que par ce qu'il montre (en le dissimulant si nécessaire), de l'humanité de ceux qui le jouent. La nôtre au fond, à nous qui l'écoutons avec toute l'attention qu'il faut. Belle réussite !

Xavier Prévost

.

Le trio jouera à Paris au Studio de l'Ermitage le 24 octobre 2019

.

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=Aj4fDNuWR8Q